Hermann Friedrich Raupach (21 décembre 1728 - 12 décembre 1778) est un compositeur allemand du XVIIIe siècle.

Hermann Raupach est né à Stralsund en Allemagne, fils et élève du compositeur et organiste Christoph Raupach (1686-1744) et neveu de l'historien de l'Église luthérienne Bernhard Raupach (1682-1745).
Raupach était claveciniste et devint l'assistant de Vincenzo Manfredini à l'Orchestre de la Cour impériale russe à Saint-Pétersbourg en 1755. En 1758, il fut nommé maître de chapelle et compositeur de la Cour.
Certains de ses opéras ont été joués en russe. Son Alceste (Альцеста, 1758) est considéré comme le "deuxième opéra russe" (après Tsefal i Prokris d'Araja, 1755). Le rôle d'Admète dans cet opéra a été chanté par Dmitry Bortniansky, surnommé l'"Orphée de la Neva".

En 1762, Raupach quitta Saint-Pétersbourg pour Hambourg puis Paris, où il rencontra Wolfgang Amadeus Mozart et improvisa avec lui sur le clavecin à 4 mains. Mozart arrange certains mouvements de ses sonates pour piano et orchestre à cordes. La Sonate pour piano et violon en la majeur, répertoriée comme K. 61,[a] est apparue pour la première fois sous le nom de Mozart dans les Oeuvres de Breitkopf & Härtel en 1804.
Elle faisait partie de la collection du Baron Taddaus von Dürnitz et a été considérée à tort comme une œuvre de Mozart. En 1912, Téodor de Wyzewa et Georges de Saint-Foix ont découvert que le véritable compositeur était Hermann Raupach. Ils pensent que le jeune Mozart a copié cette sonate pour en faire un arrangement pour un concerto pour piano, comme il avait utilisé des œuvres de Raupach dans K. 37, K. 39 et K. 41.

Plus tard, Raupach retourna à Saint-Pétersbourg, où il devint professeur de composition et de chant à l'Académie des beaux-arts de 1768 à 1778. Les compositeurs Dmitry Bortniansky et Yevstigney Fomin comptent parmi ses élèves.

Il meurt à Saint-Pétersbourg.

Le directeur musical de la Deutsche Oper de Berlin, Sir Donald Runnicles, devrait devenir le nouveau chef d'orchestre de la Philharmonie de Dresde.
Comme l'orchestre l'a fait savoir mercredi, un projet de contrat sera prochainement présenté au conseil municipal de la capitale saxonne. L'entrée en fonction est prévue pour la saison 2025-26.

À Dresde, Runnicles (69 ans) succède à Marek Janowski, dont le contrat a expiré cet été après quatre ans. Le natif d'Edimbourg, en Ecosse, restera en poste à la Deutsche Oper Berlin jusqu'à la fin de la saison 2025-26 et fera la navette entre les deux villes, a déclaré une porte-parole de l'opéra.

Le chef d'orchestre du théâtre d'Erfurt, Alexander Prior, quitte prématurément l'établissement. Le jeune homme de 31 ans a signé mardi, à sa demande, un contrat de résiliation, a annoncé le théâtre. "Pour des raisons personnelles, il ne peut plus garantir le bon déroulement des productions à venir dans les prochains mois", a-t-on précisé.
Le contrat de travail du chef d'orchestre prend fin le 1er avril 2024.

Le chef d'origine russe, né à Londres en 1992, avait pris ses fonctions de directeur musical à Erfurt à l'automne 2022. Son contrat était d'une durée de quatre ans avec une option de prolongation d'une année supplémentaire.

En février 2023, Prior a renoncé au poste de GMD car il craignait de perdre sa nationalité américaine en raison des obligations qui y étaient liées. Un contrat d'invité en tant que chef d'orchestre principal lui a toutefois permis de poursuivre son activité artistique avec l'Orchestre philharmonique d'Erfurt.

