George Carl Johann Antheil, né le 8 juillet 1900 à Trenton, dans le New Jersey, et mort à New York le 12 février 1959, est un pianiste, compositeur et inventeur américain. Il a signé plusieurs musiques de film.

Fils de William et Wilhelmine Antheil, propriétaires d'un petit magasin de chaussures, George Antheil commence à étudier la composition à l'âge de 16 ans avec Constantin von Sternberg, un élève de Liszt, puis avec Ernest Bloch, avant que le manque de moyens ne l'oblige, en 1921, à chercher un mécène à Philadelphie. Sous la protection d’Edward Bok, qui fonde l'Institut Curtis, Antheil prépare une tournée en Europe en tant que pianiste et compositeur.

En 1923, il s'installe à Paris et fréquente James Joyce, Ezra Pound, Ernest Hemingway, Man Ray, Fernand Léger, Erik Satie, Pablo Picasso, Gertrude Stein, Salvador Dalí, Igor Stravinsky...
Le 4 octobre 1924, il fait ses débuts publics à Paris et se donne d'emblée la réputation d'« enfant terrible ».

En 1926 est créée l'œuvre à la fois zénith et nadir de sa carrière, Ballet mécanique, une composition pour seize pianos mécaniques, percussions, sonnettes électriques et hélices d'avion. Dans le projet initial, cette musique de ballet est accompagnée d'un film au titre homonyme réalisé par Dudley Murphy et Fernand Léger. Cette œuvre d'avant-garde reste sans lendemain et, après son échec lors de sa création américaine, George Antheil revient à un néo-classicisme avec le Concerto pour piano (1927).

Antheil quitte Paris pour Berlin. En 1930, la création de son opéra Transatlantic remporte un certain succès lors de sa présentation à Francfort. Mais les conditions économiques et l'avènement du nazisme le contraignent à retourner à New York. Pour subsister, il compose des musiques pour le théâtre et le cinéma, tout en travaillant comme journaliste et correspondant de guerre.

Installé à Hollywood, George Antheil compose sa Quatrième symphonie (1942) et de nombreuses musiques de film, notamment pour « Place aux jeunes » (1937) de Leo McCarey, « L'Ange de Broadway » (1940) de Ben Hecht et Lee Garmes, « Une fille perdue » (1946) de Alfred Santell, « Les Ruelles du malheur » (1949) de Nicholas Ray, « Le Bagarreur du Kentucky » (1949) de George Waggner, « Les Insurgés » (1949) de John Huston, « House by the River » (1950) de Fritz Lang, « Le Violent » (1950) de Nicholas Ray, « L'Homme à l'affût » (1952) de Edward Dmytryk, « Le Jongleur » (1953) de Edward Dmytryk, « Pour que vivent les hommes » (1955) de Stanley Kramer, « Dementia » (1955) de John Parker et « Orgueil et Passion » (1957) de Stanley Kramer.

En 1945, il publie son livre « Bad Boy of Music » à New York.

George Antheil est aussi connu comme ayant, avec l'actrice Hedy Lamarr, déposé le premier brevet d'un système de codage des transmissions appelé étalement de spectre, proposé alors pour le radioguidage des torpilles américaines durant la Seconde Guerre mondiale, bien qu'il ne fût pas appliqué.

George Antheil meurt d'une crise cardiaque à 58 ans.

Johann Anastasius Freylinghausen (2 décembre 1670 à Bad Gandersheim - 12 février 1739 à Halle) était un théologien de l'école piétiste de Halle et un érudit et disciple d'August Hermann Francke. Il fut le deuxième directeur des Franckeschen Stiftungen, un ensemble d'écoles pour orphelins.

Freylinghausen étudia la théologie à Iéna et, en 1695, fut son assistant au ministère à l'église Saint-Ulrich de Halle. A sa mort en 1739, il était curé de Saint-Ulrich et directeur des orphelinats et des internats.

L'importance de Freylinghausen réside dans ses réalisations administratives pour tous les districts de l'hymnologie. Il a lui-même écrit 44 hymnes et publié des cantiques. Son "Geistreiches Gesangsbuch" (Recueil de chants spirituels), un cantique contenant 1 500 chants anciens et nouveaux, était connu à l'étranger sous le nom de « Recueil de chants de Freylinghausen ».

