Le Berliner Oratorien-Chor (BOC) est l'un des plus anciens chœurs d'amateurs de la ville, issu du mouvement Volkbühnen. Depuis maintenant 120 ans, il se consacre non seulement à des œuvres connues, mais aussi à des œuvres symphoniques rarement interprétées de différentes époques et fait ainsi régulièrement entendre des trouvailles intéressantes. Pour son anniversaire, le chœur débutera sa saison avec la Missa solemnis de Ludwig van Beethoven dans une interprétation historiquement informée. Les participants sont Concerto Brandenburg, le Konzertchor Schlachtensee ainsi que les solistes Flurina Stucki (soprano), Rita Kapfhammer (alto), Ludwig Obst (ténor) et Haakon Schaub (basse). La direction est assurée par Thomas Hennig, chef de chœur et compositeur de longue date.

Un autre point fort suivra en septembre au Konzerthaus Berlin avec la Messe glagolitique de Janáček ainsi que la création de Ghasele de Thomas Hennig, une œuvre commandée pour l'anniversaire.
Le chœur clôturera l'année du jubilé par un concert de Noël avec La naissance du Christ de Heinrich von Herzogenberg.

Le 8 février 1904, des membres du Berliner Volksbühne fondèrent le "Berliner Volks-Chor" (BVC), dont la direction fut confiée à son initiateur, le Dr Ernst Zander. Contrairement à ce que suggère le nom, ce ne sont pas les chants populaires qui étaient au centre de l'intérêt, mais les œuvres scéniques. Il s'agissait du premier chœur composé d'ouvriers à Berlin qui présentait sur scène des symphonies et des oratorios avec orchestre et solistes. Le manque de connaissances musicales préalables était compensé par des cours de préparation obligatoires.

Sous le régime nazi, le choeur a dû faire face à de nombreuses tracasseries, interdictions et restrictions. Lorsque l'affiliation du BVC au Deutscher Arbeiter Sängerbund fut annulée en 1933, le chœur rejoignit le Reichsverband der Gemischten Chöre Deutschlands afin de pouvoir continuer à fonctionner. En 1937, le Dr Zander dut céder la direction à Georg Oskar Schumann, car il n'était pas musicien professionnel et n'était probablement pas membre du NSDAP. En raison de la guerre, la chorale se réduisit et les représentations devinrent rares.
La reconstruction du BVC après la guerre a été marquée par le président de l'époque, Otto Berndt et, à partir de 1958, par le jeune chef d'orchestre Gert Sell.
Leur travail subit un coup dur lors de la construction du mur, car 30 membres disparurent d'un coup et le contact avec les membres de la zone Est fut rompu.

Le chœur a pris son nom actuel en 1974 en fusionnant avec le Berliner Oratorien-Chor, issu du Deutscher Philharmonischer Chor, qui n'a existé que de 1945 à 1963.
Entre-temps, le BOC a trouvé sa place dans la vie des concerts de la capitale et a été honoré en 2004 par la Zelter-Plakette pour la culture de la musique chorale.

En 2008, Thomas Hennig a repris la direction artistique.
Avec des programmes innovants et un haut niveau d'exigence artistique, le chœur reste une institution pionnière avec des représentations régulières organisées par ses soins à la Philharmonie de Berlin et au Konzerthaus de Berlin, ainsi que de nombreuses coopérations et représentations en tant qu'invité.
Le chœur est actuellement composé de 84 membres actifs d'horizons et de générations très divers.

 

 

Insa Pijanka sera la nouvelle directrice de l'Orchestre Philharmonique de Bielefeld. Cette native de Mannheim prendra ses fonctions au début de la saison 2024-25, a annoncé l'orchestre vendredi. Elle succède à Gerald Mair qui, après quatre ans, se consacrera à de nouveaux défis.

Insa Pijanka (°1974) apporte une grande expérience de ses postes précédents, a-t-on précisé. De 2019 à 2023, elle a été directrice de la Südwestdeutsche Philharmonie Konstanz. Auparavant, elle a travaillé depuis 2002 au Staatstheater Kassel, d'abord comme dramaturge de concert et inspectrice d'orchestre, puis à partir de 2003 comme manager d'orchestre et de 2011 à 2018 comme directrice d'orchestre et dramaturge en chef dans le domaine des concerts.

 

Du 10 avril au 8 mai [18h30], la Fundación Juan March programmera une série de concerts où l'éclairage traditionnel des récitals classiques sera radicalement modifié. Dans "Closing the Eyes", les lumières oscilleront entre pénombre et obscurité totale, en passant par les ombres, pour proposer une nouvelle expérience d'écoute.

