L'ensemble Pérgamo, dirigé par le violoncelliste baroque Guillermo Turina et la claveciniste et organiste Eva del Campo, dans un projet commun avec la jeune soprano Belén Vaquero, et le trio Helix ont été les deux ensembles lauréats des Circuitos FestClásica 2025, décernés par l'Asociación Española de Festivales de Música Clásica [FestClásica]. Ces prix encouragent la présence de musiciens et de musique espagnole dans les 47 festivals membres de l'association, répartis dans 16 communautés autonomes. Une plateforme unique pour stimuler de nouvelles propositions qui permettront aux deux lauréats de faire la tournée de plusieurs festivals de l'association en 2025, en plus de recevoir une récompense financière.

 

 

L'Orpheus Swiss Chamber Music Competition a fêté son 50e anniversaire le week-end dernier. A cette occasion, les gagnants du concours de cette année ont été désignés. Il s'agit du Dora Piano Trio, du Saxophon & Percussion Duo de la Musikhochschule Luzern et du Momo String Quartett.

Outre des prix en espèces de 5.000 et 2.500 francs suisses, les ensembles ont remporté des représentations au Swiss Chamber Music Festival Adelboden, au Festival Musikdorf Ernen, au Piano Trio Fest Bern et aux Zunftkonzerten Zürich. Ils ont également la possibilité de passer une commande de composition à un jeune compositeur. Les œuvres commandées doivent ensuite être créées à l'automne prochain lors du Swiss Chamber Music Festival.

Au total, 16 ensembles ont participé au concours cette année. Un jury de six personnes, présidé par le clarinettiste Reto Bieri, a décidé de l'attribution des prix.

L'Orpheus Swiss Chamber Music Competition est organisé depuis 1974. Elle a pour but de soutenir les jeunes musiciens au début de leur carrière. D'abord limité aux musiciens individuels, il récompense désormais des ensembles de musique de chambre exceptionnels.

 

 

Afin de clôturer sa 38^e édition en beauté, L’Automne musical de Spa invite le Ricercar consort, composé de Maria Keohane, Josef Žák, Giovanna Pessi, Xavier Diaz Latorre, Benoît Vanden Bemden et Philippe Pierlot, dans un programme original et inédit. En effet, le samedi 23 novembre à 20h au Centre culturel de Spa, les festivaliers pourront apprécier le célèbre ensemble dirigé par le violiste Philippe Pierlot. Ces excellents musiciens dévoileront l’âme celte de Beethoven au travers d’arrangements de chansons folkloriques irlandaises et écossaises réalisées par le compositeur allemand. En effet, Beethoven a composé au total cent soixante-dix-neuf arrangements de chansons populaires, soit un nombre de pièces beaucoup important que dans n’importe quel autre genre musical. Presque tous ces arrangements furent réalisés à la demande de George Thomson, un éditeur de musique écossais qui souhaitait rassembler les plus belles chansons populaires écossaises, irlandaises, galloises et, plus tard, continentales, harmonisées par les meilleurs compositeurs européens de son temps. Après avoir commandé des arrangements à Haydn et à d’autres musiciens, il s’est adressé à Beethoven, qui a accepté d’autant plus volontiers qu’il trouvait fascinant d’imaginer des accompagnements pour ces mélodies traditionnelles parfois étranges.
Thomson lui communiquait rarement les paroles des chansons, préférant leur adapter des poèmes écrits par de grands écrivains après avoir reçu les arrangements de Beethoven -lequel acceptait cette manière de procéder. Thomson lui avait demandé de composer des accompagnements pour piano avec l’ajout facultatif d’un violon et d’un violoncelle. Ces accompagnements ont été transcrits avec une grande inventivité par Philippe Pierlot pour des instruments variés plus proches des traditions folkloriques.Un répertoire captivant où le goût du génie de Beethoven se marie, avec virtuosité et élégance, aux mélodies traditionnelles d’outre-Manche.

Infos et réservations : www.automnemusical.com - 0478 25 60 29

Le 23 novembre, Maria João Pires fera ses débuts tant attendus au DSO aux côtés de Kent Nagano. Ce n'est qu'en septembre que la « grande dame » du piano a reçu le Praemium Imperiale, le prix artistique le plus important au monde. Pires, dont les interprétations aussi virtuoses que gracieuses de la musique de Mozart sont légendaires, fait ses débuts avec un coup de génie de sa plume. Le concerto de Jenamy KV 271 n'a pas seulement marqué un tournant pour son créateur (il s'agit du dernier concerto pour piano de sa période salzbourgeoise), mais aussi une nouvelle qualité artistique dans son œuvre et dans le genre en général.

