Le chef d’orchestre Giancarlo Guerrero a annoncé qu’il quittera ses fonctions de directeur musical de l’Orchestre Symphonique de Nashville à la fin de la saison 2024-25, sa 16e à ce poste.
Il sera directeur musical lauréat à compter de la saison 2025-26, au cours de laquelle il reviendra diriger l’Orchestre quatre semaines par an alors que l’organisation passe à une nouvelle direction artistique.

Il a commencé à diriger l’Orchestre Symphonique de Nashville lors de la saison 2009-10. Depuis lors, l’orchestre a collaboré avec Ben Folds, Béla Fleck, Victor Wooten, Kip Winger et d’autres artistes basés à Nashville et a créé près de deux douzaines d’œuvres sous la direction de Guerrero.

Parmi les autres faits saillants du mandat de Guerrero, mentionnons un programme de gala spécial de musique de John Williams dirigé par le compositeur à l’invitation de Guerrero ; des commandes de présentations multimédias, dont Carmina Burana de Carl Orff avec le Nashville Ballet, Her Story de Julia Wolfe et The Jonah People: A Legacy of Struggle and Triumph d’Hannibal Lokumbe ; une interprétation de la Symphonie « Universe » de Charles Ives et du Concerto pour violon électrique de Terry Riley, une commande de l’orchestre symphonique de Nashville, dans le cadre du festival Spring for Music 2012 du Carnegie Hall; Violons de l’espoir Nashville ; et Conquest Requiem de Gabriela Lena Frank.

Pour son engagement durable en faveur des jeunes musiciens et des nouvelles compositions, la violoniste Anne-Sophie Mutter a été récompensée par le Prix du Festival de piano de la Ruhr 2023. Le directeur Franz Xaver Ohnesorg a remis le prix après un concert de l'artiste à la Philharmonie d'Essen, au cours duquel Anne-Sophie Mutter a joué avec le pianiste Lambert Orkis et le violoncelliste Maximilian Hornung des œuvres de Ludwig van Beethoven, Johannes Brahms, Clara Schumann ainsi que le Ghost Trio de Sebastian Currier (2018), qui lui est dédié. Pour clore la soirée, Anne-Sophie Mutter a dédié la première allemande de The Long Good-Bye du compositeur de musique de film John Williams au directeur artistique sortant Franz Xaver Ohnesorg et a remercié son public enthousiaste avec une mélodie adaptée pour trio de la musique de film de Williams pour La liste de Schindler.

Le prix du Festival de piano de la Ruhr est accompagné d'une bourse que la lauréate peut attribuer librement : Anne-Sophie Mutter a choisi, en collaboration avec Lambert Orkis, Madalina-Claudia Danila, une pianiste roumaine de 32 ans vivant aux États-Unis. En tant que boursière, elle donnera son premier concert au Klavier-Festival Ruhr en 2024.

Parmi les lauréats des années précédentes figurent des artistes tels que Martha Argerich, Daniel Barenboim, Alfred Brendel, Philip Glass et Maurizio Pollini ou les pianistes Pierre Boulez, Chick Corea et Radu Lupu.

Le Concours de piano Büttner était ouvert cette année au piano et au violon et s'est déroulé en deux tours. À l'occasion du 25e anniversaire du concours, une récompense totale de 20 000 euros a été attribuée cette année.
Les deux duos récompensés par un prix d'encouragement reçoivent chacun 2.500 euros. Il s'agit de Jooahn Lee (violon) avec Eunhye Jung (piano) ainsi que de Jie Wan avec Yue Zou.
Le deuxième prix d'une valeur de 5.000 euros est attribué à Yung-Ning Chang avec Zhongzhi Sun au piano. Le duo composé d'Adrian Kratzert (violon) et de WooRim Lee (piano) s'est vu décerner le premier prix d'une valeur de 10.000 euros.

Le concours de piano Büttner est organisé chaque année depuis 1998 au Conservatoire de musique de Karlsruhe. Depuis 2017, il est destiné à encourager les jeunes musiciens est soutenu par la Fondation Adler Büttner.
Le jury, présidé par Hermann Büttner, était composé de Francesco Monopoli, Maria-Elisabeth Lott ainsi que Hans Hachmann.

