A Eynan-Mallaha, site archéologique dans le nord de l'actuelle Israël, des archéologues ont découvert les plus anciens instruments à vent du Proche-Orient, de petites flûtes utilisées il y a plus de 12.000 ans pour imiter le cri d'une espèce de rapaces qui jouait un rôle-clé dans la culture des populations locales.

Homo sapiens avait jusque-là toujours été mobile. Les chasseurs-cueilleurs de cette culture amorcent un changement majeur en devenant sédentaires.
L'objet, prélevé sur l'aile d'une poule d'eau, mesure moins de dix centimètres de long, et est percé de petits orifices difficiles à distinguer sur le conduit -qui fait moins d'un demi-centimètre de diamètre.
Les artisans avaient « une certaine notion de l'acoustique », ils avaient compris que « plus le conduit d'air est étroit, plus le son est aigu », raconte l'archéologue Laurent Davin. Avec pour résultat, lorsqu'on souffle dans l'objet, d'« imiter le chant des rapaces ».

L'analyse spectrale a coïncidé exactement avec celle des faucons », indique Laurent Davin. C'est l'instrument imitant le chant d'un oiseau le plus ancien connu à ce jour, selon le scientifique.

Le rapace identifié avait un rôle visiblement important dans la culture des Natoufiens, leurs serres étant utilisées comme ornement de parure. Hypothèse confortée par la découverte de figurines d'oiseaux en argile dont au moins une représente clairement un rapace. Les flûtes ont pu servir d'appeau.
Reste l'hypothèse de leur « intégration dans des pratiques musicales, et ça, c'est quelque chose dont on a énormément d'exemples en ethnographie », explique Laurent Davin. Comme chez les Indiens des plaines, aujourd'hui encore aux États-Unis, qui utilisent dans des cérémonies des flûtes fabriquées à partir d'os d'aigles. C'est aussi par exemple le cas « en Papouasie Nouvelle-Guinée où les chants d'oiseaux de la forêt sont inclus dans les cérémonies », poursuit l'archéologue.

Le Prix Iturbi, organisé par la Diputació de València, a annoncé les lauréats du Concours international de piano de Valence.
Le jury, présidé par Joaquín Achúcarro et composé de personnalités de la scène pianistique et musicale internationale telles que Catherine d'Argoubet, Edmon Colomer, Ana Guijarro, Paolo Pinamonti, Jorge Luis Prats, Didier Schnorhk et Josu de Solaun, a décidé d'attribuer le 1er Prix à l'Italien Elia Cecino et les 2e et 3e Prix aux Américains Anthony Ratinov et Rachel Breen, après avoir évalué la prestation de chaque candidat tout au long du concours, deux récitals et deux concerts avec l'Orchestre de Valence dirigé par Álvaro Albiach, soit un total de plus de trois heures de prestation.

Cecino a reçu 30 000 euros en tant que lauréat du concours et enregistrera un album avec le label IBS Classical ; Ratinov a reçu 20 000 euros pour le 2e prix ; et Breen 10 000 euros pour le 3e Prix, les deux interprètes effectueront une tournée de concerts.

Dans la section des Prix spéciaux dotés de 2 000 euros, Ratinov a été récompensé pour la meilleure interprétation de la musique espagnole par la Diputación de Valencia ; Cecino pour une pièce de Chopin par l'Ayuntamiento de Valencia ; Breen pour une sonate de Mozart et un récital du lauréat du 1er Prix par la Sociedad Filarmónica de Valencia ; Cecino pour un Concerto de Beethoven par Kawai-España ; et Ratinov pour le meilleur candidat choisi par le Public par Clemente Pianos.

De même, la pianiste Anastasia Vorotnaya (Russie) a remporté 1 000 euros pour son interprétation de l'œuvre Madre du compositeur valencien Francisco Coll. La Dirección Adjunta de Música y Cultura Popular del Institut Valencià de Cultura de la Conselleria de Educación, Cultura y Deporte collabore à hauteur de 5 000 euros pour une tournée de concerts dans la Comunitat Valenciana pour les trois premiers prix.

