Leon Kirchner (Brooklyn, 24 janvier 1919 - Manhattan, 17 septembre 2009) est un compositeur et pédagogue américain.

Kirchner est né à Brooklyn, New York, de parents juifs russes. Il reçut ses premières leçons de piano à l'âge de 4 ans. Cependant, c'est sur la côte ouest des États-Unis que se fera son apprentissage musical. Pendant son séjour en Californie, son professeur de piano le présenta au compositeur Ernst Toch, qui avait remarqué ses premières compositions de jeunesse. Sur ses conseils, Kirchner rencontra Arnold Schoenberg à l'Université de Californie à Los Angeles où il suivit son enseignement.
Par la suite, il entreprit des études supérieures avec Ernst Bloch à l'Université de Berkeley. Ayant gagné la plus haute récompense musicale de l'UCLA, le Prix de Paris, il avait espéré partir travailler en Europe, mais fut empêché de voyager à cause de la guerre, et au lieu de cela, il partit à New York où il reçut des leçons privées avec le compositeur Roger Sessions. Kirchner a enseigné ensuite au Conservatoire de San Francisco, à l'Université de Californie du Sud pendant les années 1950, ainsi qu'à Mills College à Oakland en 1954.

Enseignant à l'Université Harvard à partir de 1961, et cela pendant trente années, il se distingua notamment comme pianiste et chef d'orchestre, dirigeant ses œuvres et le répertoire classique avec de grandes formations, jusqu'à sa cessation d'activité d'enseignant en 1989.

Le style musical de Kirchner est grandement influencé par Schoenberg bien qu'il n'employât pas la technique dodécaphonique, préférant un langage chromatique linéaire ponctué de rythmes irréguliers. Kirchner reçu de nombreux prix tout au long de sa carrière.

Kirchner est resté actif pendant les années 1990, composant son Concerto pour violoncelle et orchestre, l'œuvre la plus connue de cette décennie, qui fut créée par Yo-Yo Ma et le Philadelphia Orchestra.

Curieusement, pour un compositeur dont la musique est intrinsèquement si subjective et dramatique, son unique opéra, Lily, d'après Saul Bellow, dont la première eut lieu à l'opéra de New York en 1977 près de 20 ans après sa conception, fut un échec auprès du public, bien que Kirchner restât toujours optimiste quant à une possible seconde vie de l'œuvre. Les quatre quatuors à cordes sont représentatifs de l'évolution du style du compositeur. Le premier fut achevé en 1949, c'est une œuvre intense en quatre mouvements, très bartokienne dans la tonalité, avec des accents bergiens, ce qui sera encore davantage prononcé dans des œuvres postérieures, comme le second quatuor de 1958. Avec le troisième, gagnant du Prix Pulitzer de musique en 1966, Kirchner (aidé par son élève Morton Subotnik) explore, dans un style plus traditionnel, la relation entre les sons naturels et les sons électroniques, tandis que le quatrième, écrit vers la fin de sa vie, montre typiquement "sa dernière façon" dans son style, toujours léger, harmoniquement riche et dont la dialectique est pertinemment argumentée.

La musique de Kirchner a été jouée par de nombreuses personnalités, dont Peter Serkin, Yo-Yo Ma, James Levine et Olivier Knussen, et le compositeur reçut des commandes de grandes institutions telles les Fondations Ford, Fromm et Koussevitzky, le New York Philharmonic, le Philadelphia Orchestra, le Boston Symphony Orchestra, le St Paul Chamber Orchestra, et les festivals de musique de chambre de Spoleto et Santa Fe.

Des enregistrements de la plupart de ses œuvres sont disponibles, dont un disque remarquable des quatre quatuors par le Orion String Quartet, pour lequel il écrivit le quatrième.

Ses élèves notables sont Richard Wernick, John Adams, Lawrence Moss, Allen Shawn, Jonathan Kramer, Tison Street, David Borden, Alan Gilbert et Curt Cacioppo.

Andrea Bernasconi (1706- Munich, 24 janvier 1784) est un compositeur italien, auteur de nombreux opéras.