Erling Blöndal Bengtsson (8 mars 1932 - 6 juin 2013) était un violoncelliste danois.

Né à Copenhague, Bengtsson s'y produit pour la première fois en public en 1936, à l'âge de quatre ans. Il est admis à l'âge de seize ans au Curtis Institute of Music de Philadelphie, où il étudie avec Gregor Piatigorsky, qui l'engage comme assistant en 1949.
De 1950 à 1953, Bengtsson donne sa propre classe de violoncelle à l'Institut, avant d'être nommé à l'Académie royale danoise de musique à Copenhague.
En 1980, il devient professeur à la Hochschule für Musik Köln.
Il est retourné aux États-Unis en 1990 et a enseigné à l'école de musique de l'Université du Michigan jusqu'à sa retraite en 2006.

Bengtsson était membre de l'Académie royale de musique de Suède et s'est vu décerner le titre de Chevalier du violoncelle par l'Université d'Indiana en 1993.
Bengtsson a réalisé la plupart de ses enregistrements sur phonographe et sur CD avec le label danois Danacord. En novembre 2006, Danacord a publié le DVD The Cello and I, qui présente un portrait complet de la carrière de Bengtsson à l'occasion du 70e anniversaire de ses débuts.
Il est décédé à Ann Arbor, dans le Michigan, à l'âge de 81 ans.

En 1970, le sculpteur islandais Ólöf Pálsdóttir a réalisé une sculpture de Bengtsson jouant du violoncelle, The Musician. En 2014, cette sculpture a été déplacée dans l'eau, à côté de la nouvelle résidence de l'Orchestre symphonique d'Islande, le Harpa, à Reykjavík.

Ce n'est pas seulement la célèbre danse du sabre du ballet Ganajeh qui le rend immortel. Une publicité télévisée des années 1970 ("Kossakenkaffee"), la série télévisée britannique La ligne Onedin, 2001 : l'Odyssée de l'espace de Stanley Kubrick ou Aliens, le retour de James Cameron utilisent également la musique d'Aram Khatchaturian et l'ont ainsi fait connaître dans le monde entier -même si beaucoup ne connaissent peut-être pas le nom du compositeur de la musique qu'ils connaissent.
L'hymne national arménien a également été écrit par Khatchaturian. Bien qu'il ait passé la majeure partie de sa vie à Moscou, Aram Khatchaturian est considéré comme le premier et le plus important compositeur arménien. Il est né le 6 juin 1903 à Tbilissi, en Géorgie, de parents arméniens.
En 1922, il se rendit à Moscou pour étudier la biologie, mais se ravisa très vite et s'inscrivit à l'Institut Gnessine de violoncelle. Trois ans plus tard, il passe à la classe de composition et peut publier sa première composition sous forme imprimée dès 1926. En 1929, il poursuivit ses études de composition avec Nikolai Miaskowski et Reinhold Glière au Conservatoire de Moscou et présenta sa première symphonie comme mémoire de fin d'études en 1934.
Deux ans plus tard, il obtient pour la première fois une reconnaissance internationale avec son Concerto pour piano, qu'il consolide définitivement avec son Concerto pour violon de 1940 -écrit pour David Oistrakh.
Depuis 1937 déjà, il occupait des postes publics et recevait de nombreuses distinctions. Malgré cela, il fut réprimandé par le comité central du parti communiste en 1948 et ne fut réhabilité qu'en 1958.
A partir de 1950, en plus de ses activités de compositeur, il se produit en tant que chef d'orchestre lors de concerts en Pologne et à l'étranger. En 1951, il devient professeur de composition au Conservatoire de Moscou et enseigne également à l'Institut de pédagogie musicale Gnessin. En outre, il a été membre du comité d'organisation de l'Union des compositeurs soviétiques pendant de nombreuses années.
La musique de Khatchaturian est fortement influencée par le patrimoine populaire arménien et russe. Outre les deux œuvres qui l'ont rendu célèbre, il a écrit d'autres compositions importantes : deux symphonies, une œuvre chorale intitulée Poème pour Staline, des concertos pour solistes, de la musique de chambre, des musiques de film et de théâtre ainsi que des chansons. En 1956, il a achevé le ballet Spartacus. Parmi ses dernières œuvres figure le concerto Rhapsodies pour violon, violoncelle, piano et orchestre. Une sélection de ses œuvres a été inscrite au patrimoine mondial en 2013.
Aram Khatchaturian est mort il y a 40 ans, le 1er mai 1978 à Moscou.

