Johann Adolf Hasse (né à Bergedorf le 25 mars 1699 - mort à Venise le 16 décembre 1783) est un compositeur allemand de musique baroque, considéré comme l'un des maîtres de l'opera seria italien au XVIIIe siècle.

Né près de Hambourg, il reçut sa première formation musicale de son père, organiste de l'église de Bergedorf. Comme il avait une jolie voix de ténor, il choisit la carrière lyrique et entra dans la compagnie d'opéra du Gänsemarkt dirigée par Reinhard Keiser, celle-là même où Georg Friedrich Haendel avait joué en tant que second violon quelques années auparavant. Sa réussite le fit remarquer pour être engagé par le théâtre de la Cour de Brunswick-Lunebourg et ce fut là qu'en 1723 il commença sa carrière de compositeur d'opéras avec sa première œuvre intitulée Antigonus.

Devant le succès remporté par cette première composition, le Duc décida d'envoyer Hasse en Italie pour y parfaire sa formation ; c'est ainsi qu'il arriva à Naples en mai 1722 pour y travailler avec Porpora ; il semble cependant qu'il s'entendait mal avec ce dernier, que ce soit sur le plan artistique ou personnel. En revanche, il se lia d'amitié avec Alessandro Scarlatti qui était largement plus âgé que lui, et grâce auquel il reçut sa première commande, une sérénade à deux voix, Marc'Antonio e Cleopatra, qui fut chantée chez une famille de riches marchands par deux des plus célèbres chanteurs italiens du temps, le castrat Farinelli et la Signora Tesi.

Cet événement établit sa réputation. Il devint bientôt très célèbre et son opéra Sesostrato, écrit pour l'Opéra Royal de Naples en 1726, fit connaître son nom dans toute l'Italie. Il se rendit à Venise en 1729 ou en 1730 et lia une idylle avec la célèbre chanteuse d'opéras Faustina Bordoni qui était née à Venise vers 1700 et qu'il épousa en 1730. Il se lie aussi à l'économiste et démographe prémalthusien Giammaria Ortes.

C'est au cours de son premier séjour à Naples, le 1er août 1724, que Hasse abjure le luthéranisme dans lequel il a été élevé, et se convertit au catholicisme.

Le couple d'artistes est invité en 1731 à Dresde, répondant à une offre intéressante du munificent Électeur de Saxe Auguste II. Après avoir créé l'opéra Cleofide, adapté de l’Alessandro nell'Indie de Métastase, Hasse retourne ensuite en Italie avec son épouse qui prend part, malgré plusieurs grossesses, à la création de ses opéras. Contrairement à ce qu'a longtemps cru la littérature sur Hasse, le compositeur semble n'avoir pas répondu aux invitations de la faction aristocratique anti-Haendel, qui veut lui faire jouer le rôle de concurrent à cet illustre rival et contrer ses entreprises en matière d'opéra. C'est donc en l'absence de Hasse, sous la direction de Porpora et de Broschi, qu'est exécuté à Londres l'Artaserse dont la première représentation avait eu lieu à Venise en février 1730.

L'Électeur Auguste II meurt en 1733 et Hasse s'installe à Dresde, ayant été nommé maître de chapelle par le nouveau Prince Auguste III. Il bénéficie alors de conditions extrêmement favorables et partage son activité artistique entre la Cour de Saxe et les théâtres commerciaux italiens où il s'impose comme un musicien de premier plan, composant, surtout dans les années 1730 et 1740, jusqu'à cinq opéras par an.
Le début de la guerre de Sept Ans en 1756, qui contraint la Cour à quitter Dresde pour Varsovie, pousse le compositeur à effectuer un nouveau voyage en Italie et à écrire de nouveaux opéras pour les théâtres de Venise (Nitteti, 1758) et surtout de Naples (quatre opéras nouveaux de 1758 à 1760). En 1763, de retour à Dresde, Hasse participe à la réouverture de l'Opéra, où est créée sa nouvelle version de Siroe, Re di Persia. Le compositeur et son épouse, qui s'est retirée de la scène en 1751, sont cependant congédiés de la Cour sans aucune pension, l'éphémère Prince-Electeur Friedrich Christian (dix mois de règne) étant confronté à d'énormes difficultés financières.

