Martha Argerich annule toute la tournée d'été du West-Eastern Divan Orchestra
Après Lucerne, Martha Argerich annule toute la tournée d'été avec le West-Eastern Divan Orchestra et Daniel Barenboim.
Elle sera remplacée par Igor Levit.
Le Journal
La BBC a finalisé la vente de ses studios de Maida Vale
Nous sommes si heureux de sécuriser une vente qui permettra de poursuivre l'avenir brillant et dynamique de la création musicale dans ce bâtiment emblématique, a indiqué dans un communiqué Lorna Clarke, responsable de la musique à la BBC.
Tim Bevan et Eric Fellner, cités dans le communiqué, se disent déterminés à perpétuer l'héritage de la BBC à Maida Vale.
Situés dans le quartier éponyme de l'ouest de Londres, les studios Maida Vale, ont vu défiler les grands noms de la musique au fil des décennies.
"La libération du gothique" avec Grandelavoix
Ce lundi, la Cathédrale de Cuenca accueillera un concert du prestigieux ensemble belge Graindelavoix. Intitulé "La libération du gothique", le programme rassemble des œuvres de Machaut, Dufay, Binchois, Ockeghem et Josquin comme un miroir des voyages des compositeurs et des œuvres musicales sacrées à travers l'Europe gothique à l'ère de la mondialisation.
L'art gothique, explique Björn Schmelzer, directeur de Graindelavoix, a toujours été un art international, un art de voyageurs et d'artistes errants. Le gothique semble reconnaissable partout, même s'il présente des particularités locales. Le gothique a peut-être été le premier art à s'émanciper d'une logique territoriale, d'un système féodal, en créant une nouvelle société d'indépendance urbaine et de réseaux artistiques et commerciaux. Cependant, l'idée de libération vers le gothique pourrait également être comprise comme une libération du gothique vers un autre style, en particulier si nous imaginons le style polyphonique qui s'est développé au début du XVe siècle à partir de l'Ars Nova médiévale. La première pièce de notre programme, le Sanctus de la Messe de Notre-Dame de Machaut, est toujours ancrée dans la tradition gothique de l'Ars Nova du XIVe siècle et liée aux rituels de l'une des plus importantes cathédrales gothiques d'Europe, celle de Reims. Avec les œuvres suivantes, nous entamons notre pèlerinage loin du gothique du XIVe siècle et vers un nouveau style qui s'est développé dans toute l'Europe. Notre programme n'est pas seulement une sorte de pèlerinage à la découverte de quelques-uns des vestiges les plus incroyables de ce répertoire polyphonique, mais aussi une carte ou un atlas du style franco-flamand.
Graindelavoix est une référence dans l'interprétation de la polyphonie vocale ancienne, qu'il présente sous un jour très différent des autres ensembles de musique ancienne.
Dans leur interprétation, ils ne cherchent pas à s'inscrire dans leur contexte historique ou culturel. Ces répertoires ne devraient pas nous ramener dans l'espace sécurisé de l'histoire, mais plutôt nous projeter hors de la chronologie du temps et de l'histoire, car ils rompent vraiment avec l'ordre des choses... Ce qui nous lie à cette musique, c'est quelque chose qui n'a pas de place historique ou qui n'est pas soumis à des conditions historiques, explique Björn Schmelzer.
Les principaux répertoires interprétés par Graindelavoix vont de la polyphonie écrite ancienne, comme l'organa de Notre-Dame et l'Ars Subtilior, à la polyphonie franco-flamande du XVe siècle et aux répertoires plus tardifs du XVIIe siècle, comme les Tenebrae Responsoria de Gesualdo, dont l'enregistrement par Graindelavoix est considéré par beaucoup comme un enregistrement de référence.
La concert s'inscrit dans le cadre de "Mirabilia", la semaine médiévale de la Cathédrale de Cuenca, qui propose des concerts, des cours, des activités familiales, des expositions et des visites guidées de la Cathédrale et de ses trésors musicaux.
Boris Pergamenschikow, 75 ans
Né le 14 août 1948 à Saint-Pétersbourg, le violoncelliste russe commence à étudier la composition et le violoncelle dès l'âge de six ans au conservatoire de sa ville natale.
Il remporte son premier Prix National en 1970 à Moscou et en 1974, obtient le 1er Prix du 5e Concours international Tchaïkovski.