Né peut-être à Marseille, il était fils d'un officier français d'origine italienne qui s'est installé à Parme après avoir accompli son service militaire.
On sait peu de choses sur sa formation musicale et ses premières années en tant que compositeur. Les seules informations sur son compte pour cette période proviennent presque exclusivement des livrets de ses œuvres écrites entre 1737 et 1774, dans lesquels il est présenté comme un « dilettante » milanais ou un habitant de Vérone.
De 1744 à 1753, il a été maître de chapelle du Pio Ospedale della Pietà de Venise.
En 1747, il a épousé à Parme Maria Josepha Wagele (1722-1762), qui avait déjà une fille, Antonia. Bernasconi a reconnu cette fille, lui donné des leçons de musique et l'a aidée à se lancer dans la carrière de chanteuse lyrique.
Le 1^er août 1753, il a été nommé vice-Kapellmeister (vice maître de chapelle) à Munich par le Prince-Electeur de Bavière Maximilien III. À la Cour de Munich, il était également professeur de musique de la princesse Marie Anne et du Prince Électeur. Lorsque Giovanni Porta est décédé le 7 septembre 1755, Bernasconi lui a succédé au poste de Kapellmeister (de ce qui est devenu plus tard l'Orchestre de l'Opéra d'État de Bavière) et a été nommé titulaire officiel en 1778 par l'électeur Charles-Théodore.
Après sa mort en 1784, son poste a été occupé par Franz Paul Grua.

Ses nombreuses œuvres de musique sacrée ont été détruites en 1944 lors de l'incendie de la Allerheiligen-Hofkirche. Ces compositions comprenaient 34 messes, 6 credos, 2 Requiem, 17 litanies, 35 vêpres, 3 Te Deum, 6 Stabat mater et de nombreuses autres œuvres à usage ecclésiastique.

Le ministre de la culture a alloué 80 millions d'euros pour la construction d'un nouvel opéra à Iasi, qui compte 250 000 habitants.

L'opéra actuel compte 750 places, ce qui est trop peu pour la demande locale.
Le nouvel opéra ouvrira ses portes en 2027.

Les 25 et 26 janvier, l'Orquesta Sinfónica RTVE présentera au Teatro Monumental la première du Concerto pour cor du compositeur Fabián Panisello avec Radovan Vlatkovic en soliste,  sous la direction d'Erik Nielsen.

Issue d'une proposition du Festival d'Émilie-Romagne en association avec le Festival de Ljubljana et l'Orchestre Toscanini, la première du Concerto pour cor était prévue pour 2020, mais elle a d'abord été reportée et finalement annulée en raison de la pandémie. L'œuvre, cependant, a été développée à partir de conversations avec Radovan Vlatkovic, et Panisello y propose trois approches de l'instrument soliste.

Selon le compositeur, "à partir d'un cantus firmus médiéval, une alternance entre l'élément mélodique médiéval subtilement indiqué et la pulvérisation harmonique de l'orchestre devient la racine et la figure de désinence du mot, la partie accentuée et la partie légère du mot. Il s'agit donc d'une réflexion sur le langage partagé entre l'un et l'autre. Le développement de la pièce élargit les deux instances et les deux finissent par se développer linéairement".

Le Septuor pour clarinette, basson, cor, piano, violon, alto, violoncelle, composé en 1952-53, ifut créé le 23 janvier 1954 par le Columbia Chamber Ensemble dirigé par le compositeur.
La partition s'essaie à l'équilibre entre le contrepoint fugué cher à Bach et l'art de la passacaille cher à Anton Webern.

Youri (Youri [1]) Alexandrovitch Falik (30 juillet 1936, Odessa, URSS - 23 janvier 2009, Saint-Pétersbourg, Russie) est un compositeur russe, chef d'orchestre, violoncelliste, membre du conseil d'administration de la section de Leningrad (Saint-Pétersbourg) de l'Union des compositeurs et artiste populaire de Russie. 2009, (Saint-Pétersbourg, Russie) était un compositeur, chef d'orchestre et violoncelliste russe, membre du conseil d'administration de la section de Leningrad (Saint-Pétersbourg) de l'Union des compositeurs, et Artiste du peuple de Russie.

