Otto Dienel (* 11 janvier 1839 à Tiefenfurt dans le district de Bunzlau, Basse-Silésie ; † 10 mars 1905 à Berlin-Steglitz) est un organiste et compositeur allemand.

Fils du cantor et organiste Karl Wilhelm Dienel, il reçut très tôt des leçons d'orgue de son père et le remplaça dès l'âge de 10 ans au service religieux. Otto Dienel a passé son baccalauréat au lycée de Görlitz, puis a commencé une formation à l'école normale de Bunzlau.
Après avoir travaillé plusieurs années comme instituteur auxiliaire à Olszanica (Alzenau), il avait économisé suffisamment d'argent pour financer les études de musique auxquelles il aspirait. De 1863 à 1867, Dienel est inscrit à l'Institut royal de musique sacrée et, à partir de 1864, à l'Académie des arts de Berlin. Il y suivit les cours d'orgue, de violon, de chant, de direction de chœur et de composition auprès d'August Wilhelm Bach, Eduard Grell et Wilhelm Taubert.
Parallèlement à ses études, Dienel gagna un peu d'argent de poche en tant que professeur de chant et d'orgue et occupa son premier poste officiel d'organiste dès 1865 à l'église Saint-Barthélemy de Berlin-Friedrichshain, avant de passer plus tard à l'église Sainte-Croix de Berlin-Kreuzberg.
Il conserva ce poste jusqu'à sa mort et y fut nommé directeur musical en 1881.
À l'église Sainte-Marie, Dienel introduisit les concerts d'orgue publics et gratuits réguliers, soutenus par des chanteurs et des instrumentistes, qui rencontrèrent un tel succès que l'église dut souvent être fermée à cause de sa surpopulation. Ces concerts étaient exclusivement financés par des dons et par la vente de programmes. Plus tard, l'engouement pour les dons ayant diminué et des désaccords avec d'autres organistes étant apparus, le conseil paroissial tenta, à partir de 1901, de dissuader Dienel d'organiser des concerts, sous prétexte que ses véritables fonctions de directeur musical en pâtiraient.

En outre, Otto Dienel a travaillé de 1877 à 1898 comme professeur de musique au séminaire berlinois pour les enseignants des écoles municipales et a régulièrement donné des cours particuliers. Parmi ses élèves les plus connus, on compte notamment le futur Thomaskantor Karl Straube. Il s'engagea en outre dans l'association des organistes berlinois, dont il fut d'abord le secrétaire, puis le président de 1895 à 1902. Dienel s'y engagea surtout pour la protection contre le licenciement, l'emploi à vie et le droit à la retraite des organistes.

Dienel était considéré comme un fin connaisseur de la musique de Johann Sebastian Bach et un excellent improvisateur à l'orgue. Plusieurs voyages d'études, entre autres à Londres (1871 et 1885), en Italie (1874) et à Paris (1878), ont marqué son style de composition.
En 1898, il fut nommé membre d'honneur de la Guilde américaine des organistes pour l'ensemble de son œuvre.

Par ailleurs, Dienel s'est intéressé de près à la facture d'orgues et au développement de la technique de l'orgue. C'est ainsi que, sous sa direction, l'orgue Wagner de l'église Sainte-Marie a été modifié à plusieurs reprises et transformé par le facteur d'orgues Schlag & Söhne. En outre, Dienel a publié plusieurs expertises d'orgues et articles spécialisés dans ce domaine.

Otto Dienel a écrit environ 600 œuvres au cours de sa vie, mais seul un quart d'entre elles nous sont parvenues sous forme imprimée. De nombreux manuscrits ont été brûlés pendant la Seconde Guerre mondiale, une autre partie se trouve encore en possession de la famille. Les compositions pour orgue constituent le plus grand nombre de ses œuvres, suivies par les œuvres didactiques. Les compositions de Dienel pour chant, chœur d'hommes et chœur mixte ainsi que les œuvres de musique de chambre sont pratiquement inconnues.

 

À partir du 19 janvier, l'Opéra national grec mettra en scène une rareté du répertoire, l'unique opéra composé par l'emblématique compositrice française Nadia Boulanger : La ville morte, mise en scène par Robin Guarino et dirigée par Neal Goren, grâce à l'orchestration de Joseph Stillwell, Stefan Cwik et David Conte.

