Nerone est un opéra en quatre actes sur un livret en italien. L'œuvre représente une série de scènes de la Rome impériale à l'époque de l'Empereur Néron, illustrant les tensions entre la religion impériale et le christianisme. L'opéra se termine par le Grand incendie de Rome. Boito est mort en 1918 avant d'avoir terminé son travail.

Arrigo Boito est connu comme compositeur de l'opéra Mefistofele, le seul opéra de Faust, en dehors de la version de Gounod, à avoir réussi à s'imposer sur les scènes d'opéra. Il est également connu comme librettiste et traducteur. Il a écrit des livrets pour plusieurs compositeurs italiens, en premier lieu Verdi (Otello, Falstaff), mais aussi Ponchielli (La Gioconda) et Faccio (Amleto). Il a traduit Der Freischütz de Weber et Rienzi de Wagner. Boito a travaillé sur le sujet à partir de 1862, avant même d'avoir terminé Mefistofele.

L'artiste et son frère faisaient partie du groupe Scapigliatura dont le nom fait allusion à des cheveux froncés ou ébouriffés. Ce groupe d'artistes lombards, qui a existé entre 1860 et 1880, se caractérisait par une protestation anti-bourgeoise, une résistance à la rhétorique du Risorgimento et une critique de l'Église et de la religion. En revanche, l'amour sensuel et le "mal" étaient glorifiés. C'est donc logiquement que l'opéra de Faust de Boito porte le nom du diable, que le personnage central de l'Otello de Verdi est le méchant Iago et que l'empereur romain, célèbre pour sa cruauté, s'est proposé comme sujet d'opéra de la Scapigliatura.

Nerone n'était certes pas le premier ni le dernier opéra consacré à la vie et à l'œuvre de l'Empereur romain. On peut citer au moins trois œuvres, le Nero de Georg Friedrich Haendel (Hambourg, 1705), le Néron d'Anton Rubinstein (Hambourg, 1879) et le Nerone de Pietro Mascagni (Milan, 1935).
Aucune de ces œuvres n'a pu s'établir durablement à l'affiche des opéras.

Depuis que Boito a commencé à composer en 1875, peu de temps après la première représentation de la deuxième version à succès de Mefistofele, le livret de Nerone devait être terminé à ce moment-là. On sait que Verdi s'est intéressé au sujet et a encouragé et rassuré Boito. Boito était près de Verdi dans les dernières heures de sa vie. L'année de sa mort, 1901, le livret de Nerone a été publié et il a été largement salué. Outre Verdi, l'éditeur Giulio Ricordi a également tenté de convaincre le compositeur de la qualité de son travail. Par exemple, l'éditeur lui a écrit que Nerone était prêt à être joué même sans l'acte V. En juillet 1911, Boito joua les quatre premiers actes au piano pour Ricordi et ce dernier convainquit le compositeur d'autoriser à présenter l'œuvre pour la première mondiale à La Scala. Cela était prévu pour l'hiver 1911-1912, mais Ricordi est décédé et la première a été reportée. En 1913, le compositeur a parlé à Enrico Caruso de la reprise du rôle titre et le chanteur de renommée mondiale a accepté, mais pour une représentation à New York. Encore une fois, le doute de Boito l'a emporté. Boito a repris une nouvelle fois des parties entières, a rejeté des passages déjà terminés et les a retravaillés. En 1916, il a retiré à nouveau le Nerone -maintenant pour une révision de l'ensemble du premier acte². Mais la mort l'a surpris en 1918.

Au moment de la mort de Boito, qui avait travaillé sur le sujet pendant soixante ans, l'orchestration des trois premiers actes était achevée, mais certaines parties de l'acte IV étaient encore à l'état d'écriture.

