Le compositeur italien Giacomo Antonio Domenico Michele Secondo Maria Puccini est né le 22 décembre 1858 à Lucques dans le grand-duché de Toscane et mort le 29 novembre 1924 à Bruxelles. Il est considéré comme l'un des plus grands compositeurs de la fin du XIXe siècle et du début du XXe siècle.

Issu d'une famille de longue tradition musicale dans laquelle cinq générations de musiciens se sont succédé, il porte le même prénom que son arrière-arrière-grand-père Giacomo Puccini (1712-1781), organiste et compositeur de musique sacrée du XVIIIe siècle. Il est le fils de Michele Puccini (1813-1864), le petit-fils de Domenico Puccini (1772-1815) et l'arrière-petit-fils d'Antonio Puccini (1747-1832).

Giacomo Antonio Domenico Michele Secondo Maria Puccini est né dans une famille aisée. Il est le premier garçon d’une famille de sept enfants, cinq sœurs aînées et un frère, de cinq ans son cadet, né trois mois après la mort de son père. Son père Michele Puccini est un compositeur de musique sacrée, organiste et maître de chœur à la cathédrale Saint-Martin de Lucques. Sa mère Albina Magi a épousé Michele en 1848 ou 1849.

Il poursuit à une ou deux exceptions près les mêmes études musicales que ses illustres aïeux, tous musiciens d'église. On compte trente-deux œuvres à leur actif.

Après la mort de son père en janvier 1864, il est envoyé auprès de son oncle maternel Fortunato Magi pour étudier ; celui-ci l'initie au clavier et au chant choral mais le considère comme un élève peu doué et indiscipliné. Fortunato a succédé à Michele Puccini au poste de maître de chapelle et organiste. Toutefois, la place ayant été occupée depuis plusieurs générations par les Puccini, il est précisé que Fortunato céderait sa place au jeune Giacomo lorsque celui-ci serait en âge d'assumer cette charge.

Il a dix ans lorsqu'il entre dans le chœur de la cathédrale de Lucques et commence à toucher l’orgue. L'inspiration pour l'art lyrique et la musique profane lui vient seulement lors d'une représentation de l'Aïda de Verdi que Carlo Angeloni, un de ses professeurs au Conservatoire, lui fait découvrir à Pise le 11 mars 1876. De 1880 à 1883, il étudie au conservatoire de Milan, où il est l'élève d'Amilcare Ponchielli et d'Antonio Bazzini.

.En 1882, Puccini participe à un concours d'écriture lancé par la maison d'édition de musique Sonzogno en 1883, pour un opéra en un acte. Bien qu'il ne remporte pas le prix avec Le Villi, son premier opéra est représenté en 1884 au Teatro Dal Verme de Milan, grâce à Ponchielli et Ferdinando Fontana, et contribue à attirer l'attention de Ricordi, l'éditeur de Verdi, qui lui commande un nouvel opéra, Edgar. C'est à cette époque que Puccini rencontre Elvira Gemignani (née Bonturi, 1860-1930) qui deviendra sa femme et lui donnera un fils, Antonio (1886-1946). Elle est mariée à un autre, ce qui n'empêche pas Puccini de tenter sa chance. Le mari, peu soupçonneux et souvent absent, ne se méfie pas du jeune homme qui accepte avec joie de donner des cours de piano à l'épouse quand elle le lui demande (Puccini, après le succès des Villi, commence à se faire une excellente réputation). Les deux « tourtereaux » dissimulent mal leur liaison, de sorte que tout Lucques est au courant du scandale, sauf le mari trompé. Le climat devenant lourd cependant, Puccini achète une villa à Torre del Lago, où il résidera la plus grande partie de sa vie, accompagné d'Elvira. Aussi, la critique est-t-elle assez ironique lorsque Edgar, son deuxième opéra, est représenté (avec succès), puisque l'intrigue présente beaucoup de points communs avec cette aventure vaudevillesque.

Son troisième opéra, Manon Lescaut, est non seulement un succès, mais également le point de départ d'une collaboration fructueuse avec les librettistes Luigi Illica et Giuseppe Giacosa, qui travaillent avec lui sur les trois opéras suivants.

