Le festival de Bologne (41e édition), confirme son statut de programmation parmi les plus riches de la scène musicale italienne. Le calendrier a été décalé d'un mois afin d'éviter les inconvénients que la pandémie.

Dansla série "Grandi Interpreti",  John Eliot Gardiner, Daniel Harding, Jakub Hrůša, Patricia Kopatchinskaja, Alina Ibragimova, Khatia Buniatishvili, Mario Brunello, Vivica Genaux, Jakub Józef Orliński, Alexander Gadjiev, English Baroque Soloists, Mahler Chamber Orchestra, Chamber Orchestra of Europe, Les Musiciens du Louvre, Accademia dell'Annunciata.

"Il Nuovo l'Antico" sera dédié à l'exploration des répertoires pour clavier de toutes les époques, et les programmes associeront des pages baroques à des propositions pour instruments d'avant-garde.

De jeunes solistes, lauréats de concours internationaux, seront à l'honneur dans la traditionnelle série "Talenti", partagée avec le programme "Pianofortissimo".

Les rencontres musicales continueront d'être accompagnées de séances de formation : les cycles "Carteggi musicali" et "Prima delle note" pour tous, et "Note sul registro" et "Baby BoFè" pour les enfants) et des moments conviviaux comme les "Viaggi musicali".

En 2022 sera célébré le 80e anniversaire de la première de la Septième Symphonie de Dmitri Chostakovitch. Elle a eu lieu à Leningrad (nom de l'ancienne -et actuelle- ville de Saint-Pétersbourg) le 9 août 1942, alors que la ville était assiégée par les troupes nazies. Ses premiers interprètes étaient l'Orchestre du Comité de la radio de Leningrad, dirigé par Karl Eliasberg. La notoriété et la diffusion de la Septième de Chostakovitch ont été marquées par ces événements, qui ont fait de la partition un symbole de résistance et de patriotisme face à l'envahisseur.

La Philharmonie de Saint-Pétersbourg, l'une des plus anciennes sociétés musicales de Russie, a décidé de commémorer l'événement avec le projet "La partition musicale de la mémoire", dirigé par Julia Kantor, docteur en sciences historiques et directrice adjointe et chercheuse en chef de l'Institut d'histoire de Saint-Pétersbourg, qui fait partie de l'Académie des Sciences de Russie.

Le 9 août 2022, Saint-Pétersbourg prévoit d'accueillir un symposium international consacré à la Symphonie "Leningrad", qui réunira des historiens et des chercheurs sur la Seconde Guerre mondiale, des musicologues, des archivistes, des experts de la mémoire culturelle de Russie, de l'ancienne Union soviétique, ainsi que de Grande-Bretagne, des États-Unis, d'Allemagne et de Finlande.

Les principaux thèmes abordés seront l'exécution de la Septième Symphonie pendant la guerre et sa signification, les documents relatifs aux préparatifs de la première et les autres exécutions de l'œuvre en Russie soviétique et à l'étranger.

Le 9 août, une exposition sera également ouverte dans le foyer de la grande salle de la Philharmonie de Saint-Pétersbourg, présentant pour la première fois des documents et objets officiels et personnels (affiches, partitions, photographies, lettres, instruments originaux, etc.) liés aux représentations de la symphonie à Kouïbychev, Moscou, Novossibirsk, Tachkent, Londres, New York et, bien sûr, Leningrad.

Le dernier événement de la journée sera un concert de l'Orchestre symphonique de Saint-Pétersbourg (anciennement l'Orchestre du comité radio de Leningrad), qui aura lieu dans la grande salle de la Philharmonie. L'interprétation de la Symphonie n° 7 de Chostakovitch sera diffusée en direct sur Internet et à la radio.

De Valentin Schwarz en interview :

Le fait que le "Ring" de Bayreuth soit joué dans son intégralité en une seule semaine nous donne l'occasion de montrer une épopée familiale sous la forme d'une série de quatre épisodes et de suivre ces personnages dans leurs circonstances et leurs omissions au fil du temps. D'où venez-vous ? Où allez-vous ?...
Je veux raconter une histoire sur les gens d'aujourd'hui, les chiffres d'aujourd'hui, les problèmes d'aujourd'hui -et non sur les dieux, les nains, les géants et les dragons.

