Antoine Mariotte est un compositeur français, né à Avignon le 22 décembre 1875 et mort à Izieux le 22 décembre 1944.

En 1894, lors de la croisière sur la frégate Iphigénie, le jeune aspirant écrit à un ami : « Je regrette la musique : vois-tu, si j'avais eu de la fortune, je serais allé au Conservatoire. » Partagé entre sa vie de marin et la musique, il travaille l'harmonie. Il prend part aux campagnes sur le Forfait dans les mers de Chine puis sur le Vinh-Long où il assiste aux derniers épisodes de la guerre sino-japonaise. Il en rapporte une esquisse qui devient une suite intitulée Kakémonos, écrite initialement pour le piano, plus tard orchestrée et exécutée aux Concerts Poulet le 29 janvier 1923 (Panorama, Geishas, Temple au Crépuscule, Fête).

C'est en Orient qu'il lit la pièce d'Oscar Wilde, "Salomé", et qu'il envisage de la mettre en musique. Revenu en Europe, il embarque sur le Marceau puis sur le Magenta où il a, enfin, un petit piano grâce à l'amiral Gervais. Il obtient un congé de six mois et suit, au conservatoire en tant qu'auditeur, les cours de Charles-Marie Widor qui lui présentera plus tard José de Bérys. Après avoir sollicité une prolongation de son congé, il démissionne de la Marine en 1897. Il entre à la Schola Cantorum où il reçoit l'enseignement de Vincent d'Indy qui lui trouve, entre autres, un emploi inattendu de pianiste chez le comte de Chambrun, fondateur du Musée social, à qui il joue chaque jour, pendant 60 minutes exactement, les œuvres classiques, notamment les 32 sonates de Beethoven interprétées par ordre chronologique.

À cause de la santé de sa mère, il revient à Saint-Étienne et y enseigne le piano, devient organiste, dirige l'association symphonique et écrit une opérette Armande. Nommé professeur de piano au Conservatoire de Lyon, il achève la partition de Salomé croyant être en règle avec les héritiers de Wilde et l'éditeur Methuen. En effet, après avoir obtenu l'accord des ayants droit du dramaturge anglais, Richard Strauss découvre à son tour la pièce et demande à son éditeur Fürstner d'en acquérir les droits. La succession de Wilde, particulièrement compliquée, donne lieu à un procès qui tourne à l'avantage des ayants droit contactés par Fürstner. Mariotte apprend que Fürstner s'oppose à la représentation de la « Salomé française » et à la suite d'un voyage à Berlin, il obtient la permission de faire jouer son ouvrage pendant une saison, à condition de verser 40 % de ses droits à Richard Strauss, 10 % à Fürstner et de remettre à la clôture de cette saison toutes les partitions et le matériel d'orchestre à Fürstner pour être anéanties. Romain Rolland, ayant lu un article de Mariotte dans la Revue internationale de musique, le conseille et obtient de Strauss un acte de générosité. Ainsi, le 30 octobre 1908, avec M^lle de Wailly dans le rôle de Salomé, l'œuvre de Mariotte est présentée au Grand-Théâtre de Lyon et a du succès. Elle est reprise à Paris en 1910 à la Gaîté-Lyrique, tandis que la Salomé de Strauss est à l'affiche de l'Opéra. Après avoir été jouée à Nancy, au Havre, à Marseille, à Genève, à Prague, la Salomé de Mariotte est représentée à l'Opéra de Paris le 1^er juillet 1919 avec pour interprète Lucienne Bréval.

Au moment de la guerre, il est envoyé à Salonique et attrape le paludisme. La paix revenue, il prend en 1920 la direction du Conservatoire d'Orléans, où il transmet tout son savoir à René Berthelot, qui lui succédera. Puis il prend la direction de l'Opéra-Comique en 1937 jusqu’à la guerre de 1939.

En 1913, il donne à Lyon son deuxième ouvrage, le Vieux Roi sur un livret de Rémy de Gourmont, qui, malgré le succès de sa première représentation, n'a plus été produit à la suite d'une plaisanterie lancée par un spectateur déclenchant un rire général à la troisième représentation.

Outre Nele Dooryn (livret de Camille Mauclair), un opéra comique en 1912, Léontine sœurs (livret d'A. Acremant), une opérette jouée au Trianon en 1924¹, il faut citer Esther, princesse d'Israël sur un livret d'André Dumas et Sébastien-Charles Leconte, créé à l'Opéra le 28 avril 1925 sur des décors de Georges Mouveau et Gargantua représenté pour la première fois à Paris au théâtre national de l'Opéra-Comique le 17 février 1935 avec cent-quatre costumes dessinés par René Gontran Ranson.

En 1930, il écrit une Cantate pour le centenaire de la Conquête de l'Algérie exécutée à Alger dans l'enthousiasme des fêtes.