Une mélodie de son cantique principal a été combinée avec un texte moderne lorsqu'elle est apparue dans le cantique allemand commun Gotteslob en 2013, le chant pénitentiel "Zeige uns, Herr, deine Allmacht und Güte" sous le nom GL 272.
Il a écrit une mélodie alternative, Die güldne Sonne voll Freud und Wonne, qui a été inclus, avec une ligne de basse de Johann Sebastian Bach, dans le recueil de chansons "Schemellis Gesangbuch". Il comprenait l'air que Lubeck avait mis sur les mots "Die parente temporum" qui ont été traduits par Sir Henry Williams Baker Bart.

Pietro Andrea Ziani (né en 1616 à Venise et mort le 12 février 1684 à Naples) est un organiste et un compositeur italien du XVIIe siècle. Il est l'oncle de Marc'Antonio Ziani, lui aussi compositeur.

Pietro Andrea Ziani est notamment directeur musical à Bergame, où il succède à ce poste à Maurizio Cazzati.

L'un des formats de concert à succès de l'Orchestre symphonique de la WDR est le "WDR Happy Hour", au cours duquel l'ensemble transmet de la musique classique en compagnie de présentateurs de la chaîne pop WDR 2. L'attrait particulier de ces manifestations n'est pas seulement la durée compacte du concert, mais aussi et surtout l'accompagnement divertissant du contenu. La série WDR Happy Hour fait partie de la programmation depuis des années et jouit d'une grande popularité.

Les deux prochains concerts de cette série à succès auront lieu à la Philharmonie de Cologne et au Konzerthaus de Dortmund et permettront au public de faire la connaissance de la cheffe estonienne Kristiina Poska : ancienne boursière du Forum Dirigieren, Kristiina Poska a pris ses fonctions de chef d'orchestre principal du Symfonieorkest Vlaanderen à Gand en 2019.

Franz Schmidt (Presbourg, 22 décembre 1874 – Perchtoldsdorf (près de Vienne), 11 février 1939) est un compositeur post-romantique, pianiste, violoncelliste et pédagogue autrichien.

Son premier professeur a été sa mère, Maria Ravasz, pianiste accomplie, qui lui a donné un enseignement systématique avec les œuvres pour clavier de Bach : C'est par l'orgue d'église que la musique a pénétré pour la première fois mon âme, écrit-il dans son autobiographie. Puis il travaille avec Rudolf Mader et Ludwig Burger et reçoit une formation de l'organiste exceptionnel de l'église franciscaine à Bratislava qui disposait d'un instrument construit par un élève de Gottfried Silbermann. Son premier récital en tant qu'enfant prodige a lieu au Palais Grassalkovich.

Puis sa famille s'installe à Vienne en 1888, lorsqu'il a treize ans. Il étudie brièvement le piano en leçons privées avec Theodor Leschetizky, avant son entrée au Konservatorium der Gesellschaft der Musikfreunde, en 1890, où il étudie la composition avec Robert Fuchs (et à l'Université avec Anton Bruckner dont il est l'admirateur), le violoncelle avec Karl Udel¹ et Ferdinand Hellmesberger. En 1896, il obtient son diplôme avec la mention « Auszeichnung ».

De 1896 à 1911, Schmidt est membre de l'Orchestre Philharmonique de Vienne sous la direction de Gustav Mahler (qu'il admirait comme chef d'orchestre, mais pas comme compositeur) et violoncelle solo de l'orchestre de l'opéra jusqu'en 1914. Il est l'exact contemporain d'Arnold Schönberg et a joué dans un quatuor de ce dernier et, en 1929 tient lui-même la partie de piano du Pierrot lunaire.

Professeur de violoncelle dès 1901, puis de piano à la Musikakademie de Vienne dès 1914, il en devient directeur en 1925⁵, puis recteur de 1927 à 1937.
En tant que professeur de violoncelle, de piano, de contrepoint et de composition (à partir de 1922), il forme de nombreux musiciens éminents : parmi ses élèves les plus célèbres figurent notamment, le pianiste Friedrich Wührer, Bruno Seidlhofer et Alfred Rosé -fils de Arnold Rosé, le fondateur légendaire du Quatuor Rosé, premier violon de l'OrchestrePhilharmonique de Vienne et beau-frère de Gustav Mahler- ; parmi les compositeurs Rudolf Wimmer , Theodor Berger, Marcel Rubin et Alfred Uhl sont dignes de mention. Pour des raisons de santé, il a abandonné en 1937 son enseignement.

