Dès lors, l’occasion unique qui s’offre de redécouvrir une version de concert de ce bijou oublié est à cueillir sans hésitation. On doit cette renaissance de taille -une superproduction mobilisant 180 artistes, entre distribution, chœur et orchestre- au mano a mano entre l’association Ascanio et la Haute École de musique de Genève (HEM).
Leur collaboration prolonge en quelque sorte la première, qui a vu le jour en 2017. À l’époque, les deux acteurs avaient braqué leurs projecteurs sur Ascanio de Camille Saint-Saëns, donnée pour la première fois dans son intégralité à l’Opéra des Nations.

Le chef d’orchestre et fondateur de l’association, Guillaume Tourniaire, sera une fois encore sur le podium pour ce voyage musical aux reliefs sombres. Car avec La Sorcière, on plonge dans les affres de l’Inquisition, au cœur d’une Espagne, celle du début du XVI^e siècle, lancée dans une chasse impitoyable aux Maures, après avoir porté à terme sa Reconquista.

Rien pour les amateurs de voitures à combustion : dans sa symphonie "A Prayer to the Dynamo", le lauréat islandais d'un Oscar Jóhann Jóhannsson mystifie l'électricité. Et construit une cathédrale de sons électriques et concrets.

Le début de tout univers sonore était autrefois un accord de mi majeur. Il s'est élevé lentement du néant d'une fosse d'orchestre, s'est mis à couler, tout s'est mis à couler, d'abord le Rhin, puis un immense récit. C'était le cas au début de l'Anneau du Nibelung.

Un siècle et demi plus tard, le début de tout univers sonore est un bourdonnement. Impossible à cerner harmoniquement, il gronde de manière sombre. Des surfaces de cordes s'y ajoutent, se superposent, des clarinettes scintillantes les survolent, des cors les appellent. L'espace s'élargit, une cathédrale de sons se forme. C'est à chaque fois le cas dans les quatre mouvements de "A Prayer to the Dynamo", la symphonie perdue de Jóhann Jóhannsson, révolutionnaire islandais de la musique de film (et lauréat d'un Oscar).

Jóhannsson voulait tourner un film en noir et blanc en Super 8 à Elliðaár. Les interfaces entre la foi et l'électronique, entre la technique et la religion ont toujours fasciné ce fils de bidouilleur informatique qui composait lui-même avec son IBM. Le film est resté inachevé jusqu'à la mort de Jóhannsson en 2018 à Berlin.

La prière musicale à la dynamo était prête, elle a été présentée pour la première fois en 2012 à Winipeg. Le label maison de Jóhannsson (et de Guðnadóttir), Deutsche Grammophon, vient de publier le premier enregistrement, réalisé dans la légendaire salle de concert Harpa de Reykjavík avec l'Iceland Symphony Orchestra sous la direction de Daníel Bjarnason.

Comme toujours, il s'agit de variations sur le silence, de récits sur la cause première de l'énergie, de tentatives de rendre audible l'inaudible, de transformer le silence, la sirène en espaces. Personne ne pouvait le faire comme Jóhann Jóhannsson, qui a fait de l'espace un son dans l'habit sonore qu'il a créé pour le drame extraterrestre de Denis Villeneuve "Arrival" et dans le biopic de James Marsh sur Stephen Hawking "Theory of Everything". La musique de film de Jóhannsson s'est toujours tenue à distance et libre de ce qui était concrètement traité dans le film, elle n'a jamais illustré acoustiquement ce que l'on voyait de toute façon, elle livre la chambre d'écho de l'histoire, elle a fourni un récit sous le récit.

"A Prayer to the Dynamo" marque l'évasion finale de Jóhannsson vers l'extérieur. L'œuvre en quatre mouvements est vaguement basée sur un livre du philosophe culturel (et antisémite) américain Henry Adams (1938 à 1918) qui écrivit en 1900, après sa visite à l'Exposition universelle de Paris, sur "la dynamo et la vierge", le lien entre la croyance en Dieu et la technique.