L'Orchestre Symphonique de la Radio Nationale polonaise a nommé Marin Alsop comme directrice artistique et chef d'orchestre à partir du mois de septembre.

Marin Alsop, 66 ans, a dirigé l'orchestre 15 fois au cours des deux dernières années et a établi une bonne relation. Elle s'est également impliquée dans SPLOT-UA, un programme de résidence polonais destiné aux créateurs ukrainiens.

Elle continuera également à diriger l'Orchestre Symphonique de la radio de Vienne.

La soprano coréenne Sumi Jo - qui faisait partie du jury Reine Elisabeth- a annoncé aux médias de Séoul la pemière édition du "Concours international de chant Sumi Jo au château" qui aura lieu en juillet prochain dans un château dont le nom n'a pas encore été dévoilé.

J'ai préparé ce concours pour découvrir de nouveaux talents en mettant à profit mon expérience et mon savoir-faire de juré et de compétitrice, a déclaré Mme Jo.

Sir Arthur Somervell (5 juin 1863 - 2 mai 1937) est un compositeur anglais. Ce fut l'un des compositeurs de chant les plus appréciés dans son pays dans les années 1890-1900 après Hubert Parry. Une de ses œuvres les plus connues est une adaptation en anglais de l'air de Haendel, Silent Worship.

Somervell naît à Windermere dans le Westmorland. Il est le fils d'un fabricant de chaussures, Robert Miller Somervell (1821-1899), fondateur de K Shoes (à l'origine Somervell Brothers). La famille Somervell (à l'origine Somerville) est originaire d'Écosse et s'est installée à Londres au début du xviii^e siècle. Le frère d'Arthur Somervell, le fabricant de chaussures Colin Somervell, sera nommé High Sheriff du Westmorland en 1916, ainsi plus tard que son fils, le major Arnold Colin Somervell, O.B.E. en 1936, puis d'autres membres de la famille Somervell.

Somervell est d'abord éduqué à la Uppingham School puis au King's College de Cambridge où il étudie la composition auprès de Sir Charles Villiers Stanford. De 1883 à 1885, il étudie à la Haute École de musique de Berlin et, de 1885 à 1887, au Royal College of Music de Londres auprès de Parry. Il prend aussi des cours de composition auprès de Friedrich Kiel. Il devient professeur au Royal College of Music en 1894 et dirige ses propres œuvres aux festivals de Leeds et de Birmingham ((1895-1897). Il est nommé inspecteur de musique au comité d'éducation et au département écossais de l'éducation en 1901; en juin 1902, il est fait docteur de musique par l'Université de Cambridge.

Il connaît un grand succès comme compositeur de musique chorale, comme The Forsaken Merman (1895), Intimations of Immortality (qu'il dirige au festival de Leeds en 1907), et The Passion of Christ (1914); mais l'on se souvient surtout de lui pour ses cycles de chansons, comme Maud (d'après Tennyson, 1898) et la première représentation en 1904 de A Shropshire Lad d'A. E. Housman. Sa fameuse adaptation de l'aria de Haendel, Silent Worship est reprise dans le film Emma de 1996.

Son style est plutôt conforme aux canons classiques de l'époque et montre l'influence de Mendelssohn et de Brahms. Somervell est également impliqué dans l'enseignement de la musique, devenant inspecteur principal de musique du comité d'éducation en 1920. Il est fait chevalier en 1929. Son concerto de violon de 1930 est dédié à la violoniste Adila Fachiri.

Il épouse en 1890 Edith Lance Collet (1861-1944), et par sa fille Katherine (Kit), danseuse des ballets russes de Serge de Diaghilev, il est le grand-père de la femme de lettres Elizabeth Jane Howard.

Federico García Lorca, poète et dramaturge espagnol, prosateur, peintre, pianiste et compositeur, est né le 5 juin 1898 à Fuente Vaqueros près de Grenade et exécuté sommairement le 19 août 1936 entre Viznar et Alfacar par des milices franquistes. Il est l'un des poètes européens les plus importants du début du xx^e siècle.

