Sir Charles Villiers Stanford est un compositeur britannique irlandais, né le 30 septembre 1852 à Dublin et mort le 29 mars 1924 à Londres.

Fils d'un éminent juriste à la chancellerie de Dublin, Stanford est élevé dans un milieu musical où ses deux parents sont des musiciens chevronnés ; son père s'intéresse plus particulièrement au chant tandis que sa mère est pianiste. Il étudie l'orgue et la composition auprès de Robert Stewart.
Ses talents précoces sont relatés dans un article du Musical Times de décembre 1898.

Il se rend à Londres en 1862 pour étudier avec Arthur O'Leary et Ernst Pauer, avant de parvenir en 1870 au prestigieux Queens' College de Cambridge puis, en 1873, au Trinity College où il est notamment organiste jusqu'en 1892. Sa nomination au poste de directeur de la société musicale de l'Université de Cambridge lui offre une notoriété certaine.

Entre 1874 et 1877, il passe quelques semaines d'études en Allemagne afin de parfaire sa technique de composition avec Carl Reinecke et Friedrich Kiel, avant d'obtenir ses diplômes universitaires à Cambridge. Il rencontre le violoniste Joseph Joachim et le chef d'orchestre Hans von Bülow qui, par la suite, le soutiennent avec constance.

Engagé comme professeur de composition au Royal College of Music en 1883, il devient également chef du Chœur Bach de Londres (The Bach Choir) de 1886 à 1902 et professeur de musique à Cambridge à partir de 1887. Il est aussi chef de l'Orchestre Philharmonique de Leeds de 1897 à 1909, ainsi que du festival de Leeds de 1901 à 1910.

Parmi ses élèves, on trouve les compositeurs Arthur Bliss, Herbert Howells, John Ireland, Gustav Holst, Ralph Vaughan Williams, George Dyson, Ernest John Moeran, Rebecca Clarke et le chef d'orchestre Eugène Goossens.

Avec Hubert Parry, Ethel Smyth et Edward Elgar, il est l'un des compositeurs du Royaume-Uni emblématiques de la période victorienne.

Il est fait chevalier le 24 octobre 1902.

Charles Villiers Stanford laisse environ 300 œuvres.

 Un Requiem allemand, sur des textes de l'Écriture sainte, pour solistes, chœur et orchestre (avec orgue ad libitum) est une œuvre sacrée (mais pas liturgique) en sept parties (ou mouvements) achevée en 1868. Elle dure de 70 à 80 minutes, ce qui en fait la plus longue composition de Brahms.

Les deux solistes n'interviennent qu'exceptionnellement, le baryton pour faire entendre l'appel angoissé de l'homme face à son destin, la soprano pour annoncer le caractère maternel des consolations futures. L'orchestre reste toujours d'une clarté exemplaire, même lorsqu'il passe au second plan. La conclusion résume la promesse du sermon sur la montagne. Les épisodes centraux du sixième morceau pourraient être considérés comme une version protestante du Dies iræ. L'œuvre, de conception humaniste, que l'auteur aurait désiré rendre œcuménique, lui assura la célébrité.

Dans son propre catalogue thématique, Brahms n'indique qu'une seule étape de la composition de son Requiem : « Été 1866, Zurich et Baden-Baden ». La genèse de l'œuvre fut pourtant longue, de 1857 à 1868.

Brahms met longtemps à aborder le genre symphonique et les œuvres avec orchestre en général. Pourtant, son ami Robert Schumann l'y encourage dès 1854. Il ébauche alors une symphonie qui ne voit jamais le jour mais se transforme en une sonate pour deux pianos qu'il ne publie pas mais joue souvent pour ses amis. Le matériau musical étant suffisamment riche, il récupérera les deux premiers mouvements pour son Concerto pour piano et orchestre n^o 1 et le troisième deviendra la marche Denn alles Fleisch du Requiem.

