Pendant trois jours, Musikfest Berlin a prévu trois concerts pour faire revivre la figure de la compositrice américaine Ruth Crawford Seeger.
Née en 1901 dans l'Ohio, elle a développé son activité de composition dans une perspective d'entnomusicologie. Ruth Crawford Seeger grandit en Floride mais se forme au Conservatoire de Chicago, où elle apprend la composition et la théorie musicale auprès d'Adolf Weidig qui sera le mécène de ses premières compositions, comme ses Préludes pour piano de 1924 et sa Sonate pour violon et piano de 1926.
Grâce à une bourse de la Fondation Guggeheim, il a pu passer quelque temps en Europe, où elle est entrée en contact avec des compositeurs de renom tels que Bela Bartók, Alban Berg et Arnold Schönberg. Son activité de compositrice est généralement divisée en deux grandes périodes : l'une, de 1924 à 1929, marquée par l'influence de Scriabine, au cours de laquelle elle expérimente l'atonalité ; et l'autre, de 1930 à 1933, au cours de laquelle elle participe à la musique sérielle. C'est précisément de cette seconde période que date l'une de ses œuvres les plus répandues, le Quatuor à cordes de 1931, « anticipant la musique d'avant-garde de l'après-guerre », selon les termes d'Alex Ross, dans son célèbre livre "The Eternal Noise".
Après 1932, date de sa rencontre avec le musicologue Charles Seeger, qui allait devenir son mari, l'activité de composition de Ruth Crawford décline au profit de son activité ethnomusicologique. En fait, après 1933, une seule composition est documentée dans son catalogue, Rissolty Rossolty, qu'elle qualifie elle-même de « fantaisie américaine pour orchestre » et qui a été écrite pour un programme éducatif de CBS.
En effet, Ruth Crawford Seeger s'est fait un nom en tant qu'experte de la musique populaire et folklorique sous les latitudes nord-américaines, collaborant avec le spécialiste Alan Lomax à deux importantes anthologies parues dans les années 1940 ("Our Singing Country", 1941, et "Folk Song : USA", 1947).
Ruth Crawford Seege a également participé à la fondation de la Société internationale pour la musique contemporaine.
En 1952, un an avant sa mort des suites d'un cancer, Ruth Crawford Seeger reprend son activité de compositrice avec la Suite pour quintette à vent. Alex Ross, déjà cité, n'hésite pas à qualifier Ruth Crawford de « l'un des rares grands compositeurs de la première moitié du XXe siècle ».
Les concerts des œuvres de Ruth Crawford Seeger au Musikfest Berlin auront lieu les 13, 14 et 15 septembre et seront dirigés par l'Ensemble Modern, sous la baguette de David Niemann, accompagné de divers solistes.
Ruth Crawford Seeger, née Ruth Porter Crawford, (3 juillet 1901 - 18 novembre 1953) était une compositrice américaine et une spécialiste de la musique folklorique. Sa musique était un représentant éminent de l'esthétique moderniste émergente et elle est devenue un membre central d'un groupe de compositeurs américains connus sous le nom d'"ultramodernes".
Bien qu'elle ait composé principalement dans les années 1920 et 1930, Seeger s'est tournée vers des études sur la musique folklorique de la fin des années 1930 jusqu'à sa mort. Sa musique a influencé des compositeurs ultérieurs, en particulier Elliott Carter.
Ruth Crawford est née à East Liverpool, dans l'Ohio, deuxième enfant de Clark Crawford, pasteur méthodiste, et de Clara Crawford (née Graves). La famille déménage plusieurs fois pendant l'enfance de Crawford, vivant à Akron, Ohio, St. Louis, Missouri, et Muncie, Indiana. En 1912, la famille s'installe à Jacksonville, en Floride, où Clark Crawford meurt de la tuberculose deux ans plus tard. Après la mort de son mari, Clara Crawford ouvre une pension de famille et s'efforce de maintenir le mode de vie de la classe moyenne.
Ruth commence à écrire des poèmes dès son plus jeune âge et, adolescente, elle aspire à devenir "auteure ou poétesse". Elle étudie également le piano à partir de l'âge de six ans. En 1913, elle commence à prendre des leçons de piano avec Bertha Foster, qui avait fondé l'École d'art musical à Jacksonville en 1908.
En 1917, Ruth commence à étudier avec Madame Valborg Collett, élève d'Agathe Backer Grøndahl et professeur le plus prestigieux de l'école d'art musical de Foster.