Dès lors, sa carrière de soliste et de musicien de chambre ne cesse de prendre de l'ampleur. Pendant de nombreuses années, il est régulièrement invité avec Gidon Kremer au festival de musique de chambre de Lockenhaus.
En 1977, il émigre à l'Ouest avec sa famille et accepte un poste de professeur à la Hochschule für Musik und Tanz de Cologne.
En 1982, Pergamenschikow fait ses débuts avec succès aux États-Unis.
En 1987, il enseigne à l'Académie de musique de Bâle, et à partir de 1998, il occupe une chaire à la Hochschule für Musik "Hanns Eisler" de Berlin.
Le 30 avril 2004, Boris Pergamenschikow est décédé à Berlin.
Leone Sinigaglia, 135 ans
Leone Sinigaglia (Turin, 14 août 1868 - Turin, 16 mai 1944) était un compositeur italien d'origine juive, victime de l'Holocauste.
Deuxième fils d'Abramo Alberto Sinigaglia et d'Emilia Romanelli, il grandit dans une famille juive de la haute bourgeoisie turinoise à la fin du XIXe siècle, faisant la connaissance des personnalités les plus représentatives de la pensée, des arts et des sciences qui vivaient alors dans la ville, comme Galileo Ferraris, Cesare Lombroso et Leonardo Bistolfi.
Passionné de littérature et d'alpinisme depuis son plus jeune âge, le jeune Sinigaglia alterne les séjours en ville et les vacances à Cavoretto, juste à l'extérieur de la ville, un lieu qui sera très important pour son inspiration. Ses premiers efforts de composition durant ces années turinoises incluent la Romanza op. 3 pour cor et quatuor à cordes (1888).
Après ses études musicales de violon, de piano et de composition avec, entre autres, Giovanni Bolzoni et Federico Buffaletti, il commence à voyager pour étudier. Après avoir séjourné dans diverses villes européennes, il réside à Vienne à partir de 1894, où il rencontre et se lie d'amitié avec Johannes Brahms, et prend goût, auprès du compositeur allemand, à la musique dite absolue, en étudiant auprès d'Eusebius Mandyczewski.
Ces années voient la naissance de nombreux lieder et du Concerto pour violon et orchestre op. 20.
À partir de 1900, il étudie à Prague l'instrumentation avec Antonín Dvořák (c'est peut-être son amitié avec le Quatuor de Bohême formé à Vienne qui l'a conduit au compositeur) : de Dvořák, il a appris la capacité d'intégrer l'attention portée aux chants folkloriques dans les structures académiques.
À partir de son retour à Turin en 1901 et pendant une dizaine d'années, Sinigaglia transcrit une énorme quantité de chants populaires archaïques, environ 500, issus de la tradition orale et recueillis pour la plupart de la voix vivante des paysans de la colline du Cavoretto. Il en arrangea certains dans une version pour voix et piano très influencée par le langage de l'opéra de chambre de la région allemande à la fin du XIXe siècle : c'est ainsi que naquirent les Vecchie canzoni popolari del Piemonte (initialement publiées à Leipzig par Breitkopf & Härtel en 1914 au nombre de douze, en deux fascicules, puis augmentées d'un troisième et d'un quatrième fascicules en 1921 et d'un cinquième et d'un sixième fascicules en 1927), pour un total de 36 chants. À côté de ce recueil, pour lequel le nom de Sinigaglia reste encore aujourd'hui dans les mémoires, d'autres de ses compositions de la même époque portent la marque d'un amour profond pour l'âme musicale de sa région, comme par exemple dans Rapsodia piemontese (1900), les deux Danze piemontesi op. 31 (1905) et la Suite pour orchestre "Piemonte" (1909), ces dernières œuvres étant étroitement associées au nom d'Arturo Toscanini qui les a souvent interprétées.
D'autres pages, sans connotation ethnique, ont émergé de ces années heureuses : l'ouverture de Baruffe Chiozzotte (1907), ainsi que les œuvres piémontaises, ont été interprétées par des chefs d'orchestre de la trempe de Wilhelm Furtwängler, Arturo Toscanini et John Barbirolli.
En ce qui concerne la musique de chambre, les deux sonates, respectivement pour violoncelle et piano op. 41 et pour violon et piano op. 44, restent liées à l'univers de la sonate et de la musique de chambre d'Europe centrale du XIXe siècle.
