Claudio Abbado compte parmi les grandes stars de pupitre acclamées du siècle dernier.
Né le 26 juin 1933 à Milan, la musique et l'art étaient déjà présents dans son berceau : son père Michelangelo était violoniste et professeur de musique, sa mère Maria Carmela professeur de piano et auteur de livres pour enfants.C'est son père qui lui a donné ses premières leçons de piano.
À l'âge de 16 ans, il a commencé à étudier la musique au Conservatoire Giuseppe Verdi de Milan, tout en suivant des cours de littérature avec Salvatore Quasimodo qui a reçu le prix Nobel de littérature en 1959. Il a terminé ses études musicales en 1955 avec un diplôme de piano.
Dans sa jeunesse, Abbado est également organiste et étudie intensivement les œuvres de Jean-Sébastien Bach. Après avoir terminé ses études, il a d'abord fait partie de différents ensembles de musique de chambre et a approfondi ses connaissances musicales.
En 1953, lors d'un cours de direction d'orchestre à la Chigiana de Sienne, il fait la connaissance de Zubin Mehta, ainsi que de Daniel Barenboim, alors âgé de onze ans.
Sur la recommandation de Mehta, Abbado se rendit à Vienne pour se perfectionner en direction d'orchestre auprès de Hans Swarowsky.
Lors du Concours international de direction d'orchestre Serge Koussevitzky au festival de musique de Tanglewood en 1958, Abbado est sorti vainqueur. Cependant, son objectif professionnel n'était pas encore clairement orienté vers une carrière de chef d'orchestre. Au début des années 1960, il retourna en Italie pour enseigner la musique de chambre à Parme pendant trois ans. Toutefois, le prix de direction d'orchestre lui avait déjà ouvert de nombreuses portes prometteuses en tant que chef d'orchestre.
En 1959, Abbado a pu faire ses tout premiers débuts à l'opéra à Trieste avec L'Amour des trois oranges de Prokofiev. En 1960, il fait ses débuts à l'opéra à la Scala de Milan, où il dirige régulièrement à partir de 1961.
Lorsqu'il remporte le 1er Prix du Concours Mitropoulos à New York en 1963, c'est pour assister pendant cinq mois le chef d'orchestre de l'Orchestre Philharmonique de New York. Il s'agissait alors de Leonard Bernstein. Il a pu faire ses débuts avec l'Orchestre Philharmonique de New York le 7 avril 1963. Pendant cette période d'assistanat, il reçoit ses premières invitations de l'Orchestre Symphonique de la radio de Berlin et de l'Orchestre Philharmonique de Vienne.
Alors qu'Abbado se produisait en 1965 au festival RIAS à Berlin, il reçut une invitation de Herbert von Karajan à diriger l'Orchestre Philharmonique de Vienne l'année suivante au Festival de Salzbourg. Dès lors, les jalons de son avenir professionnel en tant que chef d'orchestre sont posés. Il occupe de nombreux postes de haut niveau, principalement dans des orchestres et des opéras européens.
En 1969, il obtient un poste fixe de chef d'orchestre à la Scala de Milan, où il devient également directeur musical en 1971.
De 1979 à 1987, il a été chef principal de l'Orchestre Symphonique de Londres, de 1980 à 1986, chef principal de la Scala de Milan, en 1984, il a fait ses débuts à l'Opéra d'État de Vienne dont il est devenu directeur musical en 1986 et, de 1987 à 1991, directeur musical général de la ville de Vienne.
En 1988 et 1991, Abbado a dirigé (en alternance avec Carlos Kleiber) le concert du Nouvel An de l'Orchestre Philharmonique de Vienne. En octobre 1989, il est choisi par l'Orchestre Philharmonique de Berlin pour succéder à Herbert von Karajan en tant que directeur artistique de l'orchestre. Enfin, en 1994, il devient également directeur du Festival de Pâques de Salzbourg.
La collaboration avec l'Orchestre Philharmonique de Berlin ne s'est toutefois pas déroulée sans heurts ni conflits. Abbado a cependant toujours été très apprécié du public berlinois. En 2000, Abbado fut atteint d'un cancer de l'estomac et mit fin à la collaboration deux ans plus tard. Le reste de sa vie, Abbado l'a passé à Bologne. C'est là qu'il a continué à se consacrer à la promotion de jeunes artistes de la relève. Il a notamment fondé l'Orchestra Mozart et s'est engagé dans le Lucerne Festival Orchestra nouvellement créé.
Auparavant, il avait déjà fondé l'European Community Youth Orchestra (1978) et plus tard le Gustav Mahler Jugendorchester (1986).
L'activité de Claudio Abbado est parfaitement documentée par de nombreux enregistrements CD. Il a enregistré des œuvres de presque tous les compositeurs de renom, y compris des compositeurs contemporains. À l'occasion de son 90e anniversaire, Deutsche Grammophon publie une édition complète composée de 258 CD plus 8 DVD, "complétée par un matériel d'accompagnement très complet et informatif et un entretien très éclairant du journaliste musical Wolfgang Schreiber avec le maestro sur Beethoven". Comme on pouvait s'y attendre, la liste des honneurs et des prix que Claudo Abbado a reçus au cours de sa carrière est d'une longueur impressionnante, dont cinq doctorats honoris causa.
Claudio Abbado est décédé le 20 janvier 2014 à Bologne.

