Le Festival de Grafenegg, près de Vienne, a été fondé par le pianiste Rudolf Buchbinder en 2007 qui le dirige depuis lors.
A 77 ans, Buchbinder a décidé de céder son poste de directeur artistique à l'Autrichien Johannes Neubert, actuellement à la tête de l'Orchestre National de France. Buchbinder deviendra président de Grafenegg.
Né en 1969 à Iéna, Johannes Neubert a déjà occupé de 2005 à 2010 le poste de directeur opérationnel du festival de Grafenegg qu'il a cofondé. En 2011, il est devenu directeur général de l'Orchestre symphonique de Vienne, avant de rejoindre en 2019 l'Orchestre national de France/Radio France en tant que directeur opérationnel. La nouvelle nomination de Neubert à Grafenegg s'est faite en étroite concertation avec Buchbinder, a-t-on appris.
En tant que directeur artistique, Neubert sera responsable de toutes les manifestations propres au festival de Grafenegg, dont les concerts de l'Orchestre des musiciens en résidence et les programmes éducatifs tels que la Grafenegg Academy et la résidence de l'European Union Youth Orchestra. L'accent doit continuer à être mis sur la saison estivale des festivals. Il ne peut pas encore annoncer de détails sur la saison 2027.
Le BBC Concert Orchestra, qui était destiné à être fusionné avec le Symphony Orchestra dans le cadre des réductions prévues l'année dernière, a reçu une nouvelle assurance de sa sécurité avec l'embauche d'un nouveau directeur, qui commence à travailler ce mois-ci.
Il s'agit de Matthew Swann, ancien directeur général du City of London Sinfonia.
Composé entre décembre 1902 et avril 1903, le Quatuor en fa majeur est la seconde œuvre de chambre que Ravel compose. Il a 27 ans. Elle est dédiée à son professeur de composition, Gabriel Fauré, et inspirée par le Quatuor en sol mineur de Claude Debussy qui la précède de dix ans.
Debussy se montre très enthousiaste au sujet de l'oeuvre de Ravel, parvenant même à dissuader l'auteur indécis de modifier son finale « Au nom des dieux de la musique, et au mien, ne touchez à rien de ce que vous avez écrit de votre Quatuor » lui écrit-il.
Organiste, improvisateur, pédagogue et compositeur français, Pierre Cochereau est né à Saint-Mandé (Val de Marne) le et mort le à Lyon.
Pierre Cochereau choisit la musique après ses études secondaires et une année de droit. Après avoir commencé l'orgue avec Marie-Louise Girod, et travaillé ensuite avec André Fleury, il entre au Conservatoire national de musique de Paris où il reçoit l'enseignement de Marcel Dupré, Maurice Duruflé, Henri Challan, Noël Gallon, Tony Aubin, Norbert Dufourcq. Il y obtient les premiers prix d'orgue, d'harmonie, d'écriture et d'histoire de la musique. Marcel Dupré avait très tôt reconnu son talent, et dira de lui, plus tard, qu'il était « un phénomène sans équivalent » Dès 1942, il est titulaire de l'orgue de Saint-Roch et devient en 1955 titulaire des grandes orgues de la Cathédrale Notre-Dame de Paris, sans concours. Il avait en réalité déjà joué cet instrument, au cours d'une messe, improvisant un offertoire, sous les yeux de Léonce de Saint-Martin, alors titulaire.
Il fait de cette tribune un lieu d'accueil pour les organistes du monde entier auxquels il cède ses claviers tous les dimanches après-midi pour des auditions d'une heure au cours desquelles tous les styles d'œuvres pour orgue auront droit de cité. Ces concerts présentés par Jehan Revert, maître de chapelle de Notre-Dame, sont à sa demande systématiquement enregistrés, ce qui fait de ces archives un témoignage du « jeu » organistique aux XXe et XXI siècles. Il fait preuve d'éclectisme pour le répertoire propre à cet instrument, admettant lors de ces auditions les œuvres les plus modernes à son époque d'Arvo Pärt à Iannis Xenakis, en passant par des compositeurs sous-estimés tels Georges Delerue qui lui écrivit une Sonate pour trompette et orgue.