Kate Rockett, tromboniste britannique et responsable du label Pentatone, sera la nouvelle directrice générale de l'Orchestra of the Eighteenth Century de Frans Brüggen. Elle succède à Sieuwert Verster qui part travailler sur son label contemporain, Attaca.

Pour Kate Rockett,  Depuis sa création il y a plus de quarante ans par Frans Brüggen, l'Orchestra of the Eighteenth Century a été un acteur-clé très respecté du mouvement d'interprétation fondée sur l'histoire et a inspiré de nombreux autres ensembles, tant aux Pays-Bas que dans le monde entier. [...] L'orchestre est un remarquable collectif international de musiciens passionnés et engagés.

John Coolidge Adams est né le 15 février 1947 à Worcester (Massachusetts).

Né dans une famille amatrice de jazz -son père joue du saxophone et sa mère chante- John Adams apprend de son père la clarinette et joue dans des groupes et orchestres locaux du New Hampshire.
Il prend ses premiers cours théoriques de musique à onze ans, puis il étudie la direction d'orchestre durant les cours d'été du Dartmouth College. Il étudie la musique au Harvard College de 1965 à 1971, puis au Conservatoire de San Francisco. Il dispense au Conservatoire des cours de musique et donne des concerts de musique d'avant-garde. Il s'intéresse aux nouvelles technologies de musique électronique et prend des cours de vidéo.

Adams rejoint, à partir de 1977, avec sa pièce Phrygian Gates, le courant de la musique minimaliste qu'il enrichit par la suite d'une composante symphonique nécessitant parfois une riche orchestration. À partir de 1978, il se voit reconnu avec Shaker Loops, un septuor à cordes, comme un compositeur important. Il y établit en partie son style orchestral et commence à se détacher du courant minimaliste. Shaker Loops bénéficie d'une bonne diffusion grâce à l'utilisation de sa première partie dans le film Barfly de Barbet Schroeder. Il rencontre Edo de Waart et devient conseiller de l'Orchestre Symphonique de San Francisco pour les musiques nouvelles. L'année suivante, Adams se produit pour la première fois à New York au musée Guggenheim, soutenu par Steve Reich.

Sa première œuvre majeure, qui rencontre un large public et connaît un succès international, est Nixon in China, en 1987.
En 2002, Adams répond à une commande de plusieurs institutions new-yorkaises souhaitant commémorer la mémoire des victimes des attentats du 11 septembre 2001 et compose On the Transmigration of Souls qui lui vaut, en 2003, un prix Pulitzer de musique.
En 2004, il est le premier récipiendaire du prix Nemmers en composition musicale qui vient d'être créé. et il est membre du jury du prix de composition Tōru Takemitsu en 2005.
En 2014, la représentation de son opéra The Death of Klinghoffer au Metropolitan Opera de New York provoque à nouveau une vive polémique (comme lors de sa création en 1991), certaines personnes lui reprochant d'être une œuvre antisémite.

John Adams reconnait avoir été très influencé par la musique minimaliste, et en particulier par Steve Reich qu'il considère comme le plus intéressant car le plus sophistiqué des compositeurs minimalistes. Adams cite Music for 18 Musicians, Tehillim, Music for Mallet Instruments, Voices, and Organ et Drumming comme particulièrement utiles pour le développement de son style personnel.

Depuis la fin de la semaine dernière, le ténor munichois Jonas Kaufmann dispose de la nationalité autrichienne en plus de la nationalité allemande.

Le compositeur et musicologue cubain Aurelio de la Vega est décédé samedi dernier à Northridge (Californie), à l'âge de 96 ans, à la suite de problèmes cardiaques.
Aurelio De la Vega a développé tout au long de sa carrière un important travail de poète et d'essayiste, remportant des prix tels que le Friedheim du Kennedy Center for the Performing Arts, ainsi que quatre nominations aux Grammy Awards.
Pendant des décennies, sa musique est restée dans l'ombre  à Cuba jusqu'en 2019, lorsque la presse officielle a publié un article sur son travail et que son œuvre Intrata, commandée par Zubin Mehta et le Philharmonique de Los Angeles, et créée en 1972.
De la Vega a été influencé au début de sa carrière par la musique de Mahler, Richard Strauss et Bruckner. Il a étudié la composition avec Fritz Kramer à La Havane et avec Ernst Toch aux États-Unis. Il a été critique musical dans différents journaux et a enseigné dans différentes universités à Cuba et aux États-Unis. Il est l'auteur de nombreuses musiques orchestrales, de chambre, pour piano, pour guitare et électroniques.