Le 1er juillet, le Festival de théâtre classique de Mérida ouvre sa 69e édition avec Oresteïa que Iannis Xenakis a composé à partir de la trilogie théâtrale du même nom d'Eschyle. Le concert aura lieu dans le cadre du Théâtre romain de Mérida. Près d'une centaine de musiciens donneront vie à une œuvre qui oscille entre les conflits de la tragédie grecque et ceux de la Grèce du XXe siècle, entre l'équilibre et le chaos, le tout dans une atmosphère de rituel primitif moderne.

La composition de l'Oresteïa s'étend sur une période de près de trente ans.
Le point de départ de ce projet grandiose est la commande que le compositeur grec a reçue en 1966 du dramaturge Alexis Solomos pour écrire la musique d'une nouvelle production de l'Oresteïa. Xenakis a commencé son travail avec l'aspiration de reconstruire, à travers le prisme de sa propre époque, les sons de la Grèce antique. Le drame antique ne peut pas être exprimé dans une musique tonale ou atonale comme le sérialisme. Ce type de musique est typique d'une autre époque, explique Xenakis, qui a écrit une musique fascinante, pleine de contrastes et de couleurs.

Chants et danses collectifs, invocation de Jupiter : ordre = désordre, folie, cris, cuivres, voix aux rythmes différents..., écrit le musicien dans sa partition, qui explique également que la performance hystérique et chaotique du chœur visait à produire un son similaire à celui vécu par Xenakis lors des manifestations des années 1940 contre les occupations italiennes et allemandes de la Grèce.

Le cycle Oresteïa -dont la durée totale est de 75 minutes- est complété par la composition des pièces Cassandre (1987) et La Déesse Athéna (1992).

Le Festival de Grenade a débuté il y a 3 jours et se déroule jusqu’au 19 juillet : 105 spectacles de musique et de danse.
A l’occasion de ses 80 ans, le compositeur madrilène Tomás Marco est accueilli en résidence et sa musique sera jouée tout au long du festival (neuf œuvres dont une commande spéciale).
Le flûtiste et chef d’orchestre Giovanni Antonini et le claveciniste et chef d’orchestre Ton Koopman seront également en résidence. Ils seront à la direction de deux concerts et donneront une Classe de Maître dans le cadre des traditionnels cours de formation Manuel de Falla.

L'Opéra comique a tiré un bilan positif de sa saison. Bien qu'elle se soit terminée plus tôt que d'habitude, le taux d'occupation global de près de 90 % a retrouvé le niveau d'avant la pandémie de Corona, a annoncé la maison samedi. Environ 183.500 spectateurs ont assisté aux 210 représentations de la saison 2022-23, contre 223 représentations et 159.000 spectateurs en 2021-22.

Le taux de remplissage élevé montre qu'il est possible de proposer du théâtre musical de très haut niveau et néanmoins accessible à tous, ont résumé Susanne Moser et Philip Bröking en évoquant leur première saison en tant que co-directeurs.