Les influences qui ont formé son style sont celles de I. Stravinsky, P. Hindemith, A. Webern, B. Bartok, S. Prokofiev, N. Myaskovsky, W. Lutosławski et D. Chostakovitch, mais il considérait toute influence comme une étape sur le chemin de l'autodidaxie. Les techniques contemporaines de composition n'étaient pas un dogme pour lui, il les traitait de manière sélective et les interprétait librement. Après tout, la conception technique de ses œuvres (Falik parlait de "plan d'ingénierie") était toujours aussi originale et vérifiée logiquement qu'elle était prédéterminée par la tâche d'incarner un concept artistique. Ainsi, dans une même œuvre, une tonalité élargie et des structures modales coexistent avec des éléments de la technique dodécaphonique ; les thèmes mélodiques alternent avec des thèmes complexes de timbre et de texture et une sonorité colorée ; le rythme rigide, élastique et "gestuel" est remplacé par un développement libre du temps musical, sous forme de récitation ou de chant-monodie. Les intonations de sa musique sont souvent enracinées dans les couches anciennes de la musique folklorique et professionnelle des traditions russe, européenne et juive. Les intonations archaïques, marquées par son propre style et placées dans le contexte stylistique de la musique des XXe et XXIe siècles, déterminent l'image sonore des compositions les plus significatives des œuvres centrales et tardives (telles que le concerto pour violon, les quatuors à cordes, les deuxième et troisième symphonies, la musique élégiaque, les études symphoniques, le concerto della Passione, le mess, le chant liturgique, etc.).

Jaroslav Křička, né le 27 août 1882 à Kelč et décédé le 23 janvier 1969 à Prague, est un compositeur tchécoslovaque.

Jaroslav Křička étudie d'abord à Prague où il est l'élève de Karl Knittl et Karel Stecker. Il complète sa formation à Berlin (1905-1906).
De 1906 à 1909, il est professeur de composition à Jekatarinoslaw (aujourd'hui Dnipropetrovsk) où il fréquente Glazounov et Taneyev.
De 1911 à 1920, il est maître de chapelle à Prague. Dès 1922 il y dirige le Chœur philharmonique. Il crée notamment des œuvres de Leoš Janáček, Vítězslav Novák et Otakar Jeremiáš.
De 1919 à 1945, il enseigne au Conservatoire de Prague, dont il est le directeur à partir de 1942. Après 1945, il se consacre entièrement à la composition.

Křička est l'auteur d'opéras, de musique de film et de scène, de deux symphonies, d'une sérénade à cordes, d'un concerto pour violon, de la musique de chambre et des chansons pour enfants.
Lors des Jeux olympiques d'été de 1936, il remporte la médaille de bronze dans le concours de composition pour sa suite Horácká.

 

Un seul horaire: 20H00.

Le lundi 05 février à 20H00, les 15 demi-finalistes présenteront leur programme devant le public et le jury pour tenter de décrocher une place en finale et une chance de remporter le Concours International d’Art Lyrique de Namur. (Lieu: Salle de concert de l'IMEP)

Voici le lien pour réserver en ligne pour la demi-finale à 20H00

https://www.imep.be/evenements/concerts-concours-international-dart-lyrique-de-namur-cialn-demi-finales-2/

La Philharmonie de Varsovie a choisi Krzysztof Urbański comme prochain directeur artistique, à partir du milieu de l'année prochaine. Il succède au chef d'orchestre polono-russe Andrey Boreyko.

Urbanski, 41 ans, est sur le point d'entamer un mandat de directeur artistique de l'Orchestre Symphonique de Berne. Avant cela, il a été directeur musical à Indianapolis pendant dix ans.

Lady Macbeth du district de Mtsensk, parfois plus simplement Lady Macbeth de Mtsensk, est un opéra en quatre actes de Dmitri Chostakovitch sur un livret d'Alexandre Preis et du compositeur, inspiré de « Lady Macbeth du district de Mtsensk » de Nikolaï Leskov. L'opéra fut créé le 22 janvier 1934 au théâtre Maly de Léningrad et joué simultanément à Moscou au Théâtre d'art de Constantin Stanislavski et de Vladimir Nemirovitch-Dantchenko. Création française dans la version révisée et en français à Nice sous le titre « Katerina Izmaïlova » en avril 1964, direction par Jean Périsson avec Jean Giraudeau. L'opéra était dédié à la première femme du compositeur, la physicienne Nina Varzar.

