L'Opéra national de Bucarest a annoncé ce 20 août la disparition de la soprano roumaine Ileana Cotrubaș, l'une des voix majeures de la seconde moitié du XXᵉ siècle. Elle avait 87 ans.

Née à Galați le 9 juin 1939 dans une famille de musiciens — son père Vasile est ténor amateur —, elle entre dès l'âge de neuf ans au Chœur d'enfants de la Radiodiffusion roumaine, dont elle devient rapidement l'une des solistes principales. En 1952, elle s'installe à Bucarest pour intégrer la Școala Specială de Muzică, avant de poursuivre au Conservatoire Ciprian Porumbescu dans la classe de Constantin Stroesco. Ses débuts scéniques ont lieu à l'Opéra de Bucarest en 1964, dans le petit rôle d'Yniold de Pelléas et Mélisande — un signe que le destin s'amusera à confirmer, tant Mélisande deviendra plus tard l'un de ses rôles fétiches.

La consécration internationale vient très vite. En 1965, elle rafle plusieurs premiers prix — opéra, lied, oratorio — au concours de Bois-le-Duc aux Pays-Bas, puis remporte l'année suivante le concours de la radio de Munich (ARD). Ces deux distinctions lui ouvrent en cascade les portes des grandes scènes : La Monnaie dès 1966, le Festival de Salzbourg en 1967, l'Opéra de Francfort où elle est engagée en troupe de 1968 à 1971, Glyndebourne en 1969 (débuts britanniques en Mélisande sous la direction de John Pritchard), l'Opéra d'État de Vienne en 1970 — qui lui offre un contrat de trois ans et deviendra sa maison —, le Royal Opera House de Londres en janvier 1971 dans une nouvelle production d'Eugène Onéguine signée Peter Hall et dirigée par Georg Solti, où elle incarne Tatiana, le Palais Garnier en 1973, La Scala de Milan en 1974 et enfin le Metropolitan Opera au printemps 1977, en Mimì face à José Carreras, sous la baguette de James Levine.

L'un des épisodes les plus mythiques de sa carrière se joue précisément à La Scala, début 1975. Alors que Mirella Freni doit renoncer au rôle de Mimì dans La Bohème à quelques heures du lever de rideau, Luciano Pavarotti lui-même exige que l'on fasse venir la soprano roumaine, alors dans le Kent. Cotrubaș prend l'avion, arrive au théâtre un quart d'heure avant le début de la représentation, et livre l'une des interprétations qui feront date dans l'histoire du théâtre milanais.

Son répertoire s'étend de Mozart — Pamina, Susanna, Ilia, Blonde — à Verdi (Violetta, Gilda, Oscar), Puccini (Mimì), Bizet (Micaëla), Massenet (Manon), Offenbach ou Debussy. Partout, la critique salue une même conjonction de qualités : la beauté fragile et lumineuse de la voix, l'intelligence rare de la phrase, la finesse du geste dramatique. Cotrubaș ne cherche jamais l'effet ; elle sculpte le mot, éclaire la ligne, incarne. Elle chante avec aisance dans six langues.

Sa discographie s'inscrit durablement au panthéon lyrique. La Traviata gravée en 1976-1977 pour Deutsche Grammophon sous la direction de Carlos Kleiber, aux côtés de Plácido Domingo et Sherrill Milnes, demeure la référence absolue du rôle — sa Violetta d'une transparence bouleversante y trouve son plus juste écrin. Le Rigoletto de Carlo Maria Giulini, toujours avec Domingo, mais aussi Piero Cappuccilli et Nicolai Ghiaurov, lui offre une Gilda d'anthologie. On lui doit également la Micaëla de la Carmen de Claudio Abbado avec Teresa Berganza, la Manon de Michel Plasson avec Alfredo Kraus et José van Dam, la Susanna des Nozze di Figaro de Herbert von Karajan avec l'Orchestre philharmonique de Vienne, ou encore d'inoubliables incarnations mozartiennes captées à Salzbourg et à Vienne. Ses collaborations avec Karajan, Solti, Kleiber, Giulini, Abbado ou Levine constituent un pan entier de la mémoire lyrique.

Les distinctions officielles n'ont pas manqué : Kammersängerin autrichienne en 1981, Membre d'honneur de l'Opéra d'État de Vienne en 1991, Grande-Oficial de San'Iago da Espada au Portugal, Citoyenne d'honneur de Bucarest.

