Jānis Ķepītis (1908-1989) était un compositeur, pianiste et professeur de musique letton. Professeur au Conservatoire de Lettonie, il fut Artiste émérite de la RSS de Lettonie (1958).

Il est né le 2 janvier 1908 dans le "Jaunā krog" de la paroisse de Trikātas, en tant que fils cadet de la famille de l'enseignant et commerçant Mārčas (Mārtiņas) Ķepīš et de sa femme Emma, ​​​​née Viduce. Lorsque Jānis avait quatre ans, la famille a déménagé à Valmiera, où son père travaillait comme comptable et sa mère comme couturière. Il étudie à l'école paroissiale Pakalniņa de Valmiera, puis au gymnasium de Valmiera et apprend en même temps le piano à l'école de musique de Valmiera. Après avoir été diplômé de l'école en 1926, il est organiste de l'église Saint-Simon de Valmiera.

Il a étudié au Conservatoire de Lettonie, est diplômé de la classe de composition de Jāzeps Vītolas (1931), de la classe de piano de Paul Shubert (1932) et de la classe de direction de Jānis Mediņš (1934). Il a étudié le piano à Paris avec R. Kazadezi et à Wiesbaden avec V. Gieseking. En 1933, il épousa Sallija Bērziņa, leur famille eut des enfants Ināra (1936) et Andris Jānis (1940).

Il a travaillé comme violon solo à la radio lettone (1934–1952), pendant la Seconde Guerre mondiale.

Après la fin de la guerre, Jānis Ķepītis était professeur au Conservatoire d'État de Lettonie dans la classe d'ensemble de chambre (1945–1984). Pendant les étés, il vivait dans les maisons héritées "Vecķepīšu".

Il est décédé le 9 août 1989.

Il écrit 6 symphonies, 2 opéras et 2 ballets, 3 concertos pour violon, 7 pièces en trio de musique de chambre, des cantates, des pièces pour instruments à vent et à cordes, des chansons pour enfants, des arrangements de chansons folkloriques, 5 danses folkloriques lettones accompagnées par un orchestre symphonique.

Ruggero Leoncavallo (23 avril 1857 Naples - 9 août 1919 Montecatini Terme) est un compositeur italien.

De manière certaine, on sait qu'il est fils de magistrat, qu'il a étudié au Conservatoire de Naples, qu'il a suivi à Bologne les cours du poète Giosuè Carducci, qu'il a voyagé en Égypte, avant d'arriver à Paris, où il a joué du piano pour gagner sa vie dans les cafés-concerts.

À Paris, Leoncavallo se lie d'amitié avec Jules Massenet et le baryton Victor Maurel. Il commence alors à rédiger des livrets, en s'inspirant de modèles littéraires (il avait déjà écrit Chatterton en 1876, qui ne sera créé qu'en 1896, mais c'est en 1892 qu'éclatera son talent avec Paillasse, dont le succès universel lui a ouvert de nombreux horizons.

Leoncavallo a pu ainsi aborder d'autres genres : opérette, drame musical, poème symphonique comme La Nuit de mai pour ténor et orchestre, inspiré par le poème d'Alfred de Musset, exécuté pour la première fois le 3 avril 1887 à Paris ou encore Séraphitus Séraphîta, poème symphonique d'après "Séraphîta" d'Honoré de Balzac, créé à Milan à la Scala en 1894.

L'artiste reçoit parfois des commandes, comme Der Roland von Berlin de Guillaume II (1904), et il se lancera dans la composition d'opérettes, avant de renouer avec son style initial : Œdipe Roi (1920) qu'il ne verra pas représenté, puisqu'il meurt un an plus tôt.

Il fait partie de la Giovane Scuola.

En 1895, il avait épousé à Milan, la cantatrice française Marie Rose Jean, dite Berthe Rambaud, née à Carpentras en août 1863.

Une grande partie de son patrimoine est conservé aujourd'hui au Fondo Leoncavallo de Locarno. Le musée Leoncavallo de Brissago, tout proche, préserve la mémoire du compositeur, qui a été fait citoyen d'honneur de la commune en 1904.

Ferenc Fricsay, né à Budapest le 9 août 1914 et mort à Bâle le 20 février 1963, est un chef d'orchestre hongrois naturalisé autrichien en 1958.

À cause de la guerre, il est obligé de fuir pour Budapest où il organise des concerts dans les sous-sols de l'Opéra durant les combats fin 1944. À la fin de la guerre, il quitte la Hongrie pour Salzbourg où il remplace au pied levé Otto Klemperer dans La Mort de Danton de Gottfried von Einem, en 1947.

