Le vice-maire de Prague consulte l'Ambassade d'Ukraine au sujet d'un concert prévu avec Anna Netrebko, car la soprano figure toujours sur la liste des sanctions de l'Ukraine.
La municipalité de Prague veut faire dépendre un concert prévu d'Anna Netrebko, originaire de Russie, de l'accord de l'Ukraine. Le vice-maire de Prague Jiri Pospisil a fait savoir jeudi à l'agence de presse CTK qu'il souhaitait d'abord consulter l'Ambassade ukrainienne avant de décider s'il recommandait aux responsables culturels d'annuler la représentation.
Le concert de Netrebko est prévu pour le 16 octobre dans la salle Smetana de la salle de concert "Obecni dum" (en français maison communale) de Prague, qui appartient à la municipalité. Pospisil a précisé que la position de l'Ukraine sur le concert prévu serait déterminante pour lui : La chanteuse d'opéra figure sur la liste des sanctions de l'Ukraine. Si mon impression se confirme, le concert sera annulé. Il ne s'agit pas d'un simple concert. Par le passé, elle a activement participé au soutien du régime criminel.
CTK a fait remarquer que Netrebko vivait depuis des années en Autriche, mais qu'elle avait par le passé soutenu le chef du Kremlin Vladimir Poutine lors d'une candidature à la présidence en Russie. Le manager de concert de Netrebko a déclaré à CTK que la chanteuse d'opéra avait clairement condamné la guerre d'agression russe contre l'Ukraine.
L'opéra Le Téléphone du compositeur Gian Carlo Menotti est présenté pour la première fois au festival de Peralada, sous la direction musicale d'Iván Martín, avec l'Ensemble Galdós et les voix de la soprano Ruth Giménez et du baryton Jan Antem.
Produit par le festival Musika Música de Bilbao, il s'agit du premier projet d'opéra de l'actrice, dramaturge et metteur en scène de Bilbao María Goiricelaya, lauréate d'un prix Max pour les arts de la scène pour son adaptation de la pièce Yerma de Lorca. The Telephone, qui sera joué dans sa version originale anglaise à Peralada, c'est la critique l'utilisation abusive du téléphone dans les relations personnelles.
Le livret raconte l'histoire d'un amour à trois entre un couple et son téléphone.
Une intrigue qui fait de Menotti un visionnaire, puisque l'opéra a été créé en 1947.
Au cours des 16 dernières années, le Cape Symphony s'est bien entendu avec son directeur artistique Jung-Ho Pak. Le conseil d'administration l'a reconduit pour cinq ans en 2021.
Soudain, on annonce son départ ce week-end. Aucune explication de la part du Conseil d'Administration, des musiciens ou du chef d'orchestre lui-même.
Certains fans du chef d'orchestre ont lancé une pétition.
A 82 ans, Riccardo Muti n'est pas près de déposer sa baguette
Le maestro a 82 ans aujourd'hui et la presse italienne est en ébullition.
Apparemment, la première priorité de Carlo Fuortes, le nouveau Sovrintendente de San Carlo, est de faire venir Muti à Naples en tant que directeur musical.
Les deux hommes ont déjà travaillé ensemble à RomeOpera.
Un dernier poste pour Muti dans la ville où il a fait ses études serait une note sentimentale.
Le ministre de la culture, Gennaro Sangiuliano, a déjà annoncé : Nous l'inviterons à revenir au San Carlo.
A Naples, la succession de Stéphane Lissner est assurée
En vertu de la nouvelle loi Giorgia Meloni qui oblige les directeurs d'opéra à prendre leur retraite à 70 ans, on se souvient que le théâtre San Carlo de Naples a remercié son patron français Stéphane Lissner, qui a fêté son anniversaire récemment.
Son successeur sera Carlo Fuortes, ancien patron de la chaîne de télévision nationale RAI, qui a démissionné il y a deux mois en opposition à la politique du gouvernement Meloni. Fuortes a presque 64 ans.