Mais Hasse était encore trop jeune pour se reposer sur ses lauriers. Il partit pour Vienne avec sa famille et créa encore, en étroite collaboration avec Métastase, poète de la Cour, plusieurs opéras qui vinrent allonger la liste de ceux qu'il avait écrits. Sa dernière œuvre scénique fut l'opéra Il Ruggiero composé à l'occasion du mariage de l'Archiduc Ferdinand à Milan. À cette même occasion fut exécutée une œuvre de Mozart, qui avait alors 14 ans. Hasse aurait alors déclaré : « Questo ragazzo ci fara dimenticar tutti ! ». Cependant, la remarque est selon toute vraisemblance apocryphe : elle n'est pas attestée dans la correspondance de Hasse, ni dans celle de Leopold Mozart, mais coïncide avec des paroles qu'aurait prononcées Francesco Durante à propos de Christoph Willibald Gluck. Pour plaire à sa femme, Hasse finit par s'établir à Venise, d'où elle était native ; c'est là qu'il mourut.

Pendant toute sa carrière, il compose pas moins de 56 opéras ainsi que des oratorios, plusieurs dizaines de cantates et toutes sortes de pièces instrumentales. Pendant le siège de Dresde par les Prussiens en 1760, la plus grande partie de ses manuscrits furent détruits par un incendie alors que devait être publiée une édition complète aux frais de l'Électeur de Saxe. Quelques-uns de ses ouvrages, au nombre desquels l'opéra Alcide al Bivio (1760), ont été publiés et les bibliothèques de Vienne et de Dresde possèdent les manuscrits de quelques autres.

La décennie que passe le compositeur à Venise avant sa mort, si elle marque son retrait de la vie théâtrale, se caractérise par la poursuite de ses activités musicales. Il donne ainsi des leçons à de jeunes compositeurs tels l'Abbé Vogler, recommande Johann Gottlieb Naumann à la Cour de Dresde, et continue à composer ; on peut noter par exemple, parmi ces œuvres de la dernière partie de la vie de Hasse, deux cantates de chambre à deux voix sur des textes de Métastase (La Danza, 1775, et Il Ciclope, 1776), un Te Deum créé en mai 1782 à l'occasion de la visite du Pape Pie VI à Venise (la musique en est cependant perdue) et surtout trois missæ ultimæ (ses trois « dernières messes ») envoyées à Dresde, la dernière datée de 1783, année de la mort du compositeur alors âgé de quatre-vingt-quatre ans.

Faustina décède à Venise le 4 novembre 1781 d'une fièvre provoquée par un ulcère cancéreux. Hasse lui-même décède le 16 décembre 1783 d'une inflammation de poitrine ; il souffre alors depuis longtemps de la goutte.

 

Le monde de la musique perd à nouveau un de ses géants avec le décès, survenu ce dimanche 24 mars à Budapest, de Peter Eötvös. Il avait 80 ans.

Eötvös était né le 2 janvier 1944 à Székelyudvarhely (ville de Transylvanie alors hongroise et aujourd’hui roumaine) et avait été, dès sa plus tendre enfance, éduqué à la musique par sa mère pianiste.  A l’âge de 11 ans, sa victoire dans un concours de composition lui avait permis de rencontrer György Ligeti, qui l’avait poussé à se présenter à l'Académie de musique Franz-Liszt de Budapest devant le grand Zoltan Kodály.  Il y avait été reçu, faisant son entrée à 14 ans et étudiant non seulement la composition, mais aussi plusieurs instruments (flûte, piano, violon) et la direction d'orchestre.

Très vite, le jeune Eötvös devint musicien professionnel, accompagnant des films au piano ou à l’orgue Hammond mais composant aussi nombre de partitions pour des films ou des pièces de théâtre. En 1966, il avait été autorisé à poursuivre sa formation à l’étranger, se voyant attribuer une bourse pour étudier à Cologne, notamment auprès de Bernd Alois Zimmermann pour la composition.

