Le chef italien Claudio Scimone est né le 23 décembre 1934 à Padoue et décédé le 6 septembre 2018 dans la même ville.

Après avoir étudié la direction d'orchestre avec les chefs Carlo Zecchi, Dimitri Mitropoulos et Franco Ferrara, Claudio Scimone atteint une notoriété internationale en enregistrant pour la firme Erato l'intégrale des Concertos pour flûte de Vivaldi, à la demande de -et avec- le flûtiste Jean Pierre Rampal en 1966.
Rapidement, il est invité à diriger quelques-uns parmi les plus grands orchestres symphoniques, dont l'Orchestre Philharmonique Royal de Londres et l'Orchestre Symphonique Yomiuri à Tokyo.

Entre 1952 et 1957, il a écrit la rubrique musicale de la revue La gazzetta del Veneto.

En 1959, il fonde à Padoue  I Solisti Veneti avec lesquels il interprète principalement un répertoire de musique baroque italienne, et donne plus de 5 000 concerts sur tous les continents.

Dans les années 1970, il dirige notamment l'Orchestre Philharmonique de Monte-Carlo et produit, avec le guitariste Turibio Santos, un disque contenant des œuvres de Joaquin Rodrigo, comme le Concerto d'Aranjuez et la Fantaisie pour un gentilhomme.

Il redécouvre également bon nombre d'opéras méconnus de Rossini, comme Mosè in Egitto, Ermione, Maometto II, L'Italienne à Alger (qu'il enregistre avec Marilyn Horne).

De 1979 à 1986, il dirige l'Orchestre de la Fondation Gulbenkian de Lisbonne, dont il devient ensuite le directeur honoraire.

Pendant 27 ans, il dirige le conservatoire Pollini de Padoue et enseigne au conservatoire Benedetto Marcello de Venise.

Son activité discographique a été particulièrement importante et compte près de 200 enregistrements, la plupart pour Erato.

Son travail a aidé à redécouvrir la musique instrumentale italienne du xviii^e siècle⁴.

Parmi les prix les plus prestigieux qu'il a reçus, figurent les trois « Grand prix du disque » de l'Académie Charles-Cros de Paris et un Grammy Award de Los Angeles.
Claudio Scimone a été fait Chevalier Grand-Croix de l'ordre du Mérite de la République italienne et il a reçu la Médaille d'Or du Mérite pour l'art et la culture du président de la République italienne en 2000. Enfin, en 2008, à Venise, il a reçu, avec les musiciens de I Solisti Veneti, le Prix Arthur-Rubinstein.

Pál Kadosa, né Pál Veisz à Léva 6 septembre 1903 et décédé à Budapest le 30 mars 1983, est un compositeur, pianiste et pédagogue hongrois.

Pál Kadosa perd son père lorsqu'il est enfant. Ses grands-parents vivaient à Nagyszombat (aujourd'hui Trnava en Slovaquie), et c'est là qu'il fréquente l'école primaire et apprend le piano.
En 1918, alors qu'il a quinze ans, il emménage à Budapest avec sa mère, qui s'était remariée. C'est dans la capitale qu'il commence à étudier sérieusement le piano. D'abord avec Ilona Pál et en 1921, après l'obtention du diplôme, il est admis à l'Académie de musique Franz Liszt. Il étudie le piano avec Arnold Székely et Lili Keleti, la musique de chambre avec Leó Weiner, et la composition avec Zoltán Kodály. En outre, il pratique la peinture et le dessin, et l'histoire de l'art, la littérature. Il est en relation amicale avec notamment, le peintre Róbert Berény, Sándor Bortnyik, Huber István Dési, Andor Sugár, Pál Pátzay et György Goldmann. En 1927, il obtient son diplôme.

En tant que pianiste il considère comme sa tâche primordiale de jouer -en plus de ses propres œuvres- la musique contemporaine. Son jeu de piano évoque celui de Bartók dans ses sonorités et la pulsation rythmique typique.