Schumann meurt en 1856 et Brahms songe alors à rendre hommage⁴ à son mentor qui lui-même projetait la composition d'un requiem allemand. Brahms est très ému lorsqu'il découvre des années plus tard que Robert Schumann avait pensé lui aussi à une œuvre similaire. Ce projet de "Trauerkantate" (cantate funèbre) prend forme le troisième automne passé à Detmold (1859) où Brahms compose le Begräbnisgesang opus 13 et la Deuxième sérénade opus 16, qui renonce aux violons tout comme le premier mouvement du Requiem.

Lors d'une autre disparition douloureusement ressentie, Brahms revient à ce projet élégiaque : après la mort de sa mère, en février 1865, il mentionne dans une lettre à Clara Schumann à la fin du mois d'avril 1865 un « chœur… sorte de Requiem allemand ». Il s'agissait sans doute des numéros 1, 2 et 4. En fait Brahms ne précisa jamais formellement que le Requiem lui fut inspiré par la mort de sa mère. Ce n'est que par ses amis qu'on le saura ; notamment Clara Schumann qui dit : « Nous sommes tous d'avis qu'il l'écrivit en souvenir d'elle, bien qu'il ne nous l'ait jamais dit expressément.»

À la fin de l'hiver 1865-1866, Brahms termine le troisième mouvement (Karlsruhe février-avril 1866). La fugue l’embarrassant, il demande conseil à Eduard Marxsen, son ancien professeur de Hambourg. La composition terminée au printemps 1866 entre Winterthour et Zurich, est revue durant l'été à Lichtenthal. En décembre, Brahms offre à Clara Schumann l'arrangement pour piano.

Les trois premiers morceaux de l'œuvre sont alors joués le 1^er décembre 1867 dans la Grosse Redoutensaal (grande salle de la Redoute) à Vienne, lors d'un concert de la Gesellschaft der Musikfreunde (Société des Amis de la Musique) en hommage à Schubert sous la direction de Johann von Herbeck; les chœurs étaient ceux du Wiener Singverein et le baryton solo, Rudolf Pänzer, un chanteur de la chapelle impériale. Les deux premiers morceaux sont accueillis sans enthousiasme excessif, mais avec une sympathie certaine. C'est le troisième qui déclenche le désastre : par une erreur inexplicable, le timbalier joue fortissimo toute la grande pédale de ré sur laquelle se déroule la fugue finale. Le chœur et l'orchestre sont complètement couverts par cette intrusion intempestive et bruyante. Le public croit à un effet voulu et, lorsque Brahms vient saluer, il est accueilli par une bordée de sifflets et de huées. La presse fait un compte rendu mitigé de la soirée.

La première version de l'œuvre (morceaux 1-4, 6-7) est ensuite créée en la cathédrale de Brême, deux ans après sa composition, le 10 avril 1868 pour le Vendredi Saint sous la direction de Brahms et avec Jules Stockhausen comme baryton solo, devant deux mille personnes. L'organisateur du concert, Carl Martin Reinthaler, organiste et directeur de la musique de Brême, avait voulu que Brahms insérât un nouveau morceau afin de préciser la signification liturgique. Brahms ne céda pas mais le Requiem fut joué en deux parties avec, entre les deux, un morceau du Messie de Haendel pour satisfaire aux desiderata de Reinthaler. Le concert est un succès et marque un tournant dans la carrière du compositeur.

Après cette création, Brahms annonce en mai 1868 à son éditeur Rieter-Biedermann l'ajout d'un morceau solo (le n^o 5) qu'il termine à Bonn en août 1868. Ce cinquième mouvement fut joué en exécution privée le 17 septembre 1868 à Zurich, par l'orchestre de la Tonhalle de Zurich sous la direction de Friedrich Hegar et avec Ida Suter-Weber².

La version intégrale est finalement créée au Gewandhaus de Leipzig le 18 février 1869 par Carl Reinecke et l'Orchestre du Gewandhaus de Leipzig avec pour solistes Émilie Bellingrath-Wagner et Franz Krükl.