Cotrubaș choisit de se retirer de la scène en 1990, à 51 ans — geste rare dans un métier où l'on s'accroche souvent au-delà du raisonnable. Elle consacre alors les décennies suivantes à la transmission, formant à travers ses master classes toute une génération de sopranos, parmi lesquelles ses compatriotes Angela Gheorghiu et Leontina Văduva, mais aussi Maria José Siri ou Elena Tsallagova. En 1998, elle publie Opernwahrheiten (« Vérités sur l'opéra »), livre-manifeste dans lequel elle règle ses comptes avec la dérive du Regietheater et défend une conception de l'art lyrique fondée sur la fidélité au texte, à la musique et à l'intention dramatique. L'ouvrage fait grand bruit dans le monde germanophone et cristallise une résistance esthétique dont l'actualité, un quart de siècle plus tard, n'a rien perdu de son acuité.

Avec sa disparition, c'est une certaine idée du chant lyrique qui s'éteint — celle où la voix se met au service d'un personnage plutôt que d'elle-même, où la noblesse expressive prime sur l'effet, où l'intelligence du texte fait toute la différence.

C'est au cours de l'été 2026 que s'est ouvert le deuxième chantier du nouvel orgue de la salle Henry Le Bœuf. Après le démontage de l'ancien instrument à l'été 2025, la structure porteuse du futur orgue Rieger est en cours d'assemblage — étape préalable à l'installation des tuyaux et de la mécanique lors des étés suivants.

L'orgue précédent avait été rendu irréparable non par les flammes de l'incendie de toiture de 2021, mais par les eaux d'extinction. À l'issue d'un appel d'offres européen, le marché a été attribué en 2025 à la maison autrichienne Rieger Orgelbau. L'investissement, d'environ deux millions d'euros TVA comprise, est entièrement couvert par l'assurance.

Le futur instrument sera un orgue symphonique contemporain d'inspiration française — un positionnement esthétique notable pour un facteur dont la signature récente s'est plutôt affirmée dans le grand romantique germanique (Cologne, Vienne Konzerthaus, Melbourne). L'orgue comptera 67 jeux répartis sur quatre claviers manuels et un pédalier, avec une console mobile ergonomique et le système de commande REA, aux côtés de fonctionnalités numériques dédiées à la maintenance, à l'enregistrement et au pilotage. Rieger indique fabriquer la quasi-totalité des composants dans ses ateliers, à partir de bois local et certifié.

Les travaux se dérouleront lors de quatre étés successifs, hors saison de concerts, afin de limiter leur impact sur la programmation. Après l'installation de la structure cet été, les tuyaux seront mis en place et harmonisés durant l'été 2027 ; l'harmonisation finale, l'accord et la réception de l'instrument sont programmés pour l'été 2028. La mise en service du nouvel orgue est prévue à l'automne 2028.

La BBC a annoncé le 14 août 2026 le décès de la soprano britannique Jill Gomez, à l'âge de 83 ans. Voix cultivée d'un large répertoire, elle laisse la trace d'une créatrice, associée à quelques-uns des jalons majeurs de l'opéra britannique du dernier demi-siècle.

Née Barbara Jill Gomez le 21 septembre 1942 à New Amsterdam, en Guyane britannique, d'un père hispano-trinidadien — futur vice-président de la maison Angostura — et d'une mère britannique, elle grandit à Port of Spain, à Trinidad. Elle rejoint l'Angleterre à treize ans pour y étudier le chant, d'abord à la Royal Academy of Music puis à la Guildhall School of Music and Drama, où elle travaille avec Walther Gruner. Elle épousera plus tard le critique musical Patrick Carnegy, quinzième comte de Northesk, dont elle porta le titre de comtesse.

Ses débuts scéniques se font à Glyndebourne, avec la troupe itinérante du festival, où elle incarne Adina dans L'Elisir d'amore en 1968. La saison suivante, elle chante Mélisande sur la scène principale de Glyndebourne — un rôle auquel son timbre limpide et son intelligence de la prosodie la prédisposaient, et qu'elle reprendra à plusieurs reprises. La carrière se déploie ensuite entre les grandes maisons britanniques et une belle présence continentale : English National Opera (la Gouvernante du Tour d'écrou), Scottish Opera (Elisabeth, Pamina, Anne Trulove, Leïla), Kent Opera (Tatiana, Violetta, Donna Anna), Glyndebourne encore (La Calisto), Oper Frankfurt (Cléopâtre), Bordeaux (Fiordiligi), Wexford, ou encore le Festival Berlioz de Lyon pour Teresa dans Benvenuto Cellini.