Hyperion Records désormais disponible sur les plateformes de streaming
Par voie de communiqué de presse, Universal Music annonce qu’Hyperion Records, est désormais disponible en streaming à travers le monde.
Ce label anglais - propriété familiale depuis sa fondation par Ted Perry en 1980 - a été racheté par Universal Classics, maison mère des firmes Decca et DGG, en mars dernier.
Hyperion s'est fixé l'objectif ambitieux de publier l'intégralité de son catalogue de plus de 2000 enregistrements en streaming d'ici le printemps 2024. Les 200 premiers albums ont été publiés ce vendredi, et les mises en lignes suivantes se succèderont au rythme d’une série tous les quinze jours à partir du 15 septembre 2023.
Les 200 premiers albums du catalogue publiés initialement ont été sélectionnés pour représenter l'histoire du label.. On y trouve des enregistrements clés de nombreux artistes associées à Hyperion, notamment Arcangelo, Mahan Esfahani, Marc-André Hamelin, Angela Hewitt, Sir Stephen Hough, Alina Ibragimova, Steven Isserlis, Steven Osborne, Polyphony, Howard Shelley, Takács Quartet et bien d'autres encore.
En plus de la publication initiale de 200 albums du catalogue, trois des dernières nouveautés d'Hyperion sont également disponibles en streaming à partir d'aujourd'hui. Il s'agit du dernier album Dvořák du Takács Quartet, d'une sélection éblouissante d'hymnes choraux de Stephen Layton et du Trinity College Choir Cambridge, et d'un nouveau numéro de la collection de The Orlando Consort dédiée au grand poète-compositeur français Guillaume de Machaut.
À l'avenir, tous les nouveaux titres d'Hyperion seront disponibles simultanément en streaming, en achat physique et en téléchargement.
Simon Perry, directeur général d'Hyperion et fils du fondateur du label Ted Perry, a déclaré à propos de l'achat d'Universal et de l'annonce du streaming : "Nous avons recherché et trouvé une maison à long terme qui s'engage envers nos valeurs, nos artistes, nos enregistrements et notre philosophie éditoriale et nous sommes ravis que l'intégralité de notre back-catalogue ainsi que les nouvelles et futures sorties soient disponibles sur les plateformes de streaming dans les mois à venir. Ces 200 premiers albums racontent notre histoire, et nous sommes impatients de présenter tout notre travail des quatre dernières décennies à un nouveau public mondial en streaming, artiste par artiste, série par série. Chacun avait ses défis et maintenant ils se réunissent pour raconter un récit, espérons-le puissant, de ce qui peut arriver lorsque vous faites de la place pour que les musiciens s'épanouissent."
Dickon Stainer, président de Global Classics & Jazz d'UMG, a déclaré : « L'arrivée d'Hyperion sur les plateformes de streaming mondiales offre un moment de découverte particulier pour ce label précieux et pionnier.”
Deux des mélodies de Carl Michael Bellman, jusque-là inconnues, ont été retrouvées, rapporte l'émission culturelle suédoise "Kulturnytt".
C'est le chercheur James Massengale qui a trouvé les mélodies des deux épîtres grâce à un manuscrit de la Bibliothèque du Comté de Kalmar (au sud de la Suède). Les textes des épîtres sont connus depuis longtemps.
Une fois les mélodies trouvées, le musicien Matteus Blad est devenu le premier à enregistrer les deux mélodies -230 ans après la mort de Bellman : C'est un honneur. Probablement depuis que Bellman les a chantés, personne d'autre ne les a interprétés.
Carl Michael Bellman, né à Stockhlom le 4 février 1740 et y décédé le 11 février 1795, était un auteur-compositeur, musicien, poète et artiste suédois. Il est une figure centrale de la tradition de la mélodie suédoise et garde à ce jour une puissante influence dans la musique suédoise, ainsi que dans la littérature scandinave.