Toscanini a proposé à Antonio Smareglia de terminer l'opéra laissé inachevé par le grand écrivain et artiste d'opéra de Padoue. Ayant accepté cette mission, le compositeur, après avoir achevé l'œuvre, en a été inexplicablement privé et chassé, sans explications, par Toscanini lui-même. Une explication plausible serait que Smareglia aurait exposé des doutes sur la validité effective de l'œuvre au chef d'orchestre au caractère coléreux et dictatorial. Toscanini a fait ensuite terminer l'œuvre par Vincenzo Tommasini. La première mondiale a eu lieu à La Scala le 1^er mai 1924, obtenant un grand succès pour l'époque. Par la suite l'opéra a été très rarement joué.

La réduction pour piano a été faite par Ferrucio Calusio (1889-1983). Les parties vocales ont été publiées en 1924, la partition complète en 1925.

Boito avait également écrit une version en prose, en cinq actes, qui représentait son premier objectif, avec un acte final qui est absent dans l'opéra. Dans cet acte, Néron souffre d'une dépression psychologique en récitant l'Oreste, après l'apparition du fantôme d'Agrippina. On retrouve les idées de la scène d'ouverture du drame dans laquelle Néron essaie d'apaiser les mânes et la colère de sa mère. Cet acte, initialement présent dans le livret, a été abandonné sur les conseils de Ricordi.

En 1948, Toscanini dirigea à nouveau l'œuvre à la Scala. Il existe un enregistrement de cette mise en scène. L'opéra a également été représenté à plusieurs reprises par l'Opéra de Rome, d'abord pour l'inauguration de l'opéra en mars 1928, puis en décembre 1945 sous la direction de Gabriele Santini, juste après la chute des régimes totalitaires d'Hitler et de Mussolini, et enfin une nouvelle fois en été 1950, en plein air, dans les thermes de Caracalla.

La première aux États-Unis a eu lieu le 12 avril 1982, interprétée en version de concert par l'Opera Orchestra of New York au Carnegie Hall.

Il existe une traduction allemande d'Ernst Lert, Stuttgart (1928), qui suggère que l'œuvre y a été jouée à l'époque⁸. L'opéra était à l'affiche du Festival de Brégence 2021, mis en scène par Olivier Tambosi et dirigé par Dirk Kaftan. Le rôle-titre était interprété par le ténor mexicain Rafael Rojas.

 

Muriel Emily Herbert, née en 1897 à Sheffield et décédée le 1^er mai 1984, est une compositrice britannique du début du XXe siècle. Une grande partie de son travail est pour voix solo et piano, avec des arrangements de chansons tirées de textes de poètes anglais et irlandais tels que Thomas Hardy, Robert Herrick, Ben Jonson, James Joyce et William Butler Yeats.

Muriel Herbert grandit à Liverpool. Enfant, elle chante et joue de la musique chez elle, car sa mère est directrice de la chorale de l'église. Son frère aîné, Percy, également musicien, l'encourage à étudier la musique, pour laquelle elle a une capacité naturelle¹.

Elle commence à écrire des chansons pour voix et piano à un jeune âge. Son père meurt en 1909 et la famille Herbert doit lutter contre la pauvreté. Hugh Farrie, journaliste au Liverpool Post, encourage Herbert à devenir pianiste de concert, mais son intérêt préféré est la composition.

En 1917, Muriel Herbert reçoit une bourse de Liverpool et fréquente le Royal College of Music de Londres. Elle étudie avec le compositeur irlandais Charles Villiers Stanford et, à la fin de la Première Guerre mondiale, elle reste près de Londres, enseigne à la Wycombe Abbey School pour filles, donne des cours particuliers, donne des récitals et continue à développer ses capacités musicales.

Au début des années 1920, elle rencontre Roger Quilter, qui voit ses œuvres d'un bon œil et les recommande à l'éditeur Augener, qui signe même le contrat comme témoin. Augener publie les chansons Beauty, Cradle Song, Loveliest of Trees, Renouncement et When Death to Each Shall Come en 1923, et Autumn, Most Holy Night et Have you seen but a white lily grow en 1926. Plus tard, Robert Elkin publie quelques-unes des autres chansons artistiques de la compositrice et deux œuvres pour violon et piano (Giboulée et Enchanted April).