Au long des trente années qu'aura duré son titulariat, Pierre Cochereau a à cœur d'entretenir puis de relever « son » orgue, chef-d’œuvre (1868) du facteur Aristide Cavaillé-Coll, entre 1963 et 1975. À cette fin, il fait d'abord appel à Jean Hermann puis, à la mort de celui-ci, à Robert Boisseau et Jean-Loup Boisseau. Sous son égide, puis celle de ses successeurs, ceux-ci (auxquels il convient d'associer Bertrand Cattiaux) feront de cet instrument ce qu'il était avant l'incendie de la Cathédrale. Mais les avis seront très partagés quant aux adjonctions qu'il « subit » dans les années 1960-1970 (impliquant entre autres son électrification et sa réharmonisation et le dépavillonnage des fonds, donc la transformation profonde d'un chef-d’œuvre de Cavaillé-Coll) et aux travaux ultérieurs, qui par certains aspects reviendront d'ailleurs en arrière.
Contrairement à la plupart de ses collègues de l'époque, Pierre Cochereau est, avec les Souberbielle, Jean-Albert Villard et quelques autres organistes un peu plus jeunes, tels Michel Chapuis, Francis Chapelet ou encore Xavier Darasse pour ne citer que les plus emblématiques, très compétent en matière de facture d'orgue, qu'elle soit orientée vers un retour à la « tradition » ou empreinte de modernité. Le travail manuel ne lui est pas étranger, pas plus que ne lui sont étrangères les compétences en matière d'administration.
Il est aussi directeur du Conservatoire du Mans de 1949 à 1956, de celui de Nice de 1961 à 1979 et est enfin chargé de créer ex nihilo à Lyon, à côté du CNR, le second Conservatoire national supérieur de musique en France, dont il reste le directeur de 1980 jusqu'à sa mort en 1984.
En plus d'être un grand organiste aux interprétations à la fois brillantes et respectueuses de la tradition du répertoire d'orgue classique, romantique et contemporain, il est réputé pour ses dons exceptionnels et son solide métier d'improvisateur. Du fait de leur richesse d'invention et de leur perfection formelle, nombre de ses improvisations sont publiées en partition et réenregistrées par d'autres interprètes, ce qui est rare (un autre cas connu étant les improvisations de Charles Tournemire).
Pierre Cochereau est aussi un « organiste d'église » aussi présent à sa tribune que sa carrière de concertiste et de pédagogue le lui permet. Sa connaissance du chant grégorien et plus généralement de la musique liturgique font de ses interventions au cours des offices, soit en accompagnant soit en improvisant, d'inoubliables moments de musique. Il inaugure des orgues restaurés, comme par exemple à Beauvais ou celui de l'Auditorium Maurice-Ravel de Lyon.
Pierre Cochereau est le premier à sortir « physiquement » l'orgue de ses lieux de prédilection, en faisant des tournées, accompagné le plus souvent de son ami trompettiste Roger Delmotte, avec son orgue « itinérant » à tuyaux, d'une dizaine de jeux (facteur : Philippe Hartmann) qu'il transporte dans une remorque attelée à l'une de ses automobiles.
Pierre Cochereau est aussi avec Pierre Firmin-Didot cofondateur du Grand Prix de Chartres, concours d'orgue de renommée internationale, qui a pour originalité d'instituer à côté du traditionnel prix d'interprétation, un tout aussi important prix d'improvisation.
Même s'il encourage des organistes (comme Jacques Taddei) et inspire des improvisateurs (notamment Pierre Pincemaille), Pierre Cochereau est partiellement méconnu de nos jours. Son œuvre musicale écrite est de qualité, mais peu abondante. Il laisse en revanche, sur des centaines de bandes ReVox bien conservées, une grande quantité d'improvisations (et aussi, mais en moins grand nombre, d'œuvres du répertoire) enregistrées au cours des offices et en concert à Notre-Dame. L'écoute analytique de la somme de ces enregistrements effectués sur une période allant globalement de 1965 à sa mort et réalisés par François Carbou devrait permettre de comprendre et d'apprécier la réalité de cet artiste unique et, malgré les honneurs de son vivant, mystérieusement atypique et particulièrement flamboyant.