Tout au long de la vie, il est un acteur important de la vie musicale hongroise. Il fonde en 1928 l'association des musiciens hongrois de musique moderne, qui fusionne plus tard avec l'Internationale Gesellschaft für Neue Musik, dont il est une personne importante. Après 1945, il est président de l'association des musiciens hongrois, puis président de l'Office du droit d'auteur. Il est également membre honoraire de la l'Académie royale de musique à Londres et membre correspondant de l'Académie des arts de la RDA.

Kadosa est un important pédagogue du piano. Après son diplôme, entre 1927 et 1943, il enseigne à l'École de musique Fodor, mais la montée du fascisme l'oblige à quitter son poste et, de 1943 à 1944, il enseigne à l'école de musique Goldmark, ce qui a presque interrompu sa carrière.
Il enseigne à l'Académie de musique de 1945 jusqu'à sa mort en tant que chef du département de piano. Il a eu notamment comme élèves : Jenő Jandó, Zoltán Kocsis, György Kurtág, Dezső Ránki, András Schiff et Gyula Kiss (Prix Liszt en 1972).

Le style de ses compositions est principalement influencé par Béla Bartók et Zoltán Kodály, mais il a aussi été très impressionné par le début de l'avant-garde et le néoclassicisme allemand. Toutes les formes issues des œuvres du répertoire classique peuvent être trouvées dans son catalogue ; il a composé à la fois des œuvres pour orchestre, dont huit symphonies et une symphonie de chambre, quatre concertos pour piano, deux concertos pour violon et pour d'autres instruments, ainsi qu'un opéra (Huszti kaland), des œuvres de musique de chambre, des pièces pour piano, ainsi que des œuvres chorales et des mélodies.

Pal Kadosa est publié chez Schott à Mayence.

Il a été distingué par les

• Prix Kossuth (1950, 1975)
• Mérite artistique (1953)
• Prix Ferenc Erkel (1955, 1962)
• Prix d'excellence artistique (1963)

Le Csemadok et les Amis de la musique hongroise de Slovaquie ont créé pour les pianistes amateurs le Concours Pál Kadosa qui a lieu à Levice (Léva) qui se déroule tous les deux ans depuis 1993.

Johann Schelle est un musicien saxon né à Geising le 6 septembre 1648 et mort à Leipzig le 10 mars 1701.

Le fils du cantor et recteur Jonas Schelle était déjà à l'âge de sept ans soprano de la Staatskapelle de Dresde sous la direction de Heinrich Schütz. Sur la recommandation de ce dernier, il entra en 1657 en tant que choriste à la chapelle ducale de Wolfenbüttel, où travaillait Heinrich Schütz comme maître de chapelle.

De 1665 à 1667, Schelle a été chanteur dans le chœur de l'église Saint-Thomas dépendant de la Thomasschule à Leipzig. Il s'est inscrit à l'Université de Leipzig le 31 janvier 1667.
Sur la recommandation de Sebastian Knüpfer, il est devenu en 1670 cantor de l'école de la ville d'Eilenbourg. Il a été l'un des premiers à diriger des cantates en langue allemande lors de cérémonies de culte.

Du 31 janvier 1677 jusqu'à sa mort, il a été Thomaskantor à Leipzig, succédant à Sebastian Knüpfer et précédant Johann Kuhnau. Dans le même temps, il était « directeur Chori musici » pour la ville de Leipzig. Il a introduit à Leipzig des œuvres où se côtoient des textes évangéliques et des lieder spirituels. Il a aussi été parmi les premiers auteurs à écrire des cantates-choral. Il a composé principalement de la musique d'église (vocale et instrumentale).

Johann Schelle a eu pour élèves Johann Theodor Roemhildt, Friedrich Wilhelm Zachow, Reinhard Keiser, Johann Christoph Graupner et Johann David Heinichen.