L'année suivante, il fait des débuts remarqués en dirigeant à Berlin Don Carlos de Verdi ; dès lors, il se lie avec l'Orchestre de la RIAS de Berlin (la radio du secteur américain de la ville), avec lequel il travaillera jusqu'à son décès. Il entretient également une collaboration fertile avec l'Orchestre Philharmonique de Berlin avec lequel il a enregistré un cycle partiel consacré aux symphonies (1, 3, 5, 7, 8 et 9) de Beethoven.

Durant les années 1950, il voyage entre Berlin, Munich et Vienne où il dirige avec passion les opéras de Mozart et de Verdi, mais la maladie le contraint à ralentir le rythme des concerts et des tournées en 1958. Dès lors, il enchaîne les enregistrements avec « son » orchestre de la Radio de Berlin (RIAS). Il contribue grandement à étoffer le catalogue de la Deutsche Grammophon après la guerre. En novembre 1961, peu après la construction du Mur de Berlin, il donne son dernier concert à Londres, puis il retombe malade et meurt à Bâle le 20 février 1963.

Musicien exceptionnel, Fricsay avait une insatiable soif du moindre détail, que cela soit à l'opéra ou dans les salles de concerts. Ses enregistrements reflètent une grande précision, notamment dans Mozart (La Flûte enchantée, etc.), Beethoven (Symphonie nº 9, etc.) et Bartók (les concertos pour piano avec le pianiste Géza Anda ou le Concerto pour orchestre par exemple). Il eut la chance inestimable d'enregistrer un très grand nombre de disques dès la fin des années 1940 jusqu'en 1961, enregistrements d'une qualité technique exceptionnelle pour l'époque, et époustouflants par leur précision. Fricsay avait la particularité de proposer ses idées à l’orchestre, et non de les imposer.

Pour ses enregistrements d'œuvres vocales, Fricsay aimait à s'entourer d'une équipe de chanteurs fidèles et qui présentaient tous comme point commun un très haut degré de technicité vocale et de délicatesse de l'expression : Ernst Haefliger, Maria Stader, Dietrich Fischer-Dieskau, Irmgard Seefried… Il entretenait également un dialogue étroit avec plusieurs concertistes tels que Johanna Martzy, Erika Morini, Yehudi Menuhin, Annie Fischer, Monique Haas...

Le grand compositeur australien Peter Sculthorpe est décédé le 8 août 2014 à Woolhara, en Australie, à l'âge de 85 ans.
Né le 29 avril 1929 à Launceton, il était considéré comme un enfant prodige et a composé son premier quatuor à cordes à l'âge de 14 ans.

Il a commencé sa formation à l'Université de Melbourne et, à partir de 1958, au Wadham College, Oxford, où il a été l'élève d'Edmund Rubbra et d'Egon Wellesz.
Sa relation étroite avec son Australie natale et son souci de la préservation de l'environnement ont également été intégrés dans son œuvre (The Great South Land, Songs of Sea and Sky, Shining Island, The Fifth Continent).

À partir de 1963, il a enseigné à l'Université de Sidney et en tant que professeur invité en Angleterre et aux États-Unis. Il a reçu en 1997 le prix "Australian′s Living Treasure".
Son œuvre comprend près de 350 compositions, dont 18 quatuors à cordes, des œuvres vocales et orchestrales et de la musique de film.

Carl Heinrich Graun (né le 7 mai 1704 à Wahrenbrück et mort le 8 août 1759 à Berlin) est un ténor et compositeur allemand de musique classique, employé à la Cour de Frédéric II de Prusse et membre de l'École de Berlin.

Issu d'une famille de pasteurs protestants au nombre desquels figurait un organiste, son père est brasseur et percepteur des impôts. Ses deux frères August Friedrich et Johann Gottlieb sont également compositeurs.

En 1714, un an après son frère Johann Gottlieb, il entre à la Kreuzschule de Dresde où il étudie le chant et la composition.

Il se fait bientôt remarquer par la qualité exceptionnelle de sa voix. C'est dans cette école qu'il suit ses premiers cours de chant, de clavecin et de violoncelle. Il étudie la composition musicale sous la direction du maître de chapelle Schmidt.

En 1724, Carl Heinrich Graun est appelé comme chanteur (ténor) à la cour de Brunswick.
Mais en 1735, il fait ses débuts peu après son frère Johann Gottlieb -également chef d'orchestre et compositeur- comme vice-maître de chapelle au service du Prince héritier de Prusse, le futur Frédéric II, dit Frédéric le Grand, Roi de Prusse.

