Johann Sebastian Bach (1685-1750) : Johannes-Passion Bwv 245 (Version de 1749) Julian Prégardien, ténor ; Huw Montague Rendall, baryton ; Ying Fang, soprano ; Lucile Richardot, alto ; Laurence Kilsby, ténor ; Christian Immler, basse ; Étienne Bazola, basse. Pygmalion, direction: Raphaël Pichon. 2025 Livret en anglais, allemand et français. 1h55 HMM902774.75.
Johann Sebastian Bach (1685-1750) : Matthäus-Passion, BWV 244. Julian Pregardien, Sabine Devieilhe, Lucile Richardot, Reinoud van Mechelen, Stéphane Degout, Hana Blazikova, Tim Mead, Maîtrise de Radio France, Pygmalion, Raphaël Pichon. 2021. Livret en anglais, allemand et français. 3 CD Harmonia Mundi. 90269193
Sergueï Prokofiev (1891-1953) : Sonate opus 56 ; Arthur Honegger (1892-1955) : Sonatine H. 29 ; Eugène Ysaÿe (1858-1931) : Sonate opus posthume ; Luciano Berio (1925-2003) : Aldo (non crédité). Raphaël Oleg et Frédéric Angleraux, violons. 1999. 60’17. Livret en français, en allemand et en anglais. 1 CD Schweizer Fonogram LC 91357
Claudio MONTEVERDI (1567-1643) : Vespro della beata Vergine. Lea Desandre et Eva Zaïcik, sopranos ; Lucile Richardot, alto ; Olivier Coiffet, Emiliano Gonzalez Toro et Zachary Wilder, ténors ; Nicolas Brooymans, Renaud Bres et Geoffroy Bussière, basses. Chœur et Orchestre Pygmalion, direction Raphaël Pichon. 2020. Livret en français, en anglais et en allemand. 117.00. Un DVD Château de Versailles CVS018.
Les œuvres pour quatuor de saxophones ne courent pas les auditoriums et le Sigma Project est un des rares défricheurs à inciter, depuis dix ans, les compositeurs à explorer les possibilités sonores de cet instrument aux reflets étincelants, fait de laiton (un mélange de cuivre et de zinc) ou d’argent -et dont Hector Berlioz s’émerveille, en 1842, devant le son « plein, moelleux, vibrant, d’une force énorme »-, d’abord intégré à l’orchestre avant que le jazz n’en fasse une vedette soliste. Ce répertoire, dans un premier temps nourri de pièces adaptées de versions écrites pour d’autres instrumentariums, le quatuor madrilène œuvre depuis dix ans à le développer, au travers d’une cinquantaine de commandes à ce jour : quatre des cinq partitions au programme en sont le résultat, et c’est le cas pour la création de In my end is my beginning (Ma fin est mon commencement) de l’italienne Francesca Verunelli (1979-), dont on connaît l’intérêt pour la dimension temporelle dans la musique : un souffle sourd, grincheux, qui prend peu à peu des accents maléfiques, nourrissant, sous nos yeux mais à notre insu, une menace intrigante, discrète mais entêtée, faite de recommencements réitérés, latente au fond depuis le début, et qui éclate en un orage sombre, puissant et bref, suivi de répliques sourdes et mouillées, qui s‘éloignent comme des nuages noirs poussés par un vent invisible.
Le compositeur espagnol Luis de Pablo (Bilbao, 1930) vient de remporter le Lion d'Or de la Biennale de Venise pour la musique contemporaine.
Né en 1930 à Bilbao, Luis de Pablo commence très jeune ses études musicales. Diplômé en droit (1952) de l'Université Complutense de Madrid, il est passionné pour la musique contemporaine et surtout le modernisme. Avocat (entre autres pour la compagnie espagnole Iberia), il étudie les principales partitions du XXe siècle et travaille la composition en autodidacte.
Il renonce au droit dans les années '50 et fonde en 1958, avec Ramón Barcé, le groupe NuevaMúsica auquel collabore aussi Cristóbal Halffter.
Au début des années '60, en route pour Darmstadt et la fréquentation de Bruno Maderna, Pierre Boulez, György Ligeti et Karlheinz Stockhausen. Il s’installe ensuite à Paris et poursuit sa formation avec Max Deutsch.
On retrouve dans ses oeuvres des effluves de musique iranienne, de nô japonais, de flûte mélanésienne, des hommages à Tomás Luis de Victoria, Claude Debussy, Beethoven, Schoenberg ou Mompou.
En Espagne, il devient rapidement un porte-drapeau de la musique moderne. Conférencier, analyste, traducteur de la biographie de Schoenberg par Stuckenschmidt et des principaux écrits de Webern, il fonde les concerts Tiempoy Música en 1959, puis mène les Jeunesses musicales de 1960 à 1963 avant de fonder Alea, le premier studio électroacoustique espagnol. En 1972, il organise les Rencontres de Pampelune, festival de musique, théâtre, cinéma et d'arts plastiques, apothéose de son activité de défenseur de l'art nouveau en Espagne.