Federico García Lorca, de son nom complet : Federico del Sagrado Corazón de Jesús García Lorca (« Frédéric du Sacré Cœur de Jésus García Lorca »), est l'aîné d'une fratrie de cinq enfants nés de Federico García Rodríguez (1859-1945), propriétaire terrien aisé, et de Vicenta Lorca Romero (1870-1959), maîtresse d'école, qu'il avait épousée en secondes noces (de son premier mariage avec Matilde Palacios Ríos, il n'avait eu aucun enfant). En 1900 naît son premier frère Luis, qui mourra de pneumonie à deux ans. Viendront ensuite : son frère Francisco (1902-1976, poète, historien de la littérature, professeur et diplomate, membre comme son aîné du mouvement littéraire de la Génération de 27), et ses sœurs María de la Concepción (Concha ou Conchita, 1903-1962), puis Isabel (1909-2002, elle aussi professeure et écrivaine). La mère de Federico possédait une sensibilité affirmée à la poésie et à la musique, et contribuera à former le goût de ses enfants.

Federico passe son enfance à la campagne, près de Grenade où son père possède une grande propriété, la Huerta de San Vicente. Revenant sur cette période de sa prime enfance, il déclarera en 1934 à Buenos Aires dans une interview : Enfant j’ai vécu de plain-pied avec la nature. Comme tous les enfants, j’attribuais (conférais) à chaque chose, meuble, objet, arbre, pierre, sa personnalité. Je conversais avec eux, et je les aimais. Cette sorte d'animisme infantile est fréquent, mais chez Lorca, il resurgira par bouffées créatives dans sa poésie et son théâtre. D'ailleurs, beaucoup plus tard, même après avoir beaucoup voyagé et avoir vécu de longues périodes en ville, notamment à Madrid, Federico se souviendra à quel point la vie et l'ambiance rurales de la Vega de Granada l'avait imprégné et avait influencé son œuvre : J’aime la terre. Je me sens lié à elle dans toutes mes émotions. Mes plus lointains souvenirs d’enfant ont la saveur de la terre. Les bestioles de la terre, les animaux, les gens de la campagne, inspirent, suggèrent de secrets messages qui parviennent à très peu d’entre nous. Je les capte aujourd’hui avec le même esprit que celui de mes plus jeunes années. Sans cela, je n’aurais jamais pu écrire Noces de sang.

C'est pourtant sans complaisance aucune envers lui-même et le petit garçon qu'il était qu'il interprète sa position sociale de premier-né d'une famille aisée, adulé par sa famille et tout son entourage : en 1928, dans une interview publiée dans La Gaceta Literaria (« La Gazette Littéraire ») d’Ernesto Giménez Caballero, il a en effet résumé ainsi ses premières années à Fuente Vaqueros : Mon enfance est traversée par l’obsession d’être de ceux qui sont couverts d’argent, ainsi que celle de quelques portraits de cette autre femme qui aurait pu être ma mère, Matilde Palacios [NdT : la première épouse de son père, morte sans enfant]. Mon enfance c’est surtout apprendre les lettres et la musique avec ma mère, être un gosse de riches parmi le peuple, un petit monsieur impérieux.  C’est d’ailleurs à Fuente Vaqueros que Lorca éprouve pour la première fois le sentiment de l’injustice sociale : dans Mi amiguita rubia (« Ma petite amie blonde »), chapitre de Mi pueblo (à la fois « Mon village » et « Mon peuple », écrit en 1915-1916), Federico se remémore l’histoire d’une famille pauvre de Fuente Vaqueros et, en particulier, de la mère qu’il qualifie de « martyr de la vie et du travail ». Federico commence l’école à quatre ans avec son maître des premières classes, Antonio Rodríguez Espinosa, à qui l’unira dès lors une amitié qui durera toute sa vie.