La partition avait été publiée par Rieter-Biedermann à Leipzig en novembre 1868.

Johann Gottfried Hendrik Mann (La Haye , 15 juillet 1858 – Rosmalen , 10 février 1904 ) était un compositeur , chef d'orchestre et pianiste néerlandais. Il a été largement oublié après sa mort.

Enfant, Mann montrait déjà un talent pour la musique. Après avoir reçu les rudiments du piano de sa mère Geertruida Hieronima van Convent ten Oever (1827-1899), ses parents engagent Emile Wagner (1825-1889) pour lui enseigner le piano et le solfège.
Wagner, lui-même compositeur non sans mérite, a également enseigné la composition au jeune Gottfried. Le fier père du négociant en vin Johann Herman Mann (1827-1911) envoya secrètement plusieurs compositions de son fils unique de 13 ans à son cousin, le poète allemand Friedrich Emil Rittershaus (1834-1897), qui les lui transmit.
En 1872, Bruch écrivait dans une lettre à Mme Rittershaus : Es hat mich sehr gefreut, die Sonata Ihres, les jeunes amis hollandais apprendront à connaître. Nach my Ansicht spricht sich ein entschiedenes Talent darin, und man darf hoffen, dass der noch so jugendliche Author bei fortgesetztem Fleiß and unter verständiger Leitung später ni manches Gute leisten wird. Même s'il a été question à plusieurs reprises que Gottfried Mann ferait son apprentissage chez Max Bruch à Bonn, cela n'a pas eu lieu. La même année, le compositeur et chef d'orchestre de l' Orchestre du Gewandhaus de Leipzig , Carl Reinecke, vient rendre visite à la famille Mann. Il voulait connaître le talent qu'il voyait chez le jeune compositeur.
En 1874, ses parents l'inscrivent à la Royal Music School, plus tard le Royal Conservatory , de La Haye. Le directeur Willem Nicolaï assure les cours de théorie et de composition, tandis que Gottfried suit l'enseignement de Wagner pendant une année supplémentaire. Après la première année, il passe chez Carel Wirtz pour des cours de piano.
En 1878, il dirigea sa propre œuvre Ouverture Jan Woutersz pour conclure ses études. Bien que Mann n’ait pas étudié la direction d’orchestre, il n’était pas rare au XIXe siècle que des compositeurs dirigent leurs propres œuvres. Il a acquis une expérience orchestrale en tant qu'altiste dans l'orchestre du Théâtre Royal Français de La Haye.
Lorsque Mann quitta la Royal Music School en 1878, le directeur Nicolaï lui conseilla de ne pas aller dans un autre Conservatoire, mais de voyager à l'étranger. Son voyage commence en Allemagne et à l'automne 1879, Mann part pour Paris.
Même si sa musique reste fortement influencée par les grands compositeurs allemands, il se passionne pour l’école française moderne. A Paris, il a enseigné, entre autres, Camille Saint-Saëns, Léo Delibes.

Le compositeur danois Theodor Fürchtegott Kirchner est né le 10 décembre 1823 à  Neukirchen près de Chemnitz  et décédé le 18 septembre 1903 à Hambourg.

