Editos

Teresa Berganza, une Cenerentola dans les étoiles  

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« Nacqui all’affanno, al pianto, Soffri tacendo il core ; Ma per soave incanto Dell’età mia nel fiore, Come un baleno rapido La sorte mia cangiò » (Je nacquis dans la peine, les pleurs, Je les supportai en silence ; Mais par un doux enchantement dans la fleur de mon âge, mon destin changea avec la rapidité de l’éclair), affirme Angelina dans le rondò final de La Cenerentola de Rossini. Ô combien ces quelques vers semblent caractériser la carrière de Teresa Berganza qui en fut l’interprète d’élection durant vingt ans. A jamais son nom restera lié à ce belcanto romantique dont elle fut l’une des premières, voire la première à comprendre l’essence dans un registre bouffe où son timbre velouté de mezzosoprano préférait les tons pastels de l’aquarelliste en allégeant l’émission pour atteindre le contre-ut ou même le contre-ré. Elle prôna un esthétisme vocal qui n’interdisait pas l’interprétation mais en censurait les excès. Et l’on comprend l’enthousiasme d’un Karl Schumann qui déclarait qu’elle était une chanteuse pour les chanteurs et les connaisseurs.

Née à Madrid le 16 mars 1933 sous le nom de Teresa Vargas, elle chante dès sa plus tendre enfance un peu partout, dans la rue, à l’église, à l’école, à la maison où son père l’assoit au piano pour lui inculquer les rudiments du solfège, avant de la confier à Lola Rodriguez de Aragon qui a été élève d’Elisabeth Schumann et qui enseigne au Conservatoire de Madrid. Teresa reçoit de sa part une solide formation axée sur la sobriété de l’expression dans une répertoire où le lied a autant d’importance que l’air d’opéra. En 1954, elle remporte, à vingt-et-un ans, un premier prix de chant, accepte plusieurs engagements de la Columbia espagnole qui enregistre plusieurs zarzuelas et joue même dans des films bas de gamme. Deux ans plus tard, elle décroche une bourse d’études qui lui permet de se perfectionner au Mozarteum de Salzbourg et de prendre part au Concours d’Exécution Musicale de Genève. 

Décès du compositeur Philippe Boesmans 

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Le monde musical belge et international a appris avec tristesse le décès de Philippe Boesmans, compositeur majeur et figure majeure de la vie artistique de notre pays. 

Né le 17 mai 1936 à Tongres, en Belgique, Philippe Boesmans étudie le  piano au Conservatoire de Liège, avant de de tâter la composition en autodidacte. S’il s’intéresse un temps au sérialisme alors très en vogue dans le monde de l’avant-garde, en particulier en Belgique, il s’en éloigne rapidement conscient des limites de ce langage. Choix courageux tant la doxa sérialiste a ses gardiens du temple en Belgique. 

Philippe Boesmans est désigné en 1985 compositeur en résidence à La Monnaie, maison qui accompagnera sa carrière et qui lui sera d’une fidélité absolue, y compris au fil des changements de direction. La liste de ses oeuvres liées à l’opéra bruxellois est longue : La Passion de Gilles (1983), les Trakl-lieder (1987), orchestration de L’Incoronazione di Poppea de Monteverdi (1989), Reigen (1993), Wintermärchen (1999), Julie (2005), Au Monde (2014). La France est également une terre d'accueil des opéras du musicien :  Yvonne, princesse de Bourgogne, commandée par Gérard Mortier, d’après la pièce est créée sur la scène de l’Opéra Garnier et Pinocchio est donné en première mondiale au  Festival d’Aix-en-Provence. Son opéra, On purge bébé est annoncé à Bruxelles et Lyon au cours de la saison 2022/2023. 

Les finalistes des ICMA 2022

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Après trois tours de scrutin, le jury des International Classical Music Awards (ICMA) a choisi les titres en compétition pour la finale des prix 2022.