Après avoir obtenu son diplôme de fin d'études secondaires en 1918, Ruth Crawford entame une carrière de pianiste de concert, poursuivant ses études avec Madame Collett et se produisant lors de divers événements musicaux à Jacksonville. Elle devient également professeur de piano à l'école de Foster et écrit ses premières compositions pour ses jeunes élèves en 1918 et 1919.
Elle déménage à Chicago en 1921 où elle s'inscrit à l'American Conservatory of Music, prévoyant initialement de n'y rester qu'un an, le temps d'obtenir un certificat d'enseignement. À Chicago, elle assiste pour la première fois à des concerts symphoniques et à des opéras, ainsi qu'à des récitals donnés par d'éminents pianistes, dont Sergei Rachmaninoff et Arthur Rubinstein.
Au Conservatoire, elle étudie le piano avec Heniot Levy et Louise Robyn. Elle y passe rapidement de l'interprétation au piano à la composition. Au cours de sa deuxième année, elle commence à étudier la composition et la théorie avec Adolf Weidig et écrit plusieurs œuvres, dont un Nocturne pour violon et piano (1923) et un ensemble de thèmes et variations pour piano (1923).
Clara Crawford s'installe à Chicago avec sa fille en 1923. L'année suivante, Ruth obtient sa licence en musique au Conservatoire et s'inscrit ensuite au programme de maîtrise de l'école.
Alors qu'elle continue d'étudier la théorie et la composition avec Weidig au Conservatoire américain de musique jusqu'en 1929, elle commence en 1924 à prendre des cours de piano privés avec Djane Lavoie-Herz. Herz, l'un des professeurs de piano les plus prestigieux de Chicago à l'époque, a un impact profond sur sa vie intellectuelle et musicale. Elle éveille son intérêt pour la théosophie et la musique d'Alexandre Scriabine, et introduit son élève dans une communauté influente d'artistes et de penseurs. Grâce à Herz, Crawford rencontre Dane Rudhyar et Henry Cowell, des compositeurs qui auront tous deux un impact significatif sur sa musique et sa carrière. À cette époque, Crawford rencontre également le grand poète de Chicago Carl Sandburg, dont elle mettra plus tard les écrits en musique. En 1925, elle compose The Adventures of Tom Thumb, une expérience qui combine la parole et la musique.
Elle passe l'été 1929 à la MacDowell Colony grâce à une bourse d'études, où elle se lie d'amitié avec sa compagne compositrice Marion Bauer et commence à travailler sur ses Five Songs sur des poèmes de Sandburg. À l'automne de la même année, Crawford emménage dans la maison new-yorkaise de la mécène Blanche Walton et commence à étudier la composition avec Charles Seeger.
En 1930, elle devient la première femme compositeur à recevoir la bourse Guggenheim et se rend à Berlin et à Paris ; elle demande plusieurs fois le renouvellement de sa bourse au cours de l'année suivante, mais celui-ci lui est finalement refusé. À cette époque, elle s'entretient avec Emil Hertzka pour discuter de la publication de sa musique, mais il lui répond qu'il serait particulièrement difficile pour une femme de faire publier quoi que ce soit. Crawford se rend ensuite à Vienne et à Budapest pour rencontrer les compositeurs Alban Berg et Béla Bartók afin de discuter de sa musique et d'obtenir le soutien nécessaire à sa publication. Bien qu'entourée de représentants du modernisme allemand, elle choisit d'étudier et de composer en solitaire. Les idées de Seeger, communiquées par lettre, ont été cruciales pour le développement de son style et de ses sélections. Elle se marie avec Charles Seeger en 1932, après un voyage à Paris. Au Festival de la Société internationale de musique contemporaine d'Amsterdam (1933), ses Three Songs pour voix, hautbois, percussion et cordes représentent les États-Unis.
Ruth Crawford Seeger et sa famille s'installent à Washington, D.C., en 1936, après la nomination de Charles à la division musicale de la Resettlement Administration. Elle y travaille en étroite collaboration avec John et Alan Lomax à l'Archive of American Folk Song de la Bibliothèque du Congrès afin de préserver et d'enseigner la musique folklorique américaine. Ses arrangements et interprétations de chansons folkloriques traditionnelles américaines sont parmi les plus respectés. On peut citer les transcriptions de American Folk Songs for Children, Animal Folk Songs for Children (1950), American Folk Songs for Christmas (1953), Our Singing Country, et Folk Song USA by John and Alan Lomax. Cependant, elle est surtout connue pour Our Singing Country (1941). Elle a également composé Rissolty, Rossolty, une fantaisie américaine pour orchestre basée sur des airs folkloriques, pour la série radiophonique de CBS The American School of the Air.