En 1925, après avoir épousé un jeune universitaire français, Emile Delavenay, elle se rend à Paris pour sa lune de miel. Là, le poète Tom McGreevey, ami de son mari, la présente à James Joyce. Herbert joue et chante ses versions des poèmes de Joyce, J'entends une armée charger et Lean out of the window. Plus tard, Joyce lui offre des exemplaires dédicacés de ses recueils de poésie, Chamber Music et Pomes Penyeach, ainsi que la permission de publier ses arrangements de ses textes.

Bien que Muriel Herbert ait reçu un ARCM honorifique du Collège royal et ait donné des émissions occasionnelles de sa musique vocale pour la BBC, une grande partie de sa musique reste rarement jouée. Grâce aux efforts d'un ancien élève, Bill Lloyd, et de la fille d'Herbert, Claire Tomalin, sa musique commence à être jouée et enregistrée³. En 2008, James Gilchrist, ténor, Ailish Tynan, soprano, et David Owen Norris, piano enregistrent 36 des chansons d'Herbert avec Linn Records. Ses chansons sont rééditées par BiblioFox Music Publishing⁴.

Le compositeur tchèque Antonín Dvořák est né le 8 septembre 1841 à Nelahozeves (royaume de Bohême) et mort le 1er mai 1904 à Prague.

Ses parents se rendent compte assez tôt des capacités musicales de leur fils et lui font quitter l'école pour l’envoyer en 1853 chez un oncle de Zlonice, où il apprend l’allemand, la langue officielle de l’administration impériale autrichienne, et améliore la culture musicale qu’il avait acquise avec l'orchestre du village. Si des biographies du XXe siècle affirment qu'il a été envoyé à Zlonice pour apprendre le métier de son père (boucher du village) et celui d'aubergiste, il a été prouvé que le certificat d'apprentissage était un faux.

Il poursuit ses études à Česká Kamenice et il est accepté en 1857 à l’école d’orgue de Prague, où il reste jusqu’en 1859. Diplômé et lauréat d'un second prix, il rejoint la Prager Kapelle de Karl Komzak, un orchestre de variétés où il tient la partie d’alto.
En 1862, la Prager Kapelle est intégrée au nouvel orchestre du Théâtre provisoire de Prague, ainsi nommé dans l’attente de la fondation d'un véritable opéra -le Théâtre national de Prague verra le jour en 1881, mais il devra être une nouvelle fois inauguré en 1883 à la suite d’un incendie.

Son expérience de musicien d’orchestre lui permet de découvrir de l'intérieur un vaste répertoire classique et contemporain. Il joue sous la baguette de Bedřich Smetana, Richard Wagner, Mili Balakirev… et trouve le temps de composer des œuvres ambitieuses, dont deux premières symphonies en 1865.

Dvořák démissionne de l’orchestre en 1871 pour se consacrer à la composition. Il vit de leçons particulières, avant d’obtenir un poste d’organiste à l’église Saint-Adalbert (1874).

Alors qu’il obtient ses premiers succès locaux (cantate Hymnus en 1873 sous la direction de son ami Karel Bendl), un jury viennois reconnaît la qualité de ses compositions et lui octroie une bourse qui sera renouvelée cinq années consécutives. Cela lui permet d’entrer en contact avec Johannes Brahms, qui deviendra son ami et le présentera à son éditeur Fritz Simrock. D’autres musiciens illustres comme les chefs d’orchestre Hans von Bülow et Hans Richter, les violonistes Joseph Joachim et Joseph Hellmesberger, et plus tard le Quatuor tchèque, auront fait beaucoup pour la diffusion de sa musique.

Son Stabat Mater, les Danses slaves et diverses œuvres symphoniques, vocales ou de musique de chambre le rendent célèbre. L’Angleterre le plébiscite. Dvořák s'y rend à neuf reprises pour diriger ses œuvres, notamment ses cantates et oratorios très appréciés du public britannique. La Russie, à l'initiative de Piotr Ilitch Tchaïkovski, le réclame à son tour, et le compositeur tchèque fait une tournée à Moscou et à Saint-Pétersbourg (mars 1890).