Vers l’âge de huit ans, l’enfant qu’il est alors déménage avec sa famille, laquelle s’installe à Asquerosa, petit village depuis rebaptisé Valderrubio. Comme le dit Jocelyne Aubé-Bourligueux : « de santé fragile, mais habitué à vivre librement en pleine campagne, il est depuis sa naissance très entouré de soins par les femmes de son entourage (sa grand-mère Isabel Rodríguez, ses tantes dont la "tía Isabel", ses nourrices, comme la fameuse Dolores) qui veillent sur lui avec tendresse (...) l’initiant, les unes au solfège, à la guitare, ou aux poèmes de Victor Hugo, les autres à la culture orale des berceuses ou des vers de romances. Il pourra bientôt en faire de petits spectacles, par lui créés à travers son premier vrai jouet : un théâtre de marionnettes miniature ». Les vieux tissus et vêtements conservés dans les malles du grenier serviront à vêtir la troupe des personnages de carton et de chiffon, cousus avec sollicitude sur ses instructions par ses tantes, cousines et nourrices qui l'adoraient, pour les saynètes qu'il imagine et fait jouer, ou encore les messes avec sermons qu'il invente en un rituel larmoyant ! Cet amour du théâtre de marionnettes ne le quittera jamais et nourrira son imagination de futur dramaturge. De même que son amour précoce pour la musique, comme l'évoque sa mère Vicenta Lorca qui avait pris conscience très tôt des talents de son fils aîné : avant même de parler, il fredonnait déjà les chansons populaires et s'enthousiasmait pour la guitare..

Puis il est d’abord envoyé par sa famille à Almería pour y commencer des études secondaires, logé chez son instituteur Antonio Rodríguez Espinosa : bref séjour interrompu par une grave maladie de gorge qui le met à l’article de la mort et l’oblige à rentrer d’urgence chez ses parents. En 1909, sa famille s’installe définitivement à Grenade, où il reprend ses études secondaires et deviendra bachelier en 1914.

Il suit ensuite des études de lettres, de philosophie et de droit à l'Université de Grenade, surtout « pour faire plaisir à son père, mais c’est vers la musique que va d’abord sa passion, accompagnée du rare talent qui est le sien». Dès l’âge de dix ans, il avait travaillé le piano et l’harmonie avec son vieux maître don Antonio Segura, disciple de Verdi. Plus tard il « composera brillamment pour sa part, se faisant entendre de ses amis du Rinconcillo, qu’il enchante de ses improvisations à longueur de nuits ». C'est à l'Université de Grenade qu'il devient l'ami de Manuel de Falla qui exerce une forte influence sur lui¹⁵. En 1922, les 13 et 14 juin, il organise en lien avec lui le premier Concurso de Cante Jondo de Granada.

 Salvador Dalí et Lorca, 1925.

À Madrid, il rencontre aussi Gregorio Martínez Sierra, le directeur du Teatro Eslava, à l'invitation duquel il écrit et met en scène sa première pièce en vers, El maleficio de la mariposa (Le Maléfice du papillon), en 1919-1920. Elle met en scène l'amour impossible entre un cafard et un papillon, avec de nombreux insectes en support. Elle est malheureusement l'objet de moquerie du public et s'arrête après quatre représentations. Cela refroidit la passion de Lorca pour le théâtre pour le reste de sa carrière. Il se justifie plus tard, en 1927, au motif que Mariana Pineda, drame patriotique, était sa première pièce véritable. C'est aussi son premier grand succès au théâtre, peu après son accession à la célébrité avec la publication à Malaga, en 1927, de ses Chansons.

Pendant les quelques années qui suivent, il s'implique de plus en plus dans son art et dans l'avant-garde espagnole. Il publie trois autres recueils de poèmes, dont Romancero Gitano (1928), son recueil de poèmes le plus connu.

Cependant, vers la fin des années 1920, Lorca est victime d'une dépression, exacerbée par une angoisse due à la difficulté grandissante de cacher son homosexualité à ses amis et sa famille. Cette disparité entre son succès comme auteur et la souffrance de sa vie privée atteint son paroxysme lors de la collaboration des deux surréalistes, Dalí et Buñuel, pour le film Un chien andalou (1929) que Lorca interprète, comme une allusion, voire une attaque à son encontre. En même temps, sa relation intense, passionnée, mais non réciproque, avec Salvador Dalí s'effondre quand ce dernier rencontre sa future épouse.