Le Concours international de piano José Iturbi est un concours international de piano portant le nom du célèbre pianiste espagnol José Iturbi -devenu ensuite un acteur célèbre d'Hollywood. Créé en 1981, il se déroule au mois de septembre. Depuis 1984, il a lieu tous les deux ans soit au théâtre "Palau de la Musica" soit au "Teatro Principal" de Valence (Espagne) ville où est né José Iturbi.
Le concours comprend cinq phases : 1^re éliminatoires, 2^e éliminatoires, demi-finale, 1^re finale (un concerto classique joué avec un orchestre) et 2^e finale (un concerto romantique joué avec un orchestre).
À deux reprises, en 1982 et en 1992, le premier prix n'a pas été attribué.

 

L'édition de cette année du Prix Iturbi a enregistré un nombre record de candidatures, avec 184 candidats issus de 36 pays.

Elle propose une saison présentant des artistes confirmés et de jeunes talents prometteurs, de la musique rarement jouée du Moyen Âge à nos jours, traversant les frontières entre les genres musicaux.

"Le courage de prendre des risques", telle est la devise par laquelle le directeur artistique Giovanni D'Alò dit s'être laissé guider dans la préparation de la prochaine saison de l'IUC - Istituzione Universitaria dei Concerti. C'est grâce à ce courage que cette saison de musique de chambre est devenue la plus riche de Rome en termes de nombre de concerts et aussi, sans doute, la plus stimulante.

D'octobre 2023 à mai 2024, 36 concerts seront donnés à l'Aula Magna de l'Université Sapienza de Rome, du XIVe siècle à nos jours, du légendaire octogénaire Jordi Savall au violoncelliste de 20 ans Ettore Pagano qui abordera Haydn à Pärt et Sollima, avec le jeune Orchestre des Femmes de la Méditerranée dirigé par Antonella De Angelis, qui pour sa part découvrira la musique de deux compositrices du passé lointain (l'Autrichienne Marianna Martines) et récent (la Polonaise Grazyna Bacewicz).

Parmi les jeunes, citons le quatuor Leonkoro, les violonistes Javier Comesaña et Leia Zhu (qui feront leurs débuts à Rome avec l'orchestre de chambre Festival Strings Lucerne), les pianistes Lukas Geniusas et Lucas Debargue. Les jeunes, c'est aussi l'orchestre de chambre Canova et son chef Enrico Saverio Pagano, artistes en résidence à l'IUC, qui les a choisis il y a trois ans et qui a maintenant la satisfaction de voir la prescience de ce choix confirmée par le fait que Pagano commence à être invité par d'importants orchestres et maisons d'opéra. Lors du concert d'ouverture, ils joueront la Cinquième de Beethoven et le Concerto n° 2 de Chopin avec Leonora Armellini au piano et, lors du concert final, de la musique du 20e siècle. Pagano dirigera également le chœur de l'Accademia Nazionale di Santa Cecilia et l'Orchestre symphonique national des conservatoires italiens dans le Requiem Stringeranno nei pugni una cometa de Silvia Colasanti sur des textes de Mariangela Gualtieri et de la liturgie.

Une autre pièce d'inspiration religieuse qui sera jouée pour la première fois en public est 7 de Marcello Filotei, une méditation sur les sept paroles du Christ en croix de Haydn.

Une large place sera également accordée aux XVIIe et XVIIIe siècles : Boccherini, Scarlatti, Corelli, Vivaldi, Händel et Telemann.
Sans oublier une nouvelle œuvre de Pasquale Corrado intitulée Black Telemann.

Giovanni Battista Cirri, né le 1^er octobre 1724 à Forlì et mort le 11 juin 1808, à 83 ans, dans la même ville, est un violoncelliste, un organiste et un compositeur italien du xviii^e siècle.

Admis aux ordres sacrés en 1739, Giovanni Battista Cirri décide de poursuivre sa carrière
musicale à laquelle l'a introduit son frère Ignazio (1711-1787), suivant aussi les conseils à Bologne de Giovanni Battista Martini.