La liste initiale, avec un total de 377 nominations, a été réduite à trois sorties par catégorie, les finalistes pour 2022. Remy Franck, président du Jury ICMA, déclare : "Cette année encore, de nombreuses nominations ont été fortement soutenues par plus de 50 % des jurés. Ces sorties ont récolté de nombreux points à travers toutes les épreuves. Et lorsque près de 90% des productions nominées ont été éliminées, nous avons commencé à trouver le gagnant dans chacune de nos 16 catégories de prix. Le lauréat est choisi dans une liste de trois finalistes".

Les noms des lauréats seront publiés le mardi 18 janvier 2022.

La cérémonie et le concert de gala se dérouleront à la Philharmonie de Luxembourg :  le 21 avril 2022.

Découvrez les finalistes des ICMA 2022. pdf

Les Millésimes 2022 de Crescendo Magazine 

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Crescendo Magazine est heureux de vous présenter sa sélection de ses Millésimes 2022. Un panorama en 15 albums et DVD qui vous propose le meilleur du meilleur des parutions. 

Entre le 1/11/2021 et le 1/11/2022, Crescendo Magazine a publié 525 critiques d’enregistrements audio, déclinés en formats physiques et numériques ou en DVD et Blu-Ray.  Ce nombre de parutions continue de faire de notre média, l’un des plus réactifs sur les parutions avec une attention aux répertoires rares du baroque au contemporain et à toutes les publications qui apportent une plus value au marché de l’enregistrement. Cette marque de fabrique éditoriale est l’ADN de Crescendo Magazine depuis sa fondation, en 1993, par Bernadette Beyne et Michelle Debra. 

Depuis un an, nous avons décerné 108 Jokers, qu’ils soient déclinés en “Absolu”, “Découverte” ou ‘Patrimoine”. Les Millésimes représentent donc le meilleur du meilleur pour la rédaction de Crescendo Magazine. 

Découvrez cette sélection des Millésimes 2022 sur cette page et à travers notre plaquette : 

  • Enregistrement de l’année : 

French Trumpet Concertos.  Henri Tomasi (1901-1971) : Concerto pour trompette (avec la fin originale / premier enregistrement mondial). Betsy Jolas (1926) : Onze Lieder André Jolivet (1905-1974) :  Concertino pour trompette, orchestre à cordes et piano, IIe concerto pour trompette ; Florent Schmitt (1870-1958) : Suite pour trompette et orchestre  Håkan Hardenberger, Royal Stockholm Philharmonic Orchestra, Fabien Gabel. 2021.  BIS. Lire la chronique :  https://cutt.ly/gNGDNn7

  • Autres enregistrements primés :

Carl Philipp Emanuel Bach (1714-1788) : Die Auferstehung und Himmelfahrt Jesu, Wq 240. Lore Binon, soprano. Kieran Carrel, ténor. Andreas Wolf, baryton. Vlaams Radiokoor ; Il Gardellino Baroque Orchestra, direction : Bart Van Reyn. 2021. Passacaille.  Lire la chronique : https://cutt.ly/iNGD7No

 

 

J.S. Bach & Beyond : A Well-Tempered Conversation.   Julien Libeer,  piano. 2022. Harmonia Mundi.  Lire la chronique : https://cutt.ly/aNGFb8C

 

 

 

 

Johannes Brahms (1833-1897) : Intégrale des symphonies. Danish Chambre Orchestra, direction :  Ádám Fischer. 2021 et 2022. Naxos. Lire la chronique : https://cutt.ly/gNGFRoY 

 

 

 

Olivier Messiaen (1908-1992) : Des Canyons aux étoiles. Jean-Frédéric Neuburger, piano ;  Takénori Némoto, cor ; Adélaïde Ferrière, Xylorimba ; Florent Jodelet, Glockenspiel ; Orchestre de chambre Nouvelle-Aquitaine, Jean-François Heisser. 2021. Mirare.    Lire la chronique : https://cutt.ly/tNGFAXu 

 

 