Prior, qui est également compositeur, a dirigé des orchestres tels que le NDR Elbphilharmonie Orchester, le Bayrische Staatsorchester, le Seattle Orchestra, le Royal Philharmonie Orchestra, le Copenhagen Philharmonie Orchestra, le Norwegian Radio Orchestra, la Camerata Salzburg.
De 2017 à 2022, il a été chef principal de l'Orchestre Symphonique d'Edmonton, au Canada.

Dmitri Iakovlevitch Pokrass, né à Kiev le 7 novembre 1899 et mort à Moscou le 20 décembre 1978, est un compositeur soviétique, pianiste et chef d'orchestre.
Il a travaillé régulièrement avec son frère, Daniil.

Dmitri Pokrass se produit dès l'âge de huit ans comme chansonnier dans les villages et villes alentour.
Après avoir fait les études du piano au Conservatoire Rimski-Korsakov de Saint-Pétersbourg en 1914-1917, sous la direction de Mikhaïl Guelever, il rentre à Kiev et travaille comme accompagnateur.
En 1919, à Rostov-sur-le-Don, il se produit dans la salle de spectacle Krivoï Jimmy et écrit la même année, à la demande d'Anton Tourkoul, une nouvelle version du Chant des partisans de l'Amour connue sous le titre Marche du régiment Drozdovski.
Enrôlé dans la 1^re armée de cavalerie rouge en 1919-1921, il compose à l'occasion de la prise de Rostov la musique de la Marche de Boudienny dont les paroles sont écrites par Anatoli D'Actyle. D'autres morceaux de cette époque reflètent également son expérience militaire, comme Hei, hei sedlaï konei, sur des paroles de Demian Bedny, la cantate Vperiod et la chanson Krasnye kavaleristy, les deux sur des paroles de Sergueï Minine.

En 1923-1926, installé à Moscou, il devient chef d'orchestre des théâtres Palas et Ermitage. En 1926-1935, il est chef d'orchestre et responsable du département musical du Music-hall de Moscou.
De 1936 à 1972, il est directeur artistique de l'orchestre de la Maison de la culture des cheminots située Place Komsomolskaïa (Moscou). Il collabore avec les paroliers Alekseï Sourkov, Vassili Lebedev-Koumatch (Si demain la guerre éclate, 1938), Mikhaïl Issakovski, Boris Laskine (Tri tankista pour le film Les Tractoristes, 1939), Mikhaïl Svetlov. Le poème Zog Nit Keynmol écrit par Hirsch Glick, un résistant détenu au ghetto de Vilnius, est également chanté sur un air composé par Pokrasse.

Il a été nommé artiste du peuple de l'URSS en 1975 et honoré des prix suivants
- Ordre du Drapeau rouge du Travail : 1938, 1969
- Prix Staline : 1941, pour la musique de films Les Marins de Kronstadt (1936) et Si demain la guerre éclate (1938)
- Ordre de l'Étoile rouge : 1943
- Ordre de l'Insigne d'honneur : 1947

Paul Constantinescu, 60 ans

 

Le compositeur roumain d'origine juive Paul Constantinescu (Ploiești, 30 juin 1909 - Bucarest, 20 décembre 1963) est membre de l'Académie roumaine et professeur au Conservatoire de Bucarest. Outre la musique, Constantinescu est doué de talents artistiques pour la littérature (la poésie), l'art (dessin, caricature), la cinématographie. Il manifeste une préoccupation constante pour le folklore et la musique liturgique byzantine, se transformant en chercheur passionné et en un créateur de formes sonores innovantes. Contrairement à la génération précédente qui fait ses études à l'étranger, Constantinescu trouve ses professeurs dans le pays et, à son tour, enseigne avec la flamme pédagogique. Il réussit à tirer ses sources d'inspiration de sa terre natale, même dans ses premières œuvres.

 

Paul Constantinescu commence ses études musicales à Ploiești en 1919, puis au Conservatoire de Bucarest (1929-1933) où il a comme professeurs Mihail Jora (harmonie, composition, contrepoint), Constantin Brăiloiu (histoire de la musique), Dimitrie Cuclin (esthétique musicale). À partir de 1933 jusqu'en 1935 il se perfectionne à Vienne avec Franz Schmidt, Oscar Kahasta et Joseph Marx (composition).