Organiste de la Cathédrale de Forlì de 1759 au début des années 1760, il compose 12 sonates pour orgue.

Peu après il se rend à Paris, où sont publiées ses premières œuvres dont une Symphonie exécutée au Concert Spirituel le 5 avril 1763.

Il s'établit à Londres en 1764, comme musicien de chambre auprès du Duc de York et du Duc de Gloucester. Il participe au premier concert public à Londres du jeune Wolfgang Amadeus Mozart, âgé alors de 18 ans, et aux concerts de Johann Christian Bach et de Karl Friedrich Abel, très populaires alors.

Dans les années 1780, il retourne à Forlì, pour assister son frère malade, dans sa charge de maître de chapelle de la cathédrale.
Il voyage encore, cependant : en 1782, il joue comme premier violoncelle du Théâtre des Fiorentini à Naples.
En 1787, il succède à son frère comme maître de chapelle de la cathédrale de Forli.

Dans ses œuvres, il apparaît comme prédécesseur de Luigi Boccherini, favorisant le violoncelle solo; cependant on le classe encore dans les compositeurs baroques.

L'Orquestra del Gran Teatre del Liceu fait ses débuts ce samedi  à l'Opéra de Paris (Bastille),avec Le Château de Barbe Bleue de Bela Bartók.
Ils compteront sur la direction musicale de leur chef titulaire, Josep Pons, dans une version de concert avec la soprano Iréne Theorin dans le rôle de Judith et le baryton Bryn Terfel dans celui de Barbazul.

Pons et l'orchestre proposeront également ce titre lors de la prochaine saison du Liceu, à Barcelone, dès le mois d'avril de l'année prochaine.

L'Orchestre Symphonique de Vienne, en difficulté, a choisi Petr Popelka, chef d'orchestre principal des orchestres radiophoniques de Prague et d'Oslo, comme son prochain directeur musical. Il remplace Andres Orozco-Estrada, qui s'est retiré il y a 14 mois.

Petr Popelka (Prague, 1986) est un chef d'orchestre et compositeur tchèque. Depuis la saison 2020-21, il est chef principal de l'Orchestre de la radio norvégienne d'Oslo (Kringkastingsorkestret des NRK) et premier chef invité de l'Orchestre Philharmonique Janáček d'Ostrava. Depuis la saison 2022-23, il est en outre chef principal et directeur artistique de l'Orchestre de la radio de Prague.

Petr Popelka a reçu une formation musicale de contrebassiste au Conservatoire de Prague ainsi qu'auprès de Božo Paradžik à la Haute école de musique de Fribourg. À l'âge de 19 ans, il est devenu membre de l'Orchestre Symphonique de la radio de Prague et, en 2009, académicien de l'Orchestre Symphonique de la radio bavaroise.
De 2010 à 2020, il a joué comme contrebassiste solo adjoint à la Sächsische Staatskapelle de Dresde.

Depuis 2016, Popelka se consacre de plus en plus à la direction d'orchestre et a reçu des encouragements de Vladimir Kiradjiev, Péter Eötvös, Alan Gilbert, Jaap van Zweden et Johannes Schlaefli.

Au cours de la saison 2019-20, il a été Conductor Fellow de l'Orchestre Philharmonique de l'Elbe de la NDR. Jusqu'à présent, il a été invité à diriger l'Orchestre Symphonique national danois, l'Orchestre Philharmonique de Bergen, l'Orchestre Philharmonique Janáček d'Ostrava et divers autres orchestres tchèques. Il a dirigé des opéras, notamment au Den Norske Opera d'Oslo, au Semperoper de Dresde avec Der goldene Drache de Peter Eötvös, au Théâtre National de Prague et à l'Opéra ?ational de Hongrie.

Petr Popelka est également actif en tant que compositeur et a été compositeur en résidence au PODIUM festival Mödling en 2015, où il a dirigé la création de son œuvre de commande Labyrinthe des Herzens. Ses Scènes pour quatuor avec piano ont été créées dans la Salle de verre du Musikverein de Vienne.

En 2017, il a reçu le Prix Neeme Järvi.