 

 

 

Eugene Ormandy est un chef d'orchestre et violoniste américain d'origine hongroise, né le 18 novembre 1899 et décédé le 12 mars 1985.

Né à Budapest et d'origine juive, son véritable nom est Jenő Blau (en hongrois : Blau-Ormándy Jenő)¹. Son père, dentiste, est violoniste amateur et a prénommé son fils Jenő en hommage au célèbre violoniste hongrois Jenő Hubay, formé lui-même par Joseph Joachim et Henri Vieuxtemps. Enfant prodige, il commence à jouer du violon à l’âge de trois ans¹ et étudie le violon avec son père. Il entre à l’Académie royale de musique de Budapest à l’âge de cinq ans, et commence à étudier à neuf ans avec Jenő Hubay. Parmi ses autres professeurs, on compte Béla Bartók, Zoltán Kodály et Leo Weiner. Il reçoit un diplôme de violon en 1914 et un certificat d’enseignant de l’Académie royale en 1917. En 1917, il fait une tournée en Hongrie et en Allemagne en tant que soliste avec le Blüthner Orchestra de Berlin puis retourne à Budapest.

En 1920 et 1921, il entreprend une tournée en tant que violoniste en Autriche et en France, au cours de laquelle il semble utiliser pour la première fois le surnom « Ormandy ». Ormandy sera toujours réticent à expliquer l’origine de ce surnom, qui est demeurée obscure. Pour certains, il s’agirait d’un deuxième nom de la famille paternelle ou maternelle. Selon le site de la bibliothèque de l’Université de Pennsylvanie consacrée à Ormandy, ce surnom pourrait être lié à l’existence d’une ville située à l’ouest de la Hongrie, ville appelée « Ormánd » et d’où serait originaire une partie de la famille d’Ormandy. En hongrois, l’ajout de la lettre « y » à la fin du nom de la ville signifie « originaire d’Ormánd ». Quant au prénom « Eugene » (qu’il adoptera une fois installé aux États-Unis), il est l’équivalent anglais du prénom Jenő.

En 1921, il accepte une proposition l’invitant à se rendre aux États-Unis (il adoptera la nationalité américaine en 1926, exactement 5 ans et 90 jours après son arrivée, soit le minimum légal pour devenir citoyen américain). Il est à peine arrivé que son rêve de grande carrière s’évanouit, la tournée de concerts pour laquelle on l’avait invité n’ayant probablement jamais existé. Il est alors engagé par le chef Erno Rapee, un ancien ami de Budapest et camarade de promotion à l’Académie de musique, comme violoniste dans l'orchestre du Capitol Theater à New York¹, un ensemble de 77 musiciens qui accompagne les films muets. Il en devient le violon solo cinq jours après avoir été recruté et y restera deux ans et demi. Il fait ses débuts de chef à la tête de cet orchestre en septembre 1924 et, en 1926, il est nommé directeur musical associé. Entre 1923 et 1929, Ormandy réalise en tant que violoniste seize enregistrements, la moitié d'entre eux utilisant le procédé acoustique.

En 1929, il dirige l’Orchestre philharmonique de New York au Lewisohn Stadium. En 1930, il est invité à diriger le Robin Hood Dell Orchestra, à Philadelphie. Le 30 octobre 1931, il remplace Arturo Toscanini tombé malade pour diriger un concert à la tête de l’Orchestre de Philadelphie, grâce à l’appui d’Arthur Judson, l’un des plus puissants impresarii de la scène musicale classique américaine au cours des années 1930¹. La même année, il est nommé directeur musical et chef permanent de l’Orchestre symphonique de Minneapolis¹.