La majorité de ses oeuvres étaient des œuvres sacrées sur un texte allemand, très peu d'entre elles ont été publiées de son vivant. Certains de ses Kirchenlieder ont été publiés en 1693 dans le livre de Joachim Feller « Der andächtige Student » imprimé dans Chants.
25 manuscrits de cantates se trouvent à la Bibliothèque d'État de Berlin.
Ces œuvres montrent l'importance de Schelle pour le développement de ce genre musical. Il fut l'un des premiers compositeurs à mélanger des textes bibliques et des poésies libres. En outre, les cantates chorales que l'on y trouve, sont parmi les plus anciennes du genre.

Il apprend la musique auprès de son père Johann Knüpfer, cantor et organiste à Aš.
Plus tard, il va à Leipzig, où il étudie la philosophie, notamment auprès de Johann Adam Schertzer. Il est ensuite nommé en 1657 Thomaskantor prenant la suite de Tobias Michael. Autour de Knüpfer s'est formé un cercle respecté de musiciens (dont Elias Nathusius, le cantor de l'Église Saint-Nicolas, Gerhard Preisensin et Jacob Weckmann et le médecin Johann Kaspar Horn). Leipzig a alors acquis la réputation d'un centre musical important.

La plupart de ses compositions n'ont jamais été imprimées. Il a écrit des motets, des concertos, des cantates sacrées et des messes. Il a composé de la musique pour le couronnement de Léopold I^er en 1658 et à l'occasion du Traité d'Aix-la-Chapellen de 1668.

En 1663 a été imprimée une collection de madrigaux et de Kanzonetten.

Le festival d'opéra de Vicence, un événement conçu par Iván Fischer qui en est à sa 6e édition, revient au Teatro Olimpico enoctobre.

Le programme 2023 propose un programme axé sur un titre comme Pelléas et Mélisande, opéra dramatique de Debussy considérée comme un jalon du théâtre lyrique du XXe siècle en raison de son contenu fortement novateur et, à certains égards, révolutionnaire.

Le concert de l'Orchestre du Festival de Budapest réaffirme le fort engagement civique de Fischer, un artiste qui, par le biais du langage musical, tente toujours de transmettre au public des messages importants qui parlent d'inclusion, de coexistence et de solidarité. Citons les concerts donnés dans des lieux de culte abandonnés, les événements dédiés aux nouvelles générations et aux personnes âgées, ainsi que les moments musicaux consacrés aux enfants autistes et à leurs familles. Conformément à cette "philosophie", les instrumentistes de l'Orchestre du Festival de Budapest se produiront dans certaines maisons de retraite de la ville pendant le festival d'opéra de Vicenza.

Le jury des Prix nationaux de musique 2023 a décerné le Prix à CJuan Manuel Cañizares pour sa capacité interprétative à combiner différentes traditions stylistiques de la guitare, en brisant les barrières entre la musique classique et le flamenco, ainsi que pour la diffusion internationale de la guitare espagnole.
Il a décerné aussi le Prix à Eduardo Soutullo pour la reconnaissance internationale unanime de sa musique, en particulier de sa production orchestrale, en soulignant la première à Saint-Pétersbourg en 2022 de sa cantate El lamento de los girasoles.