Consciente de ces problèmes (mais peut-être pas de leurs causes), la famille de Lorca s'arrange pour lui faire faire un long voyage aux États-Unis d'Amérique en 1929-1930, pour accompagner le diplomate Fernando de los Ríos, le grand ami de la famille. Ce séjour américain, qui l'amène notamment à New York dans le quartier d'Harlem, permet au poète de prendre du recul après sa séparation récente d'avec le sculpteur Emilio Aladrén et d'écrire le chef-d'œuvre Poeta en Nueva York.

Son retour en Espagne en 1930 coïncide avec la chute de la dictature de Miguel Primo de Rivera et la proclamation de la République. En 1931, Lorca est nommé directeur de la société de théâtre étudiante subventionnée, La Barraca, dont la mission est de faire des tournées dans les provinces essentiellement rurales pour présenter et diffuser le grand répertoire classique espagnol au plus grand nombre, et notamment auprès des couches sociales les plus déshéritées qui n'y ont habituellement pas accès. C'est ainsi que La Barraca monte, sous la direction de Lorca, des pièces de Lope de Vega, Calderón de la Barca, Tirso de Molina et Cervantes. Comme l'écrit Claude Couffon, l'un de ses traducteurs en français, dans sa préface à «Impressions et Paysages» , La Barraca était "un théâtre du peuple, ambulant et gratuit". Il écrit alors la trilogie rurale de Bodas de sangre (« Noces de sang »), Yerma et La casa de Bernarda Alba (La Maison de Bernarda Alba). En 1933-1934, son théâtre rencontre un grand succès, notamment lors d'une tournée triomphale de « Noces de sang » en Amérique latine d'octobre 1933 à mars 1934. C'est à La Barraca qu'il rencontre le footballeur Rafael Rodríguez Rapún, qui évolue à l'Atlético de Madrid, club dont Federico est supporter, qui devient son compagnon.

La date et le lieu exacts de sa mort ont fait l'objet d'une longue polémique, mais il semble définitivement établi que Federico García Lorca a été fusillé à 4h45 du matin le 19 août, sur le chemin qui va de Víznar à Alfacar par des rebelles anti-républicains. Son corps serait toujours enterré dans une fosse commune anonyme, quelque part dans la zone, aux côtés du cadavre du maître d'école Dióscoro Galindo, et ceux des anarchistes de la CNT, les toreros Francisco Galadí et Joaquín Arcollas Cabezas, exécutés en même temps que lui.
Le régime de Franco décide l'interdiction totale de ses œuvres jusqu'en 1953, quand Obras completas est publié dans une version très censurée.

L'un des premiers hommages à García Lorca est l'œuvre pour orchestre de chambre de Silvestre Revueltas, compositeur mexicain, intitulée Homenaje a Federico García Lorca  (1936). L'œuvre fut jouée au Palais des beaux-arts de Mexico.

En 1956, on érige le premier monument à García Lorca. C'est bien sûr loin de l'Espagne de Franco, dans la ville de Salto, en Uruguay, grâce à l'initiative de son ami américain, l'écrivain Enrique Amorim. Sur la rive du fleuve Uruguay, un mur porte le poème d'Antonio Machado qui regrette la mort de García Lorca à Grenade.

Ce n'est qu'avec la mort de Franco en 1975 que la vie et la mort de Lorca peuvent être évoqués librement en Espagne. De nos jours, une statue de Lorca est en évidence sur la place Sainte-Anne à Madrid, un parc porte son nom à Séville, le parc Federico García Lorca. L'aéroport Federico-García-Lorca dessert les villes de Grenade et de Jaén.