Le Musée de la Musique-Philharmonie de Paris rend hommage à Iannis Xenakis, qui aurait eu 100 ans en 2022.
Jusqu’au 26 juin, une exposition retrace l’œuvre protéiforme de l’artiste, ainsi que son intimité et ses engagements.

Dans son rapport mondial intitulé "Repenser les politiques de la créativité", l'UNESCO a analysé l'état global des secteurs culturels et créatifs et formulé des recommandations pour "la promotion d'écosystèmes créatifs qui contribuent à un monde durable d'ici à 203 et au-delà".

Si l'UNESCO souligne l'importance de la culture en tant que moteur économique -puisqu'elle représente 3,1 % du PIB mondial et génère plus de 6 % des emplois dans le monde- elle souligne que les investissements publics dans la culture ont diminué au cours de la dernière décennie, avec un grand manque de transparence dans ses politiques et une inadéquation entre l'éducation, la formation et les possibilités d'emploi dans le secteur.

Pendant la pandémie de covid19, explique l'Agence, les subventions mondiales se sont déplacées vers le numérique, avec de nombreux événements culturels sur Internet, et elle lance un avertissment :  cela peut conduire à une série d'inégalités dues à un accès asymétrique au numérique, avec une fuite des cerveaux due à des rémunérations injustes et une concentration sur l'Amérique du Nord et l'Europe pour les résidences artistiques, où se trouvent 79% des résidences. Dans le même temps, l'UNESCO souligne la précarité à laquelle sont contraints de nombreux artistes et créateurs par l'utilisation du streaming et des médias numériques, prédisant leur disparition à moyen ou long terme, en partie à cause de la faible rémunération offerte par le marché numérique. En 2020, première année de la pandémie, l'UNESCO estime la perte d'emplois culturels à 10 millions, 70% des emplois existants étant précaires, sans droits à la santé ou à la retraite.

Le festival Händel de Halle célèbre ce printemps ses 100 ans.
Du 27 mai au 12 juin, 67 manifestations principales et de nombreuses manifestations annexes auront lieu à Halle (Saale) et dans ses environs. Nous réunissons 100 ans d'histoire vivante de Haendel dans un grand festival anniversaire, a déclaré l'intendant Clemens Birnbaum. De nombreux compagnons de route nous soutiendront dans cette démarche.

Le festival s'ouvrira avec une nouvelle production de l'opéra Orlando, qui avait clôturé le premier "Hallische Händelfest" en 1922. La mise en scène est assurée par le directeur de l'Opéra de Halle, le Britannique Walter Sutcliffe. La direction musicale revient à son compatriote Christian Curnyn. Avec le fragment d'opéra Fernando, Re di Castiglila, le festival présente même une première. Sous ce titre, Haendel avait composé deux actes d'une pièce qui fut ensuite présentée sur scène sous le nom de Sosarme, Re di Media. De plus, le pasticcio de Haendel Caio Fabbricio fêtera sa première représentation moderne au Goethe-Theater de Bad Lauchstädt. Au total, les 17 jours du festival proposent des opéras, des oratorios et des concerts ainsi que des manifestations innovantes.
En invités, des stars renommées du baroque, dont Jordi Savall, Philippe Jaroussky, Ragna Schirmer et Romelia Lichtenstein. Le contre-ténor Axel Köhler continue d'accompagner le festival en tant que metteur en scène après s'être retiré de la scène.

Cette année, le prix Händel de la ville de Halle sera décerné au musicologue et historien Wolfgang Hirschmann. Le conseil d'administration de la fondation Händel-Haus rend ainsi hommage au "travail varié, très engagé et qui pose des jalons" de Hirschmann, qui enseigne à l'université Martin Luther de Halle-Wittenberg et qui est Président de la Georg Friedrich-Händel-Gesellschaft.