Ce 12 mars, il y a 25 ans, le violoniste et chef d'orchestre de renommée mondiale Yehudi Menuhin est décédé.

Sa famille avait émigré de Russie aux Etats-Unis via la Palestine où Yehudi Menuhin est né le 22 avril 1916 à New York.
A l'âge de cinq ans, il reçoit ses premières leçons de violon de Siegmund Anker, puis de Louis Persinger, un élève d'Eugène Ysaÿe, et se produit en public dès l'âge de sept ans à San Francisco.
À partir de 1927, il se perfectionne à Paris auprès de Georges Enescu et fait ses débuts en 1929 avec l'Orchestre Philharmonique de Berlin sous la direction de Bruno Walter.
Pendant la Seconde Guerre mondiale, il a donné plus de 500 concerts au profit des Alliés et de la Croix-Rouge et s'est engagé après la guerre pour l'entente et la réconciliation des peuples. Il a été l'un des premiers artistes de renommée internationale à se produire à nouveau en Allemagne.
Toute sa vie, il s'est engagé pour des causes humanitaires et a tenté d'enthousiasmer pour la musique des personnes de toutes les couches sociales.

En 1956, il fonde à Gstaad le "Menuhin Festival" et, en 1963, sa célèbre "Menuhin Music School" à Surrey, en Angleterre.

Après s'être rendu en Inde en 1952 à l'invitation de Jawaharlad Nehru, il s'est intéressé de près à la culture du sous-continent afin d'œuvrer là aussi à la compréhension et de jeter des ponts spirituels. Il a exploré les racines musicales communes lors de concerts avec Ravi Shankar.

Outre l'ensemble du répertoire de concert classique et romantique, Yehudi Menuhin a créé de nombreuses œuvres, dont beaucoup lui ont été dédiées par les compositeurs, notamment des œuvres de Belá Bartók, Ernest Bloch, William Walton, Frank Martin, Lennox Berkley ou Toru Takemitsu.
L'héritage artistique de Menuhin est documenté par une multitude d'enregistrements, dont la plupart sont parus chez EMI.
Il a exposé ses convictions et ses réflexions sur la musique dans plusieurs livres : en 1976, son livre autobiographique "Voyage inachevé", et en 1986, "L'art comme espoir pour l'humanité".

Yehudi Menuhin est décédé le 12 mars 1999 dans un hôpital berlinois.

 

 

Le compositeur tchécoslovaque Jan Kapr est né le 12 mars 1914 à Prague et mort le 29 avril 1988 dans la même ville.

Il se dirige vers la musique à la suite d'un grave accident survenu à l'âge de 16 ans qui le rend invalide pour le reste de sa vie¹.
Il étudie la composition avec Jaroslav Řídký au Conservatoire de Prague. Il en est diplômé en 1938 et il fréquente l'école de maîtrise du Conservatoire avec Jaroslav Křička, terminant ses études en 1940.
Il est producteur de musique pour la Radio tchèque entre 1939 et 1946.

Après l'arrivée au pouvoir des communistes en 1948, Jan Kapr devient l'une de leurs figures de proue de la musique, recevant plusieurs prix et distinctions du régime.

Entre 1950 et 1953 il est rédacteur en chef de l'éditeur musical Orbis.

Le prix Staline qui lui est décerné en 1951 pour la musique du film documentaire "Nové Československo" (La Nouvelle Tchécoslovaquie) est le plus élevé de ces prix.

De 1953 à 1960, il se consacre exclusivement à la composition.
Il est critique pour "Lidove noviny" et nommé professeur de composition à l'Académie de musique Janacek (1961-1970).

Jan Kapr meurt le 29 avril 1988 dans sa ville natale.

Le tromboniste Joseph Franz Serafim Alschausky,  (Joseph Francois Seraphin, Francesco Serafini) est né à Falkenberg ( Allemagne, aujourd'hui en France) le 12 mars 1879 et décédé le 15 janvier 1948 à Los Angeles.
D'abord domicilié à Berlin, il devient tromboniste au Gewandhausorchester de Leipzig et s'installe dans la ville.

Le 5 septembre 1923, il migre aux USA (New York) et demande la naturalisation américaine dès le lendemain.
D'abord tromboniste dans un orchestre à Cincinnati (Ohio),  il travaille, à partir de 1930, pour un studio de cinéma à Los Angeles. Naturalisé américain le 27 avril 1935,  il devient, en 1940, tromboniste dans un orchestre de Los Angeles.

Josef Serafin Alschausky était le fils de l'architecte Joseph Serafine et de Chafraci Lartha Kremer originaire de Trier (Allemagne).

Alors que s’ouvre cette semaine la 3e édition du concours de direction La Maestra, les femmes chefs semblent devenues incontournables sur les scènes internationales.