À partir de septembre, le bâtiment de l'Opéra comique de Berlin, construit en 1947 dans le quartier de Mitte, sera rénové, transformé et agrandi. Les travaux sont prévus pour une durée de six ans. Pendant cette période, le Schillertheater servira de lieu de représentation provisoire. En outre, l'Opéra comique prévoit de présenter des productions dans d'autres lieux de Berlin au début, au milieu et à la fin de chaque saison. Le coup d'envoi sera donné le 16 septembre avec l'oratorio Le radeau de la Méduse de Hans Werner Henze dans un hangar de l'ancien aéroport de Tempelhof. La première au Schillertheater aura lieu en octobre, la comédie musicale Chicago dans une mise en scène de Barrie Kosky.

La soprano Rita Morais et le baryton Guillem Batllori rejoindront la distribution de l'opéra de Monteverdi L'Incoronazione di Poppea, que le Liceu (Barcelone) mettra à l'affiche le 10 juillet.

Ils remplaceront respectivement Florie Valiquette et Josep Ramon Olivé, qui devaient interpréter les rôles de Fortuna / Damsel of the Empress / Pallade d'une part, et Liberto / Soldat 2, d'autre part. Le Liceu n'en a pas précisé les raisons.

Les représentations seront mises en scène par Calixto Bieito et dirigées par Jordi Savall  et Luca Guglielmi.

"L'Orchestre symphonique national de Colombie regrette profondément le départ du maestro Alberto Guzmán Naranjo, remarquable compositeur, chef d'orchestre et éducateur qui a laissé non seulement une œuvre importante, mais aussi plusieurs générations de musiciens qui conserveront et multiplieront à jamais sa sagesse, sa sensibilité et sa vision.".

Alberto Guzmán Naranjo est né le 14 avril 1953 à Santa Rosa de Cabal, en Colombie. Il a étudié la musique à l'Universidad del Valle et en France, où il a obtenu les diplômes de direction d'orchestre, de direction chorale, de composition et d'analyse de la musique contemporaine. Ces dernières années, il a travaillé comme professeur à l'Université del Valle, ainsi que comme chef d'orchestre de l'Orquesta Sinfónica de Antioquia, de la Banda Sinfónica del Valle, de la Compañía Lírica de Bogotá et comme chef invité de la Sinfónica de Colombia, de la Filarmónica de Medellín et de la Sinfónica del Valle.
Comme compositeur, son travail est fortement influencé par la musique folklorique colombienne.
Il a reçu le Prix National de composition (Colcultura 1992) et le Prix National d'arrangement choral (Colcultura 1995).

Interrogé par nos collègues de Scherzo (www.scherzo.es) alors qu'il mettait en scène Il Turco in Italia, Laurent Pelly explicite ses relations au cinéma.

Dans le monde de l'opéra, il est l'incontestable " roi de la comédie ". Pourtant, le metteur en scène français Laurent Pelly (°Paris, 1962) ne cesse de répéter qu'il ne s'intéresse pas à la "comédie pour la comédie", pas plus qu'au "drame pour le drame". Au contraire, ses productions, toujours originales, suggestives et souvent hilarantes, mettent l'accent sur le caractère amphibie de toute grande création théâtrale ou littéraire, c'est-à-dire sur la comédie qui se cache dans tout grand drame ou, inversement, sur le drame qui se cache derrière toute bonne comédie. Au Teatro Real, sa vision particulière et aiguë de l'un des opéras de Rossini correspond le mieux à ce caractère hybride, Il Turco in Italia, dont l'action nous ramène dans l'Italie du milieu du siècle dernier, à l'époque où les romans-photos romantiques faisaient fureur - surtout auprès du public féminin.

J'ai cru déceler dans votre mise en scène d'Il Turco in Italia un certain lien avec l'univers de Federico Fellini, notamment avec son premier film en solo, Lo sceicco bianco (Le Cheikh blanc).
Le cinéma de Fellini a eu une grande influence sur moi, surtout dans mes années de formation. Lorsque j'ai vu Otto e mezzo pour la première fois, à l'âge de 17 ou 18 ans, j'ai compris qu'une histoire pouvait être racontée non pas nécessairement de manière linéaire, mais de manière découpée, c'est-à-dire fragmentaire. Et Lo sceicco bianco est sans aucun doute l'un des films qui m'a inspiré pour ce montage, même si j'ajouterais aussi La rose pourpre du Caire de Woody Allen. Lo sceicco bianco a été tourné en 1952, à l'époque où les romans-photos étaient en vogue en Italie. Les personnages ne sont pas particulièrement intelligents, et il y a chez eux une sorte de naïveté qui correspond tout à fait à l'univers de Il Turco in Italia.