 

Constantinescu est d'abord professeur d'harmonie, de contrepoint et de composition à l'Académie de musique religieuse (1933-1941), puis à l'École de musique militaire (1941-1944), et au Conservatoire de Bucarest jusqu'à sa mort (1941-1963).

En 1935, il fait ses débuts à l'opéra, avec Une Nuit orageuse.

Outre son activité d'enseignant, il a de multiples activités, en tant que violoniste, chef d'orchestre et compositeur. Il entreprend une vaste collection de pièces du folklore (plus tard il travaille avec Ion Petrescu), présente des conférences, des émissions de radio et de télévision. Il est aussi conseiller pour le ministère de la Cinématographie.
Il est élu à l'Académie roumaine en 1963.

 

L'ensemble de l’oeuvre du compositeur montre son souci d’exploiter les ressources du folklore et de la musique religieuse byzantine. Il compose dans pratiquement tous les genres de musique classique, dans « un langage clair et direct » : opéra, mélodies, ballet, concerts symphoniques, musique de film, jusqu'à l'oratorio.
Brillant orchestrateur, il imite parfois les instruments folkloriques ou réalise des effets comiques dans une utilisation ludique des instruments à vent.
Il a reçu deux Prix Enescu de composition (1932 et 1938) et un prix d'État en 1952.

 

Le titre de Citoyen d'honneur de la municipalité de Ploieşti lui a été attribué de manière posthume le 28 mai 2009 à l'occasion du 100e anniversaire de sa naissance, pour sa contribution exceptionnelle à l'enrichissement du patrimoine musical de la ville de Ploiesti, ainsi que pour la promotion de l'image de la ville, à travers la création de son compositeur, à l'échelle nationale et internationale.

 

Chaque année est organisé à Ploieşti le Concours national d'interprétation et de création musicale Paul Constantinescu, pour les élèves, les étudiants et les diplômés, avec les sections piano, violon, chant et composition.

 

Antonio Soler, 240 ans

 

Antonio Francisco Javier José Soler Ramos, plus connu sous le nom de Padre Antonio Soler (baptisé le 3 décembre 1729 et mort le 20 décembre 1783) est un religieux, compositeur, organiste et claveciniste espagnol.

 

Antonio Soler est le principal compositeur pour le clavecin actif en Espagne du XVIIIe siècle si l'on excepte Domenico Scarlatti, Italien qui passa les trente dernières années de sa vie en Espagne et y introduisit son style si particulier, influencé par la musique populaire de son pays d'adoption. Antonio Soler se place directement dans le sillage et la tradition du maître napolitain.

 

Né à Olot dans la province de Gérone, il commence ses études musicales à l'âge de six ans à l'Escolania de Montserrat. Entré ensuite en religion dans l'ordre des Hiéronymites et ordonné prêtre en 1752, il fait partie de la communauté hiéronymite de San Lorenzo de El Escorial et devait y passer le reste de son existence tout en exerçant ses dons musicaux en tant que maître de chapelle.

 

La famille royale de Ferdinand VI et Marie-Barbara, puis celle de Charles III, sont accompagnées dans leur villégiature automnale à l'Escurial par les compositeurs José de Nebra et Domenico Scarlatti. En ces occasions, A. Soler étudie avec Nebra et recueille l'enseignement de Domenico Scarlatti, ou du moins ses conseils. Soler donne également des leçons à l'Infant Don Gabriel, fils préféré de Charles III. Le Prince l'invite à participer à des concerts (des « academias ») organisés au Prado ou à Aranjuez : Soler s'absente ainsi de son couvent pendant plusieurs semaines.

 

Sa liberté et son succès font des jaloux parmi les moines. On le surnomme « le diable en habit de moine ». La venue d'un nouveau supérieur au couvent, Julian de Villegas, très rigoriste, interdit au Padre Soler de quitter son couvent. Soler demande en vain sa mutation. Villegas lui trouve une « tête affaiblie par l'étude immodérée de la musique ».