Ormandy est le chef d'orchestre de l'Orchestre symphonique de Minneapolis, maintenant Orchestre du Minnesota, jusqu’en 1936. Pendant les jours sombres de la Grande Dépression, RCA Victor prend sous contrat Ormandy et l'Orchestre symphonique de Minneapolis pour de nombreux enregistrements discographiques. Une clause dans le contrat des musiciens leur impose de jouer un minimum d'heures chaque semaine (que ce soit en répétition, lors de concerts, d’émissions radiophoniques ou d'enregistrements). N'ayant pas à payer les musiciens, RCA peut se permettre d'envoyer ses meilleurs techniciens et équipements pour les enregistrements qui ont lieu à Minneapolis du 16 janvier 1934 au 16 janvier 1935. Parmi ceux-ci, on compte quelques premières discographiques mondiales : les Adventures in a Perambulator de John Alden Carpenter, la suite Háry János de Zoltán Kodály, La Nuit transfigurée d'Arnold Schönberg et un enregistrement spécialement commandé de l’American Overture de Roy Harris sur le thème populaire « When Johnny Comes Marching Home ». L'excellence de ces enregistrements contribue à doter Ormandy d'une exceptionnelle réputation de musicien et ses lectures de la Symphonie n^o 7 de Bruckner et la n^o 2 de Mahler deviennent vite très célèbres.

C’est au cours de cette période qu’Ormandy rencontre pour la première fois le pianiste et compositeur Serge Rachmaninov, à l’occasion d’un concert où ce dernier joue en soliste avec l’Orchestre symphonique de Minneapolis. Durant le concert, Rachmaninov a un trou de mémoire qu’Ormandy parvient à si bien masquer que le public ne s’en aperçoit pas. Reconnaissant, Rachmaninov ne tarit pas d’éloges sur le chef et contribue à établir sa réputation aux États-Unis.

Mais ce sont ses quarante quatre années passées à l'Orchestre de Philadelphie qui font toute la renommée d'Ormandy. Nommé chef associé de cet orchestre à partir de 1936 (avec Leopold Stokowski), il en devient, le 28 septembre 1938, l'unique directeur et chef principal jusqu'à son départ en 1980 (Stokowski continue à diriger ponctuellement l’Orchestre de Philadelphie jusqu’en 1941, notamment pour enregistrer la bande originale du film Fantasia de Walt Disney, puis reviendra en tant que chef invité à partir de 1960).

Ormandy dirige entre cent et cent quatre-vingts concerts chaque année à Philadelphie et entraîne l’orchestre dans des tournées américaines en 1937, 1946, 1948, 1957, 1962, 1964, 1971, 1974 et 1977. En 1949, il fait une longue tournée en Angleterre ; au printemps 1955, dans dix pays européens (notamment en Finlande où Ormandy et des membres de l’orchestre rendent visite au compositeur Jean Sibelius, alors âgé de 89 ans ; au cours de l’été 1958, une autre tournée européenne (notamment en Union soviétique) ; ainsi qu’en Australie (été 1944) ; en Amérique du Sud (été 1946) ; en Amérique latine (1966) ; en Extrême-Orient (1967, 1978) et au Japon (1972). En 1973, il effectue avec l’Orchestre de Philadelphie une tournée en Chine où il donne des concerts dans plusieurs villes : c’est la première fois qu’un orchestre symphonique américain se produit en République populaire de Chine.

1980-1985 : Les dernières années

Après 42 saisons comme directeur musical de l’Orchestre de Philadelphie, il se retire à la fin de la saison 1979-1980 et est nommé chef d’orchestre lauréat. Il continue ponctuellement à diriger d’autres orchestres et à effectuer quelques enregistrements. Il donne son dernier concert le 10 janvier 1984 au Carnegie Hall de New York, à la tête de l’Orchestre de Philadelphie.

Ormandy meurt à Philadelphie le 12 mars 1985 des suites d'une pneumonie. Ses papiers, y compris ses partitions annotées et des arrangements musicaux, remplissent 501 boîtes dans les archives de la Bibliothèque de l'Université de Pennsylvanie. Son épouse Margaret est décédée en 1998.

Déchiffrant très rapidement les partitions, Ormandy dirigeait par cœur et, le plus souvent, sans baguette. Sous sa direction, l'Orchestre de Philadelphie a préservé la plénitude sonore et la grande richesse de couleurs créées par Stokowski et labellisées comme étant caractéristique du « Philadelphia Sound ». Selon A. Pâris, « Ormandy fera de cet orchestre l'un des meilleurs du monde, capable de nuances d'une étonnante subtilité, d'un phrasé d'une remarquable finesse et doté d'une palette sonore convenant à tous les répertoires. La qualité des cordes tient naturellement à la formation de violoniste d'Ormandy, dont les coups d’archets sont restés dans la légende ». Ormandy est également connu pour avoir été un accompagnateur fidèle et sensible. Son héritage discographique inclut d'ailleurs beaucoup d'excellentes collaborations avec notamment Robert Casadesus, Philippe Entremont, Emil Gilels, Arthur Rubinstein, Rudolf Serkin, Van Cliburn, David Oistrakh, Itzhak Perlman, Isaac Stern, Emanuel Feuermann, Leonard Rose, …