Alors qu'il n'est encore que Prince héritier, Frédéric constitue un orchestre privé à partir de 1732 à sa résidence de Ruppin : Johann Gottlieb Graun est le premier musicien à entrer à son service dès 1732 suivi par Franz Benda en 1733, Johann Georg Benda en 1734, Carl Heinrich Graun en 1735 puis Christoph Schaffrath et Johann Gottlieb Janitsch en 1736.

En 1736, Frédéric et ses musiciens déménagent au château de Rheinsberg, vingt kilomètres plus au nord.

En mai 1740, âgé de 28 ans, le Prince monte sur le trône de Prusse sous le nom de Frédéric II et transporte sa Cour à Potsdam près de Berlin. Il s'attache en 1741 les services du flûtiste Johann Joachim Quantz pour compléter son orchestre et donner ainsi naissance à l'École de Berlin.

En 1740, après l'accession au trône de Frédéric le Grand, Graun est nommé maître de chapelle, puis envoyé en Italie avec pour mission de recruter des chanteurs et des chanteuses pour l'opéra italien que souhaite construire le souverain à Berlin. Le nouveau théâtre sera inauguré avec son opéra Cesare e Cleopatra, le 7 décembre 1742.

De retour à Berlin et rétabli dans ses fonctions de maître de chapelle, il se consacrera entièrement à la composition d'opéras correspondant parfaitement au goût du Roi et du public de l'époque, ce qui fera bientôt de lui le maître incontesté des scènes lyriques berlinoises -ce qu'il restera jusqu'à sa mort. Le souverain contribuera aux opéras de Graun en écrivant lui-même le livret de l'opéra de Graun intitulé Montezuma.

Les œuvres de Graun constituaient alors le principal répertoire des programmes des opéras berlinois, à côté de celles de Johann Adolph Hasse.

Carl Heinrich Graun est l'un des maîtres de la cantatrice Benedetta Emilia Agricola.

Graun partage avec le maître de chapelle de Dresde, Johann Adolph Hasse (1699 - 1783), le mérite d'avoir porté à sa plus haute perfection l'opéra italien d'Alessandro Scarlatti. Les deux compositeurs reçurent tant de témoignages de reconnaissance de la part de leurs contemporains qu'ils rejetèrent provisoirement dans l'ombre les œuvres de Johann Sebastian Bach et de Georg Friedrich Händel.

Avec l'arrivée de Christoph Willibald Gluck, ses œuvres disparurent définitivement du répertoire lyrique. En revanche, sa passion, Der Tod Jesu (La Mort de Jésus), jouée pour la première fois en mars 1755, restera jusqu'en 1884 dans les programmes de concert à Berlin et ailleurs, avant de disparaître du répertoire en faveur des passions de Bach.

Outre cette passion et 28 opéras, Graun a laissé à la postérité un grand nombre de compositions religieuses dont un Te Deum écrit en l'honneur de la victoire de Prague en 1756, ainsi que de nombreuses cantates et diverses compositions instrumentales.

 

Pour marquer son 25e anniversaire, l'Orchestre symphonique de Dresde sera dirigé par un robot dans une nouvelle œuvre au Hellerau Festival Hall en octobre.

Selon l'orchestre, la subtilité rythmique et les tempos croisés de #kreuzknoten de Wieland Reissmann ne peuvent être dirigés par un humain. Il faut trois bras pour réaliser les passages les plus complexes.

Le "Concert d'anniversaire 20 ans Lucerne Festival Academy" est dédié à Wolfgang Rihm

Le compositeur et directeur artistique de la Lucerne Festival Academy Wolfgang Rihm est décédé le 27 juillet 2024. Le festival pleure la disparition d'un des artistes les plus importants de notre époque, qui a fortement marqué le programme par son œuvre et sa personnalité.
En sa mémoire, le Lucerne Festival Orchestra jouera le 16 août, sous la direction de Riccardo Chailly, un extrait de son œuvre Ernster Gesang lors du concert d'ouverture du festival d'été.

 

Yannick Nézet-Séguin a renouvelé son contrat au Metropolitan Opera jusqu'en 2030.

La prolongation comprend une nouvelle production du Ring de Wagner, avec Lise Davidsen, qui débutera au cours de la saison 2027-28 et se terminera par des cycles complets au printemps 2030.