Elle revient à ses racines modernistes au début de 1952 avec Suite for Wind Quintet, mais elle meurt d'un cancer de l'intestin en 1953 à Chevy Chase, dans le Maryland.
Ruth Crawford Seeger a transmis la musique folk à sa fille Peggy Seeger.
Ruth Crawford Seeger a été influencée par Alexandre Scriabine.
Les compositions qu'elle écrit à Chicago de 1924 à 1929 reflètent l'influence d'Alexandre Scriabine, de Dane Rudhyar et de son professeur de piano Djane Lavoie-Herz. Judith Tick qualifie ces années de " première période de style distinctif " de Crawford Seeger et écrit que la musique de la compositrice durant cette période " pourrait être qualifiée de "pluralisme post-tonal". Ses compositions de cette première période de style, dont Five Preludes for Piano, Sonata for Violin and Piano, Suite No. 2 for Strings and Piano, et Five Songs on Sandburg Poems (1929), sont marquées par des dissonances stridentes, des rythmes irréguliers et des évocations de la spiritualité.
La réputation de Crawford Seeger en tant que compositrice repose principalement sur ses compositions new-yorkaises écrites entre 1930 et 1933, qui exploitent le contrepoint dissonant et les techniques sérielles américaines. Au cours de ces années, elle commence à intégrer la polytonalité et les groupes de sons dans ses compositions. Elle est l'un des premiers compositeurs à étendre les processus sériels à des éléments musicaux autres que la hauteur et à développer des plans formels basés sur des opérations sérielles. Sa technique a peut-être été influencée par la musique de Schoenberg, bien qu'ils ne se soient rencontrés que brièvement au cours de ses études en Allemagne. Nombre de ses œuvres de cette période utilisent le contrepoint dissonant, un système théorique de composition développé par Charles Seeger et utilisé par Henry Cowell, Johanna Beyer et d'autres. Seeger expose sa méthodologie pour le contrepoint dissonant dans son traité "Tradition and Experiment in (the New) Music" qu'il écrit avec l'aide de son épouse pendant l'été 1930. La contribution de Ruth Crawford Seeger à l'ouvrage est suffisamment importante pour que la possibilité d'une coécriture soit brièvement évoquée.
Le Quatuor à cordes 1931, en particulier le troisième mouvement, est l'œuvre la plus célèbre et la plus influente de Crawford Seeger. Elle a décrit le "plan sous-jacent" du troisième mouvement comme "une hétérophonie de dynamiques -une sorte de contrepoint de crescendi et de diminuendi. ... La ligne mélodique naît de cette augmentation et de cette diminution continues ; elle est donnée, un ton à la fois, à différents instruments, et chaque nouveau ton mélodique est amené au point culminant dans un crescendo. Les glissements dynamiques créent la longue mélodie qui s'étend sur tout le mouvement et façonne l'arc narratif.
Je retrouve avec plaisir ce très beau lieu qu’est l’Arsenal, en pleine ville de Metz, où je n’étais plus venu depuis quatre ans (un ballet sur les musiques de John Cage et de Julius Eastman) : la ville est animée comme un vendredi soir, le bar étincèle et le goût si particulier de sa bière bio Soleil Verte me revient comme celui de la madeleine saute au visage de Marcel. Le festival Musica, une première en ce qui me concerne (après un essai avorté pour cause de virus planétaire), a sa base à Strasbourg, mais délocalise son week-end de clôture, chaque année dans une ville différente –la cité messine me le rend cette fois plus accessible.
de la Fuente et Sighicelli, sales gamins du CNSMD de Paris
L’assiette de pâtes d’avant concert chez un(e aimable) Italien(ne) de l’Esplanade me prépare pour mon premier contact sur scène avec Caravaggio, le drôle de projet des compositeurs Benjamin de la Fuente et Samuel Sighicelli, que mes oreilles captent il y a une dizaine d’années dans le flou irréel de la bande-son de l’épatant L’amour est un crime parfait, film des frères Larrieu planté dans le Rolex Learning Center de l'École polytechnique de Lausanne, une configuration de l’espace (signée par l'agence japonaise Sanaa) aux vagues futuristes et oniriques, et conduit par Mathieu Amalric, plus décalé que malsain -ou peut-être pas. Enfin, ce n’est pas tout à fait Caravaggio, puisque Benjamin Dupé participe à l’écriture / improvisation de Zemlia / La Terre, disque attribué à Sphota, une cause et une conséquence de la géométrie variable qui touche et l’esthétique et le choix des collaborations du duo.