Pierre Cochereau meurt d'une rupture d'anévrisme dans la nuit du 5 au à Lyon, à l'âge de 59 ans.
Il avait eu avec sa femme Nicole deux enfants qui sont aussi devenus musiciens : Jean-Marc, (1949-2011), chef d'orchestre et directeur du conservatoire à rayonnement régional de Tours et Marie-Pierre, harpiste.
Une rue porte son nom à Montpellier ainsi qu'une avenue à Roquevaire. Le Conservatoire à rayonnement régional de Nice porte également son nom.
Baryton, acteur, metteur en scène et dessinateur de costumes italien, Tito Gobbi est né le à Bassano del Grappa, dans la province de Vicence en Vénétie et mort le à Rome.
Après avoir fait des études à l'Université de Padoue, il apprend le chant à Rome avec Giulio Crimi. Il épouse Tilde de Rensis et son beau-père Raffaello de Rensis est l'un des musicologues les plus respectés d'Italie.
En 1935, il débute à Gubbio (Ombrie) dans le rôle de Rodolfo de La sonnambula de Bellini. En 1936, il remporte le premier prix au concours international de Vienne et en 1937, il est le lauréat du concours de l'école de la Scala de Milan. La même année, il débute dans le rôle de Germont de la Traviata de Verdi au Théâtre Adriano et en 1939 à l'Opéra.
Il aborde Richard Wagner et Richard Strauss (Salomé) mais s'en éloigne. Pendant la guerre, il chante Ford (Falstaff) en tournée de l'Opéra de Rome et raconte dans ses mémoires qu'il rencontre Joseph Goebbels qui lui remet un portrait dédicacé et encadré.
En 1941, sa carrière décolle après une Adriana Lecouvreur (Michonnet) et trois grands rôles verdiens : Posa dans Don Carlos), Renato dans Un ballo in maschera et Simon Boccanegra à l'opéra de Rome.
En 1942, il enregistre son premier disque (en 78 tours) avec des extraits de Don Giovanni, Don Carlo, Zaza et L'Arlésienne. Il chante Wozzeck d'Alban Berg pour la première fois à l'Opéra de Rome (première italienne de l’œuvre) et débute à la Scala de Milan dans l’Élixir d'Amour de Gaetano Donizetti.
En 1946, il chante son premier Iago (Otello) au San Carlo. Il tourne dans les premiers films d'opéra, dont Il Barbiere di Siviglia, en 1945, avec Italo Tajo et Ferrucio Tagliavini. Il tourne également dans "Davanti a lui tremava tutta Roma", un film adapté de Tosca de Puccini, mais encore dans des versions cinéma de Rigoletto, L'elisir d'amore et I Pagliacci avec Gina Lollobrigida.
Au total Gobbi tourne 26 films pour le cinéma, dont "The glass mountain" de Henry Cass (1949).
À partir de 1948, il chante à San Francisco dans Figaro du Barbier de Séville de Rossini.
En 1950, il débute à Salzbourg dans Don Giovanni de Mozart ; en 1951, alors que l'année a commencé par une sévère accident sur le plateau en Calabre pendant un Bal masqué, il débute ensuite dans le rôle-titre de Gianni Schicchi à Rome puis à Covent Garden où il sera un mémorable Rodrigo, marquis de Posa dans le Don Carlos de Verdi, avec la mise en scène de Lucchino Visconti en 1958. A ce moment là, il entame une coopération avec Sander Gorlinsky, qui devient son agent.
En 1952, il ouvre la saison de la Scala de Milan dans Ford (Falstaff de Verdi). Entre 1954 et 1973, il chante régulièrement au Lyric Opéra de Chicago et est invité à l'Opéra de Paris, Munich, Hambourg, Stuttgart... Il s'affirme dans Scarpia de la Tosca de Puccini, l'un des principaux rôles avec lequel il débute au Met de New York en 1956 et devient l'un des plus grands Scarpia avec comme partenaire Maria Callas (Opéra de Paris, 1958 (acte II), 1964 et 1965). Il est aussi un impressionnant Iago dans Otello de Verdi enregistré avec Jon Vickers.
En 1957, il incarne Falstaff de Verdi à Salzbourg sous la direction d'Herbert von Karajan.