Theodor Fürchtegott Kirchner était de son vivant un compositeur, chef d'orchestre, organiste et pianiste très apprécié et très bien connecté dans les milieux musicaux. Il connaissait Robert et Clara Schumann, Felix Mendelssohn Bartholdy et Johannes Brahms avec qui il entretenait une amitié étroite tout au long de sa vie.
Mais même si Kirchner, alors âgé de 30 ans, fut un jour loué par Schumann comme "un artiste en pleine ascension des temps les plus récents" et que Johannes Brahms qualifia ses miniatures pour piano de "plus tendres des plus tendres", Kirchner ne parvint pas à obtenir une reconnaissance publique suffisamment importante pour lui permettre de bien vivre de son art. Toute sa vie, il a dû faire face à des soucis et des difficultés financières, si bien que des amis et des mécènes, parmi lesquels Edvard Grieg, Hans von Bülow et Carl Reinecke, ont même initié en 1884 une collecte de fonds dont les recettes bien placées ont permis à Kirchner de subvenir à ses besoins. De plus, son ami Johannes Brahms le soutint financièrement à plusieurs reprises.
Kirchner est né le 10 décembre 1823 à Neukirchen dans les Monts Métallifères. Il fréquenta l'école publique de Chemnitz et reçut dès son enfance des cours de piano et d'orgue. Son talent exceptionnel se révéla rapidement, si bien qu'à l'âge de 15 ans, il fut présenté à Schumann et Mendelssohn, qui furent également très impressionnés par ses capacités. Sur la recommandation de Mendelssohn, Kirchner se rendit à Leipzig pour y étudier la musique, où il fut inscrit en 1843 comme premier élève au tout nouveau Conservatoire de Leipzig, sous le numéro d'inscription 1.
La même année, toujours sur la recommandation de Mendelssohn, il prit le poste d'organiste à l'église de la ville de Winterthur, en Suisse.
En 1862, il se rendit à Zurich, où il dirigea les concerts d'abonnement de la Société générale de musique. Pour Kirchner, cela représentait une étape fatidique, car c'est là qu'il fit la connaissance de Johannes Brahms, qui allait devenir l'ami de toute une vie.
En 1868, Kirchner épousa la chanteuse Maria Schmidt.
En 1872, il retourna en Allemagne pour enseigner la musique à la Princesse Maria à Meiningen. Mais dès l'année suivante, il se rendit à Würzburg pour prendre le poste de directeur de l'école de musique.
Quatre ans plus tard, Kirchner s'installe à Leipzig et gagne sa vie pendant quelques années comme professeur de musique.
En 1883, il s'installe à Dresde, où il enseigne au conservatoire.
En 1890, Kirchner s'installe à Hambourg sans emploi fixe. Lorsqu'appauvri et malade, il commença à perdre la vue, son élève Mathilde Schlüter, veuve d'un propriétaire d'entreprise de construction, s'occupa de lui jusqu'à ce que Kirchner décède finalement le 18 septembre 1903, paralysé par plusieurs attaques cérébrales.

Kirchner a laissé derrière lui une œuvre musicale riche et variée. Outre de nombreuses œuvres de musique de chambre, des lieder et des œuvres chorales, son œuvre se concentre toutefois principalement sur le piano. Son œuvre pour piano comprend à elle seule plus d'un millier de compositions.
En outre, il a arrangé un grand nombre d'œuvres symphoniques et autres de Schumann, Brahms, Beethoven, Grieg, Haydn, Schubert et d'autres pour un usage domestique au piano et est considéré à cet égard comme le principal représentant de la miniaturisation du piano de l'époque romantique.
Son œuvre est toutefois rapidement tombée dans l'oubli après sa mort. Cela est certainement dû en grande partie au fait qu'il a renoncé aux grands types de formes. Ses pièces pour piano sont presque toutes des pièces de caractère romantiques expressives qui, en raison de leur brièveté, trouvaient au mieux le chemin des salles de concert en tant que bis et ne pouvaient donc pas développer une notoriété suffisante.

Le compositeur tchèque Leoš Janáček est né le 3 juillet 1854 à Hukvaldy et mort le 12 août 1928 à Ostrava.
C'est l'un des plus grands compositeurs tchèques modernes avec Bohuslav Martinů et Jan Václav Hugo Voříšek, en incluant bien sûr les représentants de l'école tchèque du xix^e siècle, Bedřich Smetana et Antonín Dvořák.