Pour RupturR, à la graphie évocatrice de RēR -Recommended Records-, le label britannique cofondé par Chris Cutler et ancré dans la mouvance Rock in Opposition qui émerge en 1978 -un flux artistique avec qui, à entendre leurs propos après la prestation, de la Fuente et Sighicelli partagent une vision d’une musique moins bornée par les frontières et les a priori-, Caravaggio, électrique comme un quatuor rock (guitare, basse, synthétiseur et sampler, batterie et pad électronique), se fond, à force d’expérimentations et de partages, dans une entité élargie à trois instrumentistes des Percussions de Strasbourg (« on fabrique des équipes, on travaille avec des gens »), aux sets fournis en petits objets percussifs en bois, peau, métal : pendant une heure, les fluctuations rythmiques déferlent, tous les temps sont marqués, jamais morts -on pense à ces projets aux tons unis/uniques, Les Tambours du Bronx, Urban Sax, (la préfiguration d’)Arkham (les bidons, les saxophones, les claviers), forts à modifier l’état de conscience de ceux qui les écoutent-, les musiciens parlent en dehors des qualifications stylistiques mais épousent le lourd de King Crimson, le She’s So Heavy des Beatles, le Sunshine Of Your Love de Cream, prennent le carré au rock, le rond au jazz, le rêche au post-rock, le réfléchi au contemporain (la pièce est écrite) -remuante, tonitruante même, RuptuR est une digression hallucinée hors des sentiers través. « A ce stade, vous vous professionnalisez, il faut choisir », intimait, off the record, la productrice de Radio France à Benjamin de la Fuente : c’est raté, entre improvisation ou composition, entre rock et contemporain, il choisit… la liberté.
Melaine Dalibert, un goût pour le chemin de traverse
Premier de quatre concerts voués à retracer l’« histoire du piano minimaliste », celui de Melaine Dalibert pioche, pour son programme, dans un répertoire à la frange des mélodies qui nous viennent en tête quand on évoque cette esthétique, soixantenaire, américaine et répétitive : le pianiste y voit une autre caractéristique, le mouvement, comme dans le court, incitatif et dynamique Railroad (Travel Song) de la compositrice américaine, performeuse et chorégraphe, Meredith Monk, suivi de Remembering Schubert de la Canadienne Ann Southam qui, son titre le laisse entendre, revient sur le passé, dans un entremêlement élégant (la grâce des mouvements de l’instrumentiste, de profil, une main au-dessus de l’autre comme volète un papillon), virevoltant au souffle d’une exploration joliment ordonnée.
Piano, de Mark Hollis (il signe en réalité sa prestation, sur le disque de 1998, du pseudonyme de John Cope – lui qui s’est fait connaître, dans la décennie précédente, par son groupe Talk Talk, précurseur du post-rock) s’éloigne de la notion de mouvement pour apporter des notes éparses, aux résonnances étendues, emplies de silence : ce n’est ni l’univers de Morton Feldman, ni celui de Brian Eno, mais Hollis, lui aussi, altère le temps, fascine et en trouble la perception.
A plusieurs moments choisis, Melaine Dalibert s’adresse au public, pour qui il contextualise les titres au programme, par exemple la technique de composition, algorithmique, qu’il utilise dans un nouveau morceau (qui prend la place de Litanie, déprogrammé pour le plaisir de présenter ce qui a occupé ses mains les jours derniers), encore sans titre, vif, joyeux, aux brefs hiatus bienvenus : une technique sans informatique (un algorithme est une suite, finie et non ambiguë, d'instructions ou d’opérations visant à résoudre une classe de problèmes ; son informatisation n’est qu’une façon pratique de réaliser la chose), qui suit un processus calqué sur une suite mathématique, que le pianiste, ici compositeur, juge artistiquement belle -comme est intrinsèquement belle la construction fractale du flocon de neige (ou du chou romanesco, ou de la ramification des bronches) ; un jeu où les mains alternent, vivaces et virtuoses, une suite aux règles simples en apparence, mais déroulée avec la promptitude agile du prestidigitateur- qui fait tourbillonner la tête.
