Ann Ronell, née Ann Rosenblatt en 1906 à Omaha et morte en 1993, est une compositrice et parolière américaine.
Elle a écrit les standards de jazz Willow Weep For Me (1932) et Who's Afraid of the Big Bad Wolf (1933).

Ann Ronell est diplômée de l'école secondaire centrale d'Omaha en 1923. Elle s'inscrit d'abord au Wheaton College, dans le Massachusetts, puis change d'établissement après sa deuxième année d'études pour poursuivre une éducation musicale plus sérieuse.
Elle est diplômée du Radcliffe College, où elle a étudié la musique avec Walter Piston.
A Radcliffe, Ronell écrit de la musique pour des pièces de théâtre universitaires et contribue à des critiques et à des interviews pour la publication musicale de l'école.
Après avoir interviewé George Gershwin, elle se lie d'amitié avec le compositeur. Il l'engage comme pianiste de répétition pour son spectacle Rosalie . Il lui a suggère de changer son nom de Rosenblatt à Ronell.

Ronell, avec Dorothy Fields, Dana Suesse, et Kay Swift, est une des premières compositrices et librettistes a succès d'Hollywood et Tin Pan Alley.
En 1929, pour la première fois elle place une chanson -Down By the River- dans un spectacle. En 1930, elle écrit son premier tube Baby's Birthday Party, initialement écrit pour une comédie musicale. Elle essaye de vendre la chanson auprès de plusieurs éditeurs de musique en vain jusqu'à ce que Famous Music accepte de la publier.
En 1932, elle écrit ses deux grands succès Rain on the Roof et Willow Weep for Me. Ce dernier est dédiée à George Gershwin.

En 1933, Ronell s'installe à Hollywood. Elle co-écrit avec Frank Churchill sa première chanson à succès pour Disney, Qui a peur du grand méchant loup ? pour le dessin animé Three Little Pigs (1933). Elle est un des rares auteur de l'époque à pouvoir produire à la fois la musique et les paroles d'une chanson.

Elle écrit les paroles et la musique pour la comédie musicale de Broadway Count Me In (1942). Elle écrit des chansons pour des films tels que Champagne Waltz (1937) et Blockade (1938) et des compositions Les Forçats de la gloire (1945), pour l’adaptation cinématographique de la comédie musicale Un caprice de Vénus de Weill / Nash (1948) et pour Love Happy (1949) de Marx Brothers.
Elle a été directrice musicale pour Main Street to Broadway (1953), nominée pour la meilleure chanson, Linda et, avec le co-compositeur Louis Applebaum, pour la meilleure partition, pour son travail sur The Story of GI Joe.

Le travail de composition pour le cinéma a eu une influence sur le terrain. Sa partition pour The Story of GI Joe est le premier film à présenter une chanson thème pendant le générique. Sa création pour Ladies in Retirement est la première musique de film publiée au disque.
En 1942, Ronell est devenue la première femme à écrire à la fois la musique et les paroles d'un spectacle de Broadway avec Count Me In.

Fran Lhotka (25 décembre 1883 - 26 janvier 1962) est un compositeur croate de musique classique né en République tchèque.
Élève d'Antonín Dvořák, il s'installe en 1909 à Zagreb où, en tant que professeur d'harmonie, il enseigne à presque tous les compositeurs croates contemporains.
Il a composé de la musique orchestrale, de la musique pour la scène, de la musique de chambre, de la musique pour piano, de la musique de film, etc.

Fran Lhotka est né dans la ville de Mladá Vožice en Bohême. En 1899, il devient étudiant au Conservatoire de Prague, où il étudie le cor et la composition ; Karel Stecker, Josef Klička et Antonín Dvořák lui enseignent la composition. Six ans plus tard, il obtient son diplôme dans les deux cours ; la pièce de fin d'études en composition est le Scherzo en fa majeur " Rej ", interprété pour la première fois dans la salle du Musikverein à Vienne. Après avoir effectué son service militaire et travaillé pendant une courte période comme professeur dans une succursale du Conservatoire de Moscou à Ekaterinoslav (aujourd'hui Dniepropetrovsk, Ukraine, qui faisait autrefois partie de l'Empire russe), il arrive à Zagreb en 1909 et accepte le poste de premier cor et de pianiste répétiteur à l'opéra. L'organisation de plus en plus efficace de la scène musicale et la réforme de l'enseignement musical font de Zagreb un lieu propice à l'éclosion de jeunes compositeurs. Ils arrivent de Vienne, Prague, Budapest, Berlin et Paris, et en 1910, Lhotka est professeur à l'école de musique de l'Institut de musique du Land de Croatie, qui deviendra plus tard l'Académie de musique.