Anthony Cheung (né en 1892) : Live Ear Emission! ; Tōru Takemitsu (1930-1996) : Rain Tree Sketch II ; Tristan Murail (né en 1947) : Cloches d'adieu et un sourire ; Olivier Messiaen (1908-1992) : Vingt Regards sur l’Enfant-Jésus ; György Kurtág (né en 1926) : …humble regards sur Olivier Messiaen… Jonathan Harvey (1939-2012) : Tombeau de Messiaen. Bertrand Chamayou, piano.  2021 et 2022.  Erato.Lire la chronique : https://cutt.ly/zNGFKc6 

 

George Frideric Handel (1685-1759) : Sémélé, oratorio profane en trois actes, HWV 58. Ana Maria Labin (Sémélé), Matthew Newlin (Jupiter, Apollon), Dara Savinova (Ino, Junon), Dara Savinova (Iris), Lawrence Zazzo (Athamas), Andreas Wolf (Cadmus, Somnus, Grand Prêtre), Gwendoline Blondeel (Cupidon) ; Chœur de Chambre de Namur ; Millenium Orchestra, direction Leonardo García Alarcón. 2021. Ricercar.  Lire la chronique : https://cutt.ly/sNGFNZZ  

 

Nikolay Rimsky-Korsakov (1844-1908) : Le Coq d’or, opéra en trois actes. Dmitry Ulyanov (Le Tsar Dodon), Nina Minasyan (La Reine Shemakha), Andrey Popov (L’Astrologue), Margarita Nekrasova (Amelfa, l’intendante royale), Mischa Schelomianski (le Général Polkan), Andrey Zhilikhovsky (Le Prince Afron), Vasily Efimov (Le Prince Guidon), Maria Nazarova ( La voix du Coq d’or), Wilfried Gonon (Le Coq d’or, comédien), Stéphane Arestan-Orré, Rémi Benard, Vivien Letarnec et Christophe West (danseurs) ; Orchestre et Chœurs de l’Opéra National de Lyon, direction Daniele Rustioni. 2021. DVD Naxos.  Lire la chronique : https://cutt.ly/PNGF8tj  

 

Jeanine Tesori (née en 1961) : Blue, opéra en deux actes. Livret de Tazewell Thompson. Kenneth Kellogg, The Father ; Briana Hunter, The Mother ; Aaron Crouch, The Son ; Gordon Hawkins, The Reverend ; Ariana Wher, Girlfriend 1/Congregant 1/Nurse ; Katerina Burton, Girlfriend 2/Congregant 2 ; Rehanna Thelwell, Girlfriend 3/Congregant 3 ; Joshua Blue, Policeman 1 / Male Congregant 1 ; Martin Luther Clark,  Policeman 2 / Male Congregant 2 ; Christian Simmons,  Policeman 3 / Male Congregant 3. The Washington National Opera Orchestra, Roderick Cox. 2021. Pentatone. Lire la chronique : https://cutt.ly/JNGGiYQ  

 

Louis Vierne (1870-1937) : Suite bourguignonne, Op.17 ; Deux pièces pour piano Op.7 ; Douze Préludes, Op.36 ; Le Glas, Poème des cloches funèbres, op.36, n°2. Laurent Wagschal, piano. 2021. Calliope. Lire la chronique : https://cutt.ly/0NGGfjV  

 

 

 

Iannis Xenakis (1922-2001) : Pléiades (Mélanges, Claviers, Métaux, Peaux) ;  Persephassa. Les Percussions de Strasbourg. 2022.   Les Percussions de Strasbourg.Lire la chronique : https://cutt.ly/oNGGzSD/ 

 

 

 