Les deux dernières pièces, elles aussi de la main de l’instrumentiste, sont extraites de son disque (Eden, Fall, dont je vous ai parlé il y a peu) : Jeu de vagues est une boucle de 13 notes à la main droite qui roule à donner le tournis, farandole avec soi-même, timide allégresse qui n’ose pas tout à fait exulter ; Fall, qui gagne encore à être vu, sourd d’obstination contenue, déploie des vibrations d’oiseau-creuseur -à la manière, ici moins brute, de Charlemagne Palestine-, en une lente progression martelée sur l’étendue du clavier. Généreux, Dalibert revient pour un court et satiesque rappel.
Jonna Magdalena Beyer est née à Leipzig en 1888, mais on sait très peu de choses sur sa vie avant qu'elle ne s'installe aux États-Unis en 1923.
Elle chante pendant trois ans à la Leipziger Singakademie et est diplômée du Deutscher Konservatorien et du Musikseminare, après avoir étudié le piano, l'harmonie, la théorie, le contrepoint, le chant et la danse.
Ses collègues new-yorkais ont rappelé que son pianisme et sa musicalité étaient excellents et que sa formation musicale semblait traditionnelle et solide.
Elle a passé les années 1911-1914 en Amérique, mais on ne sait rien de ses activités pendant ces années-là. De retour aux États-Unis en 1923 (selon les notes biographiques qu'elle a fournies dans un programme de concert du Composers' Forum), elle étudie au Mannes College of Music, où elle obtient deux diplômes en 1928.
Elle a enseigné le piano pour subvenir à ses besoins, et a peut-être enseigné à la Greenwich House Music School, mais elle a eu du mal à joindre les deux bouts, recourant parfois au travail de la WPA et de la Ladies Home Aid.
À la fin des années 1920 ou au début des années 1930, elle commence à étudier avec Ruth Crawford, Charles Seeger et Dane Rudhyar et, en 1934, elle suit le cours de percussion d'Henry Cowell à la New School for Social Research. Au cours de ces années, sa vie musicale se confond avec Seeger, Crawford, Cowell, John Cage et d'autres membres de ce cercle moderniste, comme Jessie Baetz, une compositrice et peintre aujourd'hui oubliée qui a étudié avec Beyer. Son amitié la plus intime est celle de Cowell ; la correspondance qui nous est parvenue révèle une relation tumultueuse, voire romantique, entre les deux compositeurs. Beyer a été l'agent informelle et la secrétaire de Cowell de 1936 à 1941, à titre bénévole (elle n'a reçu qu'une compensation partielle en 1941).
Bien qu'elle ait été largement ignorée en tant que compositrice, elle a donné un certain nombre de représentations importantes. La première a eu lieu à la New School for Social Research en 1933, où ses Trois chansons pour soprano, piano et percussion ont été interprétées. Un an plus tard, le deuxième mouvement de sa Suite pour clarinette et basson, interprété lors d'un des concerts de la New Music Society of California de Henry Cowell à San Francisco, est perçu comme un "duo morne et lugubre". Aaron Copland en fait la critique dans un enregistrement du New Music Quarterly. John Cage a interprété deux mouvements de ses Three Movements for Percussion lors de ses tournées de percussion dans le nord-ouest du pays à la fin des années 1930. En 1936, ses compétences en matière de médias multiples ont été mises en évidence dans sa pièce The Modern Composer, dont elle a écrit les paroles, composé la musique de scène, chorégraphié le ballet moderne, conçu et créé les costumes, les diapositives et les publicités, dirigé la production et interprété la partie de piano. La pièce a été jouée sous les auspices du Federal Music Project au Central Manhattan Music Center, mais les sources manuscrites n'ont pas encore été retrouvées. Sa musique a été jouée deux fois au New York Composers' Forum, en 1936 et 1937. Son œuvre a également fait partie de l'épreuve musicale du concours artistique des Jeux olympiques d'été de 1932. En 1988, l'Essential Music de New York a redonné vie à sa musique à l'occasion du centenaire de sa naissance, en présentant deux concerts faisant le tour de son œuvre.