 

Parmi les points communs entre Scarlatti et Soler, il faut relever leur importante production de sonates pour le clavecin ; ce terme ne correspond d'ailleurs pas, chez ces deux compositeurs, à la sonate classique en 3 ou 4 mouvements : celles de Scarlatti sont en général à un seul mouvement de coupe binaire (deux reprises), celles de Soler également, mais adoptent des structures plus variées.

 

Antonio Soler meurt à l'Escurial en 1783. Il meurt tristement en « demandant sincèrement pardon à toute la communauté ».

 

On apprenait en septembre dernier la découverte d'une nouvelle sonate de Vivaldi par le musicologue et violoniste espagnol Javier Lupiáñez. Après avoir identifié comme vivaldienne une sonate cataloguée sous le nom d'un autre compositeur à la Bibliothèque Nationale de Vienne, Lupiáñez a contacté son collègue Fabrizio Ammetto, spécialiste de Vivaldi, et ils ont rédigé ensemble un article qui sera publié dans le prochain numéro de la revue "Studi Vivaldiani", ainsi que dans l'édition critique à paraître chez Ricordi et à l'Institut italien Antonio Vivaldi (IIAV).

Le comité éditorial de l'IIAV a déjà confirmé la paternité de Vivaldi sur la nouvelle sonate pour violon et basse continue, qui portera le nouveau numéro de catalogue RV 828.

Selon le spécialiste Michael Talbot, il s'agit de l'exemple le plus explicite de "Sonate auf Concertenart" de Vivaldi, c'est-à-dire un type de sonate que Vivaldi utilisait comme "carte de visite" pour mettre en valeur ses grandes qualités de virtuose. Ces sonates sont assez rares dans le répertoire italien avant Tartini, ce qui fait de cette composition une sonate très particulière, puisqu'elle est datée de la deuxième décennie du dix-huitième siècle.

C'est un genre inédit, qui a pris forme en septembre denier au Théâtre de Beaulieu à Lausanne. Engloutis dans un vert pétant, leurs pieds et leurs silhouettes découpées dans une sorte de bulle de tissus criards de 700 m², près de 80 musiciens, placés sous la direction d’Ana María Patiño-Osorio, jouaient les Tableaux d’une exposition de Moussorgski, dans la version orchestrée par Ravel.
Loin du public, en toute discrétion, l’Orchestre de la Suisse romande ouvrait ce jour-là une autre page dans ses annales. Un tournant digital ouvert à l’expérimentation d’une nouvelle forme de diffusion.

Aujourd’hui, l’institution fondée il y a plus de 100 ans par Ernest Ansermet fait savoir, à travers un communiqué, les suites concrètes de cette aventure lausannoise. L’OSR pourra être écouté et vu d’une manière inédite, sous la forme d’un hologramme, lors d’un concert qui sera donné le 24 janvier prochain à Palexpo. L’événement -une première mondiale- s’inscrira dans le cadre de la douzième édition d’artgenève. Le public pourra alors plonger entre les pupitres, dans une Black Box spécialement conçue pour l’occasion.

Le protocole technologiquene constitue pas, à vrai dire, une nouveauté. On ne fera pas l’inventaire de ces artistes qu’on a pu retrouver sur scène sous la forme plus ou moins aboutie d’une projection digitale. La nouveauté ici, est ailleurs: dans les dimensions opulentes de l’opération, tout d’abord. L’entreprise établie à Morges, Cybel’Art, qui a mené à bien l’enregistrement, a capté les mouvements de chaque musicien pour transposer ensuite leurs images dans une dimension virtuelle. Cela a nécessité un dispositif technique conséquent.

Pour parvenir à un résultat concluant, il a fallu faire appel à 70 micros, positionnés à des hauteurs différentes autour des pupitres. Sur le front des images, on est à l’avenant, avec un résultat qui s’annonce tout aussi enveloppant, grâce à l’utilisation de caméras 360 degrés. Par-delà l’événement de Palexpo, les contenus de la captation sont d’ores et déjà au cœur d’un projet de diffusion bien plus étendu. Cet autre volet se déclinera grâce à icologram, logiciel inventé par Cybel’Art qui permettra de décliner ce concert dans une finalité pédagogique. À terme, le site de l’OSR donnera ainsi accès à une immersion visuelle et sonore dans l’orchestre et placera le visiteur au plus près des musiciens. Une expérience interactive qu’aucune autre formation au monde n’a développée à ce jour. Les initiateurs de cette exploration envisagent enfin la conception d’une application spéciale qui rapprocherait, à l’aide d’un casque de réalité virtuelle, tous les publics à la musique classique.