Ce qu'accomplit "A Prayer to the Dynamo", c'est la re-mystification de la technique, la récupération de la magie à l'intérieur du courant.
Bruckner avec les moyens du 21e siècle, en quelque sorte.

Carolina Eyck, la célèbre joueuse de thérémine, une invention révolutionnaire du début du XXe siècle qui fusionne la technologie et l'art, permettant à l'interprète de contrôler la hauteur et le volume au moyen de gestes dans l'air, nous transportant dans un univers sonore énigmatique, selon les termes de l'orchestre lui-même, rendra visite à l'Orchestre de Cordoue pour offrir un concert dans le Gran Teatro de la ville.

Le concert comprendra le Concerto pour thérémine et orchestre " Huit Saisons " du compositeur finlandais Kalevi Aho (°1949), dans un programme dirigé par Nicolás Pasquet, et sera complété par des œuvres allant du classicisme au romantisme, telles que l'ouverture Les Hébrides de Felix Mendelssohn et la Septième Symphonie de Beethoven.

Carolina Eyck (° 1987) est une musicienne sorabe allemande, spécialisée dans le jeu du thérémine, un instrument électronique.
Ses performances à travers le monde ont contribué à promouvoir cet instrument.

Musicienne et compositrice, Carolina Eyck est l'une des plus importantes virtuoses au monde du thérémine. Après ses débuts à l'Orchestre Philharmonique de Berlin, elle a été invitée au Festival international de musique Bohuslav Martinu à Bâle, au Festival de Davos, au Konzerthaus de Berlin, au Grand Festspielhaus de Salzbourg, au Teatro Nacional de Lisbonnen au Palais des Arts de Budapest.
Elle a donné des concerts en Pologne, en République tchèque, au Luxembourg, en Suède, en Finlande, en Grande-Bretagne, en Italie, en Suisse, en Autriche, au Japon, au Mexique, au Portugal, en Hongrie, au Pakistan, en Turquie et aux États-Unis.

Au cours de ses tournées, Carolina Eyck recherche particulièrement à rencontrer d'autres musiciens et ensembles. Elle a collaboré avec Heinz Holliger, Robert Kolinsky, Gerhard Oppitz, Andreï Boreïko, Michael Sanderling, Gürer Aykal, John Storgårds, le Deutsches Symphonie-Orchester Berlin, l'Orchestre Symphonique de Berne, l'Orchestre philharmonique d'Essen, l'Orchestre d'État de Brandebourg, l'Orchestre philharmonique de Stuttgart, l'Orchestre de Chambre de Laponie, l'Orchestre Symphonique de Heidelberg, et l'Orchestre du Mozarteum de Salzbourg. Elle a été musicienne invitée du Ballet de Hambourg pour le spectacle La Petite Sirène de Lera Auerbach au Japon et à San Francisco.

En 2012, Carolina Eyck a joué des solos de thérémine lors des premières de deux symphonies : Mesopotamia et Universe de Fazil Say. Le compositeur finlandais Kalevi Aho lui a dédié un concerto de thérémine qu'elle a interprété pour la première fois en octobre 2012. Le compositeur Régis Campo compose pour Carolina Eyck en 2018 Dancefloor With Pulsing pour thérémine et orchestre. L’œuvre est créée au festival Ars Musica à Bruxelles le 9 novembre 2018 avec le Brussels Philharmonic sous la direction de Brad Lubman.
En plus de ses engagements dans le domaine de la musique classique et contemporaine, Carolina Eyck aime l'improvisation et la composition.

Carolina Eyck a été lauréate de la Compétition internationale pour les compositeurs, organisée par la Radio/TV de Berlin-Brandebourg en 2006. Elle a publié le premier ouvrage extensif de méthode de thérémine intitulé L'Art de jouer du thérémine, et a depuis mené des ateliers, des conférences et des master classes dans le monde entier.