Célèbre dans tout le monde musical, il est nommé de 1892 à 1895 directeur du Conservatoire national de New York. Il y tient une classe de composition. Sa première œuvre composée aux États-Unis est la 9e symphonie, dite La symphonie Du Nouveau Monde. Son succès est foudroyant et ne s'est jamais démenti depuis la première audition. Une juste reconnaissance qui masque pourtant la beauté et l’originalité des autres symphonies de maturité. Son intérêt pour la musique noire soulève une très vive controverse dont on perçoit l’écho sur le Vieux Continent. Son séjour en Amérique du Nord voit naître d’autres compositions très populaires, comme le 12e Quatuor (dans lequel il emploie des procédés caractéristiques du blues) et le célèbre 2e Concerto pour violoncelle, qui sera terminé sur le sol européen.

De retour en Bohême, où il retrouve sa douce vie à la campagne, il compose plusieurs poèmes symphoniques : L’Ondin, La Sorcière de midi, Le Rouet d’or, Le Pigeon des bois, inspirés par les légendes mises en vers par Karel Jaromír Erben. Dvořák renouvelle le genre en inventant un procédé de narration musicale fondé sur la prosodie de la langue parlée. Ce procédé dit des « intonations » sera repris par Leoš Janáček.

La fin de sa vie est surtout consacrée à la composition d’opéras dont le plus célèbre reste Rusalka, créé en 1901. Pendant cette période, il dirige également le Conservatoire de Prague.

Son œuvre est immense et variée, pour le piano, la voix (lieder), divers effectifs instrumentaux dont l’orchestre symphonique, la musique de chambre, l’opéra, la musique religieuse. Elle est recensée de façon thématique et chronologique dans le catalogue de Jarmil Burghauser.

Sa musique est colorée et rythmée, inspirée à la fois par l’héritage savant européen et par l'influence du folklore national tchèque mais aussi américain (negro spirituals ou chansons populaires). Dvořák est l'un des rares exemples de compositeur romantique ayant abordé avec succès tous les genres, à la seule exception du ballet. Il était considéré de son vivant comme un personnage de stature internationale. En 1904, quelques semaines avant sa disparition, des émissaires de la mairie de Paris firent un voyage en Bohême pour lui remettre une Médaille d'or décernée par le conseil municipal.

Parmi ses meilleurs interprètes,  on trouve ses compatriotes comme l’Orchestre Philharmonique tchèque, les chefs Václav Talich, Zdeněk Chalabala, Rafael Kubelík, Karel Ančerl, le Quatuor de Prague, le Trio tchèque, le chef Sir Charles Mackerras et son arrière-petit-fils, le violoniste Josef Suk -une liste non exhaustive qui ne saurait faire oublier le caractère universel de cette musique.

Il y a 125 ans, le 1er mai 1899, le seul chef d'orchestre et compositeur islandais de renommée internationale, Jón Leifs, est né dans la ferme de Sólheimar en Islande.
En 1916, il se rendit à Leipzig pour étudier le piano au conservatoire de la ville. Il obtient son diplôme en 1921, mais il ne souhaite pas devenir pianiste : il veut être chef d'orchestre et compositeur.
Il a complété ses études de composition auprès de Ferruccio Busoni, entre autres. Dans les années 1920, il a dirigé plusieurs orchestres symphoniques en Allemagne, en République tchèque, en Norvège et au Danemark, devenant ainsi le seul chef d'orchestre islandais à connaître un succès international. Il ne parvint cependant pas à obtenir un poste fixe.
En 1926, au cours d'une tournée en Norvège, aux îles Féroé et en Islande, il donna avec l'Orchestre Philharmonique de Hambourg les tout premiers concerts symphoniques en Islande. Durant cette période, il a également rédigé de nombreux écrits sur la musique et l'interprétation. C'est à cette époque qu'il commence sa carrière de compositeur avec des arrangements pour piano de musique folklorique islandaise.
À partir de 1930 environ, il se concentre de plus en plus sur de grandes œuvres orchestrales, dont certaines n'ont toutefois été jouées qu'après sa mort. La plupart de ces œuvres sont inspirées par des phénomènes naturels islandais. Ainsi, Hekla décrit une éruption du volcan Hekla, tandis que Dettifoss évoque la plus puissante chute d'eau d'Europe, située au nord-est de l'Islande.