Le compositeur français, juif hongrois d'origine et naturalisé français en 1948, Joseph Kosma (en hongrois Kozma József) est né le 22 octobre 1905 à Budapest et mort le 7 août 1969 à La Roche-Guyon (Val-d'Oise).

Formé à la composition et à la musique contemporaine à Budapest, passé à la musique de combat à Berlin, exilé en France et intégré au milieu parisien, il va se consacrer pendant trente ans à la musique d'accompagnement pour la chanson (près de 150 titres) et pour le cinéma (près de 90 longs métrages) où son union avec le poète Jacques Prévert a joué de part et d'autre un rôle essentiel pour la création poétique et musicale populaire du vingtième siècle.

La vie, la carrière et l’œuvre de compositeur de Joseph Kosma dans les domaines de la chanson, de la musique de cinéma et de scène sont jalonnées de dates d'exils, de fuites, de rencontres, de ruptures, d’échecs, de succès et de triomphes, et d’équivoques, dans un monde menaçant et en mouvement.

Jeune juif étudiant dans une Hongrie antisémite, il se forme ensuite à l'école de Vienne par Béla Bartók. En 1929, c'est le départ pour Berlin, la rencontre avec Bertolt Brecht et Hanns Eisler d'une musique d’agitation populaire. En 1933, il fuit le nazisme et Hitler et trouve exil en France où en 1935 il rencontre Jacques Prévert. C'est alors l’entrée dans le monde parisien, la poésie, la chanson, l'engagement dans la lutte sociale, l'antifascisme, et le groupe Octobre. En 1936, il entre dans le monde du cinéma via Marcel Carné et Jean Renoir.

En 1940, c'est la fuite devant les Allemands, l’accueil dans le midi de Prévert et le travail clandestin avec ce dernier et Carné. En 1945, c'est le triomphe des « Enfants du Paradis », et l'année suivante le miracle de la poésie, de la mise en musique et en chanson du recueil « Paroles » de Prévert. En 1949 il connaît la gloire mondiale avec la mise en musique des « Feuilles mortes ».
En 1951, c'est la séparation douloureuse avec Prévert puis la consécration avec d'autres chansons, le compagnonnage du Parti communiste français et la confirmation dans le cinéma.
Les années 1960 sont enfin celles des créations scéniques au ballet et à l'opéra.

 

La cantatrice et compositrice italienne Barbara Strozzi est née le 6 août 1619 à Venise et morte le 11 novembre 1677 à Padoue.

Elle est, avec Francesca Caccini et Antonia Bembo, l'une des principales compositrices italiennes du XVIIe siècle. Elle est aussi la première compositrice professionnelle. Elle a publié une œuvre plus abondante que les autres compositeurs vénitiens du XVIIe siècle : 8 ouvrages d'arie, de cantates et d'ariettes ainsi qu'un ouvrage de musique sacrée.

La mère de Barbara Strozzi, Isabella Garzoni dite « La Greghetta », est la servante du poète Giulio Strozzi, un auteur de livrets d'opéra actif à l'Académie de Rome et de Venise. « Née d'un père inconnu », Barbara Valle est adoptée par Giulio Strozzi comme « fille élective » (figliuola elettiva) : dans son testament, Strozzi fait de Barbara sa seule héritière dans le cas où il survivrait à Isabella Garzoni. Il est donc assez probable que Garzoni ait été la maîtresse du poète, et que Barbara soit sa fille.

Giulio Strozzi, très influent dans les cercles littéraires et musicaux de Venise, prodigue une éducation littéraire et musicale à sa fille et encourage sa carrière musicale au sein de l'Académie, en tant que chanteuse et compositrice.

Comme on peut le lire dans la préface de son deuxième livre de madrigaux, Barbara Strozzi étudie la composition auprès de Francesco Cavalli, le compositeur d'opéra italien le plus célèbre après Claudio Monteverdi et, à partir de 1634, on la trouve associée comme chanteuse et compositrice à l'Accademia degli Incogniti fondée par Giovan Francesco Loredan. Le poète Niccolò Fontei en parle comme d'une cantatrice de rang supérieur : « si j'étais capable de transcrire sur le papier l'audace et le charme de cette grande chanteuse, il faudrait la force d'Ulysse pour résister aux tentations d'une telle sirène ». Il publie pour elle deux livres de chants, Bizzarrie poetiche poste in musica (1635 et 1636).