Sa productivité décline progressivement au cours des décennies suivantes, tandis que l'Europe musicale est secouée par des vents de grands changements. Son existence devait connaître une fin tragique pendant la Seconde Guerre mondiale : ses origines juives lui valurent d'être persécuté par la police fasciste, puis par la police nazie qui occupa Turin en 1944 ; lors de son arrestation, une syncope provoqua sa mort.
Leopold Hofmann, 285 ans
Enfant, il servit comme choriste. Plus tard, il étudia le contrepoint et le clavecin avec Georg Christoph Wagenseil et le violon. Il exerça toute sa vie dans sa ville natale comme musicien et comme professeur.
Après avoir été musicus à St Michael (1758), il devient en 1764 chef de chœur à l'église Saint-Pierre de Vienne puis, en 1766, maître de chapelle. Il est plus tard remplacé à ce poste par Giuseppe Bonno.
En 1769, il devint professeur de la famille royale (probablement sur recommandation de Wagenseil). Sa réputation franchit les frontières car Sieber, à Paris, publie six de ses symphonies dès 1760.
Après la disparition de Florian Leopold Gassmann, il occupe le poste de maître de chœur à la Cathédrale Saint-Étienne de Vienne de 1774 jusqu'à sa mort. Pendant la décennie 1780, il se retire virtuellement de la société, composant fort peu.
Le Mozart fut placé à ses côtés comme adjoint bénévole (peut-être pour obtenir le poste). Après la mort de ce dernier, Johann Georg Albrechtsberger lui succéda à ce poste et, après la mort de Leopold Hofmann en 1793, il devint lui-même maître de chœur à la cathédrale et le resta jusqu'en 1809.
Ses contemporains voyaient en lui un compositeur considérable et le mettaient sur le même plan que Joseph Haydn, Gluck et d’autres compositeurs qu’on apprécie encore aujourd’hui. Depuis, on le range plutôt parmi ceux que l’on qualifie de « petits-maîtres ».
Il a composé de nombreuses œuvres vocales comprenant des messes, motets, litanies, vêpres. Il écrivit de nombreuses symphonies et de la musique de chambre (dont certaines pièces furent faussement attribuées à Haydn) ainsi que des sonates pour clavecin et des variations.
Son œuvre la plus connue est l'un de ses concertos pour flûte en ré majeur qui a été par méprise attribué à Joseph Haydn. Parmi ses quelque quatre-vingt concertos, il nous a laissé entre autres treize concertos pour flûte, des concertos pour hautbois (au moins quatre authentiques) et violon (huit et un double avec violoncelle et une quantité de concertinos) ainsi que huit concertos pour violoncelle. Il a composé aussi plusieurs symphonies.
C'est lui qui inaugura l'emploi de l'introduction lente du premier mouvement, dont se servit plus tard J. Haydn.
Le catalogue des œuvres de Hoffman est précédé du nom du musicologue, Bradley, suivi d'une lettre et d'un chiffre. Par exemple Sinfonia en ut (Badley C8).
Les manuscrits, très souvent en unica (exemplaire unique), sont conservés majoritairement à Vienne, aux archives Gessellschaft des Musikfreudne, mais aussi à Ratisbonne (Thurn/Taxis Hofbibliothek), à la bibliothèque Estense de Modène, à la Cathédrale de Pècs et, hors d'Autriche, à Prague, Dresde et Berlin.
Décès de Berit Lindholm
Née à Stockholm le 18 octobre 1934, la soprano suédoise étudie à l'école d'opéra de cette ville avant de faire ses débuts à l'Opéra royal de Suède en 1963.
Elle a chanté à l'Opéra Royal dans le rôle de Chrysothémis en 1966, puis elle y est revenue pour Isolde, Brünnhilde et Chrysothémis entre 1973 et 1975.
Brünnhilde est le rôle de ses débuts au Festival de Bayreuth en 1968 et au Metropolitan Opera en 1975 ; avec Isolde, c'est l'un de ses rôles les plus marquants.
En 1969, elle chante Cassandre dans Les Troyens de Berlioz, sous la direction de Colin Davis.
Berit Lindholm est décédée le 12 août 2023, à l'âge de 88 ans.
La parentalité dans "La femme sans ombre"
La metteuse en scène Ulrike Schwab veut mettre en lumière le thème de la parentalité dans l'opéra de Strauss La femme sans ombre à l'Opéra de Neukölln (Berlin).