Dans la foulée, il avait rencontré Karlheinz Stockhausen, qui l’engagea comme copiste et l’invita à travailler avec lui comme ingénieur au studio de la WDR de Cologne. Eötvös devint ainsi un des collaborateurs les plus proches du grand compositeur allemand, et dirigea notamment la création de Donnerstag aus Licht, un des opéras du cycle Licht. C’est de cette période allemande que datent aussi les premiers opéras de chambre d’Eötvös, Harakiri (1973) et Radamès (1975).

Compositeur fécond et au fait de toutes les dimensions techniques de la musique d’alors, le Hongrois avait aussi attiré l’attention de Pierre Boulez qui l’avait invité à diriger le concert inaugural de l'IRCAM à Paris en 1978 puis, dans la foulée, à devenir directeur musical de l'Ensemble intercontemporain, un poste qu'il allait occuper de 1979 à 1991. Il allait également être premier chef invité de l’Orchestre Symphonique de la BBC, puis directeur musical de l’Orchestre de Chambre de la radio hollandaise à Hilversum.

Le 13 mars 1998, Eötvös faisait une entrée remarquée dans le monde lyrique avec la création, à l’Opéra National de Lyon, de Trois sœurs, très belle adaptation de la pièce éponyme de Tchekhov dans laquelle les rôles de Olga, Masha et Irina étaient confiés à trois contre-ténors. Le livret, d’abord écrit en allemand, fut finalement traduit en russe. Dirigée par Kent Nagano, la création fut publiée en CD par Deutsche Grammophon, et l’œuvre connut une belle postérité dans diverses productions (parfois aussi avec des voix féminines pour les rôles des sœurs). On put d’ailleurs la voir à Bruxelles, la Monnaie accueillant en mars 2002 le spectacle lyonnais original sous la direction du compositeur.

L’espace d’une décennie, les opéras d’Eötvös, souvent basés sur des grands textes, allaient devenir les plus courus de la création lyrique. Il y eut ainsi Le Balcon d’après Jean Genet au festival d’Aix-en-Provence (2002),  Angels in America d’après la pièce éponyme de Tony Kushner sur l’émergence du sida (Paris, Théâtre du Châtelet, 2004), , Lady Sarashina sur un grand texte de la littérature japonaise ancienne (Lyon, 2008) ou Love and Other Demons  d’après De l’amour et autres démons de Gabriel Garcia Marquez (Glyndebourne,2008).

Pietro Locatelli, violoniste virtuose et compositeur italien de musique baroque, est mort le 30 mars 1764 à Amsterdam.
260 ans plus tard, un buste y sera dévoilé ce lundi.

Le directeur artistique du SOB démissionne à la fin du mois. Il a entièrement planifié la saison 2024-25 avec Ivor Bolton, également en partance.

Hans-Georg Hofmann quittera fin mars l'Orchestre Symphonique de Bâle (SOB). La décision, prise à sa propre demande, était "tout sauf facile" pour lui, après onze ans de mandat.

La compositrice franco-espagnole Clara Olivares créera un nouvel opéra à l'Opéra National de Bordeaux, avant de le mener à Paris et à Limoges.

Il s'agit des Sentinelles, sur un livret de Chloé Lechat.
Une mère et une fille douée et complexe rencontrent un couple de femmes en crise. Ensemble, elles tenteront d'accompagner la jeune fille dans sa recherche du sens de la vie.

Direction musicale de Lucie Leguay ; mise en scène de Chloé Lechat elle-même ; casting : Anne Catherine Gillet, Sylvie Brunet-Grupposo, Camille Schnoor et Noémie Develay-Resgíer.