Il a été comparé à Shakespeare, Beethoven, Mozart et Hogarth, mais son don, utilisant des références classiques élégamment rococo, en contraste comique avec l'alcool sordide et la prostitution, est unique.
Bellman est surtout connu pour deux recueils de poèmes mis en musique, les épîtres de Fredman ( Fredmans epistlar ) et les chansons de Fredman ( Fredmans sånger ). Chacun se compose d'environ 70 airs. Le thème général est la boisson, mais les chansons combinent "le plus ingénieusement" les mots et la musique pour exprimer des sentiments et des humeurs allant de l'humour à l'élégiaque, du romantique au satirique.
Parmi les mécènes de Bellman, on compte le Roi Gustave III de Suède qui l'appelait « un maître improvisateur ». Les mélodies de Bellman continuent d'être interprétées et enregistrées par des musiciens scandinaves et dans d'autres langues, dont l'anglais, le français, l'allemand, l'italien et le russe.
Plusieurs de ses mélodies, dont Gubben Noak et Fjäriln vingad, sont connues par cœur de nombreux Suédois. Son héritage comprend en outre un musée à Stockholm et une société centrée sur sa vie et son travail.
La vidéo de "Il Senso del Luogo - Montepulciano" est un projet musical et multimédia d'Andrea Molino, compositeur et chef d'orchestre qui considère le lieu où se déroule un événement comme partie intégrante du contenu narratif exprimé par ce même événement.
Alors que la 48e édition de l'événement Montepulciano est en cours et après avoir présenté et créé l'installation vidéo musicale de l'édition 2022 de la Cantiere Internazionale d'Arte, le résultat d'un travail aussi ambitieux est maintenant publié et mis en ligne.
L'auteur avait en effet conçu cinq pièces pour "Il Senso del Luogo - Montepulciano" dans une relation intime avec différents lieux et situations de la ville, non pas de manière descriptive ou didactique, mais essentiellement théâtrale, au sens le plus large du terme : comme le souligne le même Molino, "theaomai en grec signifie observer, regarder attentivement".
De la discussion avec le directeur artistique du Cantiere est ressortie l'intention de concentrer l'investigation sur les pianos de la ville, ou plutôt sur les claviers, sur des instruments -objets- donc essentiellement stables, physiquement intégrés au contexte urbain. Les différents moments du projet sont donc greffés de différentes manières dans des lieux d'actualité de la ville tels que le Teatro Poliziano et le Palazzo Contucci avec son pianoforte historique. Les orgues du temple de San Biagio, de Santa Maria delle Grazie et de la Cathédrale et l'harmonium de l'église du Gesù s'unissent dans un impossible quatuor ; les pianos de certaines maisons privées, en contrepoint de ceux de l'Institut de musique Hans Werner Henze, dessinent le tissu social et culturel de la ville ; enfin, l'utilisation ludique et paradoxale d'un piano jouet permet de toucher différents lieux en plein air, dont le cœur même de la ville, la Piazza Grande.
£Les pages musicales ont été interprétées par les pianistes Alessio Tiezzi et Massimiliano Cuseri.
Le langage audiovisuel devient ainsi un élément compositionnel et dramaturgique. La caméra vidéo devient aussi un instrument de musique, aux côtés des pianos avec une égale dignité et leur offrant des possibilités passionnantes pour articuler narration musicale et théâtrale. En fait, l'œuvre n'est pas conçue pour une performance en direct mais pour une vision médiatique, grâce à la coproduction avec l'Institut Européen de Design - Milan et la collaboration avec l'Institut de Musique Henze de Montepulciano.
La direction artistique de la vidéo est signée Davide Sgalippa, le projet de montage par Solian Clerici, tandis que le tournage et le montage vidéo sont de Marco Ferrari ; la prise de vue audio et la conception sonore sont de Cosma Castellucci.