Depuis 2010, elle est directrice artistique de l'Académie d'été du thérémine à Colmar, France.

 

A l’affiche, une nouvelle production de Ifigenia in Aulide de Porpora dans une mise en scène Max Emmanuel Cenčić et l’arrivée au répertoire en Allemagne de Orlando Furioso de Vivaldi, dans une co-production avec Modène et Ferrara.

August Nölck (August Friedrich Robert Nölck), né le 9 janvier 1862 à Lübeck  et décédé le 12 décembre 1928 à Dresde, était un compositeur prolifique, un violoncelliste virtuose, un pianiste et un professeur de musique de l'école allemande du romantisme.
Il a produit plus de 250 pièces musicales, dont beaucoup ont perduré et sont jouées aujourd'hui. Nölck est bien connu pour son répertoire pour violoncelle.

En tant que professeur de violoncelle et de piano, Nölck a composé plus de 300 œuvres, dont des concertos, des caprices, des valses, des concertinas, des gavottes, des menuets, des mazurkas, des marches funèbres, etc. Cependant, en raison des deux guerres mondiales en Allemagne et des divisions politiques des XIXe et XXe siècles, seules ses œuvres produites au Venezuela ont été retrouvées.

Nölck faisait partie de l'école de violoncelle de Dresde, dont faisait partie Friedrich Wilhelm Grützmacher, qui a jeté les bases de l'école technique moderne représentée par Pablo Casals, Emanuel Feuermann et d'autres. La musique de Nölck reflète les styles romantiques de Brahms, Schumann et Mendelssohn.

Nölck étudie la musique au Bernuthsche Konservatorium de Hambourg, en Allemagne, fondé le 1er octobre 1873 par Julius von Bernuth (1830-1903). Le conservatoire était situé au rez-de-chaussée du 15 Wexstrasse et, à une autre époque, à la grosse Theaterstrasse 44, dans la maison du fabricant de pianos Otto Börs. Pendant ses études au conservatoire, Nölck se lie d'amitié avec un camarade d'études, Hugo Rüter (1859-1949), qui deviendra par la suite un compositeur allemand de renom.

Il existe peu d'informations biographiques sur ce compositeur.
August Nölck est né du mariage de Johann Daniel Conrad Nölck et de Maria Margaretha Bohnhoff. Il a épousé Franziska Lewis, la première compagne de l'un de ses amis proches et camarade de classe du conservatoire, Hugo Rüter.

Elliott Cook Carter Jr., né le 11 décembre 1908 à New York aux États-Unis et mort le 5 novembre 2012 dans la même ville, à 103 ans, est un compositeur de musique contemporaine américain.
Premier compositeur à recevoir la National Medal of Arts en 1985, il était considéré comme l'un des plus grands compositeurs du XXe siècle.

Elliott Carter grandit dans un milieu bourgeois, peu attiré par les arts.
Il étudie le piano dès l'école primaire.
Adolescent, il se tourne vers le théâtre et intègre le cercle intellectuel new yorkais au cœur du quartier de Greenwich Village. C'est dans les années 1920 que son goût pour les nouvelles manifestations artistiques le pousse à s'intéresser à la musique moderne, sous la tutelle de Charles Ives qui devient à la fois un ami, un guide et un modèle.
Grâce à lui, le jeune Elliott découvre l'avant-garde musicale à travers des œuvres de Béla Bartók, Edgar Varèse et Carl Ruggles.
Le Sacre du printemps d’Igor Stravinsky le séduit et le décide à commencer une carrière dans la musique comme compositeur.

En 1926, Elliott Carter intègre l'Université Harvard. Il y étudie la littérature anglaise, puis la musique à partir de 1930. Son Bachelor of Arts en poche, le jeune Carter part pour la France et travaille à l'École normale de musique de Paris (1932-1935) avec Nadia Boulanger. Rentré à New York en pleine dépression économique, il est engagé comme directeur musical du Ballet Caravan de 1936 à 1940.