La Symphonie no 7 en ut majeur, op. 105, est la dernière symphonie publiée de Jean Sibelius (on pense que Sibelius a détruit la partition de la symphonie qui aurait porté le numéro 8). Terminée le 2 mars 1924, la particularité de cette pièce est d'être en un seul mouvement, contrairement à la formule symphonique standard de quatre mouvements. Elle a été créée à Stockholm le 24 mars 1924 sous la direction du compositeur avec le titre de Fantaisie symphonique no 1. Le compositeur était apparemment indécis sur le nom à donner à la pièce et l'a finalement appelée symphonie après réflexion. Lors de sa publication le 25 février 1925, la partition a été intitulée Symphonie no 7 (en un seul mouvement) ».

Le concept d'une symphonie continue, d'un seul mouvement, s'est imposé à Sibelius après un long processus d'expérimentation. Sa Troisième Symphonie, datant de 1907, ne comporte que trois mouvements, le quatrième ayant été fusionné avec le troisième. Le résultat final a suffisamment satisfait Sibelius qui a utilisé la même idée dans sa Cinquième Symphonie, achevée en 1915. Bien que la première mention de la Septième apparaisse en décembre 1918, la source de son matériel remonte à environ 1914, époque où il travaillait à la Cinquième.

En 1918, Sibelius a décrit l'idée de cette symphonie comme impliquant « la joie de la vie et la vitalité avec des sections appassionato ». La Symphonie aurait trois mouvements, le dernier étant un « rondo hellénique ». Les esquisses qui subsistent du début des années 1920 montrent que le compositeur a travaillé sur une œuvre de quatre et pas trois mouvements. La tonalité globale semble avoir été sol mineur, tandis que le second mouvement, un adagio en ut majeur, a été la source essentielle pour les thèmes qui ont finalement été incorporés dans la symphonie. Le premier projet survivant d'un seul mouvement date de 1923, ce qui suggère que Sibelius a peut-être pris la décision à ce moment de renoncer à une œuvre à plusieurs mouvements. Pendant l'été 1923, le compositeur a produit plusieurs autres projets, dont au moins un qui était dans un état exécutable. Cependant la fin de la symphonie n'était pas encore pleinement élaborée.

Au début de 1924, Sibelius a été distrait de son travail sur la symphonie par un certain nombre d'événements extérieurs : l'attribution d'un grand prix en argent de la fondation Helsinki, des anniversaires dans la famille et la composition d'un certain nombre de brèves œuvres pour piano. Quand il est revenu à la Septième, le compositeur a bu de grandes quantités de whisky dans le but, selon lui, de raffermir sa main, comme il l'écrit sur le manuscrit.

Parallèlement à son travail sur ses Cinquième et Sixième Symphonies, Sibelius a exploité pour la Septième Symphonie le matériel de Kuutar, un poème symphonique jamais achevé. Cela lui a permis de mettre en forme les premières parties de la Septième. Un des thèmes de Kuutar, appelé Tähtölä, est apparu dans la section d'ouverture Adagio de la Septième.

Bien que la Septième Symphonie ait apparemment d'abord existé sous une forme embryonnaire en ré majeur, le compositeur a finalement choisi la tonalité de do majeur. Il fut un temps où essayer de composer en do majeur a été considéré comme voué à n'être qu'une tentative infructueuse, car cette tonalité n'avait « rien de plus à offrir ». Mais à la suite de la Septième Symphonie, le compositeur britannique Ralph Vaughan Williams a dit que seul Sibelius pouvait composer une grande œuvre en do majeur, toute fraîche.

Sibelius a vécu encore 33 ans après la fin de la Septième, mais elle a été l'une des dernières œuvres symphoniques qu'il a composées. Il n'a écrit ensuite qu'une œuvre achevée pour orchestre, son poème symphonique Tapiola. Cependant, en dépit de beaucoup de preuves de travail sur une huitième symphonie, on croit que Sibelius a brûlé tout ce qu'il avait écrit.

 

 

Compositeur croate, Milko Kelemen est né à Slatina, en Croatie (alors Royaume des Serbes, Croates et Slovènes). Il a étudié auprès de Stjepan Šulek à Zagreb, auprès d'Olivier Messiaen à Paris et de Wolfgang Fortner à Fribourg, entre autres.