Deon van der Walt (28 juillet 1958-29 novembre 2005) était un ténor sud-africain.
Van der Walt a étudié le chant à l'Université de Stellenbosch et a fait ses débuts en tant que Jaquino dans Fidelio de Beethoven à l'Opéra du Cap avant d'avoir obtenu son diplôme.
De nombreuses bourses et récompenses lui ont permis de poursuivre ses études à l'étranger. En 1981, il remporte l'Internationaler Mozartwettbewerb à Salzbourg. Son premier engagement formel l'a amené au Musiktheater im Revier de Gelsenkirchen, puis au Staatsoper de Stuttgart et à l'Opéra de Zurich. Il a été invité à se produire au Royal Opera House de Londres en 1985 et y a fait ses débuts en tant qu'Almaviva dans Le Barbier de Séville de Rossini.
Il a été compté parmi les principaux ténors lyriques de son époque et s'est produit dans toutes les grandes maisons d'opéra du monde, y compris La Scala de Milan, l'Opéra d'État de Hambourg, l'Opéra d'État de Vienne, l'Opéra d'État de Bavière à Munich, l'Opéra de Zurich, le Liceu de Barcelone, le Metropolitan Opera.
Il se produit également dans de nombreux festivals internationaux, notamment au Festival de Salzbourg où il chante Belmonte dans l'Enlèvement au Serail et Ferrando dans Così fan tutte sous Riccardo Muti.
En vidéo, on peut le voir dans Semele de Haendel en tant que Jupiter, chantant un long "Where'er you walk" magnifiquement donné ; dans Linda di Chamounix de Donizetti avec Edita Gruberová ; et dans La belle Hélène.
Deon van der Walt est mort à 47 ans dans le vignoble de sa famille en Afrique du Sud, abattu par son père, qui s'est ensuite suicidé.
Rued Langgaard, né Rud Immanuel Langgaard le à Copenhague et mort le à Ribe (Danemark), est un compositeur, organiste et chef d'orchestre danois.
En 1932, Langgaard modifie « Rud » qui devient « Rued » pour éviter que le public ne croie que Rud est le diminutif de Rudolf.
N'appartenant à aucune école, Rued Langgaard est un personnage étrange et son œuvre l'est aussi. Solitaire et idéaliste, il est en décalage avec son temps. Dans sa jeunesse il a composé avec un demi-siècle d'avance et dans sa maturité avec cinquante ou soixante-quinze ans de retard, ce qui lui a valu d'être mis à l'écart par le milieu musical et artistique de son pays.
Si son style est plein d'anachronismes, l'œuvre est pleine de bizarreries et d’imprévisibilité ; ce qui rend la musique de Langgaard déroutante, car elle met à mal l'évolution de la musique du xxe siècle : il va en effet du pastiche romantique impersonnel, au modernisme expressif et annonce par certains côtés «l'avant-garde des années 1960, le collage des années 1970 et même des phénomènes ultérieurs comme le minimalisme et la musique New Age.» Après avoir découvert sa musique -sa sublime Harmonie des sphères en 1968-, György Ligeti affirma qu'il était un épigone de Langgaard. Ce qui ne manque pas d'interroger et incite à tendre l'oreille.
Marqué par le symbolisme -déjà cultivé par son père-, pour Langgaard, homme tourmenté et hypersensible, la musique est avant tout moyen d'accéder à un royaume dissimulé sous le voile des apparences. On trouve chez Rued Langgaard de nombreuses connexions avec des musiciens aussi dissemblables que Scriabine (1871-1915), Messiaen (1908-1992) ou Arvo Pärt (1935), chez lesquels à l'instar de Langgaard, chaque œuvre musicale est en soi un programme religieux.
Seule une moitié de ses œuvres fut jouée de son vivant et le plus souvent jamais rejouée par la suite ; il fallut attendre 1968 pour que soit donnée L’Harmonie des Sphères (créée en 1922), et ainsi lancé un retour en grâce.