En 1964, il fait ses débuts de metteur en scène à Chicago dans Simon Boccanegra, suivi d'autres productions sur la même scène comme Otello en 1966.
S'il interprète Germont, Amonasro, Nabucco, il se sent à l'aise aussi du côté de la violence puccinienne (Il Tabarro) et du côté de Rossini. Simon Boccanegra de Verdi est son rôle favori.
Figure marquante du chant italien, l'un des plus célèbres barytons de sa génération, il interprète plus d'une centaine de personnages différents pour lesquels il dessine généralement les costumes. Il tourne 26 films et réalise plusieurs mises en scène, notamment, Don Giovanni, Le Barbier de Séville et Falstaff (à partir de 1965 à Covent Garden et au Met de New York).
Sa carrière ralentit au cours des années 1970 pendant lesquelles il se consacre à l'enseignement du chant dans des masterclasses, proposées chaque été dans la villa Médicis de Schifanoia, près de Florence.
Christoph Ernst Friedrich Weyse (né le 5 mars 1774 - mort le 8 octobre 1842) est un compositeur et un organiste danois.
Weyse est né à Altona, qui est maintenant sur le territoire allemand, mais appartenait au Danemark. À l'âge de quinze ans, il est allé vivre chez un oncle à Copenhague, ville qu'il n'a plus quittée. Il a étudié la musique avec Johann Abraham Peter Schulz à Copenhague. En 1794, il a été nommé organiste à l'Église réformée de Copenhague puis a servi à la Cathédrale Notre-Dame de Copenhague après 1805. En 1819, il a été nommé compositeur de la Cour. Il est mort à Copenhague.
Weyse a fait la connaissance de Constanze, la veuve de Mozart, car elle a vécu à Copenhague de 1810 à 1820. Il avait des contacts réguliers avec son mari, le diplomate danois et conseiller Georg Nicolaus Nissen. Constanze Mozart estimait de manière très flatteuse la musique de Weyse.
En 1800, il a commencé à composer le Singspiel Sovedrikken, mais un chagrin d'amour avec une de ses étudiantes, Julie Tutein, l'a empêché de travailler pendant plusieurs années. Après avoir assisté à une représentation du Don Giovanni de Mozart au Théâtre Royal en 1809, il a repris son travail et a fini Sovedrikken, qui a été représenté en 1809.
Il est surtout connu pour ses œuvres vocales qui comprenaient de nombreux singspiel, un Te Deum, un Miserere, une cantate et, par-dessus tout, des lieder sur des poèmes de Matthias Claudius, Johann Heinrich Voss et Ludwig Heinrich Christoph Hölty.
Il a également composé sept symphonies et de nombreuses pièces pour piano seul. Sa musique a été quasiment oubliée pendant des années, mis à part quelques hymnes, mais aujourd'hui, une plus grande attention est accordée à ses œuvres majeures. Sa Katte-Cavatine (« Cavatine pour chats ») a été utilisée dans le célèbre Duo des chats, attribué abusivement à Rossini.
Première de l'Orchestre Philharmonique de Vienne à la Waldbühne de Berlin
L'Orchestre Philharmonique de Vienne sera invité pour la première fois à la Waldbühne de Berlin et fêtera sa première apparition dans ce lieu de spectacle légendaire avec un feu d'artifice de compositions européennes. Le concert, intitulé "Une nuit européenne", promet non seulement un grand plaisir musical, mais aussi une ambiance printanière sensuelle avec des rhapsodies entraînantes, des danses endiablées et des suites époustouflantes en plein air.
"L'Enfant et les Sortilèges", le prochain rendez-vous lyrique à l'IMEP
Mise en scène : Vincent DUJARDIN Direction musicale : Benoît GIAUX Coordination générale: Elise GABELE Accompagnement : Noemi BIRO Décors et costumes : Patricia HOUSIAUX Régie technique: Simon Renard
L’Enfant et les sortilèges en quelques mots...