Kelemen a fondé la Biennale de musique de Zagreb, un festival international de musique contemporaine et en a été le président de 1961 à 1979.

Il a également travaillé à l’Electronic Siemens Studio à Munich et a été invité à Berlin en tant que compositeur en résidence.

Kelemen a reçu de nombreux prix, notamment la Croix fédérale du mérite, le prix de la ISCM, le Grand Prix de l'État yougoslave et l'ordre français Chevalier des Arts et des Lettres.

Il a passé la dernière partie de sa vie à Stuttgart où il est décédé. Ses œuvres sont publiées par Hans Sikorski Music Publishers.

Christian Friedrich Daniel Schubart, né le 24 mars 1739 à Obersontheim en Souabe et mort le 10 octobre 1791 à Stuttgart, est un poète, organiste et compositeur allemand.

Il entre à l'Université d'Erlangen en 1758 comme étudiant en théologie. Il mène une vie dissolue et, après un séjour de 2 ans, est rappelé à la maison par ses parents.
Après avoir tenté de gagner sa vie comme tuteur privé et comme assistant prédicateur, ses talents musicaux lui font obtenir la charge d'organiste à Geislingen, et plus tard à Ludwigsburg. Mais en raison de sa vie sauvage et blasphématoire, exprimée dans une parodie de litanie, il est expulsé du pays.

Il visite ensuite alternativement Heilbronn, Mannheim, Munich et Augsbourg. Dans cette dernière, il fait un très long séjour, commence sa Deutsche Chronik (Chronique allemande) (1774-1778) et supplée à ses maigres revenus en récitant les toutes dernières œuvres de poètes en vue.
En raison d'une violente attaque sur les Jésuites, il est expulsé d'Augsbourg et se sauve à Ulm où il est arrêté en 1777 et confiné dans la forteresse d'Hohenasperg en tant que prisonnier politique.

Là, il bénéficie d'un traitement clément et il passe le temps par une étude des œuvres mystiques et en composant des poèmes. Son Sümtliche Gedichte parait en 2 volumes à Stuttgart en 1785-1786 (nouvelle édition par G. Hauff, Leipzig, 1884, dans Reclams Universal-Bibliothek) ; dans cette collection la plupart des morceaux sont caractérisés par l'emphase de la période du "Sturm und Drang". Il dicte à un autre prisonnier, à travers une fissure du mur de sa cellule, son traité "Ideen zu einer Aesthetik der Tonkunst" (Idées pour une esthétique de la musique).

Il est libéré en 1787 par Frédéric le Grand, Roi de Prusse, et exprime sa gratitude dans l'Hymnus auf Friedrich den Grossen (L'Hymne à Frédéric le Grand). Schubart est dès lors appointé comme directeur musical et gérant du théâtre de Stuttgart, où il continue sa "Deutsche Chronik" et entame son autobiographie, "Schubarts Leben und Gesinnungen" (2 volumes, 1791-1793), mais il meurt avant son accomplissement à Stuttgart.
Son "Gesammelte Schriften und Schicksale" parait en 8 volumes (Stuttgart, 1839-1840).

Franz Schubert compose son Lied Die Forelle (La Truite) à partir de l'un de ses poèmes du même nom.

Beethoven, Haydn, puis Schumann manifestent du respect et de l'intérêt pour ses idées esthétiques.

Samuel Scheidt, baptisé le 4 novembre 1587 et mort le 24 mars 1654 à Halle, est un musicien, organiste et maître de chapelle allemand. Élève de Jan Pieterszoon Sweelinck, il est l'une des principales figures de l'école d'orgue d'Allemagne centrale au cours de la première moitié du XVIIe siècle.

Samuel Scheidt est le fils d’un délégué municipal pour la bière et le vin ; ses deux frères cadets, dont Gottfried Scheidt, sont aussi musiciens. Il étudie d'abord à Halle où il est organiste à l'église Saint-Maurice (de) de 1603 à 1604. Il part ensuite à Amsterdam où il est l'élève de Jan Pieterszoon Sweelinck de 1607 à 1608. En 1609, il est nommé organiste de la Cour du légat de Magdeburg à Halle ; il joue à l'église (chapelle Sainte-Madeleine au château de Moritzburg) et compose pour la Cour.