Parmi ses amis figuraient Franz Schreker et Joseph Marx.

Schmidt, s'est vu décerner le prix Beethoven par l'Académie prussienne de Berlin en 1902 pour sa première symphonie, « ce qui indique combien ses contemporains l'estimaient ». Deux musiciens de l'avant-garde viennoise, Berg et Schönberg, l'admiraient beaucoup.

En 1951, la Franz-Schmidt-Gesellschaft, fondée à Vienne, encourage les concerts et les recherches sur sa vie et son œuvre. Elle est sise au prestigieux Musikverein.

Considéré comme un compositeur important en Autriche, il est peu connu hors de son pays. Bien que violoncelliste, il laisse peu d'œuvres pour son instrument, mais soigne particulièrement les parties d'orchestre ou de musique de chambre qui lui sont dévolues. Schmidt, qui est l'un des derniers et des plus fidèles élèves d'Anton Bruckner, n'en cultive pas moins un style résolument tourné vers le passé -en dépit de son intérêt pour Schönberg, Debussy et Hindemith Il écrit dans la tradition de Brahms et est également influencé par Max Reger (notamment par l'usage de la fugue, des variations, des thèmes de chorals, des toccatas, chaconne et prélude) et se distingue par son originalité formelle et sa science de l'orchestration.

Il est l'auteur de quatre symphonies, dont les n^o 2 et 4 sont les plus remarquables⁸ et connues, car elles sont les plus originales dans la forme.

La seconde (1911-1913) est en trois mouvements, dont le deuxième est une suite de variations, parmi lesquelles deux font respectivement office de scherzo et d'adagio. Le compositeur s'exprime ici avec une merveilleuse aisance dans un langage spécifiquement viennois, chaleureux, rayonnant de plénitude et de magnificence orchestrale […] La 2^e symphonie de Franz Schmidt demeure donc un des grands moments, non seulement de la symphonie viennoise, mais de l'art de notre siècle.

La très émouvante 4e Symphonie (1932-1933) est dédiée à la mémoire de sa fille décédée peu après sa naissance. Le compositeur nomma cette symphonie Requiem für meine Tochter (« Requiem pour ma fille »).

L'œuvre la plus vaste, la plus importante⁹ de Schmidt, est son oratorio Das Buch mit sieben Siegeln (Le Livre aux sept sceaux (1938), qui demeure rarement joué en raison de la difficulté de son écriture chorale et soliste (la partie du narrateur, Jean, exige une tessiture de ténor particulièrement large ainsi qu’une énorme endurance).
Curieusement, cette interprétation musicale de l'Apocalypse -reflet de la situation de l'époque- est exactement contemporaine de celle de Jean Françaix, dont l'approche musicale est sur tous les plans aux antipodes de la sienne.
Schmidt a également écrit deux quatuors à cordes qui comptent parmi ses œuvres les plus contrapuntiques. S'y retrouve la forte influence de Johannes Brahms, vis-à-vis duquel Schmidt avait la plus grande admiration.

Parmi l'œuvre d'orgue «ouvertement néo-classique», qu'il aborde seulement vers ses cinquante ans, il faut citer le « chef-d'œuvre incontesté » : la Chaconne en ut-dièse (1925). Schmidt n'étant pas organiste, la plupart de ses œuvres pour cet instrument sont créées par un professeur d'orgue de l'Académie, Franz Schütz.

La dernière œuvre du compositeur, malade et désorienté, est une cantate à la gloire de l'Anschluss et d'Hitler intitulée Résurrection allemande, que la mort l'empêcha d'achever.

Juan Pascual Antonio Arrieta Corera (Puente la Reina, Navarre, 20 octobre 1821-Madrid, 11 février 1894)1, connu sous le nom d'Emilio Arrieta, était un compositeur espagnol, avec une production théâtrale exceptionnelle et dont la plus grande contribution à la musique espagnole a été son rôle dans l'établissement de la zarzuela en tant que genre.