Mais c'est comme créatrice que Jill Gomez laisse la trace la plus durable. Le 2 décembre 1970, elle crée le rôle de Flora dans The Knot Garden de Michael Tippett à Covent Garden. En 1973, elle est la Comtesse à la création de The Voice of Ariadne de Thea Musgrave, au festival d'Aldeburgh avec l'English Opera Group. Le 25 mars 1979, elle chante le rôle-titre de la première mondiale posthume de Maddalena de Prokofiev, retransmise par la BBC. Puis, le 1er juillet 1995 au Cheltenham Festival, c'est elle qui donne son premier visage à la Duchesse d'Argyll dans Powder Her Face de Thomas Adès — un rôle redoutable, à la fois vocal et théâtral, qui marque l'entrée fracassante du jeune compositeur sur la scène lyrique et qui révèle chez Jill Gomez, à cinquante-deux ans, une puissance dramatique dont l'enregistrement de référence a préservé toute l'ampleur.

À ce parcours lyrique, il faut ajouter une intense activité de concertiste, une longue série de programmes de cabaret savamment tenus, une riche discographie chez Hyperion notamment, et un rôle régulier de chroniqueuse pour la télévision de la BBC.

Le Los Angeles Chamber Orchestra (LACO) a annoncé la nomination du chef et compositeur allemand Matthias Pintscher au poste de Directeur Musical. Il entamera un premier mandat de quatre ans à compter du début de la saison 2027/28, après avoir agi en tant que Directeur Musical désigné lors de la saison 2026/27.

« La nomination de Matthias Pintscher marque un moment décisif pour le LACO », a déclaré Ben Cadwallader, directeur exécutif de l'orchestre. « Il entretient une relation de longue date avec nos musiciens et cette ville, et il apporte un engagement sans faille envers l'art, à la fois audacieux et vaste. C'est exactement pourquoi je ne vois personne de mieux placé pour bâtir sur le remarquable héritage laissé par Jaime Martín au cours de ses huit saisons. Matthias et moi partageons la même volonté d'élargir le rayonnement du LACO et de rendre la grande musique plus proche du public, ici à Los Angeles et au-delà. Avec lui comme partenaire, je me suis rarement senti aussi inspiré et optimiste pour l'avenir. »

De son côté, Matthias Pintscher s'est réjoui de cette annonce : « Je suis profondément honoré d'assumer le rôle de Directeur Musical du Los Angeles Chamber Orchestra, un ensemble que j'admire depuis longtemps. Depuis mes débuts avec le LACO, j'ai été frappé par son esprit d'ouverture et son dévouement, évidents tant sur scène qu'au sein de toute l'organisation. Je suis impatient de développer un partenariat durable et significatif avec cet ensemble extraordinaire. »

La relation de Matthias Pintscher avec la phalange californienne s'étend sur près d'une décennie. Elle a débuté en 2018 lorsqu'il y a officié en tant qu'Artiste en résidence, dirigeant l'orchestre dans des œuvres de Berlioz, Debussy, Fauré, Ravel ou encore Mahler. Il a également mené des initiatives éducatives et conçu des programmes autour de Grisey, Berg, Ravel, Xenakis et Mahler. Il fera son retour au pupitre de l'orchestre au printemps prochain pour un programme réunissant la *Symphonie n° 44 "Trauer"* de Haydn, *Blue as the Turquoise Night of Neyshabur* de Kayhan Kalhor et la *Symphonie n° 36 "Linz"* de Mozart.

Matthias Pintscher assumera ces nouvelles fonctions parallèlement à son poste de Directeur Musical du Kansas City Symphony, dont le contrat a récemment été prolongé jusqu'à la saison 2033/34. Il est également Partenaire Créatif du Cincinnati Symphony Orchestra, après avoir récemment conclu un mandat très remarqué de dix ans en tant que Directeur Musical de l'Ensemble intercontemporain.

L'ensemble Aedes et son directeur Mathieu Romano donnent naissance à un nouveau rendez-vous dédié à la voix : Vibrations, festival d'art choral dont la première édition se tiendra le samedi 12 septembre 2026 à l'Abbaye de Saint-Riquier, de 14h à 18h. Imaginé, créé et organisé par Aedes avec le soutien du département de la Somme et de la DRAC Hauts-de-France, l'événement entend célébrer la chaleur et la puissance de l'art polyphonique, un projet que Mathieu Romano portait de longue date malgré un contexte économique difficile pour le spectacle vivant.

Trois concerts rythmeront l'après-midi : à 14h, le quatuor vocal a cappella A Bocca Chiusa dévoilera son programme Omen ; à 16h, Les Lunaisiens d'Arnaud Marzorati proposeront Oceano Vox, un répertoire inédit de chansons de marins ; à 18h, Aedes, sous la direction de Mathieu Romano, refermera sa saison anniversaire des 20 ans avec Résonances. Une première édition que ses initiateurs espèrent voir grandir au fil des ans.

Abbaye de Saint-Riquier, centre culturel départemental, 80135 Saint-Riquier.