Rien n'empêche de repenser les principes pour offrir une perspective esthétique différente de celle héritée du XIXe siècle. C'est l'objectif du cycle " Fermer les yeux", où l'absence de lumière aiguise l'oreille et met en évidence de nouvelles nuances sonores. La pratique consistant à "fermer les yeux" nous permet de supprimer les stimuli visuels qui nous détournent d'une écoute plus attentive, ce qui entraîne une réponse émotionnelle plus intense au stimulus auditif et aux sensations qu'il déclenche", écrit Sonia Gonzalo Delgado, coordinatrice du programme musical de la Fondation Juan March, dans le programme du cycle.

La première séance du cycle aura lieu le 10 avril. L'ensemble de trompettes The Monochrome Project couvrira six siècles d'histoire de la musique dans différentes parties de l'auditorium. Avec des œuvres de Stockhausen, Du Fay, Pärt ou Stravinsky, ce concert comprendra la première mondiale de l'œuvre Prillar Octagon, de Rolf Wallin.

Le quatuor à cordes Alexander, fondé en 1981, annonce que 2024-25 sera sa dernière saison. Ils donneront leur dernier concert ensemble au printemps prochain.
La violoncelliste Sandy Wilson est la seule survivante de la formation originale. Les autres sont les violonistes Zakarias Grafilo et Yuna Lee et l'altiste David Samuel.

Le baron anglais de la basse John Shirley-Quirk est décédé le 7 avril 2014 à Bath, à l'âge de 82 ans.
Il avait d'abord commencé des études de chimie avant de se consacrer entièrement à la musique.
En 1961, il a fait ses débuts dans le petit rôle du médecin dans Pélleas et Mélisande de Debussy au festival de Glyndebourne, mais des rôles plus exigeants ont rapidement suivi. De 1964 à 1976, il a été membre de l'English Opera Group et, à partir de 1973, il a fait partie de la troupe du Royal Opera House Covent Garden.
Une collaboration intense le lie à Benjamin Britten, dont il participe à la création des opéras Owen Wingrave et Death in Venice.
Son répertoire comprenait également des rôles de Mozart et des opéras russes.
Il a enseigné pendant vingt ans au Peabody Conservatory de Baltimore.

Michio Miyagi (7 avril 1894 - 25 juin 1956) est un musicien et compositeur de koto japonais, né à Kobe. Il est surtout connu pour être l'inventeur du jyūshichigen (koto à 17 cordes), et pour son œuvre Haru no umi (« La mer au printemps », pour koto et shakuhachi).

Il perd la vue en 1902 à 8 ans et commence l'étude du koto sous la direction de Nakajima Kengyo II, instrument auquel il consacre le reste de sa vie.
En 1907, il déménage avec sa famille à Incheon dans le sud de la Corée.
En 1903, à l'âge de 9 ans, il achève sa première composition, Mizu no Hentai.
À 18 ans, il atteint le grade de kengyo, plus haut rang pour un artiste de koto.

Miyagi déménage à Tokyo en 1917 et en 1919 donne son premier récital de ses propres compositions. En 1920, il prend part au « Grand récital de la nouvelle musique japonaise » avec Seifu Yoshida et Nagayo Motoori. Il est considéré comme une autorité au sein de la nouvelle musique japonaise et atteint la notoriété au début de l'ère Shōwa. En 1925 il participe à l'une des premières présentations de radio au Japon et en 1929, signe un contrat exclusif avec Victor Record Company, actuelle JVC. Il compose sa pièce la plus célèbre, Haru no Umi (« La mer au printemps »), en 1929.

En 1930, il est conférencier au collège de musique de Tokyo (actuelle Université des arts de Tokyo) avant d'y être nommé professeur en 1937.
En 1932, la violoniste française Renée Chemet donne une série de concerts au Japon. Après avoir entendu Miyagi interpréter Haru no Umi, Chemet arrange la partie shakuhachi pour violon qu'elle et Miyagi enregistrent alors pour une diffusion au Japon et en Europe. Il acquiert une notoriété mondiale après la sortie de ses albums au Japon, aux États-Unis et au Royaume-Uni.

Après la Seconde Guerre mondiale, il est nommé en 1948 à l'Académie japonaise des arts. Il meurt le 25 juin 1956 après être tombé d'un train à Kariya dans la préfecture d'Aichi lors d'une de ses tournées.
Il a écrit plus de 500 pièces, amélioré les instruments à cordes japonais et inventé de nouveaux kotos à 17 cordes (contrebasse koto) et 80 cordes. Il était aussi essayiste et a publié plus de dix livres, dont "Ame no Nenbutsu".

Le Michio Miyagi Memorial Hall est inauguré en 1978 sur le site où il a passé ses dernières années. Le musée comprend ses instruments et objets personnels, la bibliothèque où il a composé sa musique et écrit ses essais, une chambre avec sa musique et ses vidéos, une bibliothèque, une salle de conférence et une salle de musique pour les concerts.