Dans cette petite salle de spectacle, on n'a jamais eu peur des grands sujets d'opéra. Nous restons en fait relativement proches de l'opéra dans la narration, bien qu'à l'Opéra de Neukölln, nous ayons la grande liberté d'inventer aussi des histoires tout à fait nouvelles, explique-t-elle. Le thème du développement de la pièce est toujours présent chez nous. Cela signifie que l'on prend des fragments de musique et que l'on crée sa propre soirée à partir des thèmes de la pièce. Mais ici, à un moment donné, j'étais déjà tellement impliquée dans cette musique, ces personnages et cette histoire énigmatique, que je revenais quand même toujours à l'original.
La première de l'opéra en trois actes sur un livret de Hugo von Hofmannsthal a eu lieu en 1919 à l'Opéra national de Vienne. Plus de trois heures de la musique la plus exigeante de Strauss. Bien sûr, nous avons beaucoup supprimé et condensé la constellation des personnages. Ce sera une sorte de pièce de chambre.
La Femme sans ombre de Neukölln sera réduite à une heure quarante : pour être précise, nous avons réduit la pièce aux personnages principaux et nous mettons au centre les portraits des relations des différents couples. Chez nous, il n'y a pas seulement deux couples, mais trois. Chez Hofmannsthal, le couple impérial et le couple de teinturiers jouent un rôle central. Il y a aussi chez nous un couple de parents, la nourrice devient la mère et le messager le père.
Il s'agit donc de modèles de famille et de rôles. Le metteur en scène vedette Tobias Kratzer, qui présentera la pièce pour la première fois en 2025 à l'Opéra allemand, veut également mettre en évidence le décalage social. Le riche couple impérial utilise le pauvre couple de teinturiers pour une sorte de maternité de substitution. Dans notre version, je me suis longtemps gardée d'affirmer une thèse fondamentale qui dominerait tout, dit Ulrike Schwab, car les thèmes autour desquels nous gravitons sont si intimes et aussi si individuels. Elle met toutefois clairement l'accent sur les relations. Nos thèmes de base sont la maternité et la parentalité : il s'agit de savoir si elles ont vraiment quelque chose à voir avec notre devenir humain ? Ou pas du tout. Je trouve passionnant de voir comment les couples ont pris leurs décisions au fil des générations et comment la question "enfants oui ou non" concerne tout le monde à un moment ou à un autre de sa vie.
Les 75 bougies de Kathleen Battle
La soprano lyrique américaine Kathleen Battle est née le 13 août 1948 à Portsmouth dans l’Ohio.
Sa mère est très active dans le chœur de gospel de l’Eglise Africaine Méthodiste Episcopal locale.
Rapidement, un professeur de musique de son collège remarque sa voix, et devient son mentor le long de ses études secondaires. Elle reçoit une bourse pour l’Université de Cincinnati, où elle étudie non pas la performance, mais l’enseignement musical. C’est également un Master d’enseignement musical qu’elle reçoit du même établissement, et en 1971, elle devient professeure de musique dans une école publique d’un quartier défavorisé de Cincinnati, tout en continuant à prendre des cours particulier de chant.
Pendant sa deuxième année d'enseignement, elle fait ses débuts professionnels après avoir rencontré le chef d’orchestre Thomas Schippers lors d’une audition à Cincinnati.
Elle assure donc la partie pour soliste soprano du Requiem Allemand de Brahms dirigé par Schippers au Festival des Deux Mondes de Spoleto en Italie en 1972.
S’ensuivent d’autres performances en concert. Durant l’un d’entre eux, elle fait la connaissance de James Levine alors que celui-ci est directeur du Festival Cincinnati de Mai (deux ans avant qu’il ne devienne directeur musical du Met). Il la dirige alors dans la Symphonie n°8 de Mahler en 1974.
Ses débuts scéniques ont lieu en 1975 avec le Michigan Opera Theatre. Elle y est Rosine dans le Barbier de Séville. La même année, elle débute à Broadway dans le rôle-titre de Treemonisha de Scott Joplin. L’année suivante, elle chante Susanne dans Les Noces de Figaro avec le New York City Opera. En 1977, elle débute à la fois à l’Opéra de San Francisco en Oscar dans Un Bal Masqué et au Met en Berger dans Tannhäuser dirigé par James Levine. Deux ans plus tard, elle participe à son premier Glyndebourne dans La Fidélité Récompensée de Haydn dans le rôle de Nerina.