En France, le jardin Federico-García-Lorca, sur les quais de la Seine (bas du quai de l'Hôtel-de-Ville) à Paris, dans le quartier du Marais, ou la médiathèque Federico García Lorca à Montpellier ainsi qu'aux États-Unis une plaque sur le Castro Rainbow Honor Walk, à San Francisco, dans le quartier du Castro lui rendent aussi hommage.
De même, la chanson Take this waltz extraite de l'album I'm Your Man de Leonard Cohen en 1988, adaptée par Cohen à partir d'un texte de García Lorca, est considérée comme un hommage du poète et chanteur canadien au grand poète martyr andalou ; d'ailleurs, une des filles de Leonard Cohen porte le prénom inhabituel de "Lorca".
L'écrivaine néerlandaise Annemarie Prins écrit la pièce Een zaak Lorca is ons niet bekend en 1965, pièce qui traite de la mort du poète.
Jean Picart Le Doux a créé en sa mémoire la tapisserie titrée Hommage à Garcia Lorca présentant un front de taureau et trois étoiles sur fond rouge avec les mots "a las cinco de la tarde", répétés trois fois. L'œuvre, tissée par le licier René Baudonnet, non datée mais référencée au dos 44/6/6, a figuré dans la vente mobilière aux enchères publiques par l'étude Tajan à Paris le 19/05/1999 (numéro 184 du cat. - reprod. coul.).
Léo Ferré, au sujet de Franco dans sa chanson Franco la muerte, écrite en 1964, chantera : « T'es pas Lorca, mais sa rature ! ».
Jean Ferrat lui rend hommage en décembre 1960 dans sa chanson "Federico García Lorca", pour laquelle Claude-Henri Vic compose la musique, et c'est inhabituel, tandis que Ferrat signe le texte (ce qui en indique l'importance pour lui). De même, Ferrat met en musique en 1967 le poème d'Aragon Un jour, un jour dont les deux premiers quatrains se présentent aussi comme un hommage à Lorca (extrait du recueil Le Fou d'Elsa).
En 1977, Louis Le Brocquy réalisa son portrait (Paris, galerie Jeanne Bucher en 1979).
L'écrivain chilien, Pablo Neruda, lui rend également hommage dans son poème "J'explique certaines choses", publié dans le recueil España en el corazón.
À Grenade, la Huerta de San Vicente, dans le parc Federico García Lorca, est devenue une maison-musée, grâce au legs d'Isabel García Lorca. Le domaine est géré par sa nièce Laura García Lorca⁴³.

La recherche de la dépouille du poète a été l'une des obsessions d'Agustín Penón, l'un des spécialistes de son assassinat. La fosse dans laquelle reposerait le poète est située non loin de Fuente Grande, localité de la commune d'Alfacar. En 2008, la justice espagnole accepte qu'elle soit ouverte dans l’intimité, en présence de la seule famille. Toutefois, de nombreuses controverses existent sur la présence de la dépouille du poète dans cette fosse commune. En effet, des recherches, effectuées pendant plusieurs semaines, en vue d'une exhumation, sont abandonnées le 18 décembre 2009. Une autre équipe délimite en 2015 une zone de 10 mètres sur 28 qui pourrait contenir la dépouille de Lorca et de trois autres hommes fusillés avec lui, mais attend le visa des autorités andalouses pour procéder à l'exhumation On ignore si le poète a effectivement été assassiné dans le champ d'Alfacar ou s'il a été transféré dans un lieu inconnu.

Le poète, pianiste et compositeur puisa une grande partie de son inspiration dans la tradition folklorique andalouse.

García Lorca rencontra très jeune Manuel de Falla à Grenade et développa une amitié profonde avec le compositeur du ballet Le Tricorne. Ils firent tous deux partie de Génération de 27, un mouvement littéraire qui revendiquait l'usage des traditions espagnoles savantes et populaires projetées dans un horizon moderniste flirtant avec l'avant-garde. À Madrid, García Lorca fit la connaissance de Luis Buñuel et Salvador Dalí, dont il devint très proche, et qui lui jouèrent un mauvais tour en s'inspirant de son intimité pour leur premier film , Un chien andalou dont le titre le visait ironiquement selon lui.

À côté de ces personnalités, il tenta de trouver sa voie par la poésie, avec son retentissant Romancero gitano, mais aussi par la musique. Dès l'âge de dix ans, « l'Andalou professionnel », comme le surnommait perfidement Jorge Luis Borges, composa des petits airs, mais ses parents s'opposèrent à ce qu'il poursuive des études musicales. Ainsi bifurqua-t-il vers les lettres.

Or, il continuera à écrire toute sa vie des mélodies, de nombreuses chansons, souvent dans un registre flamenco. « Nana de Sevilla » chantée par Victoria de los Ángeles, « Las Morillas de Jaen » par Ginesa Ortega, « Los Pelegrinitos » par Teresa Berganza, trois mélodies éblouissantes de García Lorca parmi d'autres, qui associent l'expressivité populaire du flamenco avec un lyrisme intense propre à son univers.