(La Tribube de Genève)

Francesco Antonio Bonporti (baptisé le 11 juin 1672 à Trente ; mort le 19 décembre 1749 à Padoue) est un prêtre, violoniste et compositeur de musique baroque de la fin du XVIIe et de la première moitié du XVIIIe siècle.

Après des études de théologie et de philosophie au séminaire jésuite de la ville de Trente (Italie), puis à Innsbruck (Autriche), et enfin à Rome, Francesco Antonio Bonporti prend des leçons de violon chez Arcangelo Corelli dans cette même ville. Il retourne dans sa ville natale en 1695 en tant que prêtre et commence à publier ses premières œuvres.

Il prend sa retraite en 1740 et se retire à Padoue où il meurt neuf ans plus tard.

Il a influencé Jean-Sébastien Bach dans la conception de ses Invenzioni (littéralement : Inventions), pour clavier, petites compositions polyphoniques d'écriture libre.
Bach a consacré beaucoup de temps à copier les œuvres des auteurs qu'il appréciait. C'est ainsi qu'on lui a attribué à tort certaines œuvres, dont quelques Invenzioni écrites par Bonporti.

Otto Barblan (* 22 mars 1860 à S-chanf en Haute-Engadine ; † 19 décembre 1943 à Genève) est un compositeur, organiste et pédagogue musical suisse. Il a notamment été l'élève d'Immanuel Faißt et s'inscrit dans la tradition compositionnelle de Felix Mendelssohn Bartholdy, tout en ayant trouvé un style original et reconnaissable.

Otto Barblan, est le fils de l'enseignant, organiste et chef de chœur Florian Barblan qui  a notamment publié un recueil de chants ladins, tandis que le grand-père Otto Barblan et l'oncle Domenic Barblan ont été pasteurs dans différentes localités de l'Engadine.

Presque toute sa vie, Otto Barblan est resté étroitement lié à son pays natal et surtout à sa langue maternelle, le rhéto-roman. En 1874, il est entré à l'école normale de Coire, en suivant d'abord la profession de son père. Il y reçoit des cours de piano de Robert Grisch (1824-1893), un élève de Mendelssohn. Après avoir réussi son examen d'enseignant, il décida de consacrer entièrement sa vie à la musique. De 1878 à 1884, il étudie l'orgue et la composition au Conservatoire de Stuttgart et devient l'élève d'Immanuel Faißt et de Sigmund Lebert. C'est également à Faißt que Barblan dédie sa première composition pour orgue. C'est également à cette époque qu'il s'intéresse de près à la musique de Richard Wagner et de Johannes Brahms, qui était alors la plus récente.

Déjà en tant qu'étudiant, Barblan a entrepris des tournées de concerts en Suisse et dans les pays voisins. Après avoir obtenu son diplôme, il devint lui-même professeur suppléant de piano et d'orgue au conservatoire de Stuttgart. Bien qu'il ne quitte ce poste qu'à contrecœur, Barblan quitte Stuttgart en 1885 pour occuper le poste de professeur de musique à l'école cantonale des Grisons à Coire. Il raconta lui-même plus tard dans son autobiographie ("Erinnerungen", Chur 1929) qu'il ne pouvait tout simplement pas résister à l'appel de sa patrie. C'est là qu'il a commencé à travailler de plus en plus dans le domaine de la musique amateur, puisqu'il a été nommé directeur du chœur mixte de Coire et, plus tard, du chœur d'hommes de Coire. C'est à cette époque que ses premières compositions importantes ont vu le jour.