Hier soir, le compositeur suédois Ludwig Göransson a remporté le deuxième Oscar de sa carrière, pour la bande originale du film "Oppenheimer".
Le film, qui raconte les vicissitudes du physicien Julius R. Oppenhamer sur la construction de la bombe atomique, a été le grand gagnant de cette édition avec sept prix dont celui du meilleur film, du meilleur réalisateur, du meilleur acteur principal et du meilleur acteur dans un second rôle... .

Göransson avait déjà été nominé trois autres fois pour sa musique des films "Tenet" et "Black Panther" (pour lesquels il a remporté son premier Oscar), ainsi que pour la chanson de la suite de ce dernier, "Lift Me Up", dans "Black Panther : Wakanda. . Pour toujours".

L'auteur, qui a collaboré avec des chanteuses comme Alicia Keys ou Rihanna, a également réalisé la musique de films et de séries comme "The Mandalorian", "The Book of Boba Fett", "Turning Red" ou "Creed II".

Organiste et compositeur anglais, William Southcombe Lloyd Webber CBE (11 mars 1914 - 29 octobre 1982) a acquis une certaine notoriété en tant que membre du mouvement de la musique classique moderne, tout en connaissant des débouchés commerciaux mitigés. Outre sa longue et prestigieuse carrière, au cours de laquelle il a composé des œuvres allant de pièces chorales à des pièces instrumentales, il est connu pour être le père de son collègue compositeur Andrew Lloyd Webber et du violoncelliste virtuose Julian Lloyd Webber. Il a également été professeur, enseignant la théorie musicale au Royal College of Music pendant de nombreuses années, jusqu'à sa mort en 1982.

 

Webber est né à Londres. Fils de William Charles Henry Webber, plombier indépendant, il a eu la chance que son père soit un passionné d'orgue qui dépensait le peu d'argent dont il disposait pour voyager pour entendre divers orgues dans et autour de la capitale. Souvent, il emmenait son fils avec lui et, peu de temps après, le jeune William commença à jouer lui-même de l'orgue et développa un vif intérêt qui frôlait l'obsession.

À l'âge de 14 ans, William Lloyd Webber était déjà devenu un récitaliste d'orgue bien connu, se produisant fréquemment dans de nombreuses églises et cathédrales de Grande-Bretagne. Il a remporté une bourse d'orgue à la Mercers' School, puis une autre bourse pour étudier au Royal College of Music, où il a étudié avec Ralph Vaughan Williams et a obtenu son diplôme FRCO à dix-neuf ans. Comme il y avait déjà un autre étudiant à l'Université portant le nom de William Webber, William a désormais continué à utiliser son deuxième deuxième prénom « Lloyd » dans le cadre de son nom de famille.

La première composition connue de Lloyd Webber est le Trio fantastique « remarquablement assuré » en si mineur pour violon, violoncelle et piano de 1936 (qui n'a reçu sa première qu'en 1995).
En 1938, il est nommé organiste et directeur de l'école chorale de All Saints, dans le quartier de Marylebone à Londres. Il est ensuite devenu directeur musical du Westminster Central Hall de Londres, siège de l'église méthodiste au Royaume-Uni.
Ses premières compositions se développent dans les années 1930.
En 1942, il épousa le pianiste et violoniste Jean Hermione Johnstone (1921-1993). Le mariage, qui dura jusqu'à sa mort, donna naissance à deux fils : le compositeur Andrew (né en 1948) et le violoncelliste Julian (né en 1951).

De 1945 aux années 1960, Lloyd Webber a composé de la musique vocale et instrumentale, des œuvres chorales et pour orgue, de la musique de chambre et des œuvres orchestrales. Les compositions de cette période comprennent l'oratorio Saint-François d'Assise (1948), le poème orchestral Aurora (1948) et les six Country Impressions (1960), chaque mouvement pour un instrument à vent solo et un piano.Il existe également des sonatines pour alto et flûte, de nombreux chants, pièces d'orgue et œuvres chorales.
Mais les racines de Webber étaient fermement ancrées dans le romantisme de compositeurs tels que Sergueï Rachmaninov, Jean Sibelius et César Franck, et il devint de plus en plus convaincu que sa propre musique était « en décalage » avec le climat dominant de l'époque. Plutôt que de compromettre son style, il se tourne vers le côté académique de la vie musicale britannique.
Il a enseigné au Royal College of Music, a dirigé la chorale du Westminster Central Hall et, en 1964, a été nommé directeur du London College of Music, poste qu'il a occupé jusqu'à sa mort en 1982.

 

La compositrice catalane Raquel García-Tomás créera une nouvelle œuvre, Las constelaciones que más brillan, les 15, 16 et 17 mars avec l'Orquestra Simfònica de Barcelona (OBC) et son chef d'orchestre, Ludovic Morlot. Les concerts auront lieu, comme d'habitude, à l'Auditori de Barcelone.