C'est bien dans la tradition folklorique du flamenco que le poète, pianiste et compositeur puise l'essentiel de sa matière. Il avait organisé avec Manuel de Falla en 1922 El Concurso del Cante Jondo (Concours du chant profond) pour célébrer ce chant flamenco primitif dont l'interprétation archétypale suscite le trouble : est-ce une véritable douleur qu'éprouve le chanteur ? Arrangeur doué de cette tradition andalouse, García Lorca sera emporté par la guerre d'Espagne. Fervent républicain, il fut exécuté par les troupes franquistes près de Grenade, sur sa terre natale si chérie, dans la nuit du 18 août 1936.

La souffrance tragique du cante jondo était bien réelle cette fois-ci.

Anselm Hüttenbrenner, né le 13 octobre 1794 à Graz et mort le 5 juin 1868 à Ober Andritz¹ en Autriche, est un compositeur de la période romantique et un critique musical autrichien.

Hüttenbrenner reçut dès sa scolarité à Graz une formation musicale au piano et à l'orgue. Alors qu'il faisait encore à Graz et à Vienne des études de droit qu'il devait terminer avec succès, il devint, en 1815, élève, à Vienne, d'Antonio Salieri, auprès duquel il étudia le chant et la composition. Chez Salieri, il fit aussi la connaissance de Franz Schubert, auquel une amitié cordiale le lia bientôt et avec lequel il fit également quelques apparitions en public.
En 1821, il retourna à Graz où, désormais marié à Elise von Pichler, il travailla comme compositeur et critique musical. De 1824 à 1839, il dirigea la Société musicale de Styrie  à Graz. Après la mort de sa femme, il alla s'établir en 1852 à Radkersburg et vécut en partie en Basse-Styrie, en particulier à Pettau, Marburg et Cilli, ainsi qu'à Ober-Andritz, près de Graz.
Il passa ses quinze dernières années dans le calme de la retraite, plongé dans des considérations mystiques et théologiques, jouissant d'une amitié étroite avec le mystique Jakob Lorber qu'il jugeait lui apporter une révélation monumentale et inconnue.

Hüttenbrenner présente un intérêt pour l'histoire de la musique du fait qu'il a assisté à la mort de Ludwig van Beethoven et qu'il doit lui avoir fermé les yeux. Il détint également jusqu'en 1865 la partition originale de la Symphonie inachevée de Schubert, qui ne put être connue qu'alors. D'après les correspondances des frères Hüttenbrenner, Franz Schubert aurait remis le manuscrit à Josef Hüttenbrenner qui le remettra à son frère Anselm, possiblement en remerciement de son admission en tant que membre honoraire de la Société musicale de Styrie.

Son Requiem en ut mineur a été interprété à la messe d'enterrement à l'occasion de la mort de Salieri (1825), de Beethoven (1827) et de Schubert (1828).

Dans la famille Hüttenbrenner, on mentionnera aussi le frère d'Anselm, Joseph Vinzenz (1796-1873), le maire temporaire de Graz Andreas (1797-1869) et Heinrich (1799-1830) qui eut des ambitions littéraires. Seuls ses deux frères aînés eurent avec Schubert des relations étroites, Anselm était à côté de Franz Lachner, d'Ignaz Aßmayer et de Benedikt Randhartinger l'un des rares compositeurs qu'il tutoyât. Joseph qui, au contraire, n'était jamais tutoyé dans le cercle de Schubert, exerçait avec plus ou moins de bonheur des fonctions de secrétaire, copiait des travaux et rendait de petits services. Il aurait eu l'ambition d'écrire des articles sur Schubert mais les publications de l'époque les ignorèrent.

Photographie d'Anselm Hüttenbrenner dans ses dernières années.

La majorité des œuvres d'Hüttenbrenner, dont certaines sont perdues, est restée dans la famille de ses descendants. Elle est, depuis 2007, conservée à la bibliothèque de l'Université de musique et d'art dramatique de Graz où les titres du catalogue en ligne peuvent être consultés. Ces œuvres sont très mélodieuses, quelque peu lyriques et, dans certains cas, proches de l'idiome musical de Carl Maria von Weber.