 

En 1614, Scheidt rencontre Michael Praetorius qui devient à partir de 1615 maître de chapelle de la Cour ; Scheidt le remplace à ce poste lorsqu'il n'est pas à Halle. En 1618, il se rend à Magdebourg pour organiser la musique à la cathédrale avec Heinrich Schütz et Michael Praetorius ; il expertise un orgue à Bayreuth avec Johann Staden.

Il est nommé maître de chapelle de la Cour du Margrave de Brandebourg en 1619. Il publie au début des années 1620 de nombreux recueils de pièces, notamment les Sacræ Cantiones (motets, 1620), les Ludi musici (musique de chambre instrumentale, quatre volumes publiés de 1621 à 1627), et surtout sa Tabulatura nova I-III, des œuvres pour clavier publiées en tablature (variations sur des chorals et des danses). La Cour est dissoute l'année suivante en raison de la guerre de Trente Ans ; il enseigne, exécute des commandes de l’étranger et continue de publier (notamment les quatre volumes du Geistliche Concerte de 1631 à 1640). En 1627, il épouse Helena Magdalena Keller avec laquelle il a sept enfants dont quatre meurent en 1636 d'une épidémie de peste.

Il est nommé Director musices de l'église du marché de Halle en 1628, mais perd son poste deux ans plus tard à la suite d'une querelle avec l'organiste et le recteur du lycée, Christian Gueintz. Il retourne à la Cour de Halle en 1638. Son Görlitzer Tabulatur-Buch comprenant cent chorals paraît en 1650.

Samuel Scheidt est surtout connu comme un maître de l'orgue en Allemagne : il s'illustre en particulier dans le choral pour orgue (choral varié ou fantaisie-choral). Il exerce une grande influence qui se transmet jusqu'à Bach. Scheidt se considère comme le dépositaire de la méthode et des anciennes règles de composition. Il assimile cependant les acquis techniques de la musique de son temps, l'écriture instrumentale élaborée par Sweelinck. L'influence italienne se traduit par un jeu concertant, une union ou un contraste des voix avec parties instrumentales obligées, certaines formes du chant orné et l'expression imagée des mots. On observe toujours dans son œuvre une conduite des voix très travaillée, parfois maniérée. Il œuvre tout particulièrement au développement de l'écriture du choral pour orgue.

L'influence de Scheidt est perceptible dans l'ensemble de la musique d'orgue allemande au XVIIe siècle et pendant la première moitié du XVIIIe siècle. Il tombe dans l'oubli au XIXe siècle ; François-Joseph Fétis écrit à son sujet dans sa « Biographie universelle des musiciens » : « Samuel Scheidt, [...] grand organiste [...], et génie d'invention, est à peine connu, si ce n'est de quelques érudits, parce que ses pièces, bien que remarquables par leur mérite, sont toutes écrites dans la tonalité ancienne. »
Redécouvert au cours de la deuxième moitié du XXe siècle, Scheidt fait aujourd'hui l'objet de nombreux concerts et enregistrements.

Les médias italiens viennent d'annoncer que le pianiste italien Maurizio Pollini est décédé ce samedi à l'âge de 82 ans.
Né à Milan en 1942, Pollini a fait preuve dès son plus jeune âge d'une maturité interprétative singulière, qui l'a conduit à remporter le concours Chopin de Varsovie en 1960, à l'âge de 18 ans.

Pianiste analytique aux moyens techniques exceptionnels, il a donné de grandes lectures de compositeurs tels que Chopin, Beethoven, Schubert, Schumann, montrant une affinité particulière avec la musique du XXe siècle (Stravinsky, Bartók, Seconde École de Vienne, Boulez, Nono...), comme en témoigne sa vaste et indispensable discographie.

On se souvient que, ces derniers mois, l'artiste avait dû annuler plusieurs concerts pour raisons de santé.