En 1912, il quitte l'Opéra et se consacre à plein temps à l'enseignement et à la composition. Il travailla comme professeur jusqu'à la fin de sa vie (il mourut le 26 janvier 1962 à Zagreb), avec une interruption pendant la Seconde Guerre mondiale, lorsqu'il prit sa retraite.
Se montrant un musicien polyvalent, talentueux et compétent, outre l'harmonie qu'il a enseignée le plus longtemps -quarante ans- il a également enseigné, à différentes périodes, le cor, la direction d'orchestre, la théorie musicale, l'instrumentation, la composition, l'analyse de partitions d'orchestre et l'histoire de la musique. Ses cours sont suivis par certains des plus importants compositeurs et musiciens croates de la future période -Ivo Brkanović, Bruno Bjelinski, Krešimir Kovačević, Stjepan Šulek et Slavko Zlatić.
En outre, en tant que chef d'orchestre, il dirigea de 1913 à 1921 l'Association de chant Lisinski, modifiant et améliorant considérablement la pratique chorale antérieure, ce qui lui valut le titre de " pionnier du chant choral de haute qualité dans le pays ".
Il a également dirigé l'orchestre de l'Académie de musique (1922-1941) et, pendant une courte période, la chorale, s'attirant régulièrement des éloges à Zagreb et lors de ses apparitions en tant qu'invité, en particulier pour sa promotion de l'interprétation d'œuvres de compositeurs nationaux, mais aussi pour la présentation des chefs-d'œuvre du répertoire mondial.
Pendant un certain temps, il a dirigé l'orchestre communautaire de l'Institut croate de musique (1923 - 1930) et a occasionnellement dirigé l'Orchestre Philharmonique de Zagreb.

Il a fait ses preuves en tant qu'organisateur et gestionnaire. Il a exercé des fonctions administratives à l'Académie, dont il a été deux fois le doyen, pendant vingt ans au total. En outre, il a joué un rôle important dans l'obtention du statut d'établissement d'enseignement supérieur, et c'est à lui que l'on doit le début des travaux de l'école de musique de la ville de Zagreb -aujourd'hui l'école de musique Pavao Markovac.
Lhotka a complété son travail d'enseignant par de précieux manuels sur la direction d'orchestre (1931) et l'harmonie (1948) et, bien entendu, en tant que compositeur, il a marqué de son empreinte la formation des nouvelles générations de musiciens en écrivant un certain nombre d'œuvres pour piano et orchestre destinées aux enfants et aux jeunes adultes.

Apprécié en tant que professeur, Fran Lhotka s'est rapidement distingué par ses compositions. Il est arrivé à Zagreb alors que la musique européenne de transition des deux premières décennies du XXe siècle battait son plein. Les œuvres de Dora Pejačević, Josip Hatze et Blagoje Bersa faisaient partie du nouveau profilage du modernisme croate. Lhotka s'est retrouvé au milieu des nouveautés et des libertés révolutionnaires de l'Europe occidentale, caractérisées par les œuvres d'Arnold Schönberg, d'Igor Stravinsky, d'Anton Webern, de Béla Bartók et d'Alexandre Scriabine, et de la domination croissante du "cours national" dans le domaine de la musique.

À l'époque où écrire dans l'esprit de la musique folklorique confirmait l'appartenance d'un compositeur à une culture nationale et son engagement en faveur de son développement, Lhotka s'est inspiré de la musique folklorique de ce pays et l'a gracieusement intégrée à ses principes de composition, issus de la meilleure tradition tchèque.
Outre les œuvres chorales et les arrangements de chants populaires qu'il a écrits presque exclusivement pour les besoins de la pratique, les arrangements d'œuvres d'autres compositeurs, les chants en solo, les cantates et la musique de chambre, il semble que ce soit la musique orchestrale, et plus encore la musique de scène, qui l'ait le plus attiré.
Ses œuvres pour orchestre, ses deux opéras (Minka et More / La mer), ses musiques de film (documentaires et longs métrages, dont le dernier "Svoga tela gospodar" / Maître de son propre corps), ainsi que plusieurs ballets ont constitué l'essentiel de son travail créatif. Les ballets qu'il a créés en association avec Pia et Pino Mlakar, tous deux danseurs et chorégraphes, ont connu un succès particulier. Avec eux, il produit Đavo u selu, balada o jednoj srednjovjekovnoj ljubavi (Le diable dans le village, ballade d'un amour moyen) et The Bow (L'arc).
En fait, Devil in the Village était tellement omniprésent sur scène qu'il semblait incarner le ballet croate. Après sa première représentation en 1935 au théâtre municipal de Zurich, les médias ont parlé d'une "véritable fête", d'un "succès exceptionnel", d'un "grand charme" et d'une "utilisation virtuose de l'orchestration".
Il a connu le même succès lors de sa première représentation à Zagreb le 3 avril 1937. Son succès est attesté par d'autres représentations dans toute l'Europe : Karlsruhe, Prague, Munich, Hambourg, Berlin, Francfort, Dresde, Vienne, Gênes, Sofia, Athènes et Salzbourg. La partition magistralement orchestrée de Lhotka a souvent été saluée comme une réussite à part entière, tout aussi impressionnante sans le stimulus visuel (en 1939, Lhotka a créé deux suites orchestrales à partir du ballet, comme il l'a fait pour d'autres de ses musiques de scène).
Il n'est donc pas surprenant que la majeure partie de sa musique soit restée dans l'ombre de Devil in the Village.