Selon N. Slonimsky⁵, « l’interprète Ormandy était un romantique ». Il s’est imposé dans les œuvres de la fin du romantisme et de la première moitié du  siècle. Les symphonies de Tchaïkovsky, de Sibelius ou de Brahms, les poèmes symphoniques de Richard Strauss ou les compositions de Ravel et Debussy permirent à Ormandy d’atteindre l’idéal de sa conception de l’interprétation. Il a également perpétué la tradition créée par Stokowski (et popularisée dans le film Fantasia de Walt Disney) d’adaptation pour orchestre symphonique d’œuvres de Jean-Sébastien Bach. Par contre, ses interprétations de Haydn, Mozart ou Beethoven furent parfois critiquées, la musique de ces compositeurs n’offrant pas le terrain le plus adapté à l’opulence du Philadelphia Sound.

Ormandy a été l’ardent défenseur de la musique de Serge Rachmaninov, dirigeant la première mondiale de ses Danses symphoniques (œuvre dont il est le dédicataire, avec l’Orchestre de Philadelphie) et enregistrant avec le compositeur trois de ses concertos pour piano entre 1939 et 1941. Il a également dirigé les premières américaines de plusieurs symphonies de Dmitri Chostakovitch, ainsi que le premier enregistrement mondial de l’édition établie par Deryck Cooke de la dixième Symphonie de Mahler. En 1964, il enregistre le Requiem de Berlioz, avec le ténor Cesare Valletti, vision apaisée de l'œuvre qui fera date. Il a joué également beaucoup de musique américaine et donné de nombreuses créations d'œuvres de Samuel Barber, Paul Creston, David Diamond, Howard Hanson, Walter Piston, Ned Rorem, William Schuman, Roger Sessions, Virgil Thomson et Richard Yardumian.

Ormandy a eu à cœur de populariser la musique classique. Les ventes de trois de ses enregistrements avec l’Orchestre de Philadelphie dépassèrent le million de dollars. Il dirigea le 20 mars 1948 le premier concert symphonique retransmis en direct par la télévision américaine (il devança de peu Toscanini, dont l’interprétation fut diffusée par une autre chaîne de télévision une heure et demie plus tard).

Enregistrements

.Si l’Orchestre de Philadelphie a réalisé son premier enregistrement phonographique dès 1917 sous la direction de Leopold Stokowski, ce n’est pas avant les années 1940, et avec Ormandy à sa tête, que les revenus tirés des enregistrements constitueront une part substantielle de l’ensemble des revenus de l’orchestre. Entre 1944 et 1968, Ormandy et l’Orchestre de Philadelphie sont l’un des piliers du catalogue orchestral de la Columbia Records (CBS), réalisant plus de 300 enregistrements différents qui ont permis d’établir durablement la réputation internationale de l’orchestre. Ormandy adore enregistrer et comme le note H. Kupferberg, « sa polyvalence et son adaptabilité, ainsi que son aptitude à travailler très rapidement sans que la musicalité n’en soit compromise, ont permis de produire des enregistrements inégalés par tout autre chef d’orchestre dans leur diversité ».

À partir de 1968, Ormandy et l’Orchestre de Philadelphie enregistrent pour le label RCA à un rythme toujours aussi soutenu. Ce changement de compagnie discographique offre l’opportunité d’enregistrer avec des solistes sous contrat exclusif avec RCA tels qu'Arthur Rubinstein ou Van Cliburn. Le premier enregistrement effectué par Ormandy en 1968 pour RCA est la sixième symphonie de Tchaïkovski : Ormandy a choisi cette composition car ce fut la première œuvre qu’il enregistra avec l’Orchestre de Philadelphie en 1936.

À la fin des années 1970, Ormandy et l’Orchestre de Philadelphie changent à nouveau de label discographique et passent chez EMI. C’est à cette époque qu’ils enregistrent les Quatre Légendes du Kalevala de Jean Sibelius, dernier disque dirigé par Ormandy à recevoir, en 1979, un Grammy Award.