Beyer a lutté contre la sclérose latérale amyotrophique (SLA), également connue sous le nom de maladie de Lou Gehrig, au cours des dernières années de sa vie. Elle est décédée à New York City, dans l'État de New York, en 1944.
Certaines de ses partitions sont disponibles dans des éditions recopiées et annotées dans le cadre du projet Frog Peak/Johanna Beyer. Le travail d'édition et de recopiage a été effectué bénévolement par des compositeurs intéressés par le projet.
Une grande partie de la musique de Beyer, en particulier celle écrite entre 1931 et 1939, reflète l'esthétique des "ultra-modernistes" américains, un cercle qui comprenait Ruth Crawford Seeger, Charles Seeger, Henry Cowell, Dane Rudhyar et Carl Ruggles. De nombreuses œuvres de Beyer sont exemplaires du contrepoint dissonant, un système théorique de composition développé par Charles Seeger et Cowell et dont l'articulation est la plus célèbre dans les œuvres de Ruth Crawford Seeger, mais Beyer a développé ses propres gestes et procédures qui distinguent sa musique de celle de ses collègues. Ses compositions se caractérisent par une utilisation économique des ressources, des formes équilibrées et bien construites, " un sens unique de l'humour et de la fantaisie " et un engagement en faveur de l'expérimentation.
Bien que sa musique ait été négligée de son vivant et pendant des décennies après sa mort, elle compte parmi les œuvres les plus expérimentales et les plus prophétiques créées au cours des années 1930. Music of the Spheres (1938) est la première oeuvre connue réalisée par une compositrice. Les quatrièmes mouvements de ses deux Suites pour clarinette (1932) sont parmi les premiers exemples d'une approche des processus rythmiques basée sur les hauteurs, qui ne sera pleinement explorée qu'à la fin des années 1940 par des compositeurs tels qu'Elliott Carter et Conlon Nancarrow. Plusieurs de ses œuvres anticipent la musique minimaliste des années 1960, notamment le quatrième mouvement de son 1er Quatuor à cordes. Elle a inclus des groupes de sons dans Clusters, une suite pour piano solo.
Johanna Beyer est née à Leipzig en 1888, mais on sait très peu de choses sur sa vie avant qu'elle ne s'installe aux États-Unis en 1923. Elle chante pendant trois ans à la Leipziger Singakademie et est diplômée du Deutscher Konservatorien et du Musikseminare, après avoir étudié le piano, l'harmonie, la théorie, le contrepoint, le chant et la danse. Ses collègues new-yorkais ont rappelé que son pianisme et sa musicalité étaient excellents et que sa formation musicale semblait traditionnelle et solide. Elle a passé les années 1911-1914 en Amérique, mais on ne sait rien de ses activités pendant ces années-là. De retour aux États-Unis en 1923 (selon les notes biographiques qu'elle a fournies dans un programme de concert du Composers' Forum), elle étudie au Mannes College of Music, où elle obtient deux diplômes en 1928. Elle a enseigné le piano pour subvenir à ses besoins, et a peut-être enseigné à la Greenwich House Music School, mais elle a eu du mal à joindre les deux bouts, recourant parfois au travail de la WPA et de la Ladies Home Aid. À la fin des années 1920 ou au début des années 1930, elle commence à étudier avec Ruth Crawford, Charles Seeger et Dane Rudhyar et, en 1934, elle suit le cours de percussion d'Henry Cowell à la New School for Social Research. Au cours de ces années, sa vie musicale se confond avec Seeger, Crawford, Cowell, John Cage et d'autres membres de ce cercle moderniste, comme Jessie Baetz, une compositrice et peintre aujourd'hui oubliée qui a étudié avec Beyer. Son amitié la plus intime est celle de Cowell ; la correspondance qui nous est parvenue révèle une relation tumultueuse, voire romantique, entre les deux compositeurs. Beyer a été l'agent informelle et la secrétaire de Cowell de 1936 à 1941, à titre bénévole (elle n'a reçu qu'une compensation partielle en 1941).
