Kevin Puts, compositeur majeur 

Le compositeur américain Kevin Puts est assurément l’un des grands noms de la scène actuelle. Récipiendaire d'un prix Pulitzer, dès 2012, pour son opéra Silent Night, sa carrière artistique est jalonnée de succès comme son autre opéra The Hours que nous avions particulièrement apprécié. Kevin Puts est également un compositeur qui excelle dans les domaines lyriques et symphoniques. Alors que l’Orchestre symphonique de St.Louis, sous la direction experte de Stéphane Denève, fait paraître un album monographique (Delos), le compositeur répond aux questions de Crescendo-Magazine.    

Cet album présente diverses partitions symphoniques, et à la lecture du livret, on comprend que derrière ces partitions se cache une inspiration narrative, qu'il s'agisse d'événements terribles comme la fusillade qui a eu lieu dans une école à Uvalde en 2022 (Concerto pour orchestre) ou d'une inspiration lyrique avec Night Elegy, qui provient de votre opéra Silent Night. La narration est-elle un support essentiel à la musique ? Ne peut-il pas y avoir de musique abstraite ?

Non, je ne pense pas que ce soit nécessaire du tout. Il y a des cas où je veux faire allusion à l'inspiration pour quelque chose, mais ce n'est pas nécessaire. On m'a parfois poussé à trouver des titres pour aider à programmer plus souvent une œuvre.  Cependant, dans mes partitions très récentes (principalement des concertos), j'ai abandonné ces titres descriptifs, car je ne pense pas que le public en ait besoin. La musique suffit !

Cet album s'ouvre sur votre  Concerto pour orchestre. Lorsque nous lisons le titre « concerto pour orchestre ", nous pensons immédiatement aux célèbres concertos pour orchestre tels que ceux de Bartok, Lutoslawski et même Kodaly. De plus, contrairement à un opéra, une symphonie ou un concerto avec soliste, le concerto pour orchestre n'est pas si courant. Qu'est-ce qui vous a motivé à composer un concerto pour orchestre ? Est-il possible de s'affranchir des autres « modèles » de concertos pour orchestre ?

Stéphane Denève m'a demandé d'écrire quelque chose pour le merveilleux Orchestre symphonique de Saint-Louis, et j'avais en tête depuis quelques années l'idée d'un « concerto pour orchestre », une sorte de pièce de bravoure pour orchestre. J'adore d'ailleurs les morceaux que vous avez mentionnés. J'avais initialement prévu plusieurs mouvements supplémentaires, mais c'est finalement là où j'ai abouti. Comme vous pouvez l'entendre, je n'invente pas une nouvelle approche de l'harmonie, de la mélodie ou du contrepoint, et même mon orchestration s'appuie principalement sur des techniques « éprouvées », à quelques exceptions près. Mais l'histoire que je peux raconter, à travers la forme et la structure générale de l'œuvre, est un domaine dans lequel je pense pouvoir apporter quelque chose de nouveau au public, l'emmener dans un voyage surprenant et inattendu.

Sur cet album, il y a un court morceau intitulé Virelai, basé sur Guillaume de Machaut. Qu'est-ce qui vous attire dans la musique de ce compositeur ?

Il est difficile de déterminer précisément pourquoi une mélodie est si séduisante. Je suppose que s'il existait une formule, tout le monde écrirait des mélodies que l'on ne peut s'empêcher de chanter. Mais j'ai entendu celle-ci lorsque j'étais étudiant à Eastman dans les années 90 et je l'ai toujours aimée. Il y a quelques années, j'ai essayé de la développer à la manière du Bolero de Ravel, mais je n'ai pas eu la patience de laisser l'orchestration se développer progressivement à un rythme aussi lent ! Ou peut-être que la mélodie ne se prête pas à ce traitement. Et dans ce cas, on m'a demandé une courte ouverture de concert. Ce qui est si intéressant dans cette mélodie, c'est que Guillaume de Machaut (qui a vécu de 1300 à 1377) l'a écrite avant que le concept de mesure rythmique (comme 4/4 ou 6/8) tel que nous l'utilisons aujourd'hui dans la plupart des compositions musicales n'existe. La mélodie est donc composée d'une série de groupes de deux ou trois notes appelés « modes rythmiques » utilisés par les musiciens à l'époque médiévale. La mélodie comporte de merveilleuses syncopes, telles que nous les entendons aujourd'hui, et j'ai pris beaucoup de plaisir à trouver un cadre métrique et harmonique pour une mélodie qui n'en avait à l'origine !