Dans les années 1930, Carter se rapproche du style néo-classique sous l'influence de Stravinsky, d'Hindemith et de Nadia Boulanger. Ce n'est qu'à la fin des années 1940 qu'il parvient à trouver son propre langage, fondé sur le sens de la continuité et sur l'individualisation des différentes couches de la composition.

Écrivant une musique exigeante, loin du style américanisant d'un Copland ou d'un Bernstein, mais loin aussi de l'expérience sérielle, Carter a construit son œuvre dans un grand esprit d'indépendance. Influencé par le philosophe et mathématicien britannique Alfred North Whitehead, défenseur de l'organisme, Carter trouve son inspiration en orientant certaines de ses compositions dans la littérature, la poésie, la danse et le cinéma.

Il a réalisé une synthèse entre les diverses tendances de la musique du XXe siècle et entre des conceptions musicales appartenant à des époques ou à des cultures très différentes. Les orchestres les plus renommés et les plus grands solistes, de même que de nombreux ensembles lui ont commandé des partitions.
Au total, Elliott Carter a composé plus de 150 œuvres d'une très grande variété.

Au cours de sa carrière longue de huit décennies, il remporte deux fois le Prix Pulitzer de musique.
En 1954 et en 1963, il est lauréat du Prix de Rome américain (Rome Prize) en composition musicale.
Il est élu membre de l'Académie des arts de Berlin en 1971.
Dans les années 1980, Carter enseigne la composition, notamment à l'Université Columbia et à la Juilliard School of Music.

À 90 ans, il aborde l'opéra avec What next, créé à l'Opéra de Berlin en 1999 par Daniel Barenboim.

Il meurt le 5 novembre 2012 dans sa ville natale, quelques mois seulement après la création et l'inauguration de sa dernière œuvre, Dialogues II8. Il était âgé de 103 ans.

Carl Friedrich Zelter, né à Berlin le 11 décembre 1758 et mort le 15 mai 1832 dans cette même ville, est un compositeur, chef d'orchestre, théoricien et pédagogue prussien, membre de la seconde école de Berlin.

Carl Friedrich Zelter travaille d'abord comme maçon avec son père puis fait de brillantes études musicales avec, comme professeur, Carl Friedrich Christian Fasch auquel il succède comme directeur de l'académie royale de chant.
Il se fit connaître assez jeune, en particulier par un Concerto pour alto en mi bémol majeur daté de 1779.
Il est aussi membre honoraire (1806)4, puis professeur (1809) à l'Académie prussienne des arts au sein de laquelle il fonde l'association chorale « Liedertafel ».
Ami de Goethe, Carl Friedrich Zelter organise la bibliothèque musicale de Berlin, privilégiant les œuvres de Johann Sebastian Bach.

Il a été le professeur de Felix Mendelssohn et de sa sœur Fanny Mendelssohn.

Ce mercredi 13, l'église paroissiale de San Jerónimo el Real à Madrid accueillera un concert de l'ensemble espagnol La Grande Chapelle, sous la direction d'Albert Recasens. Il s'agit d'une occasion spéciale, puisque les Répons pour les Matines de Noël du compositeur aragonais José de Nebra (1702-1768), qui a passé la plus grande partie de sa carrière à Madrid, sous la protection de diverses institutions, seront joués pour la première fois depuis leur création, il y a 271 ans.
Les huit répons créés en 1752, une révision avec des différences notables par rapport à la version originale de 1750 -jouée au Real Monasterio de la Encarnación- puis conçue pour être jouée à la Real Capilla, seront entendus. Les œuvres ont été éditées pour l'interprétation par Eva Sandoval, Héctor Mejía, Miguel Etayo et Recasens lui-même. Composée pour double chœur et orchestre, La Grande Chapelle sera composée pour l'occasion de huit chanteurs et dix-sept instrumentistes.