Le guitariste, compositeur et pédagogue Juan Manuel Cañizares (Sabadell, 1966) a commencé ses études musicales à l'âge de dix ans au Conservatoire municipal de Sabadell et les a poursuivies à Tarrasa et à Barcelone. Avec plus de 40 ans de carrière consacrée aussi bien au répertoire flamenco et classique qu'à la composition et à l'enseignement, il est le premier et le seul guitariste flamenco invité par la Philharmonie de Berlin dirigée par Sir Simon Rattle, avec laquelle il a interprété le Concierto de Aranjuez de Joaquín Rodrigo au Teatro Real de Madrid. Il a collaboré avec les plus grands orchestres du monde, parmi lesquels on compte : Staatskapelle Dresden, NHK Symphony Orchestra, City of Birmingham Symphony Orchestra, National Orchestra and Choir of Spain, Barcelona Symphony Orchestra i Nacional de Catalunya, etc.
En 2015, il a participé à la première mondiale de l'opéra El público de Mauricio Sotelo au Teatro Real de Madrid, sous la direction de Pablo Heras-Casado.
Côté enregistrement, il a collaboré à plus de 100 albums et a sorti 15 de ses propres albums dont le dernier, en 2019, se concentre sur l'œuvre inédite de Rodrigo Aranjuez Preludio al atardecer. Il a également joué en première mondiale, à l'Auditorio Nacional de Música, son Concierto Flamenco Al-Andalus pour guitare et orchestre, à la mémoire de Paco de Lucía, une commande de l'Orquesta y Coro Nacionales de España qui a été interprétée par l'ONE elle-même sous la baguette de Josep Pons en 2016.
Chercheur et professeur de flamenco, il enseigne la guitare flamenca à l'Escola Superior de Música de Catalunya (ESMUC) depuis 2003 et il a donné de nombreuses master classes en Espagne et à l'étranger. Il a remporté le Premio Nacional de Guitarra (1982), le Premio de la Música (2008) et Flamenco Hoy (2000, 2011 et 2013).

Le compositeur Eduardo Soutullo (Vigo, 1968) a commencé sa formation musicale au Conservatorio Superior de Música de Vigo et l'a poursuivie à Madrid et à Paris. Il est titulaire d'un doctorat de l'Université de Vigo avec une thèse sur la musique espagnole contemporaine, et il a été professeur au Conservatoire supérieur de musique de Saint-Jacques-de-Compostelle. Il a également enseigné aux Conservatoires de Vigo et d'Ourense. Tout au long de sa carrière, il a approfondi ses connaissances en matière de composition musicale auprès de maîtres tels que David del Puerto, José Luis Delás, Isabelle Duha, Richard Steinitz, Cristóbal Halffter et Tomás Marco.
Il a reçu de nombreux prix et mentions, le dernier en date étant le Premier Prix du VIIe Concours de composition New Note en Croatie en 2018 dans le cadre du 43e festival de musique de Samobor.

Il a reçu de nombreuses commandes de l'Auditorio Nacional de España, de la Fundación Isaac Albéniz, de la Semana de Música Religiosa de Cuenca, du XXVIe Festival de Música Española de León et de la Residencia de Estudiantes de Madrid, entre autres, et ses œuvres ont résonné dans de prestigieuses salles internationales telles que L'Arsenal de Metz, Berwaldhallen Concert Hall (Stockholm), Glazunov Hall (Saint-Pétersbourg), Carnegie Hall, Alto-Musiktheater Essen, etc.
Les dernières œuvres qu'il a créées sont Shabdalamkara pour baryton et orchestre, dans le cadre du 64e cours universitaire international Música en Compostela, commandé par la Fundación SGAE-AEOS, interprété par l'Orquesta Sinfónica de Galicia et le Sax Quartet, dans le cadre du 14e Ciclo de Música Actual, organisé par la Sociedad Filarmónica de Badajoz et le Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM).

Le prix de musique de chambre Hasselburg est décerné pour la première fois.
Animato Quartet et Barbican Quartet se partagent la finale.

Depuis de nombreuses années, le Kultur Gut Hasselburg soutient et encourage la formation et le développement de jeunes artistes et de musiciens en devenir. Pour la première fois cette année, il décerne également un prix de musique de chambre très bien doté. Deux jeunes quatuors à cordes ont été nominés par un jury d'experts et se présenteront au public lors de la finale pour remporter le prix de 10.000 euros pour le premier et de 5.000 euros pour le second.

En compagnie de l'altiste Nils Mönkemeyer, les quatuors joueront chacun, en ouverture, un quintette à cordes de Mozart. Et les deux quatuors présenteront chacun une pièce de leur choix avant l'Octuor en mi bémol majeur, op. 20 de Felix Mendelsson.