Fils d'une des principales familles de Puente la Reina, en Navarre, il est orphelin et déménage à Madrid avec sa sœur Antonia, où il commence ses études musicales. En 1839, sa sœur l'emmène en Italie où il étudie le piano avec le maestro Perelli et l'harmonie avec Mandancini, en privé. En 1841, grâce à la générosité du Comte de Litta, il entre au Conservatoire de Milan où il étudie le piano et l'harmonie avec le maître Nicola Vaccai (entre 1838 et 1846), terminant ses études avec un prix extraordinaire.

En Italie, en collaboration avec le librettiste Temistocle Solera, il compose son premier opéra : Ildegonda, créé en 1846, avec lequel il obtient un grand succès et remporte le prix de composition de la Scala de Milan.
De retour à Madrid, il se fait connaître en 1846 comme chef d'orchestre au Teatro del Circo, où il crée également une symphonie la même année. Il rencontre Isabelle II lors d'une fête au palais. La Reine le prend comme professeur de chant, le nomme compositeur de la Cour trois ans plus tard et fait construire un théâtre dans le palais royal où Arrieta crée son premier opéra en 1849, puis ses nouveaux opéras La conquista de Granada (avec des paroles en italien, également de Solera) en 1850 et Pergolesi en 1851.

Bien qu'il ait eu le soutien de la Reine, après son renversement, il a composé en 1868 la musique de l'hymne de l'écrivain Antonio García Gutiérrez, ¡Abajo los Borbones !

Il est nommé professeur de composition à l'École nationale de musique de Madrid en 1857 et en devient le directeur en 1868, succédant à Hilarión Eslava, poste qu'il occupe jusqu'à sa mort en 1894. Pendant cette période, il a composé de nombreuses œuvres pour des concerts, des concours et des événements académiques. Parmi ses élèves les plus remarquables figurent Tomás Bretón et Ruperto Chapí.

Le renouveau de la zarzuela avec les succès de Barbieri, Gaztambide et d'autres compositeurs, ainsi que la fermeture du Teatro del Real Palacio, ont conduit Arrieta à se laisser séduire par la zarzuela, à abandonner l'opéra et à en produire plus d'une cinquantaine.

En 1853, il crée sa première zarzuela au Teatro del Circo, El domino azul, et trente ans plus tard sa dernière, San Francisco de Sena. Au total, il a écrit cinquante titres, dont le plus célèbre, et le seul qui reste aujourd'hui dans les répertoires habituels, est Marina, sur un livret de Francisco Camprodón. Née comme une zarzuela en 1855, elle fut transformée en opéra et créée au Teatro Real de Madrid en 1871.

En 1871, il reçoit la Gran Cruz de l'Orden de Isabel la Católica et, en 1873, il est nommé académicien de l'Academia de Bellas Artes de San Fernando dans la section musique récemment créée. En 1986, 92 ans après sa mort, il a été nominé pour le Prix Goya dans la section Musique originale pour le film « El disputado voto del Sr. Cayo ». Le film n'a pas de bande sonore et la composition Marina peut être entendue brièvement dans deux séquences, ce qui a suffi pour que les académiciens la considèrent comme suffisamment originale pour concourir pour le Goya.

Bien que le style d'Arrieta puisse être considéré comme conservateur, ses œuvres, riches en mélodies, oscillent entre les références locales et l'italianisme qu'il n'abandonnera jamais.

À l'occasion du 200e anniversaire de sa naissance, diverses manifestations ont été organisées à Pampelune et à Puente La Reina du 18 au 23 octobre 2021. La célébration s'est achevée le 30 décembre 2021 par un concert dédié à San Francisco de Sena, la dernière zarzuela composée par Arrieta.

 

Dans le but de jeter des ponts entre le riche patrimoine de la musique classique et les dynamiques culturelles contemporaines, le projet ÁGORA est une initiative menée par l'Association espagnole des orchestres symphoniques (AEOS) en collaboration avec les principales associations et entités du secteur de la musique classique en Espagne : Association espagnole des festivals de musique classique (Festclásica), Association des groupes espagnols de musique ancienne (GEMA), Association espagnole des théâtres, festivals et saisons d'opéra stables (Ópera XXI) et Réseau des organisateurs de concerts éducatifs et sociaux (ROCE).