En 1935, Leifs est devenu directeur musical de la radio islandaise, mais il a quitté ce poste en 1937 car il n'a pas pu faire aboutir ses idées, et il est reparti en Allemagne.
En 1947, il est retourné en Islande, où il est resté jusqu'à la fin de sa vie. Il s'est engagé pour l'éducation musicale et les droits des artistes, mais aussi politiquement pour la ratification de la Convention de Berne par l'Islande.
La mort tragique de sa fille cadette en 1947 fut un coup dur pour lui. En sa mémoire, Leifs a écrit quatre compositions (Requiem op. 33b, Torrek op. 33A pour voix et piano, In memoriam op. 35 pour chœur de femmes et quatuor à cordes op. 36 Vita et mors).

Leifs a achevé sa dernière composition, Consolation, Intermezzo pour orchestre à cordes, quelques semaines seulement avant sa mort.
Il est mort d'un cancer du poumon le 30 juillet 1968 à Reykjavík.

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Une éducation manquée est une opérette en un acte et neuf scènes.
Le livret français est d'Eugène Leterrier et Albert Vanloo.
Composée en 1878-79, l’œuvre, qui se déroule au XVIIIe siècle, est dans un style d’opérette vif et léger dans lequel Chabrier excellait et s’était perfectionné dans L’Étoile un an environ plus tôt.
Il fut très admiré par Ravel, Hahn et Messager, entre autres.

L'opérette a été créée le 1er mai 1879 dans le cadre d'une soirée organisée par le Cercle international, boulevard des Capucines, avec accompagnement au piano par Chabrier lui-même. Elle fut reprise en mars 1910 à Monte-Carlo et le 9 janvier 1911 au Théâtre des Arts sous la direction de Gabriel Grovlez.
En décembre 1918, Jane Bathori monte la pièce au Théâtre du Vieux-Colombier.
La production parisienne de Diaghilev de 1924, conçue par Juan Gris et dirigée par André Messager, avait des récitatifs de Darius Milhaud pour remplacer le dialogue parlé. Milhaud compose également un air pour Hélène, basé sur une mélodie qu'il a trouvée parmi les manuscrits inédits de Chabrier, les Couplets de Mariette.

La première représentation à l'Opéra-Comique de Paris, sous la direction de Roger Désormière, eut lieu le 24 mars 1938, et elle y atteignit sa 50e représentation en avril 1946. Elle a été reprise occasionnellement, mais parfois avec Gontran transposé pour un ténor.

 

Anne-May Bendien et Frédéric Demoulin, biographes du pianiste Samson François (18 mai 1924 - 22 octobre 1970), annoncent le lancement ce 1^er mai du site officiel dédié au pianiste, à l’occasion du centenaire de sa naissance.
Créé en étroite collaboration avec la famille François, le site ouvre ses portes à l'adresse www.samson-francois.com : une source de lecture et de découvertes incontournables pour les passionnés de ce pianiste auxquels les initiateurs donnent la parole : les anecdotes, documents ou photos, commentaires et propositions sont les bienvenus pour élargir l’univers de Samson François  (contact@samson-francois.com). Ils seront publiés dans la rubrique Les Notes Bleues.
Anne-May et Frédéric sont impatients de partager cette aventure musicale !

 

L’Orchestre national Auvergne-Rhône-Alpes réédite digitalement  tout au long de l’année 2024, sous son label ONA, des albums enregistrés sous la baguette de Roberto Forés-Veses lors de son mandat de Directeur musical entre 2012 et 2021. 

Une première série de parution propose, dès le 26 avril, 4 titres en streaming et en téléchargement.