Son père Jiří, instituteur du village, l'envoie à onze ans dans l'Abbaye Saint-Thomas de Brno, où il étudie la musique sous la direction de Pavel Křížkovský. Il est remarqué grâce à ses prestations dans le chœur du monastère. Ses études le mènent alors pour deux ans à l'école d'orgue Skuherský à Prague, puis aux Conservatoires de Leipzig, où il reçoit notamment l'enseignement de Carl Reinecke. En 1873, il prend la direction du chœur Svatopluk pour lequel il compose ses premières œuvres.

Il rencontre en 1874 Antonín Dvořák à Prague. C'est le début d'une longue amitié. Antonín Dvořák critiquera à titre amical ses premières compositions et influencera durablement Leoš Janáček par sa manière de composer en épousant les intonations de la langue parlée.

En 1881, année de son mariage avec Zdenka Schulzová, il retourne à Brno pour se consacrer à l'enseignement de la musique. Il y fonde une école d'orgue qu'il dirigera jusqu'en 1920 ; cette école va d'ailleurs devenir plus tard le Conservatoire de Brno.
Il aura deux enfants : le premier meurt en bas âge en 1890, la seconde, Olga, à l'âge de 17 ans. La mort de cette dernière est contemporaine de l'achèvement de son opéra Jenůfa et lui inspire ses plus belles pages, marquant ainsi une rupture stylistique, ce qui permet de ranger le compositeur aux côtés des découvreurs de la musique du xx^e siècle tels Kodaly, Bartók, Szymanowski ou Enesco, et même Stravinsky, bien loin des romantiques ou post-romantiques comme son ami Dvořák.
Sa réputation reste jusque-là cantonnée à sa province, mais la création en 1916 d'une version remaniée de Jenůfa lui ouvre les portes de la capitale et une certaine reconnaissance. Il tombe alors amoureux d'une femme mariée, Kamila Stösslová, amour platonique car Kamila, qui a 38 ans de moins que le compositeur, est totalement indifférente. Déçu et obsédé par sa passion, il fera un portrait à charge de Kamila dans L'Affaire Makropoulos sous les traits de l'héroïne Emilia Marty soulignant sa froideur et sa dureté¹.

Comme beaucoup de musiciens d'Europe centrale, il va recueillir un certain nombre de musiques folkloriques de sa province (Moravie) pour s'en inspirer. Il se laisse influencer également par des sources slaves, notamment dans les thématiques de certains de ses opéras (dont Katya Kabanova) ou pour sa Messe glagolitique.
La littérature russe constitue aussi une profonde source d'inspiration : son poème symphonique Taras Bulba s'inspire de la nouvelle de Nicolas Gogol, et son opéra De la Maison des Morts est inspiré de l'ouvrage de Dostoïevski. Quant à son premier quatuor à cordes (1923), il porte le sous-titre de Sonate à Kreutzer en référence à la nouvelle homonyme de Tolstoï, elle-même écrite en référence à la 9e Sonate de Beethoven.

Il meurt le 12 août 1928 des suites d'une pneumonie contractée lors d'une promenade en forêt près de Hukvaldy. Selon sa volonté, le final de La Petite Renarde rusée sera joué à ses funérailles.

Ce n'est qu'à 61 ans, à l'occasion de la reprise à Prague de l'opéra Jenufa que Janáček atteint une reconnaissance internationale. Sa musique est singulière, portée par une écriture étrange et reconnaissable entre mille. Sa complexité rythmique et son orchestration éclatée ont pu passer pour de la gaucherie. Le chef Charles Mackerras est à l'origine de la redécouverte du compositeur dans les années 1950 en revenant à la verdeur et la causticité des partitions originales et en propageant ses opéras dans la langue du compositeur.

Leoš Janáček laisse environ 150 œuvres musicales.

Robert Kajanus est un compositeur et chef d'orchestre finlandais né le 2 décembre 1856 à Helsinki et décédé le 6 juillet 1933 dans la même ville.