FR2. Georg Philipp Telemann (1681-1767) : Sonate en sol mineur (TWV 33).Cancionero d’Uppsala (1556) : Primus tonus, Quinto tono, Sexto tono. Johann Sebastian Bach (1685-1750) : Toccata & Fugue BWV 565. Ralph Vaughan Williams (1872-1958) : Suite for two pipes. Llibre Vermell de Montserrat (c1400) : Stella splendens. Cantigas de Santa Maria (c 1270) ; A que por mui gran Fremosura. Rhia Parker (*1987) : Cantigas I. Munich, Bayerische Staatsbibliothek, Mus. Ms. 260 (c1540) : Agnus Dei (Pierre de la Rue, Antoine Brumel, Matheus Gascogne, anonyme). Glen Shannon (*1966) : Slingshot. Sören Sieg (*1966) : The Dervisch and the Devil. Giuseppe Sammartini (1695-1750) : Sonate Op 6/III. Stefan Franz (1785-c1850) : Grand Duo. Marc Mellits (*1966) : Black. Tom Beets, Joris Van Goethem, flûtes à bec.  2020.  Aeolus. Lire la chronique : https://cutt.ly/eNGGnYQ  

 

Miscellanea. Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791) : Sonate en ré majeur Kv. 448. Thomas Arne (1710-1778) : Sonate no 2 des Eight Sonatas or Lessons. Siegfried Schmiedt(c1756-1799) : Fantaisie en la mineur ; Sonate no 4 en fa majeur des Sechs kleine und leichte Sonaten. Johann Wilhelm Hässler (1747-1822) : Sonate no 4 en ut mineur des Sechs leichte Sonaten. Georg Simon Löhlein (1725-1781) : Sonate no 2 en ré mineur des Sei Sonate con Variate Repetizioni Op. 2. Johann Christoph Kellner (1736-1803) : Fugue no 2 en ré mineur des Zwei Fügen mit vier Händen. George Berg (c1730-c1770) : Voluntary XX en sol majeur. Johann Friedrich Reichardt (1752-1814) : Fantasie für den Flügel en ut majeur. Georg Christoph Wagenseil (1715-1777) : Das Glockengeläut zu Rom in dem Vatikan en ut mineur. Johann Ludwig Stanzen (fl. XVIIIe s.) : Sonate en ut majeur Op. 2. Hugo Franz Reichsfreiherr von Kerpen (1749-1802) : Une Sonate à quatre mains en fa majeur Op. 4. Christian Friedrich Gottlieb Schwenke (1767-1822) : Sonate no 1 en si bémol majeur des Drey Sonaten. Goffredo Weber (1779-1839) : Sonata per gravicembalo en ut majeur Op. 15. / + en téléchargement : Carolus Antonius Fodor (1768-1846) ; Johann Gottfried Pratsch (c1750-c1818) ; Leopold Kozeluch (1747-1818) ; Johann Gottfried Wilhelm Palschau (1741-1815) ; Hinrich Conrad Kreising (c1700-1771) ; Christian Gottlob Saupe (1763-1819). Artem Belogurov, Menno van Delft, clavicorde, pianoforte, clavecin, orgue.  2019. TRPTK. Lire la chronique : https://cutt.ly/VNGGUsj 

 

Ingrid Haebler, The Philips Legacy. Oeuvres de Johann Sebastian Bach (1685-1750), Johann Christian Bach (1735-1782), Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791), Ludwig van Beethoven (1770-1827), Joseph Haydn (1732-1809), Franz Schubert (1797-1828), Frédéric Chopin (1810-1949), Robert Schumann (1810-1856), César Franck (1822-1890). 1953-1979. Decca.  Lire la chronique : https://cutt.ly/TNGGAYh  

 

Igor Stravinsky (1882-1971) :Petrouchka, Burlesque en 4 scènes.  Evgeny Svetlanov (1928-2002) : Poème pour violon (à la mémoire de David Oistrakh). Vadim Repin, violon ; Orchestre philharmonique de Radio-France,  Evgeny Svetlanov. 1999 et 2001. Warner Classics. Lire la chronique : https://cutt.ly/ENGGLjl 

 

La musique adoucit les heurts : une analyse du litige entre l’Orchestre National de Belgique et certains de ses musiciens à propos des droits des artistes-interprètes

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La crise sanitaire n’aura pas apaisé, loin s’en faut, les tensions entre la direction et les organisations syndicales de l’ONB. La pandémie est même à l’origine d’une poussée de fièvre supplémentaire, qu’un arrêt de la Cour d’appel de Bruxelles du 7 mai 2021 ne suffira vraisemblablement pas à calmer… En cause, le sort des droits des musiciens sur les reproductions et radiodiffusions de leurs interprétations. 