L'OBC explique que la nouvelle pièce de García-Tomás montre ses affinités avec l'esthétique de la musique française, comme le ballet Daphnis et Chloé de Ravel dont elle se déclare admiratrice et qui est également inclus dans le concert.

Construit en 1743 par Giuseppe Guarneri del Gesù, le violon "Cannone" (canon) a été surnommé ainsi par son plus illustre propriétaire, Niccolò Paganini, en raison de sa puissance sonore. Ce formidable violon fut offert à Paganini en 1802 et le "Cannone" devint dès lors son instrument préféré et son compagnon inséparable sur les scènes du monde entier jusqu'à sa mort.

Dans son testament, Paganini a légué le "Cannone" à la ville de Gênes, où il est toujours conservé au Palais Tursi, dans une vitrine qui maintient la température, l'atmosphère et l'humidité idéales pour sa préservation. De temps en temps, l'instrument sort de sa vitrine et est joué par de grands violonistes lors de concerts ou d'enregistrements.

Le "Cannone" fait parler de lui ces jours-ci parce qu'il a été envoyé à Grenoble pour y être analysé en profondeur en raison de la détection de "microfissures" dans son bois, selon le conseil municipal de Gênes. L'instrument sera analysé dans un laboratoire, l'European Synchrotron Radiation Facility, où il subira un examen microtomographique à haute définition pour vérifier son état réel.

Si rien ne s'y oppose, le "Cannone" devrait ensuite s'envoler pour Londres où il participera à un concert donné par le récent lauréat du prix Paganini, Simon Zhu, avec l'Orchestre Symphonique de Londres.

Antar op. 9 est une œuvre symphonique que le compositeur retravailla à plusieurs reprises dans sa vie.

Après le succès de sa 1^ère Symphonie, Rimski-Korsakov se décida définitivement à devenir compositeur. Influencé par Berlioz et Liszt et son goût du folklore russe, il entreprit en 1867 son premier poème symphonique Sadko (qu'il reprit plus tard pour en faire un opéra). Antar, qu'il composa entre janvier et août 1868 et qui fut créé en mars 1869, se situe entre ces deux influences de la symphonie et du poème symphonique. L'idée lui en fut donnée par Modeste Moussorgski et César Cui, suivant un poème d'Ossip Senkovski. Sa forme, bien qu'en quatre mouvements, est toutefois plus proche de la suite de tableaux orchestraux que de la symphonie traditionnelle, comme le sera Schéhérazade (1888) qu'il annonce et qui sera l'aboutissement de cette recherche formelle.

Rimski-Korsakov reprit son œuvre en 1875-1876, y apporta quelques changements mineurs et la nomma cette fois Symphonie n° 2. Elle fut publiée sous ce titre en 1880.

Lors d'une nouvelle publication en 1903, fruit d'un travail effectué en 1897, Antar devint Suite symphonique sous-titrée entre parenthèses Deuxième symphonie. Dans la publication définitive de 1913, après de nouveaux changements de tonalités et d'orchestration, elle ne fut plus que Suite symphonique.

Debussy qualifiait l’œuvre de « pur chef-d’œuvre ».
« Rien ne peut dire le charme des thèmes et l'éblouissement de l'orchestre ; je défie qui que ce soit de rester insensible à la puissance de cette musique » (Gil Blas -16 mars 1903).

Antar, grand guerrier des légendes arabes, erre dans les ruines de l'antique Palmyre. Une magnifique gazelle apparaît, poursuivie par un immense oiseau noir. Antar le fait fuir, mais la gazelle se sauve. En rêve, il apprend qu'elle n'était autre que l'ancienne reine de Palmyre, Gul Nazar, qui lui promet une grande récompense. Après diverses aventures, Antar goûte enfin à l'amour de la reine et à la joie céleste. Il lui demande de le tuer si sa passion semble s'éteindre. Il meurt, et tous deux gagnent le paradis et la félicité éternelle.

 

 

 

Niels Finn Høffding, né à Copenhague le 10 mars 1899, est mort dans cette ville.

Høffding étudie la composition chez Knud Jeppesen et Thomas Laub, puis chez Joseph Marx à Vienne en 1921-1922. Ses œuvres sont reconnues au Danemark dans les années 1920, en particulier sa composition Karlsvognen pour chœur et orchestre (1924). Il s'intéresse à la musique populaire vers 1930 et fonde l'École de musique folklorique de Copenhague en 1931. Cette même année, il enseigne également à l'Académie royale danoise de musique où il est recteur de 1954 à 1955.

Il reçoit le Prix Nielsen à deux reprises, en 1956 et 1958.

Parmi ses élèves figurent Pelle Gudmundsen-Holmgreen, Vagn Holmboe, Bent Lorentzen et Leif Thybo.

En plus de composer, Høffding a également écrit plusieurs traités théoriques.