Le quatuor Animato et le quatuor Barbican se retrouvent cette fois-ci en finale de cette première manifestation, qui sera régulièrement reconduite dans les années à venir et qui élargit le programme de musique de chambre du Kultur Gut Hasselburg.
Depuis l'arrivée d'une nouvelle deuxième violoniste en février 2022, le quatuor brille par sa qualité sonore distincte et luxuriante.

Le nom du quatuor Barbican a une double signification. Un barbican est un mur de défense qui entoure une ville ou un château, ce qui relie le quatuor à sa volonté de découvrir, de développer et de perpétuer la tradition du quatuor à cordes. Il est en outre étroitement lié à Londres, puisque c'est au Barbican Center qu'il a donné son concert fondateur en 2015.
Les membres fondateurs, Amarins, Christoph et Yoanna, se sont rencontrés pendant leurs études à la Guildhall School of Music and Drama où ils ont commencé à jouer ensemble de la musique de chambre pour le plaisir avant d'envisager sérieusement de jouer professionnellement.
Aujourd'hui, le quatuor international (qui réunit 4 nationalités et 7 langues au total) partage son temps entre Londres et Munich.

Quant au quatuor Animato, l'un des jeunes quatuors à cordes les plus prometteurs des Pays-Bas, il est largement reconnu pour son jeu passionné et spontané et sa puissante présence sur scène.
Fondé en 2013, il combine dans ses programmes des pièces classiques du répertoire standard pour quatuor à cordes ainsi que des compositions contemporaines sur mesure.

Le chef d'orchestre américain Ainslee Cox est né le 22 juin 1936 à Big Spring (Texas) et décédé le 5 septembre 1988 à New York.
Diplômé du Westminster Choir College et de l'Université du Texas à Austin, il est chef d'orchestre associé de l'American Symphony Orchestra en 1962 sous la direction de Leopold Stokowski, puis chef d'orchestre assistant du New York Philharmonic sous la direction de Leonard Bernstein et de Pierre Boulez.

À partir de 1968, il a été co-directeur du Goldman Band avec son fondateur Richard Franko Goldman, et en a été le seul chef d'orchestre de 1979 jusqu'à sa mort en 1988.
De 1974 à 1978, il est directeur musical de l'Oklahoma Symphony Orchestra et, de 1980 à 1982, il est directeur musical du Chamber Opera Theater of New York.

Il est décédé d'un lymphome de Hodgkin à Mount Sinai West, à New York, en 1988, à l'âge de 52 ans.

Le compositeur français François Devienne est né à Joinville le 31 janvier 1759  et décédé à Charenton-Saint-Maurice le 5 septembre 1803. Il était aussi flûtiste, bassoniste et enseignant.

Il apprend très jeune plusieurs instruments avec son frère aîné, et fait partie d'une maîtrise d'église, donc de ce qui était une école de musique et partie prenante d'un des nombreux chœurs professionnels attachés aux cathédrales et, très souvent, aux églises collégiales de France. Cela lui permettra de jouer par la suite dans différents ensembles parisiens.
À l'âge de 10 ans, il compose sa première œuvre, une messe. En 1779, ses études terminées, c'est le Baron de Bagge, mécène et compositeur, qui s'occupe de son entretien. De 1780 à 1785 il est au service du Cardinal de Rohan. Il y joue de la flûte (son maître a été Félix Rault) et du basson.
En 1788 il est bassoniste au Théâtre de Monsieur puis, en 1793, à l'Opéra de Paris.
De plus, il compose.