Elle s’impose donc comme l’une des meilleures sopranos lyriques et coloratures de son temps, sa voix agile et limpide et sa prestance scénique enlevée en faisant une interprète idéale pour des rôles belcantistes tels qu’Adina dans L’élixir d’amour (débuts à l’Opéra de Zurich en 1980) ou mozartiens tels que Despina dans Cosi fan tutte (débuts au Festival de Salzbourg en 1982) et Blonde dans L’Enlèvement au Sérail (débuts à l’Opéra de Paris en 1984), ou bien en Zerbinetta dans Ariane à Naxos (débuts à Covent Garden en 1985).
En 1985, elle reçoit même l’honneur de chanter au Vatican dans La Messe du Couronnement.
Deux ans plus tard, elle est dirigée par Karajan dans Les Voix du Printemps de Johann Strauss pour le Concert du Nouvel An de Vienne.
La scène à laquelle elle reste le plus associée est toutefois le Met, notamment grâce à sa relation privilégiée avec James Levine. Elle y excelle non seulement dans le bel canto et dans Mozart, mais aussi des œuvres baroques comme Jules César de Haendel (Cléopâtre), qui y est donné pour la première fois dans l’histoire de l’institution en 1988.
Elle est au sommet de sa gloire lors du début des années 1990, même si sa réputation de prima donna commence à devenir quelque peu encombrante.
En 1990, elle participe à un récital de spirituals avec Jessye Norman au Carnegie Hall sous la direction de Levine.
En 1992, au Carnegie Hall également, elle crée le cycle Honey and Rue d’André Previn, sur des textes d’une autre grande artiste afro-américaine issue de l’Ohio, Toni Morrison.
Elle étend même sa sphère d’influence au-delà du classique, chantant Duke Ellington ainsi que Haendel ou Haydn avec des sommités du jazz à Carnegie Hall en 1993, et apparaissant sur l’album janet. de Janet Jackson la même année. Malheureusement, si ses apparitions sur scène font toujours l’événement, la situation en coulisses est beaucoup moins positive. En effet, le Met met fin suite à divers incidents à son contrat alors qu’elle répète le rôle de Marie dans une production de la Fille du Régiment en 1994, mettant pour ainsi dire fin à sa carrière sur les scènes lyriques.
Elle continue toutefois de se produire en concert et en disque, aussi bien dans le répertoire lyrique que dans des partitions plus jazz ou pop. Elle apparaît notamment sur l’album Gershwin’s World d’Herbie Hancock en 1998 et sur la bande-son de Fantasia 2000 en 1999 (sur Pomp and Circumstance d’Elgar). Elle collabore de nouveau avec Jessye Norman à Athènes en 2000, sur Mythodea du compositeur de musique électronique Vangelis.
En 2008, elle chante « Notre père » pour Benoit XVI lors de sa visite à la Maison Blanche.
C'est la deuxième fois qu'elle chante pour un pape -elle avait chanté pour la première fois pour le pape Jean-Paul II en 1985 dans la Messe du couronnement.
La même année, elle a interprété "Superwoman" lors des American Music Awards avec Alicia Keys et Queen Latifah.
Ensuite, elle se produit occasionnellement en récital piano-voix, notamment lors d'un récital d'œuvres de Schubert, Liszt et Rachmaninoff à Costa Mesa, en Californie, accompagnée par Olga Kern (février 2010) et lors d'un récital à Carmel, dans l'Indiana, accompagné par Joel A. Martin (avril 2013).
Après une absence de 22 ans au Metropolitan Opera House, Battley a donné un concert de spirituals au Met en novembre 2016.
Herbert Callhoff, 90 ans
Le compositeur allemand Herbert Callhoff (Viersen, -Cologne, 1) est aussi professeur d'université.
Il étudie la musique au lycée populaire à Essen et à l'École supérieure de musique de Cologne. Ses professeurs de composition étaient Siegfried Reda et Jürg Baur.
Il est organiste et dirige le chœur à l'église catholique de Sainte-Élisabeth de Düsseldorf pendant une dizaine d'années.
Dès 1969, il enseigne la théorie de la musique et les formes musicales à l'Université Robert-Schumann de Düsseldorf. En 1975, il y est nommé professeur.
De 1995 à 1998, il en devient recteur.
Son œuvre de compositeur comprend de la musique chorale, d'orchestre, de la musique de chambre et de la musique pour orgue.
En 1984, il reçoit le Prix de composition de la ville de Neuss.
Parmi ses élèves on compte Otto Maria Kramer.