Sergueï Mikhaïlovitch Liapounov est un compositeur russe né le 18 novembre 1859 (30 novembre 1859 dans le calendrier grégorien) à Iaroslavl et mort le 8 novembre 1924 à Paris.

Après la mort de son père, l'astronome Mikhaïl Vassilievitch Liapounov, à Iaroslavl alors qu'il n'a que huit ans, Sergueï va vivre à Nijni Novgorod avec sa mère, Sofia Alexandrovna née Chilipova, son frère aîné Alexandre, futur grand mathématicien, et son frère cadet Boris, futur slaviste de renom. Il suit les cours de Vassili Villoing. Sur les recommandations de Nikolaï Rubinstein, directeur du conservatoire de Moscou, Sergueï s'y inscrit en 1878. Ses principaux professeurs sont Karl Klindworth pour le piano et Sergueï Taneïev pour la composition.

Diplômé en 1883, il rencontre le compositeur Mili Balakirev qu'il rejoint à Saint-Pétersbourg en 1885. Balakirev, lui-même originaire de Nijni Novgorod, prend le jeune pianiste-compositeur sous son aile et l'accompagne dans ses premières compositions aussi attentivement qu'il le fait avec les membres de son cercle qui a succédé au fameux Groupe des Cinq. En 1893, dans le cadre du programme de la Société impériale géographique de Russie, Liapounov fait un voyage dans les provinces d’Iaroslavl, Viatka, Vologda et Kostroma pour recueillir des chansons folkloriques de ces endroits. Le résultat est la collection publiée six ans plus tard Chansons du peuple russe. En 1894, Liapounov est engagé comme directeur musical adjoint à la Chapelle impériale, succédant à Rimski-Korsakov. Il contribue grandement à l'amélioration du chant liturgique dans l'Église orthodoxe russe et il a aussi du temps pour composer. Son œuvre fameuse, Ouverture solennelle sur des thèmes russes, est composée en 1896. À partir de 1904, Liapounov se montre comme chef d'orchestre, notamment à Berlin et à Leipzig en 1907. En 1908, il compose son poème symphonique Żelazowa Wola en hommage à Chopin pour lequel il a une grande vénération depuis l'enfance. Il fait plusieurs tournées en 1910-1911 en Allemagne et en Autriche.

Il accède au rang de professeur au Conservatoire de Saint-Pétersbourg dans la classe de piano en 1911. Tout en enseignant au Conservatoire, Liapounov vit une période intense de compositions et d'activités de concertiste virtuose. Au printemps 1919, contre toute attente pour lui, il est élu staroste (marguillier) de la chapelle du Conservatoire de Pétrograd (nouveau nom de Saint-Pétersbourg depuis 1914). Il s'engage sérieusement à l'exécution de chants d'Église pendant les services divins et attire des représentants du conservatoire. Il commence à développer un cours spécial pour l'étude de la musique de culte russe ancienne. À l'automne 1921, une classe pour l'étude du chant religieux russe est formée au conservatoire sous sa direction. Le décret des autorités bolchéviques publié le 23 février 1922 sur la saisie des objets de valeur des églises donne le signal de la répression à venir. Le troisième jour après le décret, des commissaires du peuple se présentent à la chapelle du conservatoire. Le staroste Liapounov refuse de leur donner les clefs, mais ils forcent la porte. Par la suite, il est arrêté avec 96 personnes (dont dix seront fusillées) dans le cadre de l'Affaire des ecclésiastiques de Pétrograd. Lors du procès, le compositeur se comporte avec dignité. Il écrit sa dernière œuvre dans son pays natal dans la salle d'audience le 20 juin 1922. Un manuscrit de la partition du compositeur portant cette date a été conservé. Il s'agit de l'hymne Ô Mère de Dieu, Vierge, réjouis-toi pour un chœur mixte à quatre voix. Il est condamné à six mois de prison1. Menacé et surveillé, il émigre à Paris en 1923 et dirige une école de musique pour émigrés russes, mais meurt d'une attaque cardiaque peu de temps après.

Liapounov est issu d'une génération intermédiaire entre d'un côté le Groupe des Cinq et Tchaïkovski, et de l'autre côté des compositeurs comme Scriabine, Stravinsky, Prokofiev ou Chostakovitch. Avec Alexandre Glazounov et Anton Arenski, il reste bien moins connu que le néo-romantique Sergueï Rachmaninov de dix ans son cadet.