La ministre française de la Culture, Rachida Dati, a annoncé des coupes dans les budgets d'un grand nombre d'institutions culturelles françaises, dont certaines sont les plus importantes du pays, comme le Musée du Louvre et l'Opéra de Paris.

Concrètement, pour l'Opéra, six millions d'euros seront économisés sur son budget, alors qu'il vient d'annoncer sa saison 24-25, après avoir réalisé un bénéfice de plus de deux millions d'euros lors de la précédente et à quelques mois de l'arrivée des Jeux Olympiques de 2024 dans la capitale française, avec toutes les dépenses que cela implique. La raison invoquée par le ministère est l'économie budgétaire pour tenter de limiter les dépenses publiques et réduire le déficit, qui s'élève en France à environ 5,5 % du PIB.

La mairie de Paris a exprimé son désaccord.

Le compositeur russe Mili Alekseïevitch Balakirev est né le 21 décembre 1836 (2 janvier 1837 dans le calendrier grégorien) à Nijni Novgorod et mort le 16 mai 1910 (29 mai dans le calendrier grégorien) à Saint-Pétersbourg.
Il est connu pour sa pièce virtuose pour piano Islamey et son poème symphonique Tamara.

Avec sa première Ouverture sur trois thèmes russes (1858), Balakirev se concentre sur l'écriture d'œuvres symphoniques à caractère russe. Il choisit ses thèmes dans des recueils de chansons folkloriques disponibles à l'époque où il composa la pièce, prenant comme modèle Kamarinskaya de Glinka en choisissant une chanson lente pour l'introduction, puis pour la section rapide en choisissant deux chansons dont la structure est compatible avec le motif ostinato de la chanson de danse Kamarinskaya.
L'utilisation par Balakirev de deux chansons dans cette section constituait un écart important par rapport au modèle, car elle lui permettait de lier le processus symphonique de la forme symphonique aux variations de Glinka sur un motif ostinato et, en les opposant, de traiter les chansons de manière symphonique plutôt que simplement décorative.

La Seconde ouverture sur des thèmes russes (1864) fait preuve d'une sophistication accrue, Balakirev utilisant la technique de Beethoven consistant à dériver de courts motifs de thèmes plus longs, de sorte que ces motifs puissent être combinés en un tissu contrapuntique convaincant.
En tant que telle, elle peut être considérée comme un exemple de composition motivique-thématique abstraite, mais comme elle utilise des chansons folkloriques, elle peut également être considérée comme une déclaration sur la nationalité.
Dans cette ouverture, il montre comment les chansons folkloriques peuvent prendre des dimensions symphoniques tout en accordant une attention particulière à l'élément de la protyazhnaya ou mélisme-chanson lyrique élaborée de manière technique.
Ce type de chanson se caractérise par une extrême souplesse rythmique, une structure de phrase asymétrique et une ambiguïté tonale. Incorporer ces éléments signifiait employer l'instabilité tonale de la chanson folklorique dans des structures plus larges en s'appuyant sur l'indétermination tonale.
La structure de cette ouverture s'écarte des relations tonales classiques entre tonique et dominante, se rapprochant des expériences tonales de Liszt et Robert Schumann.

Décédé il y a cinq ans (28 février 2019 à Manhattan), américain d'origine allemande, André George Previn, né Andreas Ludwig Priwin le 6 avril 1929 à Berlin, était pianiste, chef d'orchestre et compositeur.

Né dans une famille juive de Berlin, Andreas Priwin émigre avec sa famille aux États-Unis en 1938 pour échapper aux nazis. Il devient citoyen américain en 1943, grandit à Los Angeles et fait ses premiers pas en arrangeant et composant des musiques de films d'Hollywood à partir de 1948. Il adapte et dirige la musique pour des films comme "Gigi" (1958), ""Porgy and Bess" (1959), "Irma la Douce" (1963) et "My Fair Lady" (1964) ; pour chacun d'eux, il reçoit un Oscar de la meilleure adaptation musicale (il est au cours de sa carrière onze fois nommé pour un Oscar). Pendant des années, il travaille au célèbre département musical de la MGM dirigé par Arthur Freed.

À la fin des années 1950, il se produit et enregistre comme pianiste de jazz. Enregistrant principalement pour Contemporary Records, il travaille avec Shelly Manne et Benny Carter. Son album de chansons de "My Fair Lady" (1956) avec Manne est devenu un best-seller.