En 1896, il crée un opéra, La Bohème, adapté des « Scènes de la vie de bohème » de Henri Murger. Bien qu’il contienne certains des airs les plus populaires de son répertoire, ses audaces harmoniques et dramatiques, tranchant avec le sentimentalisme de Manon Lescaut, ne parviennent pas à séduire le public de la première, le 1er février (malgré la direction irréprochable d'Arturo Toscanini). Les représentations suivantes assurent cependant au compositeur un succès mondial.

En 1900, Tosca représente pour Puccini la première approche du vérisme ; l'œuvre est marquée par la ferveur patriotique, mais elle relate un drame amoureux sans s’engager sur le terrain idéologique comme les opéras de Verdi. Le contraste entre La Bohème et Tosca est tel que Puccini essuie un cinglant revers. Heureusement, lorsque Toscanini reprend l'ouvrage, le succès est au rendez-vous.

L'activité du compositeur ralentit et, en 1903, il est blessé à la suite d'un accident de voiture qui le rend boiteux.

En 1904, Madame Butterfly (sur une pièce de théâtre de David Belasco) est accueillie par un fiasco cinglant lors de la première à la Scala de Milan, bien qu'il soit remarquablement orchestré et dirigé par Cleofonte Campanini et mis en scène par Adolfo Hohenstein. En particulier, lors de la scène où l'on entend des chants d'oiseaux, le public s'esclaffe et fait entendre des cris de basse-cour de toutes sortes. Cela ne l'empêche pas de devenir, trois mois après, un autre de ses grands succès, après une révision drastique.

En 1906, un de ses librettistes, Giacosa, meurt.

En 1909, éclate un scandale : sa domestique se suicide par empoisonnement après avoir été accusée par Elvira Gemignani d'avoir eu une relation avec lui. Il semblerait que ce soit la sœur de la domestique qui avait une relation avec Giacomo Puccini. La domestique servait de médiatrice, elle se suicida afin de ne pas trahir le secret. Similaire à l'acte III de Turandot où Liù se suicide afin de ne pas dévoiler le secret.

En 1910, il compose La Fanciulla del West, premier opéra créé au Metropolitan Opera de New York. L'œuvre, considérée comme le premier western spaghetti, est dirigée par Toscanini ; elle présente une richesse orchestrale et harmonique sans égale dans l'œuvre de Puccini. Le succès immédiat auprès du public (et également des critiques) ne se confirme pas : le thème du Far West, l'audace de son écriture et, étrangement, son « happy end », déroutent le public et les critiques. Il faut toute la volonté d'artistes comme Dimitri Mitropoulos, Plácido Domingo, et de musicologues désireux de dépasser les clichés, pour faire sortir cette œuvre remarquable de l'oubli.

Il trittico est créé en 1918. Ce triptyque est composé de trois opéras réunis par le style Grand-Guignol parisien : un épisode d'horreur Il Tabarro, une tragédie sentimentale Suor Angelica et une farce ou comédie Gianni Schicchi. Des trois, Gianni Schicchi devient le plus populaire notamment grâce à l'air "O mio babbino caro".

Son dernier opéra Turandot, écrit en 1924, reste inachevé ; les deux dernières scènes en seront complétées par Franco Alfano. Ce final est très contesté de nos jours car Puccini avait rêvé pour le duo final de quelque chose d'inédit et fantastique, comparable à une grande scène wagnérienne (on mesure, quand on entend « Nessun dorma » ou le dernier air de Liù « Tanto amore, segreto », l'étendue de la perte qu'a causée la maladie du compositeur). Alfano, bon compositeur pourtant, n'a pas le génie de son maître, il est donc compréhensible que l'on ne dirige aujourd'hui qu'une version écourtée du final.
En 2001, un nouveau final est écrit par Luciano Berio.

Puccini meurt à Bruxelles le 29 novembre 1924, des suites cardiaques dues à son cancer de la gorge. Après des obsèques à l'église royale Sainte-Marie de Schaerbeek, son corps est transporté à Milan où, le 3 décembre 1924, ses funérailles sont célébrées dans la cathédrale par l'archevêque Eugenio Tosi. À l'issue de celles-ci, sa dépouille est inhumée provisoirement au cimetière monumental de Milan, dans le caveau de famille d'Arturo Toscanini. Le 29 novembre 1926, à l'occasion du deuxième anniversaire de sa mort, Giacomo Puccini est réinhumé dans la chapelle de sa villa de Torre del Lago15.