Roberto Forés-Veses et les musiciens de l’Orchestre national Auvergne-Rhône-Alpes explorent des grands classiques du répertoire pour orchestre à cordes : les Quatuors n°11 en fa mineur  “Quartetto Serioso”  et n°14 en ut dièse mineur de Ludwig van Beethoven dans les célèbres arrangements de Gustav Mahler ; les Sérénades pour orchestre à cordes de Pyotr Ilyich Tchaikovsky et  Antonín Dvořák, mais aussi des oeuvres de Jean Sibelius (Quatuor Voces Intima), de Leoš Janáček (Suite pour orchestre à cordes) et de Bohuslav Martinů  (Sextuor pour cordes). 

 

Partenaire de longue date de l’Orchestre national Auvergne-Rhône-Alpes, la harpiste japonaise Naoko Yoshino est la soliste de concertos et pièces concertantes pour harpe et orchestre de Joaquin Rodrigo, Mario Castelnuovo-Tedesco, Claude Debussy et Joaquín Turina. Deux autres albums seront édités cet été. 

Peu après la désignation de la nouvelle directrice commerciale, on apprend que le hautboïste et chef d'orchestre français François Leleux assumera la direction musicale de la Kammerakademie Potsdam [KAP] à partir de la saison 2025-26, succédant à Antonello Manacorda, qui continuera d'être associé à l'ensemble en tant que chef honorifique. François Leleux a été artiste associé de l'Orchestre de Chambre de Paris et s'est produit en résidence avec des orchestres tels que le hr-Sinfonieorchester et l'Orchestre Philharmonique de Strasbourg, entre autres.
En tant que chef d'orchestre, il travaille régulièrement avec des orchestres tels que l'Orchestre Philharmonique d'Oslo, l'Orchestre Symphonique de Sydney, le hr-Sinfonieorchester, le Philharmonisches Staatsorchester Hamburg et l'Orchestre Philharmonique National de Hongrie.
En tant que soliste, il s'est produit avec des orchestres tels que le New York Philharmonic Orchestra, le Deutsches Symphonie-Orchester Berlin, le Royal Stockholm Philharmonic Orchestra, le Royal Liverpool Philharmonic Orchestra, le Budapest Festival Orchestra, l'Orchestre symphonique de la radio suédoise et le NHK Tokyo Symphony. Orchestre.

L'association de soutien au festival de Bayreuth souhaite réduire sa participation à 15%, la réduisant presque de moitié. La Société des Amis de Bayreuth en a décidé samedi lors d'une réunion de son conseil d'administration à Berlin.

Jusqu'à présent, les amis détiennent 29 pour cent des actions -et donc autant que le gouvernement fédéral et l'État libre de Bavière. L'association de soutien a donné 2,4 millions d'euros pour cette année, soit environ un million de moins que d'habitude.et que sa part d'actionnaire de 29%.

Si l'on suppose qu'ils versaieny habituellement 3,4 millions d'euros par an, il manquera à l'avenir plus d'un million et demi d'euros. De l'argent que les autres actionnaires devraient désormais compenser, mais la crise est passée par là.
Des discussions animées sur la réduction des effectifs du chœur permanent et les coupes dans l'orchestre ont déjà fait la une des journaux.

Le violoniste russe Nikita Boriso-Glebsky s'apprête à donner en première mondiale un concerto pour violon oublié depuis longtemps du compositeur belge Eugène Ysaÿe, aux côtés de The Orchestra Now (TON) et du chef d'orchestre Leon Botstein.

Le Concerto pour violon en ré mineur d'Ysaÿe a été tiré de l'obscurité par le musicologue français Xavier Falques, qui savait que la pièce était conservée dans une bibliothèque de la Juilliard School, mais savait aussi qu'elle n'avait jamais été publiée dans une véritable édition avec des parties orchestrales ni exécutée.

Sa première mondiale aura lieu le 4 mai au Bard College, suivie de près par la première à New York.

Nikita Boriso-Glebsky a remporté les concours de violon Jean Sibelius et Fritz Kreisler. Il fait ses débuts au Carnegie Hall et, dans le même programme, il interprétera également les Variations pour violon et orchestre en mi mineur de Joseph Joachim.