Si exactement glauque, mais la musique et le chant sont si beaux ! Don Giovanni à Saint Etienne

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« Comme c’est glauque », s’exclamait une spectatrice à l’entracte. Ce qu’elle semblait regretter à ce moment-là exprimait en fait un point de vue tout à fait pertinent pour caractériser le Don Giovanni de Laurent Delvert. Tout se donne à voir dès l’ouverture : nous sommes comme dans une de ces gares routières souterraines sales, puantes, glacées par les courants d’air, à peine éclairées par des publicités lumineuses défilantes. Une jeune femme s’y fait accoster, bousculer, tripoter par un trio de loubards. Sur les panneaux publicitaires défilent toutes sortes d’images de mode aux connotations sexuelles évidentes ou consacrées à de gigantesques hamburgers. Voilà qui dit une société fondée sur l’instinct et les désirs primitifs : posséder, engloutir. La saison dernière, au Palais Garnier, avec Ivo van Hove, c’était un Don Giovanni mafieux qui, avec ses sbires, écrasait la société sous une chape de plomb. Sa mort faisait ressusciter le soleil et ses merveilleuses lumières sur la cité. Ici, avec Laurent Delvert, c’est la société qui favorise l’éclosion de pareil prédateur. Et c’est contagieux. Le cortège de noce de Zerlina et Masetto a toutes les apparences d’un sinistre enterrement de vie de jeune fille/garçon : déguisements grotesques, bande de copines/copains avinés. Quant à la mort de Don Giovanni, elle ne résout manifestement rien. Elle conclut l’œuvre et la représentation. Elle n’est pas suivie du traditionnel chœur d’ensemble d’exaltation au spectacle d’un monde libéré d’un fort méchant homme. Rien ne changera.

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La nouvelle est tombée comme une douche froide sur le milieu musical : l’annonce de la dissolution par son fondateur Hugo Reyne de l’ensemble baroque français la Simphonie du Marais. Ce brillant musicien jette donc l’éponge après 33 ans de combat pour créer, imposer et faire survivre cet ensemble. Appartenant à la première génération des ensembles spécialisés, la Simphonie du Marais peut s’enorgueillir d’un parcours artistique exemplaire et sans concession au service du répertoire baroque, principalement français. La riche discographie de l’ensemble témoignera toujours de cette intransigeance envers la qualité éditoriale et musicale. Il n’empêche, après plusieurs décennies de lutte pour survivre, Hugo Reyne se déclare fatigué : “Il faut toujours se battre, il y a un combat à mener, et c'est vraiment ça qui est compliqué pour faire vivre un ensemble baroque.”  

Benoît Mernier, Comme d’autres esprits 

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Le compositeur Benoît Mernier est à l’honneur au Festival Ars Musica qui lui a commandé une pièce orchestrale dans le cadre des 30 ans du Festival. “Comme d’autres esprits”, dédiée à la mémoire de Robert Wangermée, sera créée à Liège et Bruxelles par l’Orchestre Philharmonique Royal de Liège sous la direction de Gergely Madaras.  

Votre nouvelle oeuvre porte le titre de “Comme d’autres esprits”. D’où vient cette formulation ? 

Le projet de cette pièce était une commande d’Ars Musica dans le cadre de ses 30 ans. Au départ, Bruno Letort, Directeur du festival, m’avait demandé d’écrire une pièce qui soit une introduction au Concerto pour violoncelle et orchestre Tout un monde lointain d’Henri Dutilleux, compositeur pour lequel j’ai une forte admiration. Dès l’amorce du travail, cela m’a semblé assez compliqué, étant en quelque sorte trop impressionné par ce chef d’œuvre, et je me suis éloigné finalement de Dutilleux pour me rapprocher du texte qui a donné son nom au concerto, le poème la Chevelure de Baudelaire avec ces vers :

“La langoureuse Asie et la brûlante Afrique, 

Tout un monde lointain, absent, presque défunt

Le titre de ma pièce provient du vers qui se trouve juste après, tel une réponse à celui choisi par Dutilleux. 

« Vit dans tes profondeurs, forêt aromatique !

Comme d'autres esprits voguent sur la musique,

Le mien, ô mon amour ! nage sur ton parfum. »

Ce qui est amusant, c’est qu’en cherchant le titre, je suis retombé sur l’une de mes anciennes pièces pour voix et piano intitulée un Hémisphère dans une chevelure sur un poème de Baudelaire dont je reprends du matériau. Je suis attiré par ces thèmes baudelairiens que sont l’exotisme, l’amour et l’érotisme. Il y a également dans Comme d’autres esprits une citation consciente qui, pourtant, n’a pas été préméditée : deux mesures du prélude de l’Acte III de Tristan. Cette évocation est venue toute seule ; elle me semblait naturelle tant les univers de Wagner et Baudelaire sont liés. 

À la Monnaie, Castellucci réduit en cendres la Jeanne d’Arc au bûcher de Claudel-Honegger

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Composée en 1935 à l’instigation de la danseuse, actrice et mécène russe Ida Rubinstein, Jeanne d’Arc au bûcher demeure, avec Le Roi David, l’œuvre lyrique la plus célèbre et la plus jouée d’Arthur Honegger. Fruit de sa première collaboration avec Paul Claudel, cet oratorio dramatique en onze scènes et un prologue (créée à la Monnaie dans sa version intégrale en 1946) retrace, à rebours, la vie tristement écourtée de la Pucelle d’Orléans, depuis la première scène, qui prend place au seuil de l’échafaud, jusqu’à la dernière, qui referme la boucle en revenant au bûcher de Rouen. 