L'audacieux opéra La Ville morte, basé sur une œuvre du même titre du célèbre poète italien Gabriele D'Annunzio, qui a également écrit le livret de l'adaptation de l'opéra, raconte l'histoire tragique et scandaleuse d'une obsession érotique, décadente et incestueuse sur fond de fouilles des ruines de l'ancienne cité de Mycènes.
L'œuvre, dont la musique impressionniste est empreinte de références à Debussy, devait être créée à l'Opéra-Comique de Paris en 1914, mais fut finalement annulée en raison du déclenchement de la Première Guerre mondiale.

Marin Alsop sera la nouvelle première cheffe d'orchestre invitée de l'Orchestre de Philadelphie. Le mandat de trois ans de cette New-Yorkaise d'origine débutera à partir de la saison 2024-25.
Dans le cadre de cette fonction, Marin Alsop dirigera l'orchestre lors de plusieurs concerts d'abonnement, d'événements spéciaux, de résidences d'été annuelles ainsi que de tournées nationales et internationales. La première étape sera un voyage en Chine.

Theo Adam est un baryton-basse allemand, chanteur d'opéras et d'oratorios, né le 1^er août 1926 à Dresde où il est mort le 10 janvier 2019.

Comme son compatriote Peter Schreier -qui sera son fréquent partenaire à la scène et dans le studio d'enregistrement, et « l'autre » chanteur classique le plus célèbre de la République démocratique allemande- il est d'abord membre de la chorale de l'église de la Croix à Dresde, avant de faire ses études dans cette ville (de 1946 à 1949) et d'y débuter l'année même de la création des deux républiques allemandes.

À partir de 1953, il est membre de l'Opéra d'État de Berlin et commence à se produire à l'étranger. Jusque dans les années 1980, il est une star internationale, invité aux États-Unis, au Japon, en Argentine et omniprésent sur toutes les grandes scènes européennes, dont le Festival de Bayreuth. Il enregistre beaucoup, travaillant notamment avec Herbert von Karajan, Karl Böhm, Carlos Kleiber, Otto Klemperer, Karl Richter, Marek Janowski et Hans-Joachim Rotzsch et, à partir des années 1980, il se lance dans la mise en scène et l'écriture autobiographique.
En 1984, il crée à Salzbourg l'opéra de Luciano Berio Un re in ascolto dans le rôle de Prospero.

Il reçoit en 1989 l'étoile de l'amitié des peuples, décoration est-allemande dont il est l'un des derniers récipiendaires.

Le 30 novembre 2006, Theo Adam fait ses adieux dans le rôle de l'ermite du Freischütz au Semperoper de Dresde où il commença sa carrière. Il meurt le 10 janvier 2019 dans sa ville natale.

Il a enregistré plus d'une centaine de disques d'opéra.

Sven-Erik Bäck (16 septembre 1919 – 10 janvier 1994 ) était un compositeur , professeur de musique , chef d'orchestre et violoniste suédois .

Il étudie le violon à la Kungliga Musikhögskolan de Stockholm avec Charles Barkel de 1938 à 1943 et la composition avec Hilding Rosenberg de 1940 à 1945 .
Il poursuit ses études à l' Académie de Musique de Bâle, en 1948 avec Ina Lohr et en 1950 avec August Wenzinger , ainsi qu'à Rome avec Goffredo Petrassi de 1951 à 1952 .

De 1940 à 1944 , il joue dans le Quatuor Kyndel et de 1944 à 1953 dans le Quatuor Barkel en tant que violoniste.
À partir de 1953, il fut chef d'orchestre de chambre de la radio suédoise et également directeur des études de la Fondation Edsberg Music Institute.
De plus, il était membre de l'Académie royale de musique suédoise depuis 1961 .

Il a écrit une œuvre considérable, comprenant des opéras, de la musique de ballet, des oratorios, des cantates, des mélodies et des œuvres pour orchestre, orchestre d'harmonie, ainsi que des œuvres pour la scène, la télévision, la radio et le cinéma.

Martin Scherber est un professeur de musique et compositeur allemand, né à Nuremberg le 16 janvier 1907 et mort dans la même ville le 10 janvier 1974.

Martin Scherber est le troisième et dernier enfant de Marie et Bernhard Scherber, premier bassiste dans l’orchestre de l’Opéra municipal.