Rued Langgaard naît dans une famille musicienne. Fils unique de Siegfried Langgaard (1852-1914), qui jouit d'une bonne réputation en tant que professeur de piano au conservatoire, élève de Liszt, membre de l'Orchestre royal, compositeur et philosophe (de la musique) dans une ligne théosophique. Sa mère, Emma Foss (1861-1926), est également pianiste. Il s'initie dès cinq ans au piano avec ses parents. À sept ans, il joue les Davidsbündlertänze de Robert Schumann et les Mazurkas de Chopin. Ses premières pièces pour piano datent de 1901. Outre la musique, il est doué aussi pour la peinture, le dessin et la littérature, écrivant de petites histoires.
Il prend ensuite des leçons de violon avec un musicien de l'Orchestre royal, Chr. Petersen, mais surtout, dès ses dix ans, des cours d'orgue avec Gustav Helsted, l'organiste de la Jesuskirken de Valby, à Copenhague, et commence l'étude sérieuse de la composition. Il reçoit de son père ses conseils en écriture, mais restera autodidacte pour l'essentiel en la matière. Il étudie la théorie de la musique avec C. F. E. Horneman à l'Académie de musique, puis avec Vilhelm Rosenberg et pendant un mois, prend quelques leçons de contrepoint avec Carl Nielsen.
En 1905, il se produit à l'orgue de la Frederikskirken de Copenhague pour la première fois, dans une improvisation, l'interprétation d'une passacaille de Frescobaldi et une pièce de Guilmant. Dans le public se trouvait Edvard Grieg.
En 1910 est jouée sa première œuvre pour chœur et orchestre, Musae triumphantes, mais la critique est négative ou sceptique, ce qui donne le ton de ce que sera le reste de la carrière du compositeur, le public se montrant surtout indifférent. En 1912, il est nommé assistant organiste à la Frederikskirken. Malgré ses talents et de nombreux essais pour postuler à d'autres emplois les années suivantes, Langgaard n'en obtiendra aucun.
En 1911, à dix-sept ans, il termine sa première symphonie d'une durée importante d'une heure et dont les premières esquisses remontent à l'été 1908. Constatant qu'il est impossible de jouer l'œuvre au Danemark les parents de Langgaard prennent des contacts lors de plusieurs séjours à Berlin, auprès de Arthur Nikisch et Max Fiedler. La symphonie est finalement créée le par l'Orchestre Philharmonique de Berlin sous la direction de Fiedler, au sein d'un concert entièrement consacré au jeune compositeur. Sphinx (1909-13) et Preludio patetico (1913) pour orgue y sont joués avant la symphonie. La critique est élogieuse, mais la guerre empêche l'artiste de capitaliser sur ce premier succès allemand. Malgré ses talents précoces et indéniables, Langgaard ne sera jamais reconnu de son vivant comme un compositeur majeur de son pays- contrairement à son aîné et compatriote Carl Nielsen.
L'œuvre est construite sur un schéma à programme en cinq mouvements issus de la Pastorale de Beethoven et de la Fantastique de Berlioz. Le Finale est terminé dès 1909 et prendra le titre définitif de Mountain Ascent seulement dans les années 1940. Le deuxième mouvement, Fleurs des montagnes provient à l'origine d'un morceau pour trio avec piano et le troisième mouvement, Légende, d'une pièce d'orchestre indépendante. Contrairement aux autres œuvres, cette symphonie n'a jamais été retouchée postérieurement.
Des partitions de Langgaard sont publiées à Copenhague, en partie grâce au soutien financier du père de Rued6, chez l'éditeur Wilhelm Hansen – qui publie les grands compositeurs du pays : Gade, Hartmann et Nielsen.