En complément de l'Accademia dei Incogniti fondée par l'écrivain Giovan Francesco Loredan, Giulio Strozzi crée l'Accademia degli Unisoni (1637-1638), salon d'intellectuels et de musiciens, en partie pour donner à sa fille l'occasion de chanter au cours des débats académiques. En 1638, l'Académie publie un compte-rendu des réunions (Le Veglie de' Signori Unisoni) dans lequel elle apparaît pour la première fois sous le nom de « Barbara Strozzi ». La beauté et le talent de sa fille adoptive en assurent le succès. Intelligente et vive d'esprit, elle préside les réunions et détermine les sujets qui feront l'objet de débats durant la soirée.

Parallèlement aux comptes-rendus laudatifs des Veglie, une série de textes satiriques, signés L'Incognito, circule dans Venise. Les textes se moquent des talents poétiques du père et mettent en doute la vertu de la fille. Cette accusation d'être une courtisane, qui repose aussi sur les quatre enfants qu'elle a eus hors mariage, n'est pas attestée.

En 1644, à une époque où peu de musiciens font imprimer leurs œuvres à cause du coût que cela représente, elle publie son premier livre de madrigaux sur des textes de son père, comme bon nombre de ses œuvres. Ce recueil est dédié à la Grande Duchesse de Toscane. Dans la préface, Strozzi parle de cet ouvrage comme d'une « première œuvre que moi, en tant que femme, je propose anxieusement au grand jour ».

Une seconde publication suit en 1651, un recueil de cantates, d'ariettes et de duos ; ce recueil comprend notamment la cantate composée en l'honneur du mariage de l'Empereur Ferdinand III de Habsbourg et d'Éléonore de Mantoue.

Bien que Barbara Strozzi soit la seule héritière de Giulio Strozzi, elle ne semble pas avoir eu de gros gain financier à la mort de celui-ci, en 1652. Peut-être peut-on y voir une explication de la fréquence de ses publications ensuite, sans que cet effort soit payant : elle a connu des difficultés financières toute sa carrière. Pourtant, le fait qu'elle publie autant est le signe que sa musique rencontrait un certain succès.

Sa troisième publication, datée de 1654, inclut des cantates et des ariettes à une, deux et trois voix. Sa quatrième publication est perdue. Son seul ouvrage de musique sacrée arrive en 1655. Ses derniers livres sont publiés en 1657, 1659 et 1664.

Elle compose de nombreuses œuvres vocales pour des mécènes, comme le Doge de Venise Nicolò Sagredo, Ferdinand III de Habsbourg et Éléonore de Nevers-Mantoue, ou Sophie de Bohême, Duchesse de Brunswick.

Jusqu'en 1664, elle publie 125 œuvres sur huit opus, des madrigaux et surtout des arias et des cantates.

On sait peu de chose sur sa vie après sa dernière publication en 1664. On a d'ailleurs longtemps pensé qu'elle était morte à cette date.

Bien que n'ayant jamais été mariée, Barbara Strozzi a eu quatre enfants.
Elle meurt pauvre, des suites d'une maladie de trois mois, le 11 novembre 1677, à Padoue.

Bien que le XVIIe siècle ait été un grand siècle d'opéra à Venise, Strozzi n'a écrit que pour voix et basse continue.

Beaucoup de ses œuvres sont nées de défis au cours desquels les membres de l'Académie lui demandaient de mettre en musique des textes qu'ils lui donnaient, généralement à propos de l'amour dans une esthétique mariniste (esprit, virtuosité linguistique et imagerie érotique). Conformément aux canons de l'époque, les airs de Barbara Strozzi laissent une grande place au sens des mots, afin que tout le monde puisse comprendre le sens du discours ; elle adapte ainsi sa musique aux poèmes souvent malicieux ou ironiques qu'on lui donne. Les vocalises sont réservées aux passages narrativement moins importants.

Ses arias, souvent dramatiques, sont proches de ceux écrits pour l'opéra, à une époque qui poursuit la découverte de la basse continue comme accompagnement. Généralement courtes, les arias sont strophiques : chaque strophe est chantée sur la même musique. Ses cantates sont plus longues, construites en sections, et la musique suit le sens des paroles.

Les partitions proposent de nombreuses indications de dynamique et des instructions précises concernant le phrasé, signifiant que Strozzi maîtrisait les effets produits par sa musique. Les airs ne sont pas excessivement virtuoses ni exigeants en tessiture.

À partir de la fin des années 1970, le travail de la chercheuse Ellen Rosand sur les partitions de Strozzi, visant à les rendre lisibles par des musiciens d'aujourd'hui, en fait une des musiciennes du XVIIe siècle les plus accessibles à l'interprétation.