Son projet est ambitieux, il invite mélomanes et curieux à une longue navigation dans le riche répertoire de l’artiste disparu aux Pays-Bas en 1974. «L’odyssée Frank Martin» débutera officiellement en avril et se prolongera en touchant les rivages connus et d’autres absolument inexplorés de son œuvre. 

Libre depuis mai 2023 de ses engagements auprès de l’Orchestre Symphonique d’Utah où il a évolué quatorze ans durant, mais toujours à la tête de l’Orchestre Symphonique d’État de São Paulo et de l’Orchestre Symphonique de Castilla y León, le chef, qui assure la direction artistique de cette odyssée, a vu grand. À commencer par l’Orchestre Frank Martin, qui incarnera une partie substantielle du programme. Créé de toutes pièces, il sera constitué à 25% d’étudiants de la Haute École de musique de Genève (HEM), partenaire central du projet. Les autres pupitres seront issus de l’OSR, de l’Orchestre de chambre de Genève et de celui de Lausanne, ainsi que de l’ensemble Contrechamps. Une portion congrue sera constituée par des musiciens free-lance.

Parmi les dix rendez-vous fixés en 2024, trois attirent particulièrement l’attention. Le premier, ce 21 avril, connaîtra un prologue dans la salle des machines du Bâtiment des Forces Motrices, où on pourra écouter l'Ode à la musique (1961). Suivra, dans la grande salle, la toute première œuvre de Frank Martin, Tête de linotte, composée à l’âge de 9 ans. 

Le 21 novembre, enfin, jour de la disparition de Frank Martin, les voûtes de la cathédrale Saint-Pierre feront résonner son Requiem, chanté par l’Ensemble vocal de Lausanne. 

L'Odyssée se poursuivra longuement au long des mois suivants.

Depuis 50 ans, Thomas Quasthoff se produit sur les scènes du monde entier et fête cet anniversaire avec un calendrier de concerts bien rempli. Qu'il s'agisse de la Philharmonie de l'Elbe ou de l'Isar, du Konzerthaus de Vienne ou du Wigmore Hall de Londres, Quasthoff continue de remplir les salles importantes d'Europe et d'impressionner par sa grande diversité artistique.

Il n'y a guère de sommet musical que le baryton-basse n'ait pas encore pris d'assaut. Ce n'est pas pour rien que le triple lauréat des Grammy Awards et titulaire de l'Ordre du mérite de la République fédérale d'Allemagne compte parmi les personnalités artistiques allemandes les plus importantes. Une chose le caractérise avant tout : sa curiosité irrépressible. L'année de son 50e anniversaire sur scène, l'artiste se montre également dans toute sa diversité. Il franchit sans peine les frontières de la musique classique, du jazz, de la chanson et de la parole.

En 2012, Thomas Quasthoff a mis fin à sa carrière de baryton-basse classique. Mais au lieu de profiter de sa retraite, il s'est dès lors concentré sur ses activités de chanteur de jazz, de récitant, d'acteur, de conférencier et d'animateur. Aujourd'hui comme hier, il enthousiasme le public international avec des programmes musicaux et théâtraux variés.

Dans ce contexte, 2024 sera également l'occasion de retrouver de vieilles connaissances.
En avril, Quasthoff sera le porte-parole des Gurre-Lieder de Schönberg avec l'orchestre symphonique de la radio bavaroise sous la direction de Sir Simon Rattle à l'Isarphilharmonie de Munich, et en septembre, il sera également à l'Elbphilharmonie avec l'orchestre de la NDR Elbphilharmonie sous la direction d'Alan Gilbert.
Il démontre également ses qualités d'artiste de la parole dans son projet "Humanity in War", qui sera présenté en Allemagne, au Danemark, en Suisse et aux Pays-Bas. Quasthoff et l'Amatis Trio s'appuient sur des courriers de campagne de la Première Guerre mondiale pour traquer l'humanité en temps de guerre ; une sélection de musique du romantisme (tardif) et de l'époque moderne souligne le contenu des lettres et des entrées de journaux intimes.

Après avoir laissé derrière lui le monde de la musique classique -du moins en tant que chanteur- Thomas Quasthoff s'est tourné avec grand succès vers sa passion pour le jazz vocal.

De 1996 à 2004, Thomas Quasthoff a été professeur à la Hochschule für Musik de Detmold ; depuis, il enseigne à la Hochschule für "Musik Hanns Eisler" de Berlin. Son engagement en faveur des jeunes chanteurs l'a motivé à créer en 2009 le concours international "Das Lied" dans le cadre du Printemps de Heidelberg.

Cet Italien d'origine prendra ses fonctions à partir du 1er mai.
Daniele Pilato succède à Karl Bernewitz, qui a rejoint le théâtre de Brême au début de l'année. Depuis 2022, il dirigeait le chœur de l'opéra au théâtre Eduard-von-Winterstein d'Annaberg-Buchholz.