Lui-même pianiste virtuose, comme Balakirev son mentor, Liapounov s'est illustré dans des œuvres pour cet instrument, avec ou sans orchestre. Il a également composé des chansons avec accompagnement au piano. Son œuvre la plus célèbre, écrite à la mémoire de Liszt, est Douze études d'exécution transcendante.

 

Alberich Zwyssig, de son vrai nom Joseph Zwyssig, est un compositeur suisse né le 17 novembre 1808 à Bauen (Canton d'Uri) et mort le 18 novembre 1854 à l'Abbaye territoriale de Wettingen-Mehrerau (Empire d'Autriche).

Il entre dans l'ordre cistercien en 1826 et renonce à son véritable prénom pour adopter celui monastique d'Alberich. Il est maître de chapelle (Kapellmeister) pour les monastères de Wettingen, Zug, Wurmbach et Mehrerau.

Son œuvre la plus connue, le Cantique suisse (1841) pour chœur d'hommes a cappella, a bénéficié d'une grande popularité et a été désigné hymne national pro tempore en Suisse en 1961, avant d’être adopté définitivement en 1981.

Il a aussi composé beaucoup de chœurs sacrés et profanes et de la musique d'église avec accompagnement d'orgue.

La pianiste Yurika Kimura, de la classe du professeur Konstanze Eickhorst, a remporté le 61e concours du Prix musical Possehl, le 14 novembre, au Conservatoire de musique de Lübeck (MHL). Elle a remporté le premier prix doté de 5.000 euros. Le pianiste Leander Brune a remporté le deuxième prix, tandis que l'altiste Jasper Sitte et la chanteuse Monica Mhangwana se sont partagés le troisième prix.

Le jury, présidé par le Dr Ole Krönert, a été convaincu par la « virtuosité souveraine de Kimura, son sens aigu du style et son interprétation multicolore », comme l'a expliqué le président du jury et de la MHL, le professeur Bernd Redmann. Kimura est en troisième année d'études chez le professeur Konstanze Eickhorst à la MHL, où elle obtiendra son « examen de concert » en été 2025. Elle a commencé sa formation de pianiste pendant quatre ans au Japon, où elle a étudié au conservatoire de Tokyo jusqu'en 2015. Depuis 2016, elle est en Allemagne, où elle a obtenu son master à l'Université des Arts de Berlin. Outre les représentations en tant que soliste, la jeune femme de 31 ans se consacre volontiers à la musique de chambre. Elle a déjà été récompensée par de nombreuses bourses et prix de concours internationaux. En 2019, elle a publié son premier CD « Carnaval » chez KNS Classical.

Dans la nouvelle mise en scène de Fedora d'Umberto Giordano, un opéra qui a toujours été un vecteur efficace pour les plus grandes stars de l'opéra, le ténor Roberto Alagna et son épouse Aleksandra Kurzak feront leurs débuts à l'opéra au Grand Théâtre de Genève. Il y a deux ans, Alagna avait déjà chanté avec grand succès le rôle de Loris Ipanov à la Scala de Milan et, après 40 ans de carrière, il montera pour la première fois sur la scène du Grand Théâtre dans un rôle d'opéra.
Aleksandra Kurzak, qui s'est de plus en plus spécialisée ces derniers temps dans le vérisme et peut ainsi puiser dans sa longue expérience du bel canto, fait ses débuts dans le rôle de Fedora et ajoute ainsi à son répertoire un autre grand rôle de prima donna après Tosca, Madama Butterfly et Adriana Lecouvreur .

À partir du 22 novembre, l'Opéra national de Pologne reprend l'opéra en un acte Le Masque noir, du compositeur polonais Krzysztof Penderecki, créé au festival de Salzbourg en 1986.

Les représentations présentent un livret original du lauréat du prix Nobel Gerhart Haputmann, tiré d'une œuvre de 1928, que Penderecki a conservée pratiquement intacte, à l'exception de la fin. Alors que celle de l'original est assez ouverte, l'opéra offre une vision claustrophobe d'un monde qui se dirige vers une destruction imminente.

Les représentations seront mises en scène par David Pountney et dirigées musicalement par Bassem Akiki, ainsi que par une distribution composée, entre autres, des voix de Wojciech Parchem, Natalia Rubis, Katarzyna Drelich et Elzbieta Wroblewska.