En 1934, il représente ses Impressions Urbaines écrites pour le piano et jouées par Édouard Risler en 1921, qui trouvent sous la forme du poème symphonique un élargissement bénéfique. Il faut mentionner aussi Paysage Maritime, une « esquisse pour harpe et orchestre », qui devait commencer une symphonie maritime qu'il n'a jamais terminée. Une sonate en fa dièse pour le piano et des mélodies.

Johann Peter Pixis (né le 10 février 1788 à Mannheim en électorat palatin et mort le 22 décembre 1874 à Baden-Baden dans ce même pays) est un pianiste et compositeur badois.

Il vécut à Paris entre 1825 et 1845, où il travailla comme pianiste de concert. En 1845 il partit pour Baden-Baden où il enseigna le piano et composa de la musique de chambre jusqu'à sa mort.

Johann Peter Pixis était le fils de l'organiste de Mannheim Friedrich Wilhelm Pixis (1755-1805) et frère du violoniste Friedrich Wilhelm Pixis. Le père initia d'abord lui-même les deux enfants à la musique. Johann Peter Pixis connut son premier public à partir de 9 ans. Il fit une tournée de trois ans avec son frère aîné, en 1797. Les deux enfants étaient alors considérés comme des enfants prodiges et faisaient des tournées de concerts à travers l'Allemagne, le Danemark, la Russie et la Pologne.

Entre 1807 et 1808, Pixis part à Vienne où il devient un des élèves d'Albrechtsberger et prend contact, entre autres, avec Ludwig van Beethoven, Giacomo Meyerbeer, et Franz Schubert. Il resta à Vienne (faisant cependant de brèves interruptions) jusqu'en 1823, où il tenta, en vain, de faire une carrière comme compositeur d'opéras.

En tant que pianiste apprécié, il déménage en 1825 pour Paris, où il travaille comme pianiste et partenaire de musique de chambre. À l'apogée de sa carrière, en 1830, Johann Peter Pixis est l'un des pianistes les plus couronnés de succès de son temps. En 1840, il s'installa à Baden-Baden, et se retira de la vie publique et enseigna la musique à sa fille adoptive, Franziska Pixis (1816-1845), qui devint chanteuse d'opéra et à son neveu, Théodore Pixis (1831–1856).

Parmi ses nombreuses œuvres, il écrivit la troisième variation de Hexaméron (1837), une œuvre créée avec six autres compositeurs (dont Franz Liszt et Frédéric Chopin) constituée de variations sur un thème de Bellini. Il contribua également une œuvre collaborative de 1819 à 1823 (cette fois impliquant 51 compositeurs) : Les variations sur une valse de Diabelli. Anton Diabelli avait demandé à un certain nombre de compositeurs de composer une variation sur une courte valse qu'il avait écrite. Ludwig van Beethoven écrivit ses fameuses 33 variations sur la valse de Diabelli.

Franz Schmidt (Presbourg, 22 décembre 1874 – Perchtoldsdorf (près de Vienne), 11 février 1939) est un compositeur post-romantique, pianiste, violoncelliste et pédagogue autrichien.

Puis sa famille s'installe à Vienne en 1888⁴, lorsqu'il a treize ans. Il étudie brièvement le piano en leçons privées avec Theodor Leschetizky, avant son entrée au Konservatorium der Gesellschaft der Musikfreunde, en 1890, où il étudie la composition avec Robert Fuchs (et à l'université avec Anton Bruckner dont il est l'admirateur), le violoncelle avec Karl Udel¹ et Ferdinand Hellmesberger. En 1896, il obtient son diplôme avec la mention « Auszeichnung ».

De 1896 à 1911, Schmidt est membre de l'Orchestre philharmonique de Vienne sous la direction de Gustav Mahler (qu'il admirait comme chef d'orchestre, mais pas comme compositeur) et violoncelle solo de l'orchestre de l'opéra jusqu'en 1914. Il est l'exact contemporain d'Arnold Schönberg et a joué dans un quatuor de ce dernier et, en 1929 tient lui-même la partie de piano⁶ du Pierrot lunaire.

Professeur de violoncelle dès 1901¹, puis de piano à la Musikakademie de Vienne dès 1914, il en devient directeur en 1925 puis recteur de 1927 à 1937. En tant que professeur de violoncelle, de piano, de contrepoint et de composition (à partir de 1922), il forme de nombreux musiciens éminents : parmi ses élèves les plus célèbres figurent notamment, le pianiste Friedrich Wührer, Bruno Seidlhofer et Alfred Rosé -fils de Arnold Rosé, le fondateur légendaire du Quatuor Rosé, premier violon de l'Orchestre philharmonique de Vienne et beau-frère de Gustav Mahler- ; parmi les compositeurs Rudolf Wimmer, Theodor Berger, Marcel Rubin et Alfred Uhl¹ sont dignes de mention. Pour des raisons de santé, il a abandonné en 1937 son enseignement.