À cinq ans, il a commencé à jouer du piano et du violon. Il avait l'oreille absolue. Il n’a pas voulu apprendre des notes. Cela provoqua un conflit avec son père et il accepte finalement les notes comme une forme de présentation de la musique. Plus tard sa force était dans l’improvisation du piano.

À treize ans, il écrivait ses premières compositions. Il comprit que la musique naissait dans les profondeurs de l’âme humaine et n’avait pas de modèle extérieur. Ainsi allait se définir son œuvre de vie, au xx^e siècle où la musique connaissait une évolution toute différente : il voulait remonter à la source même de la musique et à ses lois propres.

Depuis septembre 1925, il allait à l'Académie d'État de la Tonkunst à Munich. Pour ce faire, il a reçu des bourses. En même temps, il a étudié la philosophie.

En septembre 1929, il accepte un poste de répétiteur à Aussig-sur-Elbe. En peu de temps, il devient chef d’orchestre et de chœur. Lorsque son contrat a expiré en mai 1933, il quitte la vie publique. À partir de ce moment, il vivait dans sa ville natale.

Les Métamorphoses symphoniques (Metamorphosensymphonien) sont ses œuvres principales, publiées au début des années 1970. Il a écrit sa 1ère Symphonie en re mineur en 1938.
Ses expériences en tant que soldat pendant la Seconde Guerre mondiale l'ont durablement affecté, et la 2^e Symphonie en fa mineur (1951-52)⁵ et la 3^e Symphonie en si mineur (1952-55) montrent une plus grande profondeur.

Martin Scherber mourut à Nuremberg en 1974, des suites d'un accident.

Fred Raymond, de son vrai nom Raimund Friedrich Vesely (20 avril 1900 - 10 janvier 1954) est un compositeur autrichien.

Né à Vienne, Il est le troisième enfant de Vinzenz Vesely, un employé du chemin de fer de l’État autrichien, et de son épouse Henriette, née Dluhos. Les deux parents sont d'origine tchèque. Ils souhaitent que leur fils étudie l'exploitation minière après l'école secondaire, et poursuive une carrière dans la fonction publique. Après la mort prématurée de ses parents, Raymond entre dans une école commerciale et reçoit une formation de banquier. À l'époque, il fait de la musique pour son plaisir personnel et prend des leçons de piano et d'harmonie au Conservatoire de Vienne.

Raymond compose de la musique d'opérette ainsi que de nombreuses musiques de films et de Schlager, qui ont, dans les années 1920 et 1930, un certain succès populaire.
Il devient célèbre en 1925 avec Ich hab mein Herz in Heidelberg verloren (J'ai perdu mon cœur à Heidelberg), et des compositions dans le style typique des années 1920, en particulier Ich hab das Fräulein Helen baden seh'n (J'ai vu Mlle Helen se baigner) ou Ich reiß' mir eine Wimper aus (J'ai perdu un cil).

En raison d'une faiblesse cardiaque, il passe son service militaire dans un service de propagande à l'émetteur militaire de Belgrade. Après la guerre, il a prend une courte pause à l'Orchestre radiophonique de Salzbourg pour aller à Hambourg où il termine ses deux dernières opérettes, Geliebte Manuela (Ma bien-aimée Manuela) et Flieder aus Wien (Lilas de Vienne).

En 1951, il déménage dans une nouvelle maison à Überlingen, où il passe trois ans avec sa jeune épouse Eva-Maria avant de mourir d'une insuffisance cardiaque.

La violoncelliste Camille Thomas fait ses débuts à Madrid avec l'orchestre symphonique de la RTVE
L'Orquesta Sinfónica RTVE et son chef d'orchestre Christoph König proposent dans leur nouveau programme d'abonnement le Concerto pour violoncelle et orchestre "Never give up" de Fazil Say avec la violoncelliste franco-belge Camille Thomas, qui se produira pour la première fois dans la capitale. Le programme sera complété par des œuvres de Xavier Montsalvatge (Kaléidoscope symphonique op. 61) et de Serguei Prokofiev (suites 1 et 2 de Roméo et Juliette).