Sa villa est aujourd'hui un musée dédié à sa mémoire.

Le « Prix de l'innovation » de la Fondation allemande des orchestres sera décerné cette année à deux formations musicales. Le prix, doté de 20.000 euros, est attribué à parts égales à l'Orchestre Symphonique de Munich et à l'Orchestre Symphonique de la radio de Berlin, a annoncé la fondation. Les deux orchestres fournissent une « collaboration exceptionnelle et visionnaire avec des personnes handicapées », a expliqué le président du jury Louwrens Langevoort.

« L'objectif des ensembles est d'établir de nouveaux critères pour des expériences de concert inclusives en étroite coopération avec des partenaires de projet, par le biais d'ateliers et de concerts ». Lors de l'attribution du prix, le jury était conscient que d'autres corps de musique mettaient également en œuvre des projets inclusifs. « Mais l'exigence de pérenniser l'inclusion dans le quotidien de l'orchestre, la collaboration intensive avec des organisations et des professionnels du domaine de l'inclusion ainsi que le haut degré de transférabilité des projets sont innovants et exemplaires », a déclaré Langevoort. Les deux lauréats ont ainsi apporté des contributions importantes sur la voie d'une société inclusive.

Dans le cadre du projet « Masters of Inclusion » de l'orchestre symphonique de Munich en coopération avec les Münchner Kammerspielen et la chaire de développement mental de la LMU de Munich, des personnes avec et sans handicap créent des programmes et des concerts qu'elles présentent à un public inclusif. Dans le cadre du projet « Concert pour tous », des musiciens de l'Orchestre symphonique de la radio de Berlin élaborent, dans le cadre d'ateliers communs avec des personnes souffrant de troubles auditifs et cognitifs, de nouveaux formats de concert intégrant des éléments visuels tels que la poésie gestuelle, le dessin en direct et la conception d'éclairages.

Avec le « Prix de l'innovation », la Fondation allemande de l'orchestre souhaite récompenser de nouvelles approches, par exemple en matière de formats de concert et de programmes, d'approche de nouveaux groupes cibles ou de gestion d'ensemble. Décerné de 2017 à 2019 sous le nom de « Prix Orchestre innovant », les chœurs professionnels et les big bands peuvent également postuler depuis 2020.

Marco Tutino est né à Milan en 1954. Depuis ses débuts en 1976 au festival Gaudeamus (Pays-Bas), ses compositions ont été programmées dans de prestigieuses maisons d'opéra et salles de concert du monde entier, remportant un grand succès auprès du public et de la critique. Il est le fondateur de la « Scuola dell'Opera Italiana », qui se consacre à la transmission et à la mise en valeur du style et de la tradition italiens, avec pour objectif de former des professionnels hautement qualifiés dans les domaines artistique et technique.

Andrés Salado ne continuera pas à diriger l'Orquesta de Extremadura. Le chef d'orchestre espagnol a envoyé une lettre aux institutions qui font partie du conseil d'administration de la Fundación Orquesta de Extremadura, se plaignant de décisions artistiques prises sans le consulter et de la diffusion de faux témoignages sur l'exécution de son contrat. Il est également question de la « situation instable et insoutenable entre le nouveau directeur et le chef d'orchestre ».
Salado était le chef d'orchestre principal et le directeur artistique de l'Orquesta de Extremadura depuis 2021.

Née à Londres en 1976, Laura Samuel a étudié au Royal College of Music avec Itzhak Rashkovsky. Au début de sa carrière, elle a reçu plusieurs prix, notamment ceux de la Royal Over-Seas League, du Musicians Benevolent Fund, du Manoug Parikian Award et du TWIYCA Competition.

Avec Corina Belcea, elle a cofondé le Belcea Quartet en 1994 et a continué à se produire avec le groupe jusqu'en 2010. L'ensemble a remporté les concours internationaux d'Osaka et de Bordeaux et a entrepris des tournées mondiales, notamment des visites régulières aux États-Unis, en Asie et dans toute l'Europe, ainsi qu'une résidence de cinq ans au Wigmore Hall, à Londres.