En 1887, on proposa à Barblan le poste d'organiste de la cathédrale Saint-Pierre de Genève. Après une première hésitation -Barblan ne voulait pas quitter sa patrie après si peu de temps- il accepta finalement sur l'insistance d'une délégation venue spécialement pour l'occasion. Un an après son entrée en fonction, on lui proposa en 1888 un poste de professeur de composition et d'orgue au Conservatoire de Genève. En 1892, il devint également chef d'orchestre de la Société de Chant Sacré, dans les années 1889-1900 du Genfer Liederkranz, et à partir de 1901 du Petit Choeur et du Choeur de la Cathédrale de Saint-Pierre.

Barblan ne manquait pas non plus de donner plusieurs concerts d'orgue par semaine pendant les mois d'été, sans compter son activité de musicien amateur auprès de divers petits chœurs profanes et religieux.

Il remplit ses fonctions genevoises avec conscience et compétence jusqu'en 1938, soit pendant plus de 50 ans. La promotion active de l'œuvre de Jean-Sébastien Bach qu'il a menée durant cette période a été fondamentale pour une culture durable de Bach dans la ville. Grâce à son engagement pour sa classe d'orgue, il est rapidement devenu un professeur très demandé par de nombreux futurs organistes de toute l'Europe et d'outre-mer. Il a eu une influence déterminante sur la vie musicale genevoise.

Si l'on considère les dédicataires de ses compositions, il apparaît rapidement que Barblan entretenait des contacts avec de nombreuses personnalités artistiques importantes de son époque (Brahms, Guilmant, Saint-Saëns, Widor). Un contact existait également avec Max Reger et Albert Schweitzer, ainsi qu'avec Karl Straube, qui interpréta sa Passacaille op. 6.

Barblan était citoyen d'honneur de la ville de Genève et Docteur honoris causa de l'Université de Genève.
En 1937, il a été nommé membre d'honneur de l'Association suisse des musiciens.
Une rue de Genève et une rue de Coire portent son nom.
Il est mort à Genève en 1943.

Malgré ses multiples tâches, Barblan a réussi à créer une œuvre de composition vaste et riche. Conformément à son activité, l'accent est mis sur les œuvres pour chœur et pour orgue. La musique pour la célébration de la Calven (1899), une fête patriotique en quatre actes pour solistes, chœur et orchestre, qui commémore la bataille de la Calven de 1499 et l'entrée des Grisons dans la République helvétique de 1798, ainsi que sa composition pour le jubilé Calvin de 1909, sont particulièrement connues. Sa Passion selon saint Luc, composée en 1916 et que l'on peut encore entendre de temps en temps en Suisse, est également importante.

La seule œuvre de musique de chambre de Barblan est son élégiaque Quatuor à cordes en ré majeur, inspiré par le mal du pays. Parmi ses nombreuses compositions pour orgue, on peut citer la Passacaille opus 6, la Chaconne sur si bémol - do - si bémol opus 10 et ses Variations de concert sur si bémol - do - si bémol opus 24, dédiées à Karl Straube.
De nombreuses petites compositions pour orgue, que Barblan a généralement regroupées (Cinq pièces op. 5, Quatre pièces op. 21, Trois pièces op. 22, Quatre pièces op. 26, Quatre pièces op. 28) et ses contributions originales à des recueils méritent également d'être mentionnées. Parmi les œuvres de plus grande envergure, on peut citer la Fantaisie en sol mineur op. 16, sa Toccata op. 23 et son Andante avec variations op. 1.
Barblan a publié l'œuvre d'orgue de César Franck pour la maison d'édition musicale Edition Peters.

Les œuvres de Barblan se distinguent par leur densité de composition et leurs harmonies colorées, mais elles ne sont pas toujours faciles à écouter.

Aujourd'hui, Otto Barblan s'est fait plutôt discret. Son hymne à la patrie, tiré du Festspiel de Calven, qui n'est pas devenu l'hymne national en raison de quelques sauts de tonalité marqués mais jugés trop brusques, est encore joué de temps en temps en Suisse.
Il est plutôt rare d'entendre l'une de ses œuvres dans des concerts d'orgue. Mais dans le cadre du regain d'intérêt pour la musique d'orgue romantique, une redécouverte de ses œuvres se dessine.