Parmi ses amis figuraient Franz Schreker et Joseph Marx.

Schmidt s'est vu décerner le prix Beethoven par l'Académie prussienne de Berlin en 1902 pour sa première symphonie, « ce qui indique combien ses contemporains l'estimaient ». Deux musiciens de l'avant-garde viennoise, Berg et Schönberg, l'admiraient beaucoup¹.

En 1951, la Franz-Schmidt-Gesellschaft, fondée à Vienne, encourage les concerts et les recherches sur sa vie et son œuvre. Elle est sise au prestigieux Musikverein.

Considéré comme un compositeur important en Autriche, il est peu connu hors de son pays. Bien que violoncelliste, il laisse peu d'œuvres pour son instrument, mais soigne particulièrement les parties d'orchestre ou de musique de chambre qui lui sont dévolues. Schmidt, qui est l'un des derniers et des plus fidèles élèves d'Anton Bruckner, n'en cultive pas moins un style résolument tourné vers le passé -en dépit de son intérêt pour Schönberg, Debussy et Hindemith. Il écrit dans la tradition de Brahms et est également influencé par Max Reger (notamment par l'usage de la fugue, des variations, des thèmes de chorals, des toccatas, chaconne et prélude) et se distingue par son originalité formelle et sa science de l'orchestration.

Il est l'auteur de quatre symphonies, dont les n^o 2 et 4 sont les plus remarquables⁸ et connues, car elles sont les plus originales dans la forme.

La seconde (1911-1913) est en trois mouvements, dont le deuxième est une suite de variations, parmi lesquelles deux font respectivement office de scherzo et d'adagio. « Le compositeur s'exprime ici avec une merveilleuse aisance dans un langage spécifiquement viennois, chaleureux, rayonnant de plénitude et de magnificence orchestrale […] La 2^e symphonie de Franz Schmidt demeure donc un des grands moments, non seulement de la symphonie viennoise, mais de l'art de notre siècle […] »

La très émouvante quatrième symphonie (1932-1933) est dédiée à la mémoire de sa fille décédée peu après sa naissance¹. Le compositeur nomma cette symphonie Requiem für meine Tochter (« Requiem pour ma fille »).

L'œuvre la plus vaste, la plus importante⁹ de Schmidt, est son oratorio Das Buch mit sieben Siegeln (Le Livre aux sept sceaux, 1938), qui demeure rarement joué en raison de la difficulté de son écriture chorale et soliste (la partie du narrateur, Jean, exige une tessiture de ténor particulièrement large ainsi qu’une énorme endurance). Curieusement, cette interprétation musicale de l'Apocalypse -reflet de la situation de l'époque- est exactement contemporaine de celle de Jean Françaix, dont l'approche musicale est sur tous les plans aux antipodes de la sienne. Schmidt a également écrit deux quatuors à cordes qui comptent parmi ses œuvres les plus contrapuntiques. S'y retrouve la forte influence de Johannes Brahms, vis-à-vis duquel Schmidt avait la plus grande admiration.

Parmi l'œuvre d'orgue « ouvertement néo-classique », qu'il aborde seulement vers ses cinquante ans¹¹, il faut citer le « chef-d'œuvre incontesté» : la Chaconne en ut-dièse (1925). Schmidt n'étant pas organiste, la plupart de ses œuvres pour cet instrument sont créées par un professeur d'orgue de l'Académie, Franz Schütz.

La dernière œuvre du compositeur, malade et désorienté, est une cantate à la gloire de l'Anschluss et d'Hitler intitulée Résurrection allemande, que la mort l'empêcha d'achever.

 

Les 29 et 30 décembre, l'Orchestre de la Fondation Barenboïm-Saïd fêtera son 20e anniversaire avec deux concerts uniques à Séville (Teatro de la Maestranza) et à Almería (Auditorio Municipal Maestro Padilla), respectivement.

Ils le feront sous la baguette de l'un des chefs d'orchestre les plus en vue aujourd'hui, Oksana Lyniv, et avec le violon de Michael Barenboim, fils de Daniel Barenboim, l'un des architectes de l'ensemble. Le programme comprend des œuvres de Berlioz (Le Roi Lear), Mendelssohn (Concerto pour violon) et Brahms (Première symphonie).

Microóperas de hoy est une proposition innovante qui réunit trois institutions culturelles clés de Barcelone : la CCCB, le MACBA et le Liceu. Ce projet interdisciplinaire rassemble des artistes de différents domaines pour offrir un nouveau regard sur l'opéra traditionnel, en le repensant dans une perspective contemporaine et inclusive.