En 2012, Samuel a été nommée chef de l'Orchestre symphonique écossais de la BBC. Parallèlement à cette fonction, elle s'est lancée dans le travail de soliste et a récemment joué la Sinfonia Concertante de Mozart à Glasgow, Aberdeen et Édimbourg (avec Sir Donald Runnicles) et A Deep but Dazzling Darkness de James MacMillan (sous la direction du compositeur).

Elle a également été chargée de cours au Conservatoire royal d'Écosse, à la Guildhall School of Music and Drama et au Royal Northern College of Music.

À partir de l'édition 2026 du festival, le Kunstfest Weimar continuera à se développer sous une nouvelle direction avec de nouvelles impulsions. Avec Katharina Germo et Juliane Hahn, l'organisation du festival sera pour la première fois confiée à deux jeunes travailleuses culturelles hautement qualifiées qui ont grandi dans les Länder est-allemands de l'après-réunification -à l'époque où le Kunstfest, fondé en 1990, s'est également établi.

Le directeur de l'Almeida, Rupert Goold, a été nommé directeur artistique de l'emblématique théâtre Old Vic, succédant à Matthew Warchus.

Goold, 52 ans, a mis en scène plusieurs comédies musicales, mais très peu d'opéra.

Le Concerto pour piano en ré mineur, op. 30, est le troisième des quatre Concertos pour piano de Sergueï Rachmaninov. Il fut créé par l'auteur le 28 novembre 1909 à New York sous la direction de Walter Damrosch.

Considéré comme l'une des partitions les plus difficiles du répertoire du fait de l'extrême virtuosité technique exigée du pianiste, son exécution en public représente pour l'interprète, étant donné sa facture pianistique monumentale et foisonnante, une vraie prouesse artistique. Il est avec son 2e Concerto son œuvre la plus populaire. Le concerto suit la structure classique en trois mouvements.

Composé dans le cadre paisible de la propriété de campagne de sa famille, Ivanovka, le concerto est achevé le 23 septembre 1909. Rachmaninov a écrit cette pièce pour montrer ses propres talents de compositeur mais également de pianiste. Le concerto est contemporain de sa 1^ère Sonate pour piano et de son très célèbre Poème symphonique L'Île des morts. Le concerto est respecté, craint et réputé pour sa difficulté diabolique. Rachmaninov ne pouvait même pas jouer un rappel après l'exécution de son 3e Concerto ; en témoigne ce commentaire d'un journal américain : « Monsieur Rachmaninov fut rappelé plusieurs fois par le public qui insista pour qu'il rejoue, mais il leva les mains dans un geste signifiant qu'il était d'accord pour rejouer mais que c'étaient ses doigts qui ne l'étaient pas. Cela fit beaucoup rire le public qui, à ce moment-là seulement, le laissa partir ! ». Josef Hofmann, le pianiste à qui l'œuvre est dédicacée et que Rachmaninov considérait comme étant meilleur que lui, n’a jamais tenté de la jouer, disant d’elle que « ce n’était pas pour lui ».

À cause de contraintes de temps, Rachmaninov n'a pu travailler la pièce en Russie. C'est pourquoi il a pris avec lui un piano silencieux sur le bateau qui l'emmena aux États-Unis, sur lequel il put s'exercer.

Créée le 28 novembre 1909, l'œuvre est redonnée quelques semaines plus tard sous la baguette de Gustav Mahler. Le manuscrit est quant à lui pour la première fois publié en 1910 par Gutheil. La création en Angleterre est donnée par George Thalben-Ball au Royal College of Music à Londres.

Il est popularisé en 1996 par le film « Shine », lequel trace un portrait du fameux pianiste australien David Helfgott, jouant l'« œuvre la plus difficile au monde » lors d'une compétition au Royal College of Music d'Angleterre.