Durant l'été 1913, lors d'un séjour à Kullen ou Kullaberg, dans la province de Blekinge au sud-est de la Suède, il tombe amoureux de Dora. Il passe dès 1898, vingt-six de ses vacances d'été dans cette petite ville, et s'en inspire pour certaines de ses œuvres (Symphonie no 1). L'année suivante, Siegfried Langgaard, son père, meurt. Il se produit pour la première fois à la tête d'un orchestre pour y diriger une de ses œuvres à Copenhague. En 1915, il est en proie à une crise mentale qui l'oblige à séjourner dans un sanatorium à Tyringe.
Les œuvres de l'époque comme la Sinfonia interna (1915-16), la Sfærernes Musik [L'Harmonie des sphères] (1916-18), pour soprano, chœurs et deux orchestres, une œuvre majeure, ou la Sixième Symphonie (1919-20), sont presque toutes privées de représentation. En revanche le public allemand ou autrichien est plus réceptif. Notamment à Karlsruhe où, au début des années 1920, sont créées ces deux œuvres. Mais là aussi, les concerts sont vite oubliés.
Le rêve, Sinfonia interna
Cette « symphonie » est un projet qui occupe Langgaard pendant trente ans. De 1915 à 1944, il transforme l'œuvre, la remanie, en bouleverse les éléments – nous n'en possédons pas la version originale qui est perdue. À l'origine, il s'agit de sa Quatrième symphonie, conçue pour la scène, une sorte de drame religieux. En 1923, il ajoute un mouvement intitulé L’Étoile de l'Est, encore modifié en 1927. En 1937, il recompose l’Angelus, auquel en 1944, il ajoute une introduction. L'année suivante, il remanie le mouvement intitulé L'Ile de lumière et la symphonie prend son nom définitif : Le rêve (Sinfonia interna).
Sfærernes Musik
Le musicologue Bendt Viinholt Nielsen considère l'œuvre comme « une des compositions danoises les plus originales de la première moitié de ce siècle3 ». Elle est composée dans les années 1916 à 1918, publiée et jouée deux fois en Allemagne en 1921 et 1922, sous la direction du compositeur. L'effectif est important et comprend orchestre, soprano, chœur, orgue, piano ouvert (le pianiste accède aux cordes pour jouer des glissandos) et une partie de l'orchestre éloigné, élargissent la perspective spatiale. Malgré tout, le ton est tout en douceur. Il disait lui-même à son propos :
« Dans L’Harmonie des sphères, j’ai complètement abandonné tout ce qu’on entend par thèmes, cohérence, forme et continuité. C’est une musique que voilent les brumes noires et impénétrables de la mort. »
Le compositeur a placé un texte énigmatique en épigraphe : « La musique céleste et terrestre d’accords incandescents que joue la vie avec des griffes de bête prédatrice – une couronne d’iris ceignant son visage de marbre qui arbore un sourire stéréotypé – bien que vivant –, démoniaque et semblable au lis. » L'œuvre s'achève sur un cluster de neuf notes.
En 1923, après deux ans de travail, il termine son opéra Antichrist, destiné au Théâtre royal (Der Kongelige Teater). Le livret, considéré comme « inapproprié », sera rejeté ; tout comme la version révisée de 1926–1930. Le compositeur a retravaillé le texte, supprimé des parties et ajouté de nouvelles pages à sa partition, dont beaucoup avec un titre évocateur. Néanmoins, seul le prologue fut joué.
Dans sa présentation de l'unique opéra du compositeur, le musicologue Bendt Viinholt Nielsen synthétise de deux phrases le sujet de l'œuvre de Langgaard : « L’Antéchrist, est un opéra philosophique et religieux qui traite du déclin et de la ruine de la civilisation européenne : plus généralement, il représente une critique de la mentalité et du style de vie modernes. C'est une prophétie de l'anéantissement et un avertissement contre l'égoïsme, l’arrogance et l'absence de valeurs spirituelles. » Langgaard lui-même résumait dans une interview qu'« Antichrist symbolise certaines des questions les plus profondes de notre temps9. » La partition porte un sous-titre : Opéra d'Église et Scènes du Jugement Dernier. « Église » au sens de religieux et non pas au sens du lieu de culte.