Accusé par les franquistes de trop s’inscrire dans un «art de gauche» et par l'ETA d'être un suppôt du régime, il s'exile aux Etats-Unis où il enseigne à l'université de Buffalo, puis au Canada où il est professeur aux universités d'Ottawa et Montréal.
Il ne retrouve son pays qu’en 1975, après le décès de Franco.
On le retrouve un peu partout, surtout en France : directeur du festival de Lille en 1982, directeur de la diffusion de la musique contemporaine au ministère de la Culture espagnol (1983), membre du comité pour le projet de l'Opéra Bastille (1984), compositeur en résidence du Conservatoire à rayonnement régional de Strasbourg et du Festival Musica en 1999,...
Son oeuvre compte plus de 130 opus et touche à tous les genres, de la musique cinématographique (il a collaboré avec Carlos Saura et Víctor Erice) à l'opéra.
Il est aussi multi-distingué : Docteur honoris causa de l'Université complutense de Madrid, Membre de la Académie royale des beaux-arts de San Fernando, Prix Jacinto Guerrero, Médaille d'Or du Círculo de Bellas Artes (2005), Médaille d'or du mérite des beaux-arts du Ministère de l'Éducation, de la Culture et des Sports espagnol (1986), Prix national des beaux-arts, Officier des Arts et des Lettres (Ministère de la Culture français), Prix Honegger, etc.
Le Lion d'Argent est allé au Français naturalisé Argentin Raphaël Cendo (45 ans), engagé depuis une dizaine d'années dans l'élaboration du concept de "saturation" ou de "musique saturée" qui séduit de nombreux jeunes compositeurs et qu'il définit comme un excès de matière, d'énergie, de mouvement, de timbre.
Ce Requiem de Mozart « revisité » par Romeo Castellucci avait été un des moments forts de l’édition 2019 du Festival d’Aix-en-Provence. En 2022, il a fait l’événement à La Monnaie à Bruxelles. Le voilà de retour à Aix. Retrouvailles pour les uns – dont moi-même -, découverte pour les autres.
Le revoir donc.
Commencer d’abord par rappeler qu’il n’est pas une œuvre scénique. C’est une messe, une Missa da Requiem. Mais de nos jours, on le sait, la tendance est à mettre en scène des oratorios ou autres œuvres du genre. Il y a peu, je rendais compte ici même d’une version scénique de la Missa da Requiem de Verdi créée à l’Opéra de Nancy.
Souligner ensuite la personnalité de celui qui s’est lancé dans l’entreprise. Romeo Castellucci, on connaît son talent, la radicalité de ses interpellations scéniques. Pour le meilleur et pour le pire. Personnellement, il m’a offert des moments d’émerveillement, inoubliables, mais il m’a tout aussi prodigieusement agacé.
Castellucci, n’illustre pas l’oeuvre qu’il met en scène, il n’est jamais dans le pléonasme. Toujours, il nous propose des univers parallèles en quelque sorte, des équivalences plastiques ; il se livre à des « performances ». Toujours, il nous interpelle et nous oblige de ce fait à adopter un autre regard sur les œuvres qu’il s’approprie. Avec lui, il s’agit de renoncer à un regard rationnel, qui veut à tout prix comprendre ; il faut s’abandonner à ce qui nous est proposé, laisser libre cours à une perception sensorielle. C’est la clé d’un éventuel bonheur. Eventuel parce que ça ne marche pas à tous les coups !
Ce qui est incontestable cette fois, c’est que son Requiem, cette messe des morts, cette messe de la mort, est paradoxalement un hymne à la vie.
Au commencement, comme souvent (voire toujours) avec Éric Tanguy, il y a une amitié. Celle qui l’a lié avec Michel Blanc, pendant plus d’un quart de siècle, jusqu'à la mort du comédien il y a moins de deux ans. Cela fait maintenant bien longtemps que nous savons qu’il était un véritable artiste, capable d’incarner des rôles bien plus profonds et diversifiés que ceux de l’éternel hypocondriaque ou du dragueur lamentable qui l’avaient rendu célèbre. Et pas seulement au cinéma, puisqu’il a aussi été un formidable acteur de théâtre.
Ce que l’on connaît moins, car il était très discret à ce sujet, c’est à quel point il était passionné de musique. Il était un mélomane averti, mais aussi un pianiste certainement d’un niveau tout à fait honorable, car à l’âge de vingt, il avait envisagé même d’en faire son métier. Il travaille alors six à sept heures par jour, mais réalise qu’il ne deviendra pas « le nouvel Arthur Rubinstein », et renonce. Confiant à Éric Tanguy qu’il aurait rêvé de jouer au piano un concerto de Mozart, mais qu’il s’en serait senti en position d’imposteur, celui-ci lui écrit ce qui est peut-être alors une première mondiale : un concerto pour récitant et orchestre.