Bien qu'elle ait été largement ignorée en tant que compositrice, elle a donné un certain nombre de représentations importantes. La première a eu lieu à la New School for Social Research en 1933, où ses Trois chansons pour soprano, piano et percussion ont été interprétées. Un an plus tard, le deuxième mouvement de sa Suite pour clarinette et basson, interprété lors d'un des concerts de la New Music Society of California de Henry Cowell à San Francisco, est perçu comme un "duo morne et lugubre". Aaron Copland en fait la critique dans un enregistrement du New Music Quarterly. John Cage a interprété deux mouvements de ses Three Movements for Percussion lors de ses tournées de percussion dans le nord-ouest du pays à la fin des années 1930. En 1936, ses compétences en matière de médias multiples ont été mises en évidence dans sa pièce The Modern Composer, dont elle a écrit les paroles, composé la musique de scène, chorégraphié le ballet moderne, conçu et créé les costumes, les diapositives et les publicités, dirigé la production et interprété la partie de piano. La pièce a été jouée sous les auspices du Federal Music Project au Central Manhattan Music Center, mais les sources manuscrites n'ont pas encore été retrouvées. Sa musique a été jouée deux fois au New York Composers' Forum, en 1936 et 1937. Son œuvre a également fait partie de l'épreuve musicale du concours artistique des Jeux olympiques d'été de 1932. En 1988, l'Essential Music de New York a redonné vie à sa musique à l'occasion du centenaire de sa naissance, en présentant deux concerts faisant le tour de son œuvre.
Beyer a lutté contre la sclérose latérale amyotrophique (SLA), également connue sous le nom de maladie de Lou Gehrig, au cours des dernières années de sa vie. Elle est décédée à New York City, dans l'État de New York, en 1944.
Certaines de ses partitions sont disponibles dans des éditions recopiées et annotées dans le cadre du projet Frog Peak/Johanna Beyer. Le travail d'édition et de recopiage a été effectué bénévolement par des compositeurs intéressés par le projet.
Une grande partie de la musique de Beyer, en particulier celle écrite entre 1931 et 1939, reflète l'esthétique des "ultra-modernistes" américains, un cercle qui comprenait Ruth Crawford Seeger, Charles Seeger, Henry Cowell, Dane Rudhyar et Carl Ruggles. De nombreuses œuvres de Beyer sont exemplaires du contrepoint dissonant, un système théorique de composition développé par Charles Seeger et Cowell et dont l'articulation est la plus célèbre dans les œuvres de Ruth Crawford Seeger, mais Beyer a développé ses propres gestes et procédures qui distinguent sa musique de celle de ses collègues. Ses compositions se caractérisent par une utilisation économique des ressources, des formes équilibrées et bien construites, " un sens unique de l'humour et de la fantaisie " et un engagement en faveur de l'expérimentation.
Bien que sa musique ait été négligée de son vivant et pendant des décennies après sa mort, elle compte parmi les œuvres les plus expérimentales et les plus prophétiques créées au cours des années 1930. Music of the Spheres (1938) est la première oeuvre connue réalisée par une compositrice. Les quatrièmes mouvements de ses deux Suites pour clarinette (1932) sont parmi les premiers exemples d'une approche des processus rythmiques basée sur les hauteurs, qui ne sera pleinement explorée qu'à la fin des années 1940 par des compositeurs tels qu'Elliott Carter et Conlon Nancarrow. Plusieurs de ses œuvres anticipent la musique minimaliste des années 1960, notamment le quatrième mouvement de son 1er Quatuor à cordes. Elle a inclus des groupes de sons dans Clusters, une suite pour piano solo.
On peut considérer qu'aujourd'hui, sur le «marché» mondial de la musique, 30 à 35% des artistes émergeants sont des femmes. Les 15% manquant pour atteindre l'équilibre naturel des genres s'explique partiellement par les disparités géographiques, culturelles, mais indéniablement aussi par une difficulté spécifique à la poursuite d'une carrière artistique en tant que femme, affirme Marc Texier qui dirige le festival genevois dédié à la musique contemporaine.
Pour ne pas attendre que l'évolution naturelle des sociétés corrige ce déséquilibre et pour agir concrètement, Archipel 2019, rebaptisé Archip—elles, sera entièrement consacré aux femmes. Un acte symbolique pour montrer qu'il est possible, souhaitable et facile d'offrir plus de place aux créatrices vu la profusion de talents féminins.
Ce sont 45 compositrices de 27 pays, de tout âge et aux horizons et aux esthétiques diverses, qui font le programme de ce mois de mars.
On retrouvera ainsi, entre autres, Ruth Crawford-Seeger pour un quatuor à cordes de 1931, Sofia Goubaïdoulina, Kaija Saariaho, la Nord-Coréenne Chia-Ying Lin, la Sud-Coréenne Dae Boo ou l' Irlandaise Jennifer Walshe.