En 1868, il prend des cours de théorie musicale puis de composition avec Richard Faltin (1835-1918). En 1874, il fait la connaissance d'Elias Lönnrot qui a compilé le Kalevala, l'épopée nationale finlandaise. Il rencontre également Jean Sibelius, alors élève à l'Institut de musique d'Helsinki de Richard Faltin. De 1877 à 1880, il rejoint Leipzig afin d'étudier auprès de Carl Reinecke puis auprès de Johan Svendsen à Paris.

Il fait ses débuts de chef d'orchestre à Helsinki en 1878 où il défend l'œuvre de Sibélius puis de Leevi Madetoja notamment. En 1882, il fonde la Société orchestrale d'Helsinki, qui deviendra plus tard l'Orchestre Philharmonique d'Helsinki. Il dirige cet orchestre jusqu'à la fin de sa vie.
En 1889, il entreprend des études de direction auprès d'Hans von Bülow, avant de diriger pour la première fois l'Orchestre Philharmonique de Berlin l'année suivante.

Le compositeur allemandbWalter Rudolph Niemann (10 octobre 1876 - 17 juin 1953) était aussi un arrangeur et critique musical allemand.

Né à Hambourg, Niemann est le fils du compositeur et pianiste virtuose Rudolph Niemann (1838-1898). Son oncle, Gustav Adolph Niemann (1843-1881), était un violoniste et une figure musicale importante à Helsinki. Walter Niemann a étudié avec Engelbert Humperdinck dans sa jeunesse à Leipzig. Il entra ensuite au Conservatoire de Leipzig où il fut l'élève de Carl Reinecke. Il a poursuivi des études doctorales en musicologie à l'Université de Leipzig sous la direction de Hugo Riemann et Hermann Kretzschmar, et a obtenu son doctorat en 1901. Sa thèse portait sur les ligatures anciennes et la musique mensurale.

Niemann a d'abord travaillé comme professeur à Hambourg, puis il a été rédacteur en chef de la "Neue Zeitschrift für Musik" à Leipzig de 1904 à 1906.
De 1907 à 1917, il est rédacteur et critique pour les "Neueste Nachrichten" de Leipzig. Au cours de ces années, il a également enseigné au Conservatoire de Hambourg.
En 1927, H. Abert, dans l'Illustriertes Musiklexikon, a qualifié Niemann de "plus important compositeur pour piano d'aujourd'hui, qui sait faire de la musique à la fois fine et colorée, bien qu'il s'égare souvent dans le salon".

Les compositions de Niemann comprennent 189 numéros d'opus, dont plus de 150 sont des œuvres pour piano seul, principalement des pièces de caractère. Il a également composé des sonates pour violon, plusieurs œuvres orchestrales et de la musique de chambre. Niemann est l'un des rares compositeurs allemands à avoir exploré la musique impressionniste. Ses œuvres sont caractérisées par la couleur et l'exotisme, et les titres reflètent des intérêts pour le passé ("Du temps de Watteau", "Sanssouci", "Porcelaine de Meissen"), et des sujets exotiques sur des titres poétiques ("Vieille Chine, op. 62", "Le jardin d'orchidées, op. 67", "Le pavillon exotique").

Son livre Masters of the Piano : past and present, publié en 1919, est considéré comme un classique. Il a également écrit des biographies populaires de compositeurs ; sa biographie de Brahms mettait l'accent sur les racines nord-allemandes du compositeur au détriment de sa retraite viennoise et de son libéralisme. En tant que critique, il critiquait ouvertement les compositeurs "pathologiques" et "sensuels" comme Richard Strauss, Mahler et Arnold Schoenberg, et fut menacé en 1910 d'un procès en diffamation par le compositeur Max Reger. Il a fait l'éloge des nationalistes et des compositeurs influencés par le folklore comme Hans Pfitzner, Sibelius et Edward MacDowell, et a contribué à populariser les compositeurs scandinaves en Allemagne.
Après la Seconde Guerre mondiale, le point de vue artistique de Niemann et, par conséquent, son œuvre sont tombés en disgrâce.