« Nuits sans aube » de Matthias Pintscher à l’Opéra Comique : sombre poésie

L’Opéra Comique vient de présenter Nuits sans aube de Matthias Pintscher en création française. Inspiré d’un conte de Wilhelm Hauff, l’ancien directeur musical de l’Ensemble Intercontemporain livre une œuvre marquée par un fond sonore continu, qui installe une atmosphère sombre tout en donnant naissance à un univers scénique d’une grande richesse visuelle.

Un conte romantique

Le conte romantique de Wilhelm Hauff se déroule dans une forêt. Une vieille femme y évoque un rituel ancien : les habitants d’un village offrent des présents aux dieux, et la déesse Anubis exige qu’un don lui soit fait la nuit suivante. Peter, né un dimanche et portant le signe de Caïn — symboles de pureté —, est choisi comme offrande, mais cette désignation le plonge dans un profond traumatisme. Sa mère promet alors à Azaël de lui offrir le cœur de son fils après sa « grande transformation », dont le jeune homme a si peur.

Clara, effrayée par les cauchemars et les pensées sombres de son ami — il souhaite s’arracher le cœur —, finit par le quitter. Lorsque vient la nuit, Peter invoque la déesse Anubis, qui annonce que le cœur du jeune homme sera remplacé par une pierre. Le rituel accompli, Peter se retrouve privé de sentiments. Sa mère refuse finalement de livrer le cœur de son fils à Azaël, et l’opéra s’achève sur ses remords.

Une forêt entre rêve et cauchemar

Sur la scène de l’Opéra Comique se succèdent douze tableaux qui demeurent constamment dans l’imaginaire du conte. Les costumes de Molly Irelan mêlent références réelles et fantastiques, époques anciennes et modernes, suggérant une forme d’intemporalité. Les vidéos de forêt conçues par Hana Kim possèdent une grande poésie : l’espace qui leur est réservé — une bande horizontale dont la hauteur dépasse à peine la taille humaine — renforce l’impression d’un arrière-plan omniprésent. Autour de cette projection, la scénographie d’Adam Rigg privilégie des effets spectaculaires à des moments clés : les loups suspendus apparaît juste avant la fin de la première partie, et ils le restent pendant une grande partie de l’œuvre ; ou encore l’apparition d’Anubis, qui balaie la forêt d’un rouge sanglant. Dans ces instants, les lumières de Yi Zhao se révèlent d’une redoutable efficacité. La mise en scène de James Darrah n’hésite pas non plus à accentuer la violence du récit, notamment lors de l’arrachement du cœur d’un loup puis de celui de Peter par sa mère. Les robes des personnages féminins prolongent quant à elles l’imaginaire du conte. Sous la dramaturgie d’Olaf A. Schmitt, l’ensemble compose un univers à la fois onirique et inquiétant, où l’angoisse du fils se transforme peu à peu en culpabilité maternelle.

L’art d’un continuum orchestral

La musique de Matthias Pintscher repose sur un tissu sonore qui parcourt l’ensemble des douze tableaux pendant les 1 h 40 de représentation. Le compositeur élève ce continuum au rang d’un véritable principe dramaturgique. Rares sont les moments où il disparaît : souvent confié aux cordes, il accueille les interventions d’autres instruments qui apportent leurs timbres propres, dessinant des paysages sonores tantôt denses, tantôt d’une grande fragilité.

Les percussions, disposées jusqu’aux loges royales, ajoutent des touches discrètes mais omniprésentes. Les quatre Waldmusik, ou musique de forêt, pages purement orchestrales, interrompent ce tapis sonore et fonctionnent comme des interludes précédant chaque changement de situation. À la tête de l’Orchestre philharmonique de Radio-France, le compositeur dirige avec des gestes d’une précision d’orfèvre, attentif à la fois aux chanteurs et aux instrumentistes. L’orchestre se montre ainsi particulièrement envoûtant dans l’interprétation de cette partition aussi onirique que le conte dont elle s’inspire.

Une distribution vocale engagée

Lors de cette dernière représentation, les chanteurs déploient pleinement leurs moyens. Katarina Bradič incarne la Mère, d’abord aveuglée par une croyance ancestrale, avant de révéler dans la scène finale une humanité profondément touchante, portée par un cri d’amour et de désespoir déchirant. Marie-Adeline Henry campe une Anubis à la présence vocale impressionnante : sa puissance évoque l’autorité et la cruauté de la déesse, non sans rappeler la Reine de la Nuit, autant par la silhouette de sa robe que par sa froideur. Dans les rôles secondaires, Hélène Alexandridis explore le caractère parcimonieux et rusé d’Azaël, Catherine Trottmann souligne l’honnêteté et la gravité de la jeune Clara, tandis que Julie Robard-Gendre donne d’emblée le ton du conte à travers le récit de la Vieille Femme. Au sein de ce plateau largement dominé par les voix féminines, Evan Hughes incarne admirablement Peter : par son chant comme par son jeu, il exprime avec finesse hésitations, doutes et angoisse, donnant au personnage une crédibilité saisissante.

L’œuvre fut créée le 11 janvier 2026 au Staatsoper Unter den Linden de Berlin sous le titre Das kalte Herz, sur un livret allemand de Daniel Arkadij Gerzenberg. La version française présentée à l’Opéra Comique, dans la traduction de Catherine Fourcassié, possède une véritable force poétique, qui semble restituer avec justesse l’esprit et l’atmosphère du texte originel.

Représentation du 17 mars 2026 à Opéra Comique, Paris.

Victoria Okada

Crédit photographique : S. Brion