Il y a même une certaine similitude entre votre traitement du personnage de Fiorilla et la Gradisca d'Amarcord.
C'est vrai aussi. C'est la période qui m'intéressait. Aujourd'hui, il est difficile de transposer Il Turco in Italia dans le monde contemporain, car la société a beaucoup évolué. Par contre, si on le situe dans les années cinquante ou soixante du siècle dernier, tout est plus logique, parce qu'à l'époque, il y avait encore une société patriarcale dans laquelle une situation comme celle de Geronio et de sa femme pouvait se produire. Je suis né dans les années soixante, une période qui m'a profondément marqué.

Dans quelle mesure le cinéma est-il un facteur déterminant dans votre façon de concevoir la mise en scène de théâtre et d'opéra ?
Je n'ai jamais fait de films, mais je suis très cinéphile et, d'une certaine manière, j'ai toujours pensé la mise en scène d'un opéra en termes cinématographiques. À trente ans, j'ai monté un spectacle qui a été déterminant dans mon évolution esthétique, à partir d'un monologue en anglais d'Alan Benett, Talking Heads, un texte magnifique et pathétique dans lequel j'ai expérimenté les techniques du cinéma sans utiliser la vidéo, mais en utilisant des ressources comme le champ-contrechamp, le travelling, le picado-contrapicado. Tout cela, je l'ai beaucoup réutilisé dans mes productions lyriques.

Pour en finir avec le septième art, je perçois aussi dans votre montage un certain arrière-goût du cinéma néo-burlesque de Jacques Tati.
C'est vrai, encore une fois. Tati est l'un de mes quatre réalisateurs préférés, avec Fellini, Jacques Demy et Luis Buñuel. A propos de ce dernier, l'un des films qui m'a le plus marqué est Le charme discret de la bourgeoisie, un film que je connais par cœur, je l'ai vu un nombre incalculable de fois. Les films de Buñuel (je pense aussi à Le fantôme de la liberté, Cet obscur objet du désir ou encore El ángel exterminador), sans être des comédies, sont pleins d'humour, de vraie comédie. Et c'est surtout par la comédie que je m'exprime.

D'où vient votre penchant pour la comédie ?
Je ne sais pas, c'est une façon de regarder la vie, de regarder le monde, de prendre de la distance et de ne pas prendre les choses trop au sérieux. En tout cas, la comédie m'intéresse si elle est sombre, si elle a de la profondeur ; en d'autres termes, je m'intéresse au drame qui se cache à l'intérieur d'une bonne comédie. La comédie pour la comédie ne me dit rien. Tous les grands réalisateurs qui se sont spécialisés dans la comédie étaient de grands dramaturges, même ceux de la période du muet. Keaton ou Chaplin, par exemple, ont créé des personnages vraiment pathétiques, voire tragiques. Pour ma mise en scène de La fille du régiment de Donizetti, je me suis inspiré de Laurel & Hardy, que j'adore. Même si cela n'est pas évident, car en réalité, ma façon d'aborder le théâtre est le résultat d'un mélange d'émotions, d'impressions et de souvenirs personnels. De Lo sceicco bianco, je garde en tête des images qui ont toujours été là.

Section Piano : 

Stanislav Korchagin (Russie)
Xuanyi Mao (Chine)
Sergei Davydchenko (Russie)
Ilya Papoyan (Russie)
George Harliono (Royaume-Uni)
Angel Stanislav Wang (USA)
Suah Ye (Corée du Sud)
Valentin Malinin (Russie)

Section Violon :

Daniil Kogan (Russie)
Gyehee Kim (Corée du Sud)
Yiying Jiang (Chine)
Elena Tarosyan (Russie)
Chaowen Luo (Chine)
Ravil Islyamov (Russie)

Section Violoncelle : 

Stepanov Vasily (Russie)
Lee Dongyeol (Corée du Sud)
Zaitseva Maria (Russie)
Lee Youngeun (Corée du Sud))
Sendetckii Ivan (Russie)
Park Sanghyeok (Corée du Sud)