Le 13 décembre 2023 à 19:00 en la Salle de concert de l'IMEP, les professeurs et les étudiants mettent Edouard Senny, grande figure de la musique en Wallonie, en valeur pour le 100e anniversaire de sa naissance.
Passionné par les musiques régionales, mais aussi compositeur résolument moderne, il fut toute sa vie professeur de musique, notamment à l’IMEP. Il allie donc modernité (un des premiers dodécaphonistes liégeois), traditions (musique régionale) et surtout pédagogie, trois piliers qui correspondent parfaitement aux missions de l’Institut.

Édouard Senny, compositeur, pianiste, poète belge né à Filot le 22 décembre 1923, meurt dans un accident de chemin de fer le 15 janvier 1980.
Musicien par tradition familiale, Édouard Senny étudie le piano au Conservatoire de Liège. Il le quitte en 1945 pour poursuivre ses études avec Pierre Froidebise (écriture) et René Delporte (piano).
Il adhère au groupe des dodécaphonistes liégeois, révèle au public belge, en 1947, les Variations op. 27 de Webern et rencontre Pierre Boulez à Paris. Ses premières compositions, dodécaphoniques notamment (une sonate pour piano, un quatuor à cordes…), séduisent André Souris, dont il est devenu l’ami.
Mais ses charges familiales l’obligent à se consacrer presque entièrement à l’enseignement (piano, éducation musicale).
Nanti d’une solide formation classique, amoureux de littérature, il occupe ses heures de loisirs à l’histoire locale, au folklore ou à la poésie.
Après le concile Vatican II (1965), il revient à la composition et écrit pour la chorale de son village une musique liturgique qui témoigne des exigences qu’il a formulées en la matière : « Un art humble, simple, impersonnel, quasi hiératique, mais d’une haute maîtrise technique… ».
D’autres œuvres plus ambitieuses naissent ensuite (la Cantate Jésus, un Requiem admiré par Nadia Boulanger, La Lyre à double tranchant sur un texte d’André Souris…).

Devenu professeur d’analyse musicale, il continue à composer (Vitrail pour Jeanne d’Arc, des mélodies pour chant et piano…).

Billetterie : 081/73.64.37 lundi, mardi et jeudi de 8h30 à 12h30 et de 13h à 15h et le vendredi de 8h30 à 11h30
Tarif : 15€ - 10€ (60+) – Gratuit (-26 ans)

 

Avec son entrée en fonction en tant que chef d'orchestre principal, Sir Simon Rattle a également pris en septembre le patronage de l'Académie de l'Orchestre symphonique de la Radio bavaroise. Pour leur premier projet commun, la star du pupitre, appréciée notamment pour son soutien passionné aux jeunes talents, a choisi une œuvre aussi atmosphérique que virtuose : Le Voyage d'hiver de Schubert par Hans Zender.

Le sous-titre "Une interprétation composée" laisse entendre qu'il s'agit de bien plus qu'une orchestration. Hans Zender, décédé en 2019 et l'une des voix les plus importantes de la scène musicale européenne depuis 1945, met ici ses moyens de compositeur entièrement au service du cosmos que Franz Schubert dessine dans son Voyage d'hiver. Une approche prudente, respectueuse et pourtant hautement individuelle et audacieuse, qui permet aux jeunes musiciens du centre de formation du BRSO de faire la preuve de leurs capacités en tant qu'ensemble. La partie vocale est assurée par le ténor Allan Clayton.

La majorité des 18 boursiers actuels de l'Académie BRSO ont commencé leur formation de deux ans cet automne et, pour beaucoup d'entre eux, il s'agit de leur premier projet avec Rattle. Les contenus de la formation de l'Académie, tels que le coaching mental, le jeu en orchestre, la musique de chambre, le travail corporel et le coaching individuel, préparent les jeunes instrumentistes à leur avenir dans l'orchestre.