Ce sera Sénèque, dernier jour, sur un texte de Xavier Couture, créé en 2004 par l'Orchestre de Bretagne sous la direction de François-Xavier Roth, et enregistré par la suite, pour Erato, par l’Orchestre National de France dirigé par Alain Altinoglu. Il s’agit d’un véritable concerto, avec cadence et tuttis d’orchestre. On y entend un Michel Blanc remarquable d’intelligence musicale, dans le sens où (aidé bien entendu par le talent du compositeur dans l’écriture entre la voix et l’orchestre) il maîtrise supérieurement l’art de se glisser dans les silences, de répondre aux interventions instrumentales ou de les amener. Et puis, quelle diction, à la fois aussi nette qu’un instrumentiste qui fait entendre chaque note, et aussi naturelle qu’un comédien qui se laisse porter par son propre rôle. Du grand « art » (pour reprendre le titre de la pièce de Yasmina Reza dans laquelle, aux côtés de Pierre Vaneck et Pierre Arditi, il a partagé le rôle de Serge avec Fabrice Luchini au moment de la création).
François Couperin (1668-1733) : L’Art de toucher le clavecin. La Castellane ; Les Grâces naturéles ; La Monflambert ; La Favorite ; L’Antonine ; La Charoloise ; La Ménetou ; La Chazé ; La Princesse Marie ; La Bourbonnoise ; La Milordine ; La Verneüil ; La Verneüillétte ; La Régente ; La Villiers ; La Princesse de Sens ; La Princesse de Chabeüil ou La Muse de Monaco ; La Raphaéle ; La Morinete ; La Bersan ; La Boulonoise [Livres de pièces de clavecin I-IV]. Christophe Rousset, clavecin. Janvier 2025. Livret en anglais et espagnol. 72’52’’. MarchVivo MV013
François Couperin (1668-1733) : Premier Livre de pièces de clavecin. Louis Couperin (1626-1661) : Préludes en sol, fa ré, do, la. Yago Mahúgo, clavecin. 2023-2024. Livret en anglais et espagnol à télécharger. Coffret trois CDs 64’06’’ + 58’52’’ + 79’47’’. CMY 7007
Les tendances actuelles de l’interprétation historiquement informée actuelle montrent une grande diversité comme l’attestent les trois concerts de cette treizième édition. Au fil des générations, le niveau d’excellence des intervenants atteint de nouveaux sommets tandis que la finesse des analyses des interprétations proposées nous entraine vers des horizons nouveaux où bonheurs et surprises s’enchevêtrent dans un kaléidoscope surprenant où le temps fera sans doute son tri. Les grands anciens demeurent dans la fierté de leurs conceptions accomplies, les plus jeunes osent des voies nouvelles qui bousculent les habitudes là où d’autres intervenants ouvrent des portes vers des répertoires méconnus. On retrouve ces trois tendances dans les trois concerts de cette semaine pascale.
Savall célèbre la Passion en compagnie de Haydn et Beethoven
Tout commence avec un grand ancien : à 84 ans, Jordi Savall pourrait occuper un rôle de commandeur, il préfère rester un pur produit de l’art des Lumières. Au fil des années, il a su forger une image de référence faite de clarté, d’engagement et de précision qu’il applique avec la même constance à tous les répertoires. Un certain sens du grandiose servi par une fluidité du discours, qui ouvrage délicatement le rendu instrumental tout en lui insufflant une énergie cohérente mais maîtrisée et en rendant aux parties chantées leur réelle pertinence. Avec des résultats divers selon les musiques abordées.
Ce fut le cas mercredi soir avec des pages de Beethoven et Haydn, retraçant les événements de la Passion dans leur chronologie : le Mont des Oliviers pour le premier, le Golgotha pour le second. Quand il écrit son oratorio Le Christ au mont des Oliviers en 1801 (il fut créé deux ans plus tard), Beethoven est installé et reconnu à Vienne depuis 9 ans (sa première symphonie vient d’être créée). Il a déjà composé des cantates de circonstance dans sa jeunesse à Bonn mais c’est la première fois qu’il aborde une page d’envergure. Il le fait avec une certaine naïveté et, surtout, un sens dramatique évident qui implique un engagement quasi théâtral des solistes, et en particulier d’un Christ qui évoque déjà le Florestan de Fidelio. Savall inscrit l’œuvre dans un esprit très 18e siècle et ainsi mise à nu, la partition dévoile un peu trop ses aspects anecdotiques que gomment des interprétations plus tourmentées comme celle, au disque, de Barenboïm.