 

L'été 2023 annonce une programmation culturelle effervescente à la palette diverse et complexe, des incursions sonores à l'art conceptuel, des ateliers et installations, des concerts, des ateliers de danse, des visites guidées des expositions Rencontres d'Art, des Récits Sonores, de la sculpture, des moments musicaux extraordinaires et des collaborations orchestrales. sous la marque Romanian Chamber Orchestra, un festival des arts de la scène, des lancements de livres, des festivals de musique baroque, du jazz contemporain à travers le Festival JazzX et de l'électro à travers le Flight Festival - District23 et le Gala des prix UNITER 2023.

L'Orchestre Philharmonique de Berlin a proposé jeudi deux créations :  Ishjärta de la Suédoise Lisa Streich et Pretty de l'Américaine Julia Wolfe.Les compositrices ont été interviewées par l'altiste.

Deux œuvres qui, malgré d'énormes différences, ont trois points communs. Il y a d'abord ces panoramas sonores en onomatopées qui créent immédiatement des images dans l'esprit et rappellent la musique de film. Il y a cette sensualité accueillante qui facilite grandement l'accès au public. Et il y a les titres Eisherz et Pretty, qui ne sont pas vraiment nécessaires. Car chacun associe de toute façon quelque chose de différent à ces musiques. Eisherz de Lisa Streich est fragile et sphérique, avec beaucoup de pianissimo . C'est une musique chuchotante, murmurante, à laquelle on tend involontairement l'oreille. Et dans certains moments inquiétants, on pense peut-être même à des décalages de surfaces sonores microtonales à la György Ligeti.

Julia Wolfe fournit le pendant extraverti : son Pretty est une composition rugueuse et vivante. Il est impressionnant de voir comment elle parvient à créer de la tension avec des moyens relativement simples : des patterns rythmiques qui se répètent en boucle pendant plusieurs minutes, accompagnés de glissandi au ralenti solennels et mystérieux des trombones vers le haut et vers le bas. Cette musique ressemble à une mer puissante avec une forte houle, des écumes sublimes et des brise-lames menaçants. Et c'est en même temps un mélange efficace de styles : la musique irlandaise au violon rencontre la musique minimale de Philip Glass et John Adams, le rock 'n' roll rencontre des sons de science-fiction qui pourraient provenir d'un film de Christopher Nolan.

La Monnaie vient d’annoncer l’ouverture des réservations pour la création mondiale en septembre du premier opéra de Bernard Foccroulle, Cassandra, dans la maison que le compositeur dirigea jadis.
L’oeuvre sera dirigée par Kazushi Ono et mise en scène par Marie-Eve Signeyrole.

Voir l’avenir, mais ne pas être entendue quand elle essaie de partager ce savoir -tel est le destin de Cassandra, la fille de Priam, roi de Troie.
Dans son premier opéra, le compositeur Bernard Foccroulle pose la question de savoir qui sont les Cassandre d’aujourd’hui : quels sont celles et ceux qui prédisent les catastrophes inéluctables de notre époque sans être entendus ? Sandra, une jeune activiste s’y bat pour la protection du climat et peine, à l’instar du personnage du mythe, à se faire entendre.

Le livret, écrit en anglais par Matthew Jocelyn, fait dialoguer figures mythologiques et personnages contemporains, il fait entrer sur la scène de l’opéra la question du climat dans toute son urgence. Et ce n’est pas un hasard si cela se passe à la Monnaie où, depuis plusieurs années, est mis en place un processus de création artistique qui repose sur les principes du « Green Opera ».

Pour cette création mondiale, La Monnaie a lancé le chœur amateur “Cassandra”, du nom de ce premier opéra de Bernard Foccroulle (ancien Directeur de la maison).

Arrigo (ou Enrico) Boito, né le 24 février 1842 à Padoue (Lombardie-Vénétie dans l'empire d'Autriche) et mort le 10 juin 1918 à Milan, est  compositeur, romancier et poète, connu surtout pour ses livrets d'opéra et pour son drame lyrique, Mefistofele.