Langgaard est l'auteur du livret, mais ses inspirations sont : Antikrist, poème dramatique de P.E. Benzon10, ouvrage paru en 1907 ; Le Livre du Jugement dernier [Dommedags Bog] d'Ernesto Dalgas légèrement antérieur, 1903, ainsi qu'un recueil de poèmes de Tagore, Gitanjali, dont la traduction en danois parut en 1913. Il emprunte aussi à la Bible, notamment au Cantique des Cantiques, et aux Épîtres de Jean, Matthieu, ch. 24 et bien sûr à l'Apocalypse de Jean, ch. 131.
Le sujet comme la musique de l'opéra connaissent plusieurs métamorphoses dans des œuvres conformes au format du concert. En 1944, il propose Afgrundsfyrsten [Prince de la fosse], tente de nouveau de faire représenter ses visions apocalyptiques au Théâtre royal, mais se heurte au même refus.
En 1927, Langgaard épouse Constance Tetens (Valborg Constance Olivia Tetens), rencontrée quatre ans plus tôt. L'année suivante, il dirige sa première symphonie, jouée à Copenhague pour la première fois. La critique n'y voit que l'influence de Tchaïkovski et Wagner et la traite de vieillerie.
En 1930, sa Quatrième symphonie est donnée à la radio dans le cadre d'une série d'exécutions consacrée aux compositeurs danois contemporains, sous la direction de Launy Grøndahl (1886–1960). Les années suivantes, Langgaard sera joué exclusivement grâce à la radio.
À partir de 1935, il compose une immense œuvre pour orgue, Messis, articulée en trois parties et un postlude, le tout d'une durée approchant les deux heures. Il en révisa encore la partition durant les deux dernières années de sa vie.
En 1940, à l'âge de 46 ans, il décroche enfin un poste d'organiste permanent et devient cantor de la cathédrale de Ribe, petite ville de province du sud Jutland, à l'ouest du pays, où il s'installe avec sa femme Constance. Il y est bientôt considéré comme un excentrique, habillé de pantalons trop courts, ayant les cheveux longs sous un chapeau à large bord. Cette apparence explique en partie son incapacité chronique à se vendre et surtout à produire sa musique. L'autre raison, outre qu'« il était la proie de phobies et souffrait d'introversion11 », plus profonde, étant qu'il était un artiste intransigeant, refusant l'esprit l'anti-romantique qui prévaut entre les deux guerres au Danemark ; et à Ribe, il refusait toute ingérence dans son travail musical, ce qui ne manqua pas de créer des conflits. Langgaard avait une conception religieuse idéaliste et noble de l’artiste, étrangère à la mentalité danoise12, plutôt réaliste.
À Ribe — dans une situation on ne peut plus éloignée du centre musical de la capitale —, après une période peu productive et se sentant inutile sur le plan artistique2, il se remet à composer avec intensité. Ses huit dernières symphonies sont écrites dans cette ville.
Il meurt à l'hôpital de Ribe dans la nuit du 9 au , des suites d'une maladie.
L'œuvre de Rued Langgaard est virtuellement oubliée jusqu'à la fin des années 1960. Sa Musique des sphères (1918), fut redonnée en 1968. Elle inaugure la redécouverte d'un compositeur, dans la vague des redécouvertes des derniers romantiques tels Bruckner ou Mahler. Le disque permet aujourd'hui de découvrir ses partitions, au-delà des frontières de son pays. Sous le patronage musicologique de Bendt Viinholt Nielsen, les œuvres encore manuscrites sont systématiquement publiées, rendant possible la diffusion plus large d'un compositeur important.