Basé sur des préoccupations communes concernant la crise climatique, les communications inter-espèces et l'acoustique de la nature, le programme propose un itinéraire à travers le quartier du Raval. Une promenade à travers l'opéra compris comme un instrument qui génère des réflexions essentielles pour la vie, avec de la beauté, des contrastes, du génie et des émotions. Avec une approche spécialement conçue pour permettre à de jeunes artistes issus de disciplines visuelles, scéniques et littéraires de s'épanouir, le projet réfléchit aux limites du genre, en explorant la relation entre la musique, les nouvelles technologies et les nouvelles dramaturgies.

Chaque institution présente un micro-opéra de 20 minutes nouvellement créé, commandé à une équipe artistique différente, et les trois pièces qui en résultent seront jouées consécutivement le week-end des 8 et 9 février : le premier acte, El cielo no guardará el secreto, aura lieu au Teatre CCCB ; il sera suivi par Aura, à la chapelle du couvent des anges du MACBA, et culminera avec Desheretarás la tierra, à la Sala Foyer du Liceu.

Du 14 au 19 janvier, le Teatro dell'Opera di Roma commémorera le 125e anniversaire de la première de Tosca, jouée pour la première fois sur cette même scène romaine en 1900. Pour cet événement, une production a été préparée qui reproduira les esquisses originales de la mise en scène, conservées dans les archives historiques Ricordi.

Le rôle de Tosca sera interprété par la soprano espagnole Saioa Hernández [photo], qui partagera la scène avec le ténor Gregory Kunde dans le rôle de Mario Cavaradossi et le baryton russe Igor Golovatenko dans le rôle de Scarpia. La direction musicale sera assurée par Michele Mariotti et la mise en scène a été conçue par Alessandro Talevi.

Ces représentations font partie d'un programme spécial consacré à Tosca pendant la saison 2024-2025 à Rome. Outre la première en janvier, la production reviendra sur scène en mars, avec Anna Netrebko dans le rôle-titre, et en mai, avec Anna Pirozzi dans le rôle-titre.

 

Les Luxembourg Music Awards ont été remis à la Philharmonie, à Luxembourg. Voici le palmarès de la musique classique : Camille Kerger, compositeur, Francesco Tristano, pianiste, compositeur

Ján Cikker, né le 29 juillet 1911 et mort le 21 décembre 1989, est un compositeur slovaque et un représentant important de la musique classique slovaque moderne. Il a reçu le titre d'artiste national en Slovaquie, le prix Herder (1966) et le prix de l'Unesco (1979).

De 1939 à 1949, il enseigne au Conservatoire de Bratislava. Il est en même temps conseiller dramaturgiste du Théâtre national slovaque de 1945 à 1948. Il est obligé de quitter ce poste après le Coup de Prague en 1948¹. Il est finalement professeur de composition à l'École supérieure des arts de la scène de Bratislava (Vysoká škola múzických umení, VŠMÚ), où il enseigne à plusieurs compositeurs slovaques de premier plan. Il meurt le 21 décembre 1989 à Bratislava, où l'on a ouvert un musée à son nom.

De 1978 à 1989, il est membre correspondant de l'Académie des arts de la RDA, section musique².

L'asbl Ars Musica, organisatrice d'événements dans le secteur de la musique contemporaine - dont son festival est le fleuron - vient d'élire un nouveau directeur artistique. L'association avait en effet dû se séparer de son directeur général en juin dernier.

A la suite de ce départ, le Conseil d'administration de l'asbl a modifié l'organisation de la direction, optant pour un partage de celle-ci en deux axes : la direction artistique d'une part, la direction administrative et opérationnelle d'autre part.

C'est à Katrien Dobbelaere, déjà en fonction en tant qu'adjointe à la direction, qu'a été attribué le poste administratif et opérationnel. Quant au poste artistique, il vient d'être confié à Patrick Leterme, musicien et ancien présentateur de la RTBF, actuellement artiste associé au Palais des Beaux-Arts de Charleroi. Il a été choisi par le jury d'Ars Musica à la faveur d'un vote portant sur 6 candidates et candidats sélectionné.e.s au deuxième tour parmi 20 candidatures examinées au premier tour.

 

 

 

 

 

Le 5 janvier 1875, le Palais Garnier est inauguré dans le cadre d'un vaste projet lancé par Napoléon III. Conçu par l'architecte Charles Garnier, il est devenu au fil du temps l'un des symboles de la capitale française et l'un des lieux les plus visités avec son million de visiteurs et près de 350 000 spectateurs venus du monde entier pour les représentations de l'Opéra national.
Pour célébrer le 150e anniversaire de l'inauguration de la « grande boutique », l'Opéra national de Paris organisera tout au long de l'année 2025 une série d'événements destinés à montrer le bâtiment dans toute sa splendeur, en célébrant son patrimoine artistique et culturel.