Le dilemme des acteurs du monde musical face à la pandémie 

On le sait, la crise de la COVID-19 a entraîné un gel des représentations musicales en public, dans notre pays comme dans beaucoup d’autres. Dans ce contexte, plusieurs ensembles ont été contraints de se tourner vers de nouvelles sources de financement, comme le streaming. D’autres, en raison de leur statut d’organisme d’intérêt public, ont choisi de diffuser des concerts par internet à des fins non commerciales, sans aucune forme de rémunération, dans l’unique objectif de se conformer à leur contrat de gestion et de préserver les contacts avec leur public.  Au risque de renforcer le sentiment, déjà bien ancré chez de nombreux internautes, selon lequel l’accès la culture devrait être totalement gratuit… Mais comment, alors, financer adéquatement la création artistique ? 

Les droits des artistes-interprètes dans la ligne de mire

Nul n’ignore plus, aujourd’hui, que les compositeurs jouissent de droits d’auteur sur leurs œuvres. Ces droits, dont la durée est limitée par la loi, leur permettent notamment d’interdire, ou d’autoriser aux conditions qu’ils déterminent, toute reproduction ou communication au public de leurs œuvres. Sur la scène internationale, ces droits trouvent leur source dans la Convention de Berne de 1886 pour la protection des œuvres littéraires et artistiques. Une convention pour laquelle des compositeurs tels que Giuseppe Verdi ont fortement milité. 

Ce qu’on sait moins, c’est que les artistes-interprètes bénéficient, eux aussi, de ce qu’il est convenu d’appeler des « droits voisins du droit d’auteur ». Ceux-ci ont été consacrés par la Convention de Rome de 1961 sur la protection des artistes-interprètes ou exécutants, des producteurs de phonogrammes et des organismes de radiodiffusion, ainsi que par une Directive européenne de 1992 (entretemps remplacée par une Directive de 2006). Chez nous, c’est en vertu d’une loi du 30 juin 1994 qu’ont été octroyés pour la première fois des droits voisins aux artistes-interprètes. Ces différents textes s’appuient sur une réalité, que ce site n’a jamais cessé de rappeler : la valeur économique d’une œuvre ne dépend pas uniquement de l’auteur de celle-ci, mais aussi de ceux qui l’exécutent. C’est à la lumière de ce constat que les législateurs ont voulu garantir aux artistes-interprètes une juste rémunération en cas de communication publique de leurs prestations par les nouveaux médias de masse apparus à cette époque. 

Au titre de ces « droits voisins », les artistes-interprètes jouissent, à l’instar des auteurs proprement dits, de droits exclusifs – notamment, celui d’autoriser ou d’interdire la reproduction et la communication au public de leurs prestations. Le droit de reproduction comprend non seulement le droit de fixation (sur un support sonore ou audiovisuel) des prestations non encore fixées, mais également le droit de reproduire la prestation déjà enregistrée de l’artiste-interprète, sous quelque forme que ce soit, qu’elle soit directe (à partir d’une prestation vivante) ou indirecte (à partir d’une émission radiodiffusée), provisoire ou permanente, en tout ou en partie. Quant au droit de communication au public, il comprend, entre autres, le droit d’autoriser ou d’interdire la radiodiffusion des prestations d’un artiste-interprète, sa diffusion par câble ou par satellite.