Never give up est un concerto pour violoncelle et orchestre en trois mouvements que le compositeur et pianiste turc Fazil Say a écrit expressément pour Camille Thomas, qui l'a créé le 3 avril 2018 au Théâtre des Champs-Élysées à Paris et l'a interprété pour la première fois en Espagne en avril 2021 avec la Real Filharmonía de Galicia. Il s'agit d'un plaidoyer pour que le monde mette fin à la violence.

Camille Thomas joue sur le Stradivarius "Feuermann" 1730 prêté par la Nippon Music Foundation.

Le Concours international de cheffes d’orchestre La Maestra aura lieu du 14 au 17 mars 2024 à la Philharmonie de Paris.

On a appris la nouvelle du décès de Phill Niblock, compositeur minimaliste et activiste multimédia.

Phill Niblock, né le 2 octobre 1933 à Anderson (Indiana) et mort à New York est un compositeur, cinéaste et vidéaste américain, directeur de la fondation Experimental Intermedia consacrée à la musique d'avant-garde, basée à New York et détenant une antenne à Gand en Belgique.

Une grande partie de son activité tourne autour de la réalisation de photographies et de vidéos de musiciens de jazz : son film The Magic Sun, abstrait et expérimental, présente notamment la musique de Sun Ra et des membres du Sun Ra Arkestra.

Par la suite, il réalise une série de films intitulée The Movement of People Working. Essentiellement tournés dans les zones reculées de nombreux pays (Chine, Brésil, Portugal, Lesotho, Porto Rico, Hong Kong, région Arctique, Mexique, Hongrie, Adirondacks, Pérou), le film donne à voir le travail quotidien d'habitants de zones rurales ou maritimes.

Ces films sont remarquables par leur caractère réaliste et l'absence d'artifice, leur usage de longs plans en haute définition, et leur juxtaposition brute d'images aux couleurs vives. Ces scènes de travaux manuels humains sont traitées de façon abstraite, sans visée anthropologique ou sociologique explicite.

Les premières compositions musicales de Phill Niblock datent de 1968. Il n'a aucune formation musicale, et ses compositions sont donc travaillées sous un angle intuitif. Il présente ses activités musicales new-yorkaises comme des stimuli, certaines étant mémorables comme la première des Durations de Morton Feldman.
Ses premiers travaux sont tous réalisés sur bande magnétique en 4, 8 ou 16 pistes, en superposant de façon précise des enregistrements bruts de longs accords joués sur des instruments traditionnels.

Depuis la fin des années 1990, il s'est mis à créer sa musique sur ordinateur, en utilisant le logiciel Pro Tools sur un MacIntosh. Ses travaux les plus récents sont caractérisés par une plus grande densité, cumulant parfois jusqu'à 40 pistes.

Phill Niblock a enseigné au College of Staten Island de l'Université de la Ville de New York de 1971 à 1998.

Depuis 2003, il effectuait de nombreux concerts et collaborations avec Thomas Ankersmit. Il a, au cours des décennies précédentes, produit plusieurs œuvres pour orchestre : Disseminate, Three Orchids (pour deux orchestres), Tow for Tom (pour deux orchestres), et 4 Chorch +1, ce dernier étant une commande du Ostrava Music Days 2007 pour chœurs et orchestre avec des soli barytons (Thomas Buckner). Les premiers de ces travaux ont été conduits par Petr Kotik.

Son processus de composition commence souvent avec des enregistrements de simples accords qu'il fait jouer par un autre musicien. Ainsi, dans sa carrière de compositeur, il a collaboré avec un large éventail de musiciens, parmi lesquels on peut citer Petr Kotik, Susan Stenger et Eberhard Blum sur Four Full Flutes, Rafael Toral, David First, Lee Ranaldo, Thurston Moore, Susan Stenger et Robert Poss sur Guitar Too, for Four (G2,44+1x2), Ulrich Krieger, Carol Robinson, Kasper T. Toeplitz et Reinhold Friedl sur Touch Food, et de nombreux autres.

En concert, les musiciens jouent fréquemment en déambulant dans le public, qui interfère ainsi sur la texture sonore. Simultanément, Phill Nilblock s'accompagne généralement en projetant plusieurs films et vidéos (des extraits de sa série Movement of People Working ou des images abstraites contrôlées par ordinateur).
Les concerts prennent fréquemment des formes variées de performances artistiques protéiformes s'étalant sur plusieurs heures.