Sous le slogan "Réimaginer la liturgie de la musique classique", ÁGORA 2024 invite à une réflexion profonde sur les traditions et les pratiques qui définissent ce genre, en proposant une révision critique et une mise à jour qui répondent aux besoins et aux attentes de la société d'aujourd'hui.
Selon les mots d'Andrés Lacasa, président de l'AEOS, "ce rendez-vous bisannuel, qui se tient pour la première fois et en collaboration avec les principales associations du secteur, se propose comme un forum d'analyse et de dialogue pour renforcer la position de la musique classique dans l'Espagne du XXIe siècle".

Chamber Music America (CMA) a annoncé les lauréats des nouveaux prix. Pour être pris en considération, les ensembles devaient être nommés par les membres de la CMA, puis des panels indépendants du domaine ont procédé à un vote pour déterminer le résultat final.

Le prix Ensemble/Projet de l'année a été décerné au Quatuor Dalí, pour son talent artistique exceptionnel, sa musicalité et son impact novateur sur le paysage de la musique de chambre.

Le prix de la commande/nouvelle œuvre de l'année a été décerné à Kyle Rivera pour l'œuvre Anaglyph, commandée par le Cross-Country Chamber Consortium. Ce prix récompense un talent de composition exceptionnel et sert de catalyseur pour la promotion de la composition pour petit ensemble en tant que forme d'art dynamique et évolutive.

Le prix de la collaboration interdisciplinaire de l'année a été décerné à Rivers in Our Veins d'Allison Miller. Ce prix récompense les efforts extraordinaires qui font le lien entre la musique et d'autres formes d'art, notamment la danse, le théâtre, les arts visuels, le cinéma, la littérature et bien d'autres encore.

Le Catalyst Quartet a reçu le prix de l'album de l'année pour son disque Uncovered, Vol. 3 : Coleridge-Taylor Perkinson, William Grant Still & George Walker. Ce disque a démontré un jeu d'ensemble exemplaire et a contribué à la découverte de compositeurs jusqu'alors inconnus.

Le prix de l'impact communautaire et du présentateur de l'année a été décerné à National Sawdust. Anciennement appelé CMAcclaim Award, ce prix récompense une personne ou une organisation qui a apporté une contribution profonde et durable à sa communauté par la présentation de concerts de musique de chambre, d'initiatives de sensibilisation à l'éducation, de collaborations avec des musiciens et des organisations locales, ou de programmes de développement du public.

Afa Dworkin a été désignée Défenseur des arts de l'année. Ce prix souligne le leadership exemplaire et l'engagement à faire progresser les arts au niveau local, national ou de l'État.

En 1995, Robert Badinter publie une pièce de théâtre intitulée C.3.3. autour du procès consécutif au scandale Queensberry ayant amené à une condamnation d'Oscar Wilde. Sa première représentation a lieu au Théâtre national de la Colline à Paris, dans une mise en scène de Jorge Lavelli.

Au début des années 2010, il écrit le livret d'opéra Claude, d'après la nouvelle Claude Gueux de Victor Hugo, sur une mise en musique de Thierry Escaich.
L'œuvre est créé à l'opéra de Lyon, le 27 mars 2013.

En 2019, Robert Badinter a reçu le grand prix de la Société des gens de lettres (SGDL) de la non-fiction pour Idiss, biographie de sa grand-mère

La Fundación Orquesta y Coro de la Comunidad de Madrid (Fondation ORCAM) a annoncé le nom de sa nouvelle directrice artistique et chef d'orchestre pour les quatre prochaines saisons : la maestra mexicaine Alondra de la Parra (née en 1980 à New York) a été choisie pour diriger l'orchestre à partir de la prochaine saison 2024/2025.
Le choix d'Alondra de la Parra marque le début d'une nouvelle ère inspirante pour la fondation ORCAM, qui a également une nouvelle directrice générale depuis l'année dernière : María Antonia Rodríguez, qui a rejoint ORCAM en provenance de la Fundación Baluarte de Navarra.
Elle explique : Alondra de la Parra est une artiste douée -la candidate idéale pour atteindre nos objectifs artistiques et nos objectifs en tant que fondation publique engagée envers les citoyens. À l'excellence artistique et à la grande expérience d'Alondra de la Parra s'ajoutent son leadership ainsi que son lien particulier avec le public, ce qui fait d'elle la personne la plus appropriée pour diriger les projets que nous mettrons sur pied avec travail et enthousiasme à partir de la saison 24/25.