Ballet de la Nuit aux Champs-Élysées

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La Fronde vaincue, au printemps 1653, Mazarin fait donner un divertissement royal fastueux afin de glorifier l’accession au pouvoir du jeune Louis XIV âgé de quinze ans. Un événement qui marquera les esprits du temps et la postérité. Confié à l’élégant poète Isaac de Benserade, le livret du Ballet de la Nuit, en quatre « Veilles », quarante-cinq  Entrées (courts ballets où le roi danse à quatre reprises aux côtés des princes, chorégraphes et musiciens), tente de dire l’univers dans sa complexité à travers épisodes mythologiques, chevaleresques, populaires. Tous les genres sont convoqués, depuis les ballets jusqu’aux épisodes grotesques, apparitions de monstres, sorcières, pastorales, tempêtes, le tout devant les perspectives monumentales dessinées par Torelli. Ces décors, le texte intégral, les costumes nous sont connus. De la partition composite due à Cambefort, Boësset, Lambert et quelques autres dont Lully peut-être, il reste la partie de premier violon et la musique vocale.

A partir de là, le chef d’orchestre Sébastien Daucé et la chorégraphe metteur en scène Francesca Lattuada ont sélectionné certains éléments pour élaborer un spectacle en quatre parties. La moitié en est empruntée à deux opéras -L’Orfeo de Luigi Rossi (1647) importé d’Italie six années plus tôt et Ercole amante (Hercule amoureux) de Cavalli qui célébrera le couronnement dix ans plus tard. Ce recyclage n’est guère vraisemblable car il coïncide avec le rejet de l’influence italienne que seul Lully parviendra à acclimater au goût  français. Par ailleurs, le contraste stylistique France-Italie est souligné par l’orchestration du reste de l’œuvre, assez timide (beaucoup d’unisson chez les cordes notamment) et linéaire.

Jeunes artistes en temps de Covid 

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La situation liée à la pandémie ne cesse d’impacter tristement le monde de la culture. Si la nouvelle de l’annulation de la saison entière du Metropolitan Opera de New-York a fait l’effet d’une bombe aux déflagrations atomiques, il serait long et démoralisant de faire une liste exhaustive des conséquences... Crescendo Magazine réaffirme sa totale solidarité avec l’ensemble d’une filière trop meurtrie, trop souvent abandonnée par les pouvoirs publics et victime de décisions trop régulièrement contradictoires si pas incohérentes. Mais parmi les catégories impactées, les jeunes musiciens risquent hélas de souffrir plus longtemps et plus durement que les autres,  c’est à eux que ce texte est consacré. 

Entrer dans la carrière n’a jamais été évident, mais face aux baisses de recettes et aux déficits, il est de plus en plus probable que les programmateurs ne prennent plus de risques et privilégient les artistes bankables, capables de remplir la salle sur leur nom... De plus, toute la filière est impactée. Les agences artistiques, essentiels maillons dans l’affirmation d’une carrière, payent cher le prix de la crise... Certaines d’entre elles ont déjà disparu, et non des moindres : avec l’arrêt des concerts et surtout des tournées, les grosses agences, souvent anglo-saxonnes, se sont révélées des colosses aux pieds d’argiles... Mais d’autres entreprises, certes moins exposées, écrèment leur catalogue en se concentrant sur des artistes senior déjà bien établis. Des artistes moins affirmés se retrouvent sans représentations artistiques. Sans oublier qu’intégrer une agence risque d’être encore plus difficile pour les nouveaux venus. D’un autre côté, face à un marché de l’enregistrement dont les ventes physiques, pourtant rémunératrices, s’écroulent alors que le streaming rétribue des clopinettes, il sera délicat pour ces jeunes musiciens de pouvoir proposer des enregistrements, pourtant éternelle manière de toucher les professionnels. Dans le contexte d’une économie zombie, où les artistes devaient déjà très souvent payer la totalité des coûts liés à la production d’un enregistrement, le ticket d’entrée risque d’être encore plus cher…. 

In memoriam Leon Fleisher 

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C’est un artiste exceptionnel qui nous a quittés ce 2 août à Baltimore.