Sergent à l'orchestre de la garde nationale de Paris, il apprend la musique aux enfants de ses camarades et écrit pour cela une Méthode de flûte théorique et pratique (1793). Avec d'autres musiciens de la garde, il fonde une « école libre de musique », qui deviendra en 1795 l'« Institut national de Musique », puis le Conservatoire de Paris ; il y enseigne la flûte.
Il est membre de la Société Olympique, association musicale de francs-maçons ayant son propre orchestre (qui commanda et exécuta les symphonies parisiennes de Joseph Haydn). Il compose un grand nombre de romances et de chants patriotiques ainsi qu'une symphonie à grand orchestre (20 instruments), intitulée, Bataille de Jemmapes, et ensuite arrangée pour clavecin et violon.

Parmi ses opéras composés durant les années 1790, un opéra-comique à caractère révolutionnaire lui apporte le succès, les Visitandines, comédie en deux actes et en prose, mêlée d’ariettes, créée au Théâtre Feydeau le 7 août 1792, sur un livret de Louis-Benoît Picard.

Devienne sera interné à l'asile de Charenton en 1803 et y meurt le 5 septembre de la même année.

Si les compositions concertantes de Devienne, surnommé le « Mozart français», peuvent être comparées à celles de Franz Anton Hoffmeister (qui en a écrit 25 pour la flûte), leur style brillant et leur sens de la mélodie rappellent en effet plutôt Mozart.
Mozart, durant son séjour à Paris en 1778, a assisté à des concerts donnés par le Concert spirituel des Tuileries, mais c'est sans doute plus tard que Devienne y joua ses propres compositions.

Jean-Pierre Rampal, dans les années 1960 et 1970, a tiré de l'oubli ses oeuvres pour flûte.

Star du Bolchoi depuis 20 ans, le ténor ukainien Maxim Paster est décédé à 47 ans.

Né à Kharkov (Ukraine), Maxim Paster fait en 2003 ses débuts au Théâtre Bolchoï de Moscou dans le rôle de Bayan de Rouslan et Ludmila.
L’année suivante, il intègre la troupe du théâtre. Il y interprète un large répertoire : Méphistophélès (L’Ange de feu de Prokofiev), Andrei (Mazeppa de Tchaïkovski), Chouiski (Boris Godounov), Zinovy Borisovitch (Lady Macbeth de Mzensk), le Tsar Bérendeï (La Fille de neige), Lykov (La Fiancée du tsar), Charles VII (La Pucelle d’Orléans), Tchekalinski (La Dame de pique), Macduff (Macbeth), Pinkerton (Madame Butterfly), Pong (Turandot), le Remendado (Carmen), Truffaldino (L’Amour des trois oranges), le Capitaine (Wozzeck), Rodolfo (La Bohème).
Il participe à la création de The Children of Rosenthal de Leonid Desyatnikov en 2005.

Il est invité au Festival Rostropovitch de Moscou (Lady Macbeth de Mzensk), au Teatro Comunale de Bologne (Chouiski sous la direction de Daniele Gatti), au Teatro Verdi de Trieste (Don Ottavio de Don Giovanni), au Semperoper de Dresde, au Festival de Savonlinna, au Teatro Municipal de Santiago du Chili et au Bayerische Staatsoper de Munich (Chouiski), au Théâtre du Capitole de Toulouse (Walther von der Vogelweide de Tannhäuser), au Royal Opera House Covent Garden de Londres (L’Ange de feu en tournée avec le Bolchoï, Chouiski), à l’Opéra d’Athènes (Macduff).

Il a participé à de nombreux concerts en Europe : le Requiem de Verdi à Göteborg et Vara, Les Cloches de Rachmaninov au Teatro Lirico de Cagliari sous la direction d’Alexander Vedernikov, la Messe glagolitique de Janáček au Théâtre Bolchoï avec Jiři Bělohávek et au Palau de les Arts de Valence avec Tomáš Netopil, Les Noces de Stravinsky et La Première Nuit de Walpurgis de Mendelssohn au Gewandhaus de Leipzig, à Cagliari et avec l’Orchestre National des Pays de la Loire.

Il devait se produire dans Boris Godounov à Munich en janvier prochain.