En 1967, Previn, qui avait été l'élève de Pierre Monteux de 1951 à 1953, à l'époque où ce dernier dirigeait l'Orchestre symphonique de San Francisco, devient chef de l'Orchestre Symphonique de Houston puis, l'année suivante, de celui de Londres, avec lequel il enregistrera la musique du film "Rollerball", sorti en 1975. Dans les années qui suivent, il dirige de nombreuses fois l'Orchestre Symphonique de Pittsburgh, le Royal Philharmonic Orchestra et l'Orchestre Philharmonique de Los Angeles.

Après sa carrière à Hollywood, il se concentre davantage sur la composition d'œuvres de musique classique. Son premier opéra, A Streetcar Named Desire, sur un livret de Philip Littell, et basé sur la pièce de Tennessee Williams, est représenté pour la première fois à l'Opéra de San Francisco en 1998 avec Renée Fleming dans le rôle-titre de Blanche DuBois.

Parmi ses autres œuvres de musique classique, on trouve notamment un concerto pour violoncelle dédié à Yo-Yo Ma, un concerto pour piano dédié à Vladimir Ashkenazy, un concerto pour guitare, des cycles de chansons pour Janet Baker, Kathleen Battle, Barbara Bonney et Anthony Dean Griffey…

De 2002 à 2006, il est directeur musical de l'Orchestre Philharmonique d'Oslo.

André Previn a déjà été marié quatre fois (Dorothy Langan, dite Dory Previn (en), Mia Farrow, Betty Bennett, Heather Sneddon), lorsqu'il épouse en 2002 la violoniste allemande Anne-Sophie Mutter, pour laquelle il a d'ailleurs écrit un concerto pour violon (Anne-Sophie, mars 2002). Le couple se sépare en 2006.
Soon-Yi Previn est sa fille adoptive.

Tommaso Traetta (né le 30 mars 1727 à Bitonto, près de Bari et mort le 6 avril 1779 à Venise) est un compositeur italien du XVIIIe siècle, représentant important de l'école napolitaine, principalement dans le domaine de l'opera seria.

Traetta part très jeune pour Naples, où il étudie au Conservatoire de Santa Maria di Loreto sous la férule des compositeurs Nicola Porpora, Leonardo Leo et Francesco Durante.

En 1748, il achève ses études au Conservatoire et enseigne le chant. Il compose, pour les églises et les couvents de Naples, des messes, des vêpres, des motets et des litanies dont les manuscrits sont encore existants. Il fait ses débuts dans l'opéra à l'âge de 24 ans, avec Farnace, créé au Théâtre San Carlo de Naples qui obtient un grand succès. En 1757 au Théâtre delle Dame à Rome, il donne Ezio, considéré comme une de ses œuvres majeures, puis La Nitteti, à Reggio d'Émilie, Didone abbandonata,
à Venise, Demofoonte, à Milan et Olimpiade à Vérone. Traetta s'est essayé avec succès à l'opéra buffa notamment avec le délicieux le Serve Rivali, plein de joie et de fines réparties.

En 1758, il est invité par le souverain du Duché de Parme, Philippe de Bourbon, devient maître de chapelle et enseigne l'art du chant aux princesses de la famille ducale. La même année, il donne Solimano.

Sous l'influence du premier ministre d'origine française Guillaume du Tillot, qui voulait réformer le melodramma serio, Traetta reprit le livret utilisé par Jean-Philippe Rameau pour Hippolyte et Aricie en 1733, qui est remanié par Carlo Innocenzo Frugoni. L'œuvre est représentée en 1759 et reprise en 1763 lors du mariage de l'Infante de Parme avec le Prince des Asturies. Il reçoit une pension du Roi d'Espagne.

Le succès d' Ippolito ed Aricia est tel que le compositeur et le librettiste composent un nouvel opéra, I Tintaridi, inspiré de Castor et Pollux (de Rameau), qui est représenté à Parme en 1760.
En 1763, Traetta, est appelé à Vienne pour la création d' Ifigenia in Tauride considérée aussi comme une de ses œuvres majeures, sur un livret de Mario Coltellini, comme il l'avait été en 1761 pour celle d'Armida, sur un livret du comte Giacomo Durazzo. En 1762, Sofonisba avait été créée à l’Opéra de Mannheim.

En 1765, après la mort du Duc de Parme, Traetta est appelé à Venise, où il dirige le Conservatoire de l'Ospedaletto à Venise, puis entre au service de Catherine II de Russie, à Saint-Pétersbourg, de 1768 à 1775.
Sa santé s'affaiblit en raison de la rigueur du climat, et c'est avec la plus grande peine qu'il réussit à se faire congédier, Catherine II s'étant attachée à lui et lui écrivant des livrets.
Il se rend à Londres, où il réalise le drame Germondo, représenté au théâtre du roi, qui ne fut pas un succès, puis il revient à Venise, où il écrit quelques œuvres, sans retrouver le feu de ses anciennes productions.
Il meurt le 6 avril 1779, à 52 ans.