Né en 1928 à San Francisco dans une famille d’émigrés juifs d’Europe de l’Est (son père était originaire d’Odessa et sa mère de Pologne), Leon Fleisher reçut ses premières leçons de piano à l’âge de 4 an. Par l’entremise de Pierre Monteux, il fut présenté à Artur Schnabel qui, impressionné par le talent du garçon, accepta -en dépit de ce qu’il refusait par principe d’enseigner à des enfants- de le prendre pour élève en 1938 alors que Leon n’avait que 9 ans. Le grand pianiste exigea en revanche que l’enfant ne se produise pas en concert. Même si Fleisher resta son élève jusqu’en 1948, Schnabel autorisa quelques exceptions à cette règle et c’est ainsi que le jeune virtuose put se produire sous la baguette de Monteux en 1942 dans le Deuxième Concerto de Liszt et en 1944 dans le Premier de Brahms qui deviendrait l’un de ses chevaux de bataille.

Après un beau début de carrière, Fleisher, se voyant proposer moins d’engagements aux Etats-Unis, décida de s’établir en Europe en 1950 et y resta jusqu’en 1958, d’abord aux Pays-Bas puis en Italie. C’est donc un pianiste expatrié qui remporta en 1952 le Concours Reine Elisabeth, jouant en finale le Premier Concerto de Brahms. Il fera par la suite partie du jury à cinq reprises, la dernière en 1999.

Son triomphe bruxellois ne fut pas sans écho dans son pays natal, où il entama dès 1954 une collaboration avec le chef George Szell et l’orchestre de Cleveland qui allait déboucher quelques années plus tard sur d’inoubliables intégrales des concertos de Beethoven et de Brahms.

Paysage de COVID : espoirs, polémiques, craintes, vers un état d’urgence culturel ? 

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L’été est enfin arrivé, les concerts ont pu reprendre, même sous une forme sanitairement compatible, et certains festivals se maintenus avec parfois un élan total de créativité à l’image du drive-in musical du Festival de Namur. Mais le temps reste aux incertitudes.
Des signaux contradictoires arrivent de partout, y compris des annulations de saisons entières comme en Amérique du Nord. La rentrée s’annonce incertaine, les concerts prévus jusqu’en décembre sont de plus en plus revus sous des formes chambristes ou en petits effectifs alors que certaines grosses institutions belges n’ont toujours pas annoncé leurs nouvelles saisons. Tout le monde craint une nouvelle vague de contaminations et les lockdowns même partiels et régionaux qui risquent de l’accompagner. Sans oublier que, par ricochet, c’est toute la filière qui sera impactée : baisse de recettes des salles, précarisation des artistes et surtout des jeunes, marché du disque anémié par le confinement. Quant au « tout au numérique gratuit » pratiqué intensément depuis le mois de mars, il suscite plus de questionnements qu’il n’offre de réponses crédibles et de pistes pour le futur. Le paysage post-Covid est un champ de ruines qu’il faut reconstruire dans un contexte très difficile.   

Conséquences du Covid-19 : de la guerre des pauvres à la deuxième vague 

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La situation actuelle nous mène à quelques réflexions sur l’aujourd’hui et le demain d’un secteur d’activité particulièrement violenté par la Covid-19. 

Guerre des pauvres 

Fortement impacté par l’arrêt des activités, le secteur culturel a cherché à se faire entendre des autorités. Malgré son poids, son nombre d’emplois (près de 200.000 personnes en Belgique), les revenus générés directement et indirectement (quand on va au spectacle ou au concert, la soirée peut être précédée d’un repas au restaurant et se conclure sur un verre, autant d’argent injecté dans l’économie), le rayonnement international généré par le secteur de la culture, il est triste de constater qu'il peine toujours autant à être entendu des autorités et de la société dans sa globalité. Les mêmes pouvoirs qui dégainent, le doigt sur la couture, les millions pour sauver des industries déjà en péril ou en voie d’obsolescence accélérée rechignent à aider la culture, secteur toujours perçu comme éternellement quémandeur et systématiquement insatisfait.