Avec la Quatrième Symphonie de 1916, on détecte un premier tournant artistique, qualifié par l'apparition de dissonances et une expressivité plus marquée qu'on pourrait nommer « période moderniste ». Par exemple dans Insektarium (1917), pour piano, il demande à l'interprète de frapper sur le bois du piano ou de toucher les cordes avec les doigts, procédé qu'il utilise aussi dans Sfærernes Musik (1918). Dans le second Quatuor à cordes (1918), il figure une locomotive par une musique mécanique.
Alors que son concitoyen Nielsen prône la simplicité et le réalisme, Langgaard parle en terme d'esprit divin11. On ne peut trouver natures plus opposées. Ses relations ambivalentes avec Nielsen trouvent artistiquement un écho dans la Symphonie no 6, sous titrée Ravissement, qui est une sorte de pendant à « L'Inextinguible13 » (Quatrième Symphonie de 1916) de son compatriote. Le langage de certains passages évoque aussi des œuvres postérieures d'Hindemith.
En 1924, avec le Quatuor à Cordes no 3, un changement radical s'effectue. Langgaard regarde vers le passé et notamment son compatriote Niels Gade (1817-1890), le plus grand compositeur danois de l'ère romantique, recherchant une pureté classique, « tel un marbre grec » dit Bendt Viinholt Nielsen1. Mais le déroutant Langgaard écrit l'année suivante un cinquième quatuor à l'esthétique totalement différente.
Le cas des symphonies
Parmi les seize symphonies, dont la composition s'étale de 1908 à 1951, il est impossible de tirer clairement une continuité du premier opus au dernier. Il y a trop de ruptures ou des changements radicaux de modèles. Si la première dure une heure, la onzième est expédiée en six minutes. Cependant, on retrouve dans ces œuvres d'orchestre, l'articulation des préoccupations esthétiques. Il cherche des formes nouvelles, sans renoncer à l'esprit esthétique du siècle passé. De la Première à la Sixième (1920) son style est post-romantique, et moderniste dès la Quatrième. Si la Troisième est finalement un concerto pour piano, elle est aussi comme les 2, 8, 14 et 15 dotée d'éléments vocaux (voix soliste ou chœur). On peut trouver aussi des parentés certaines entre deux numéros successifs : les 3 et 4, les 6 et 7 et enfin les 10 et 11, partagent deux à deux un matériel conceptuel comparable.
Après la Huitième symphonie (1928), une interruption d'une quinzaine d'années s'écoule, où il retourne aux claviers ou révise ses premières partitions et celles de son père. Il ne compose sa Neuvième qu'en 1942 après son engagement à Ribe qui lui donne le confort et le calme, pour s'engager dans de vastes travaux de composition.
Avec les Onzième (1945) et Douzième symphonies (1946), il porte à l'absurde le concept du genre, en réduisant le développement au minimum : jouées ensemble, elles n'occupent qu'un quart d'heure.
Langgaard est l'auteur de 431 œuvres. Ses domaines sont variés : pièces pour piano (dont des sonates), pour orgue (dont de nombreux préludes) ; musique de chambre (dont six quatuors à cordes, six sonates pour violon et piano) ; des œuvres concertantes ; seize symphonies ; un opéra ; et 150 œuvres vocales dont des mélodies, notamment pour voix et piano, et des pièces pour chœura cappella ou avec orchestre.
Le catalogue des œuvres a été dressé au début des années 1990 par le musicologue danois Bendt Viinholt Nielsen14 au moment du centenaire de la naissance du musicien. Le numéro, précédé de BVN, y fait référence.
Certaines des compositions de Rued Langgaard furent fondées sur des pièces inachevées ou retravaillées de son père Siegfried Langgaard, par exemple le concerto pour piano "Fra Arild" (De Arild) de 1938, basé sur le second concerto pour piano inachevé de son père.
Constance Langgaard, la veuve du musicien, légua les archives en sa possession, dont les partitions, à la bibliothèque royale de Copenhague en 1969.