L’alchimie de deux grands talents 

L’esprit de l’œuvre est celui du "jeu populaire" ou "mystère" médiéval. Véritable "cathédrale en puissance faisant voisiner le chapiteau et la gargouille", comme l’a si joliment dit Harry Halbreich, le livret de Claudel dont se saisit Honegger permit au compositeur suisse de ciseler une partition aux couleurs les plus contrastées, mêlant de véritables chansons populaires ("Voulez-vous manger des cesses" et "Trimazô"), des fanfares et carillons et des airs aux accents jazzy à des chants grégoriens et des thèmes lyriques exaltant la Foi, l’Amour et l’Espérance. Au chant, Honegger ne confie que les parties visionnaires du texte -celui que prononcent la Vierge Marie, sainte Catherine et sainte Marguerite ; ne font exception que quelques interventions burlesques de Cauchon, l’évêque de Beauvais, alias Porcus, qui préside au procès de la jeune Lorraine. Dans la fosse, le compositeur se taille un orchestre sur mesure, remplaçant les cors par trois saxophones et la harpe par deux pianos et un célesta; sans oublier d’y convier les ondes Martenot, si chères à son cœur, auxquelles il délègue l’un des thèmes cycliques de l’œuvre. 

CAV&MA, 35 ans d’aventures musicales

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Serge Martin : CAV&MA, 35 ans d’aventures musicales – Bruxelles, Versant Sud, 144 pages, ISBN : 978-2-930938-08-D

En 35 ans d’existence, le CAV&MA, installé à Namur, s’est taillé une solide réputation dans le milieu très exigeant de la musique ancienne. C’est l’histoire de cette réussite que Serge Martin, chroniqueur musical au Soir, parcourt dans un livre où le passé s’écrit au présent, avec un enthousiasme communicatif. Car l’aventure du Centre d’Art Vocal et de Musique Ancienne, c’est d’abord celle de la passion pour le chant choral qu’assuma toute sa vie Emmanuel Poiré, décédé l’an passé.

Carlo Rizzi, chef d’orchestre de convictions

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C’est l’un des chefs d’orchestre les plus demandés des scènes lyriques mondiales, mais il fréquente également avec assiduité les concerts symphoniques. Alors qu’il dirige l’Antwerp Symphony Orchestra dans Wagner et Berlioz, le maestro Carlo Rizzi répond aux questions de Crescendo Magazine. 

Vous êtes un chef d'orchestre très actif depuis vos débuts, tant à l'opéra qu’au concert. Par cette alternance, il semble que vous menez votre carrière comme les grands chefs d'orchestre du passé. Il s'agit d'un équilibre devenu maintenant plutôt rare et les chefs préfèrent soit le symphonique, soit l'opéra. Revendiquez-vous ce concept à l’ancienne dans votre carrière ?

Je pense que chaque chef d'orchestre devrait faire ce qu'il fait le mieux. Pour moi personnellement, il est important de diriger à la fois le répertoire symphonique et le répertoire lyrique pour plusieurs raisons. Tout d'abord, il y a des chefs-d'œuvre symphoniques et opératiques que j'ai vraiment envie de diriger. En ce qui me concerne, le choix du répertoire n'est pas le fruit d’une pensée abstraite, il est dicté par l'intérêt musical, la curiosité et le désir d'explorer une partition qui est sortie de l'esprit et de la plume d'un génie. Deuxièmement, je pense qu'en tant que chef d'orchestre, l'expérience du travail dans les deux domaines est mutuellement bénéfique. Du répertoire symphonique, je peux faire prendre conscience qu’un opéra est une somme ! Il n’y a pas seulement les voix qui contribuent à l'opéra, mais l’ensemble, avec l'orchestration même si cette dernière peut s’avérer très simple. Et mon expérience de l'opéra me permet de mieux gérer la capacité de “respirer” dans les phrases orchestrales et de donner plus de “flexibilité” à la musique symphonique.

Trois œuvres ludiques de Gulda, Prokofiev et Poulenc

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Friedrich GULDA (1930-2000) : Concerto pour moi-même ; Serge PROKOFIEV (1891-1953) : Symphonie n° 1 en ré majeur op. 25 ; ba (1899-1963) : Concerto pour deux pianos et orchestre en ré mineur. Mischa CHEUNG (piano), Yulia MILOSLAVSKAYA (piano), Janic SAROTT (percussion), Stanislaw SANDRONOV (basse électrique), Giraud Ensemble Chamber Orchestra, dir. : Sergey SIMAKOV. DDD–2019–69’ 58’’–Textes de présentation en allemand et anglais–Solo Musica SM 325

Bru Zane : le coffret anniversaire

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The French Romantic Experience. Coffret anniversaire de dix ans de découvertes de la musique française du XIXe siècle. Compositeurs et œuvres diverses, interprètes divers. 2019. Livret en anglais, français et allemand. 12 h. 12’54. Bru Zane BZ 2001 (10 CD).