Informations : Ensemble Aedes — Abbaye de Saint-Riquier

Le chef d'orchestre italien Bruno Campanella est mort le mardi 4 août à l'âge de 83 ans, des suites d'une longue maladie. Spécialiste reconnu du belcanto, il comptait parmi les interprètes de référence du répertoire lyrique italien.

Né à Bari le 6 janvier 1943, formé à Florence puis auprès de Nino Rota, Hans Swarowsky et Thomas Schippers, il s'était consacré dès la fin des années 1970 aux œuvres de Rossini, Bellini et Donizetti. Directeur musical du Teatro Regio de Turin de 1992 à 1995, il a dirigé sur les principales scènes internationales — la Scala, la Fenice, le Metropolitan Opera, l'Opéra de Paris, Covent Garden, Vienne ou le Liceu —, aux côtés de chanteurs comme Cecilia Bartoli, Juan Diego Flórez, Mariella Devia, Natalie Dessay ou Alfredo Kraus.

Il laisse une importante discographie gravée pour Deutsche Grammophon, EMI, Decca et Virgin Classics.

La Fondation Casa da Música a nommé le chef et compositeur allemand Oscar Jockel chef principal du Remix Ensemble et chef en résidence de la Casa da Música, à Porto. Il prendra ses fonctions en janvier 2027, succédant à Peter Rundel.

Formé comme chef et comme compositeur, Oscar Jockel a été chef assistant de Kirill Petrenko au Berliner Philharmoniker (2022-2024), après un passage par l'Académie Karajan, et a assisté Matthias Pintscher à l'Ensemble intercontemporain. Lauréat du Prix Herbert von Karajan en 2023, il rejoint l'une des formations de référence de la création contemporaine dans la péninsule ibérique, qui a signé quelque 115 créations mondiales depuis sa fondation en 2000.

La Boston Camerata a annoncé la disparition de son directeur musical émérite Joel Cohen, décédé le 26 juillet dans la région de Boston. Avec lui s'éteint l'un des artisans majeurs de la redécouverte des répertoires médiévaux et renaissants outre-Atlantique.

Il aura dirigé la Boston Camerata pendant quarante-cinq ans, de 1963 à 2008, transformant un ensemble universitaire en formation de rayonnement international. Musicien, chef, compositeur et musicologue — et luthiste accompagnant Hugues Cuénod, Christiane Jaccottet ou Anne Azéma, sa partenaire de longue date devenue directrice artistique de la Camerata — il a bâti une manière de concevoir le programme de concert qui lui appartenait en propre : le récit plutôt que l'anthologie, le lien texte-musique comme colonne vertébrale, la monodie médiévale française, occitane et ibérique abordée avec une énergie qui tranchait avec l'ascèse ambiante.

La discographie, plus de cinquante titres chez Erato, Nonesuch et Harmonia Mundi, garde la trace de ces partis pris. Ses incursions baroques ont marqué : le premier Didon et Énée de Purcell sur instruments d'époque (Harmonia Mundi, 1979), Musique judéo-baroque (Harmonia Mundi, 1978), un Requiem de Jean Gilles très remarqué (Erato, 1989). Mais c'est à partir de 1986, avec les grands projets narratifs européens, que son travail prend sa forme la plus personnelle : Tristan et Iseut (Erato, Grand Prix du Disque 1987), Le Roman de Fauvel (1990), Le Voir-Dit (2011).

Autre versant, moins connu en Europe : l'exhumation des sources musicales américaines anciennes, qu'il a inscrites dans une continuité avec la musique ancienne du Vieux Continent plutôt que dans un régionalisme de curiosité. De cette veine est né Borrowed Light (2004), spectacle conçu avec le chorégraphe finlandais Tero Saarinen autour des chants shakers a cappella, qui a tourné de la Finlande à la Nouvelle-Zélande.

La France a compté dans son parcours. Producteur à Radio France dans les années 1970, chef invité à La Monnaie, à Tanglewood et à Aix-en-Provence, il a formé plusieurs générations de jeunes musiciens lors de ses stages de Cordes-sur-Ciel et de Coaraze. Ses notes de programme et ses essais, toujours attentifs au contexte social et culturel des œuvres, valaient à eux seuls le détour. Ces dernières années l'avaient vu revenir sur scène comme récitant — The Night's Tale, Le Voir-Dit, City of Fools, les reprises de Tristan — et poursuivre ses échanges avec musiciens et chercheurs autour des musiques des deux rives de la Méditerranée.

Prix Erwin Bodky, prix Howard Mayer Brown, prix de l'American Critics' Circle, Grand Prix du Disque, prix Edison, Officier des Arts et des Lettres : les distinctions disent la reconnaissance, pas l'essentiel. L'essentiel, c'est qu'un domaine musical existe aujourd'hui là où il a défriché.