Daniele Pilato débutera sur la scène principale de Radebeul le 1er avril avec la cantate Letzte Rufe aussterbender Arten de Hans-Peter Preu, qui a été créée en début de saison sous la direction de Bernewitz.

Pilato est né en 1990 à Trieste, où il a étudié le piano, la direction de chœur et la composition vocale au conservatoire. En 2014, il a rejoint l'Université de musique et des arts du spectacle de Vienne, puis le Mozarteum de Salzbourg. Il a participé à plusieurs concours en tant que chef de chœur et il est membre de la commission artistique de l'association des chœurs du Frioul-Vénétie Julienne.
Lors du festival de Salzbourg, il a oeuvré à plusieurs reprises comme chef d'orchestre et chef de chœur.
En 2022, il a dirigé un atelier pour le chœur du Gärtnerplatztheater à Munich et a dirigé la Petite Messe Solennelle de Chioacchino Rossini.

Le pianiste et compositeur Albert Guinovart participe aux célébrations du 25e anniversaire de L'Auditori de Barcelona, en créant une œuvre ce dimanche 24 mars avec la Banda Municipal de Barcelona.

Sous la direction de José R. Pascual-Vilaplana, ils joueront pour la première fois la Symphonie Gaudí, inspirée de la comédie musicale du même nom qui a été jouée à Barcelone il y a 20 ans, lors de la commémoration du 150e anniversaire de la naissance d'Antoni Gaudí. Les thèmes qui évoquent la vie du grand architecte seront entendus sous forme de flash-back -de sa mort à ses rêves de jeunesse- et qui illustrent sa relation avec son mécène et avec trois grandes femmes : sa mère, sa nièce et son grand amour".

Les musiciens de l'Orchestre Symphonique de San Francisco ont publié une déclaration demandant au conseil d'administration de prendre des mesures pour maintenir Esa-Pekka Salonen au poste de directeur musical de l'orchestre, après la décision du chef d'orchestre de quitter ses fonctions.
Pour rappel, la réduction de la programmation innovante, l'annulation des tournées, et l'incapacité à investir de manière compétitive dans les musiciens de l'Orchestre symphonique, ont entraîné la décision du chef de quitter l'orchestre.

Ralph Vaughan Williams était sans doute le compositeur britannique le plus influent de la première moitié du XXe siècle, écrivant neuf symphonies, plusieurs concertos et pièces orchestrales plus courtes, trois opéras et un trésor de chansons et d'œuvres chorales. De plus, il fut le fondateur du mouvement nationaliste dans la musique britannique, s'intéressant toute sa vie à la chanson folklorique anglaise et à la musique de la période Tudor, et incorporant leurs éléments dans ses propres œuvres.
Il a cependant écrit relativement peu de musique de chambre -deux quatuors à cordes, une sonate pour violon, une douzaine de courtes pièces instrumentales et le Quintette fantastique.

En fait, il ne l’aurait probablement pas écrit sans l’intervention d’un remarquable homme d’affaires anglais, W. W. Cobbett. En 1900, Cobbett se retire des affaires pour consacrer les 30 dernières années de sa vie à la promotion de la musique de chambre. Sa principale contribution fut la compilation du « Cyclopedic Survey of Chamber Music », publié en 1929 et qui reste toujours un outil de référence standard. Il a également créé la British Chamber Music Association et une bibliothèque publique gratuite de musique de chambre.

En 1905, Cobbett a parrainé un concours pour la composition de « fantasmes » de musique de chambre. Plus précisément, en gardant à l'esprit les fantaisies de viole des époques Tudor et Jacobéenne, il a demandé aux compositeurs d'écrire des pièces de courte durée sans interruption de mouvement mais permettant des sections continues variant en tempo ou en caractère. Un certain nombre de compositeurs britanniques ont soumis des candidatures. Vaughan Williams ne l'a pas fait, mais en 1912, Cobbett l'a quand même invité à écrire une fantaisie, et cette pièce en a été le résultat.

La Fantaisie de Vaughan Williams, utilisant deux violons, deux altos et un violoncelle, est une œuvre continue en quatre sections -Prélude, Scherzo, Alla Sarabande et Burlesca. Le but est apparemment de démontrer combien d’ambiances et de textures peuvent être générées à partir d’une simple phrase musicale dans un court laps de temps.

 

Louis Christian August Glass (23 mars 1864 - 22 janvier 1936) était un compositeur danois.

Né à Copenhague, Glass était un contemporain presque exact de Carl Nielsen et, comme ce dernier, il fut l'élève de Niels Gade. Cependant, Glass a également étudié au Conservatoire de Bruxelles, où il s'est épris de la musique de César Franck et d'Anton Bruckner, qui ont tous deux influencé son style.
Pendant plusieurs années, il a été l'un des principaux pianistes de concert du Danemark, jusqu'à ce qu'une paralysie d'un bras l'oblige à se retirer de la scène.

Il se consacre alors principalement à la composition. Il a composé dans la plupart des genres et a écrit plusieurs œuvres de musique de chambre de grande valeur, dont quatre quatuors à cordes, un sextuor à cordes, un trio avec piano, un quintette avec piano et plusieurs sonates instrumentales.