Arrigo Boito qui, sur le modèle de Stendhal (Henri Beyle), transforme son prénom d'Enrico en Arrigo, est issu d'une famille intellectuelle de Padoue passionnée d'art et de culture. Son père est miniaturiste. Sa mère, née Comtesse Josefa Radolinska, est d'origine polonaise. Il évolue dans le cercle de la scapigliatura milanaise, mouvement littéraire et artistique très éclectique, né en Lombardie à la fin du xix^e siècle, qui rejette tout dogme esthétique. Il étudie le violon, le piano et la composition au Conservatoire de Milan entre 1855 et 1860. En 1860, alors que l'Italie vit les heures cruciales de son unification, il compose avec son ami Franco Faccio une cantate patriotique Il quattro Giugno ainsi qu'un drame musical Le Sorelle d'Italia et s'engage sous la bannière de Garibaldi.
En récompense, les deux jeunes auteurs compositeurs obtiennent du Roi Victor-Emmanuel II une bourse pour voyager durant deux ans à l'étranger. Boito choisit de séjourner à Paris. Il y découvre la nouvelle musique française, notamment Berlioz et Meyerbeer, et il est présenté à Rossini.
C'est aussi l'époque où Wagner triomphe dans les milieux littéraires parisiens.
À noter que Boito est parfaitement francophone.

De retour à Milan, Boito s'attelle à son premier opéra, Mefistofele, dont il écrit à la fois la musique et le livret qui suit de façon très fidèle le texte du Faust de Goethe. Créée à la Scala de Milan sous sa direction orchestrale le 5 mars 1868, cette œuvre rompt avec la tradition italienne du bel canto. Familier des œuvres de Shakespeare -qu'il traduit en italien- et du théâtre élizabéthain, il se passionne aussi pour les philosophes allemands, particulièrement Nietzsche et Schopenhauer. Pour Boito, qui se voit autant comme écrivain que comme musicien, la musique doit épouser fidèlement le livret et non les demandes des interprètes : l'œuvre littéraire doit être au centre du théâtre lyrique. La première est un échec et l'opéra aussitôt retiré de l'affiche. Boito remanie l'œuvre qu'on rejoue à Bologne en 1875, cette fois avec succès, puis à Hambourg, à Londres (en italien) et à Boston (en anglais) en 1880, à Bruxelles (en français) en 1883 et enfin à Paris en 1919.

Ses amis compositeurs lui commandent des livrets. Il a écrit, sous l'anagramme de Tobia Gorrio, La Gioconda pour Ponchielli d'après Victor Hugo, Amleto (Hamlet) pour Franco Faccio. Il publie aussi des recueils de poèmes : Il Re Orso (1864), Il libro dei versi (Turin, 1877), écrit des nouvelles, Le Fou noir et Le Poing fermé notamment, et traduit les livrets d'opéras de Wagner (Rienzi, Tristan und Isolde). En 1875, l'éditeur milanais Ricordi le met en rapport avec Giuseppe Verdi, pour qui il va remanier le livret de Simon Boccanegra (1881), puis composer les livrets de ses deux derniers opéras Otello et Falstaff d'après Shakespeare.

Nommé inspecteur général des conservatoires de musique italiens, il est fait sénateur par le roi d'Italie et Docteur Honoris causa des Universités anglaises de Cambridge et Oxford. Partout régulièrement à l'affiche, le Mefistofele fait désormais partie du répertoire lyrique de nombreuses maisons d'opéra. Le Prologue était l'œuvre que Toscanini mettait le plus volontiers à son programme.

Un second opéra, Nerone, auquel il travaille depuis 1870, demeure inachevé à sa mort en 1918. L'orchestration en est complétée par Antonio Smareglia et Vincenzo Tommasini sous la supervision de Toscanini, qui le crée à la Scala le 1^er mai 1924.

Son frère, Camillo Boito (1836-1914) s'est distingué comme architecte spécialisé comme Viollet-le-Duc dans la restauration du patrimoine et comme écrivain, auteur de nouvelles, dont l'une, Senso, fit l'objet d'une adaptation cinématographique signée de Luchino Visconti.

Le Conservatoire de Parme porte son nom.