En 1914, le directeur de l’Opéra de Paris, Jacques Rouché, commande un livret à l’écrivaine Colette, qui l’élabore en 1916. Après de nombreux échanges entre Colette et Ravel, le projet prend forme peu à peu, avançant toutefois très lentement. Ce n’est véritablement qu’en 1924 que Ravel se plonge dans la composition de l’œuvre, ne terminant l’écriture que cinq jours avant la création. Celle-ci n’aura pas lieu à l’Opéra de Paris comme initialement prévu, mais à Monte-Carlo, où L’Enfant et les sortilèges reçoit un accueil très enthousiaste.
La célèbre romancière Colette chercha longtemps le musicien capable de mettre en scène et en musique les objets et les animaux familiers dont elle avait inventé la révolte contre la méchanceté d’un enfant capricieux. La collaboration avec Ravel donna naissance à une fantaisie lyrique de trois quarts d’heure que le compositeur eut quelques scrupules à qualifier « d’opéra ». Il s’agit d’un véritable parcours initiatique dont l’atmosphère féérique et magique joue sur une très large palette de registres musicaux. Du music-hall à la musique impressionniste, du jazz à l’opéra italien, de la polyphonie au récitatif, Ravel ouvre de nouveaux chemins au théâtre lyrique sous forme de savantes miniatures.
Les difficultés que présente la mise en scène d’un ouvrage qui fait chanter une « Tasse chinoise », le « Feu » ou encore des « chiffres » vengeurs et un « Arbre » gémissant, auraient pu entraîner la progressive disparition de l’ouvrage. L’Enfant et les Sortilèges s’est toujours maintenu au répertoire grâce à des scénographies marquées par l’inventivité indispensable au parfait déploiement de la féérie raffinée de la musique de Ravel. Ravel déclara en 1925 : La partition de L’Enfant et les Sortilèges est un mélange très fondu de tous les styles de toutes les époques, de Bach jusqu’à... Ravel.... ! Cela va de l’opéra à l’opérette américaine, en passant par le jazz-band ! En effet, la partition apparaît comme une sorte de florilège de pastiches, permettant à Ravel de prendre ses distances avec la tradition, sans totalement s’en détourner.
Dans l’intérieur démodé d’une vieille maison normande, l’Enfant, puni pour sa paresse par Maman, se venge avec la dernière méchanceté en passant sa colère sur les objets et les animaux qui l’entourent. Epuisé, il finit par se laisser tomber dans un fauteuil. Commence alors le ballet des sortilèges. Les objets familiers prennent vie et se mettent à chanter pour exprimer leur désapprobation…
Du 4 au 8 mars, la Fondation Stauffer, le Consorzio Liutai di Cremona "Liutai Antonio tradivari" et Le Dimore del Quartetto seront accueillis à Madrid dans le cadre d'une semaine où les instruments à cordes crémonais et la musique de chambre seront à l'honneur grâce à une nouvelle collaboration avec l'Escuela Superior de Música Reina Sofía de Madrid et au soutien de l'Institut international de musique de chambre de Madrid.
Les quatuors à cordes italiens Rilke et Goldberg, sélectionnés par la Fondation Stauffer -une institution privée italienne dédiée à la formation professionnelle des musiciens à cordes et à la promotion de la culture musicale- participeront aux cours dispensés par Günter Pichler à l'Institut international de musique de chambre de l'Escuela Reina Sofía, en se produisant le 8 mars dans le cycle Da Camera à l'Auditorium Sony.
Le Quatuor Rilke jouera sur les instruments appelés "Quartetto del Consorzio", créés à l'occasion du 25e anniversaire du Cremona Luthiers Consort et actuellement détenus par la Fondation Stauffer.
Les deux ensembles italiens font partie du réseau de "Le Dimore del Quartetto", une entreprise sociale culturelle qui promeut la musique de chambre et le patrimoine culturel européen en soutenant de jeunes ensembles de chambre dans le lancement de leur carrière professionnelle.
Fabio Luisi a inclus un cycle complet de l'Anneau de Wagner dans la saison 24-25 de l'Orchestre Symphonique de Dallas.
Il déclare : Alors que j'entame ma cinquième année de partenariat musical avec les incroyables musiciens du DSO, nous avons développé un son typiquement "Dallas", dont je suis immensément fier. Nous jouons à un niveau artistique élevé et j'ai hâte de poursuivre sur cette lancée.
Dallas sera le premier orchestre américain, de mémoire récente, à tenter un Ring en concert.