Il a écrit six symphonies (1893-1926), qui ont été enregistrées sous les labels Danacord et CPO, tandis que certaines œuvres de musique de chambre ont été enregistrées sous le label Da Capo.

Glass est décédé à Copenhague.

Hjalmar Jensen, né le 25 mars 1864 à Christiania où il est mort le 5 juillet 1925, est un compositeur et critique musical norvégien, connu sous le nom de  Hjalmar Borgstrøm.

Après des leçons privées de piano et de violon, Hjalmar Borgstrøm intègre en 1881 le Conservatoire d'Oslo, où il apprend le violon, la composition et la théorie avec Johan Svendsen jusqu'en 1883. De 1883 à 1887, toujours au Conservatoire, il étudie la composition avec Ludvig Mathias Lindeman et l'instrumentation avec Ole Olsen.

De 1887 à 1889, il parfait son apprentissage de la musique au Conservatoire de Leipzig. Il séjourne ensuite à Berlin (et encore à Leipzig) de 1890 à 1903 (étudiant également à Londres et Paris durant cette dernière période).

Revenu en Norvège, il est critique musical au Verdens Gang de 1907 à 1913, puis à l’Aftenposten de 1913 jusqu'à sa mort en 1925, à 61 ans.

Le catalogue de ses compositions (d'un romantisme tardif) comprend notamment des pièces pour piano, de la musique de chambre (dont un quintette avec piano), deux concertos (l'un pour piano, l'autre pour violon), cinq poèmes symphoniques, deux symphonies, deux opéras et des lieder pour voix et piano.

 

Le compositeur et organiste français Eugène Gigout est né à Nancy le 23 mars 1844 et mort à Paris le 9 décembre 1925.

Il reçut sa première formation musicale à la cathédrale de Nancy, comme choriste. Élève à l'École Niedermeyer de Paris à partir de 1857, il y reçut l'enseignement de Clément Loret et Camille Saint-Saëns. Professeur dans cette école dès 1862 (en écriture, piano et orgue), il succéda en 1911 à Alexandre Guilmant à la classe d'orgue du Conservatoire de Paris. Il fut organiste à l'église Saint-Augustin à Paris pendant 62 ans. L'œuvre d'Eugène Gigout n'est pas entièrement vouée à l'orgue. Parmi ses œuvres célèbres pour orgue, on peut citer la Toccata en si mineur et le Scherzo en mi majeur des Dix Pièces pour orgue de 1890, le Grand Chœur dialogué (1881), Cent Pièces brèves dans la tonalité du plain-chant (1889), Album grégorien (1895), Cent Pièces nouvelles (1922), les Poèmes mystiques (1903).

L'écriture en est fortement classique (respect des strictes règles traditionnelles du contrepoint et de l'harmonie), mais le plain-chant grégorien fut pour Gigout un moteur en ce qui concerne la mélodie. Il compte parmi ses élèves Maurice Duruflé et Gaston Bélier.

Il est l'oncle par alliance et le père adoptif du compositeur et organiste Léon Boëllmann.

Il est inhumé au cimetière de Montmartre avec son épouse Caroline-Mathilde née Niedermeyer (1842-1890), fille du compositeur Louis-Abraham Niedermeyer.

 

Julius Reubke (Hausneindorf (partie de Selke-Aue), 23 mars 1834 - Pillnitz, 3 juin 1858) est un compositeur, pianiste et organiste prussien.

Fils du facteur d'orgues Adolf Reubke, il suit les cours de piano de Theodor Kullak au Conservatoire de Berlin à partir de 1851. Recommandé par Hans von Bülow, il s'installe à Weimar en 1856 pour y étudier avec Franz Liszt dont il devient l'un des élèves favoris. Deux ans plus tard, au décès de Reubke, Liszt écrira dans une lettre de condoléances à son père : « Personne ne peut savoir plus intensément combien la perte de votre Julius est grande pour l'art sinon celui qui a suivi avec admiration ses nobles, constants et talentueux progrès de ces dernières années et qui lui gardera à jamais son amitié ».

Julius Reubke, disparu à l'âge de seulement 24 ans des suites d'une tuberculose, nous laisse une œuvre réduite mais d'une qualité exceptionnelle. Sa Sonate pour piano en si bémol mineur (1857) et surtout sa Sonate pour orgue en ut mineur Psaume 94 comptent parmi les œuvres les plus remarquables du répertoire romantique du XIXe siècle. On y sent l'influence de son maître Liszt.

Quelques œuvres nous sont également parvenues : un Scherzo en ré mineur op. 3, et une mazurka, des pièces pour piano, d'une part, un trio en mi mineur et un adagio (probablement une étude préliminaire pour le 2e mouvement de la grande sonate Psaume 94) pour orgue d'autre part.

Julius Reubke a également composé d'autres œuvres disparues : une ouverture pour orchestre, un choral pour orgue et des mélodies pour mezzo-soprano.