Après un succès initial, Lady Macbeth fut ensuite dénigré par les autorités soviétiques. Chostakovitch se trouva dans l'interdiction de jouer l'œuvre pendant 30 ans, après quoi il remania l'opéra et le fit paraître sous le titre de Katerina Ismailova (Катерина Измайлова, op. 114). La nouvelle version quelque peu édulcorée fut composée en 1958 et créée en 1962 à Moscou. C'est la version originale qui est la plus souvent jouée.

L'histoire est celle d'une jeune femme esseulée dans la Russie profonde du XIXe siècle. Elle tombe amoureuse d'un employé de son mari, marchand aisé, mais impuissant (ou du moins stérile) et est finalement poussée au meurtre et au suicide.

Le projet initial de Chostakovitch était d'écrire une trilogie consacrée au sort de la femme russe à différentes époques. Katerina Ismaïlova, la Lady Macbeth du premier opéra, devait représenter la femme du XIXe siècle vivant sous la tyrannie des tsars et d'une société fortement patriarcale, tandis que le dernier volet de la trilogie devait être un hymne à la femme soviétique. Mais les déboires que rencontra l'opéra finirent par convaincre Chostakovitch de renoncer à ce projet.

Chostakovitch commença à travailler sur cet opéra le 14 octobre 1930 et l'acheva deux ans plus tard, le 17 décembre 1932. Le récit de Leskov dont il s'inspira prenait lui-même sa source dans un fait divers : une femme avait assassiné de façon atroce son beau-père vieillissant pour hâter l'héritage. Leskov avait enrichi cette intrigue ténue en lui ajoutant des personnages, notamment ceux de Sergueï, l'amant de l'héroïne, et de son jeune neveu Fiodor et en avait tiré un récit bref, précis et puissant. Chostakovitch et Preis modifièrent à leur tour le récit de Leskov en supprimant le meurtre du jeune Fiodor, propre à aliéner la sympathie que le spectateur peut éprouver pour l'héroïne, Katerina. Le compositeur tenait en effet à ce qu'elle apparaisse comme un personnage à la nature complexe, tragique, et en aucune manière dépourvue de sentiments.

L'originalité de l'opéra tient à un mélange de drame élevé et de farce de bas étage, exprimé à travers une musique oscillant adroitement entre une éloquence tragique, notamment au dernier acte, et une verve caustique typique de Chostakovitch.

Très bien reçue des critiques « réalistes » comme « avant-gardistes », des dignitaires du parti comme du public, l'œuvre déplut cependant à Staline lorsqu'il assista à une représentation en janvier 1936. Un article non signé de la Pravda du 28 janvier 1936, intitulé « Le chaos remplace la musique », contenait une condamnation sans appel de l'opéra de Chostakovitch : « flot de sons intentionnellement discordants et confus », « chaos gauchiste remplaçant une musique naturelle, humaine », « montrant sur scène le naturalisme le plus grossier ».

Chostakovitch pensait que Staline lui-même était l'auteur de l'article, sinon son rédacteur direct. La crudité de certaines scènes sexuelles (le « naturalisme grossier » de l'article), soulignée par la musique, irrita Staline. Les protagonistes, livrés à la luxure et assassins, étaient peu compatibles avec son souci de promouvoir la famille soviétique. De même, le thème de l'opéra, à savoir la prise en main de son propre destin par une femme jusqu'ici passive, n'avait rien pour plaire au dictateur. Enfin, l'esthétique expressionniste de l'œuvre s'accordait mal avec la préférence de Staline pour une musique « simple et accessible à tous », condition d'élévation du niveau culturel du peuple soviétique. La musique de Chostakovitch fut condamnée par le Parti communiste de l'Union soviétique au début de l'année 1936. Lady Macbeth de Mtsensk resta interdit en Union soviétique du vivant de Staline.

Après la mort de Staline et avec les débuts de la déstalinisation, Chostakovitch reçut la proposition de remanier son livret. Il le rebaptisa Katerina Ismaïlova en l'édulcorant. Cette nouvelle version fut donnée le 26 décembre 1962 à Moscou alors que, dès 1959, l'opéra de Düsseldorf avait repris la version d'origine.

Chostakovitch préférait la version remaniée, mais depuis sa mort c'est la version originale, l'opus 29, qui est jouée le plus souvent.