Vous êtes originaire de Saint-Louis, et cet album a été enregistré avec l'Orchestre symphonique de Saint-Louis dirigé par Stéphane Denève. Pouvez-vous nous parler de cette collaboration ?

Je dirais que Stéphane Denève et moi sommes des âmes sœurs ! Nous aimons beaucoup les mêmes musiques et en parlons beaucoup... Et j'ai développé une relation vraiment merveilleuse avec l'orchestre au fil des ans, depuis qu'il a créé l'une de mes pièces, sous la direction de Leonard Slatkin, en 2004. Je suis né à Saint-Louis, j'y ai vécu jusqu'à l'âge de dix ans, et ma grand-mère me parlait souvent de l'orchestre et du Powell Hall, qui a été magnifiquement rénové et agrandi pour devenir un centre musical à la pointe de la technologie. C'est donc assez surréaliste de revenir à Saint-Louis en tant que compositeur professionnel, ce que je n'aurais certainement pas pu imaginer lorsque je jouais les bandes originales de John Williams sur le piano de ma grand-mère !

Vous êtes un compositeur actif tant dans le domaine de l'opéra que de la musique symphonique. Comment conciliez-vous votre travail entre le lyrique et le symphonique ?

Je pense que c'est la même chose. Ma musique est toujours lyrique et je raconte toujours une histoire. Mes morceaux de musique préférés sont les concertos pour piano de Mozart, dans lesquels on peut entendre de l'opéra ! Je suppose que c'est en quelque sorte un modèle pour mon propre travail. Je dirais que j'adore travailler avec des textes. Je trouve que la langue anglaise est extraordinairement belle et musicale, et qu'elle se prête très bien au chant si l'on ne s'accroche pas à l'idée erronée que seules les voyelles longues méritent d'être chantées. Je me suis récemment plongée dans l'œuvre d'Emily Dickinson à travers une pièce de la durée d'un concert intitulée  Emily - No Prisoner Be  pour Joyce DiDonato et le trio Time for Three, quatre brillants interprètes et collaborateurs. La musique de cette poésie est d'une beauté bouleversante à mes yeux. J'ai écrit une pièce de 70 minutes sur cette base et je pense que je pourrais en écrire une autre, tant il y a de musique dans les 1 600 poèmes qu'elle a écrits.

Vous êtes également un enseignant très actif. Qu'est-ce que l'enseignement vous apporte ? On dit souvent que l'enseignement permet d'en apprendre davantage sur soi-même. Êtes-vous d'accord avec cette affirmation ?

J'apprends effectivement beaucoup sur moi-même. On « codifie » beaucoup de choses sur son approche de la composition lorsqu'on les exprime à voix haute. J'enseigne à quelques étudiants au Peabody Institute et j'adore travailler avec eux. Ce dont ils ont besoin, c'est d'être soutenus et de croire en ce qu'ils font, et j'essaie de leur apporter cela. J'ai une certaine insécurité en tant qu'enseignant, dans le sens où j'ai peur que mes étudiants pensent que j'attends d'eux qu'ils composent comme moi, ce qui est loin d'être le cas ! Je suis là pour les soutenir en tant qu'individus. Et franchement, ce serait difficile pour eux d'imiter mon style qui, même après toutes ces années de batailles stylistiques, est toujours considéré comme léger, sentimental et rétrograde par beaucoup de connaisseurs. Les étudiants s'en rendent compte assez rapidement. Je pense que lorsqu'ils me voient, mon travail et les choses que j'ai la chance de faire dans ma carrière, ils ne voient pas les difficultés qui vont avec, la confusion que l'on ressent lorsqu'on reçoit de mauvaises critiques après le succès d'un opéra ou d'une première orchestrale. Beaucoup de jeunes compositeurs sont paralysés par la moindre critique, le moindre rejet ou le moindre revers. J'essaie de leur insuffler la confiance qu'ils savent ce qui est bon, qu'ils savent ce qu'ils aiment dans la musique, et que ce n'est pas grave si tout le monde ne partage pas les mêmes valeurs. Il y a une place pour eux dans le monde de la musique.

Quelles sont vos prochaines compositions ? Si ce n'est pas trop indiscret.

Je ne suis pas censé en mentionner certaines, mais je vous invite à découvrir l'enregistrement de  Emily - No Prisoner Be  qui sortira juste après le Nouvel An. Je suis extrêmement fier de cet enregistrement !

Le site de Kevin Puts : www.kevinputs.com

A écouter :

Kevin Puts : Concerto for Orchestra, Silent Night Elegy, Virelai. St.Louis Symphony Orchestra, direction : Stéphane Denève. Delos. DE3620. 

Crédits photographiques :  Dilip Vishwanat et David White