À la fin des années 1910, Horowitz connaît toute l'œuvre de Rachmaninov ; il choisit le 3e Concerto pour son épreuve de sortie de conservatoire. Son interprétation est si spectaculaire que tous, audience et juges compris, se lèvent pour l'applaudir, une première dans l'histoire du Conservatoire de Moscou. Lorsqu'il débarque aux États-Unis pour sa première tournée de concerts, Volodia n'a qu'une idée en tête : rencontrer son idole. La première entrevue a lieu dans les sous-sols de l'atelier Steinway & Sons de New York, le 8 janvier 1928. Horowitz exécute ce 3e Concerto qu'il doit jouer à Carnegie Hall quelques jours plus tard : Rachmaninov est médusé par son interprétation et lui déclare que cette œuvre lui appartient : « Il s'est jeté sur la musique comme un tigre affamé. Avec son audace, sa bravoure, son intensité, il l'a dévorée tout cru. »

 

Fernand Cortez, ou La conquête du Mexique est un opéra en trois actes sur un livret français d'Étienne de Jouy et Joseph-Alphonse Esménard. Il a été créé le 28 novembre 1809 par l'Académie impériale de musique (Opéra de Paris) à la salle Montansier.

À l'origine, l'opéra était destiné à servir de propagande politique pour soutenir l'invasion de l'Espagne par l'Empereur Napoléon en 1808. Cortez symbolise Napoléon, tandis que les prêtres aztèques sanguinaires sont censés représenter l'Inquisition espagnole. L'Empereur lui-même aurait suggéré le thème de l'opéra à Spontini et la première a eu lieu en sa présence. La popularité de l'œuvre a décliné avec l'affaiblissement de la fortune de l'armée française en Espagne et au Portugal.

La première de 1809 était célèbre pour ses effets spectaculaires, notamment l'apparition de 17 chevaux vivants sur scène. Les critiques se sont plaints de l'harmonie aventureuse et du volume sonore de la musique. La richesse de la mise en scène, l'utilisation extensive de la danse et le traitement d'un sujet historique font de l'œuvre de Spontini le précurseur du grand opéra français. Hector Berlioz l'admirait beaucoup.

Spontini a révisé deux fois l'opéra pour les reprises à Paris le 28 mai 1817. Des révisions ont également été effectuées pour des représentations à Berlin en 1824 (enregistrées par Jean-Paul Penin en 1999) et 1832, et plus tard à Paris en 1838, dernière version de l'œuvre.

Sviatoslav Igorevich Soulima Stravinsky (23 septembre 1910 - 28 novembre 1994) était un pianiste, compositeur et musicologue suisse-américain. En tant que pianiste, il était considéré comme un interprète important des œuvres de son père, Igor Stravinsky, mais en tant que compositeur, il était éclipsé par son père.

Soulima Stravinsky est né à Lausanne, en 1910. Il est le deuxième fils et le troisième enfant d'Igor et d'Ekaterina Stravinsky. Il est le petit-fils de Fyodor Stravinsky.

Il étudie le piano avec Isidor Philipp ainsi que la théorie et la composition avec Nadia Boulanger. Il se produit à Paris en 1934, jouant le Concerto pour piano et vents, le Capriccio pour piano et orchestre et le Concerto pour deux pianos de son père. Il enregistre ces œuvres avec son père en 1938.

Il joue à Londres lors de la saison 1937 des Proms.

Igor Stravinsky s'installe aux États-Unis en 1939, mais Soulima s'engage dans l'armée française et reste en Europe pendant neuf ans. Il s'installe aux États-Unis en 1948, fait ses débuts américains cette année-là au Red Rocks Festival dans le Colorado et ses débuts new-yorkais avec le CBS Symphony Orchestra.

En 1950, Soulima Stravinsky est nommé à la faculté de piano de l'école de musique de l'université de l'Illinois, où il restera jusqu'en 1978. Il poursuit sa carrière de soliste de concerto et commence à se distinguer en tant que compositeur, transcripteur et éditeur. Outre ses nombreuses compositions musicales, il a écrit des livres sur l'orchestration et l'orchestre. Son livre sur l'orchestration contient une excellente section sur les cuivres, y compris de nombreux instruments inhabituels.

En 1974, Stravinsky est nommé Chevalier des Arts et des Lettres par le ministère français des Affaires culturelles.

Il meurt à Sarasota, en Floride, en 1994.

Environ neuf mois après sa mort, sa veuve Françoise a trouvé dans les papiers de Soulima une œuvre inconnue jusqu'alors, un Lamento pour violoncelle et piano. L'œuvre était incomplète, mais elle a été éditée et jouée pour la première fois avant la mort de Françoise.