 

Johann Adam Hillernote, né à Wendisch-Ossig, dans l'électorat de Saxe, le 25 décembre 1728 et mort à Leipzig le 16 juin 1804, est un compositeur, chef d'orchestre et écrivain allemand. Il est considéré comme le créateur du Singspiel, une première forme de l'opéra allemand. Dans nombre de ces opéras, il collabore avec le poète Christian Felix Weisse.
De plus, Hiller est un professeur qui encourage l'éducation musicale pour les femmes, ses élèves incluant Elisabeth Mara et Corona Schröter.

Hiller apprend les bases de la musique d'un maître d'école dans sa ville natale. De 1740 à 1745 il est élève au gymnasium de Görlitz, et en 1746 il va étudier à la Kreuzschule de Dresde. Là il prend des leçons de clavier et de basse continue avec Gottfried August Homilius. En 1751, il s'installe à Leipzig où il s'inscrit à l'Université pour étudier le Droit.
Hiller s'immerge lui-même dans la riche vie musicale de la ville.

Durant cette époque il compose plusieurs symphonies, des cantates d'église, et des arias, ainsi qu'un fragmentaire Singspiel intitulé Das Orackle (L'Oracle). Hiller publie aussi un essai, « Dissertation sur l'imitation de la Nature dans la Musique » (Abhandlung über die Nachahmung der Natur in der Musik) en 1754, l'année où il entre au service du Comte Brühl à Dresde. Il demeure à son service jusqu'en 1760 lorsque des problèmes de santé (dépression) le forcent à démissionner.

Revenant à Leipzig, Hiller devient le directeur du Grosse Concert, un poste qu'il tient jusqu'en 1771. Quatre ans plus tard, il fonde sa propre société de concert, la Société pour la pratique de la musique (Musikübende Gesellschaft).
À Leipzig il fonde aussi une école où il forme de jeunes musiciens au chant et à l'interprétation instrumentale. Deux de ses plus fameuses étudiantes seront Corona Schröter et Gertrud Elisabeth Mara née Schmeling, toutes deux vocalistes renommées.
En 1778 Hiller est nommé directeur musical à la Paulinerkirche (l'église des Pauliniens), l'église qui appartient à l'Université de Leipzig. Durant cette époque il organise aussi des concerts spirituels.

Dans les années 1780 il obtient de nouvelles fonctions avec un empressement accru.
En 1781 il devient chef d'orchestre des Gewandhaus concerts.
Durant la même année il se rend à la Cour du Duc de Courlande à Mitau, un séjour qui aboutit à son engagement comme maître de chapelle (Kapellmeister) en ce lieu quatre ans plus tard.
En plus de ses fonctions au Gewandhaus et à la Paulinerkirche, en 1783 il devient aussi directeur musical de la Neukirche (Nouvelle Église) qui lui confère toute autorité sur la musique à Leipzig. Cependant en prenant ses nouvelles fonctions à Mitau en 1785, il démissionne de tous ses postes à Leipzig.
En raison de l'instable situation politique à la Cour de Courlande, il démissionne de sa fonction après seulement une année. Puisqu'il n'a plus aucune fonction à Leipzig, il doit organiser des concerts pour gagner sa vie, mais heureusement il obtient le poste de directeur musical de la ville de Breslau en 1787.
Il passe deux ans à Breslau et revint à Leipzig en 1789 pour devenir Thomaskantor à l'église Saint-Thomas de Leipzig, une fonction occupée auparavant par Jean-Sébastien Bach.
Hiller la conserve jusqu'en 1800 quand il démissionne en raison de son âge.

 

L'Opéra National de Paris a annoncé que la basse russe Ildar Abrdrazakov ne chantera pas le rôle-titre dans la nouvelle production de Don Quichotte de Massenet prévue en mai dans la capitale française. Il sera remplacé par la basse américaine Christian Van Horn.

Il y a quelques jours, Abdrazakov a fait une déclaration publique en faveur de la candidature de Poutine pour sa réélection à la tête du gouvernement russe en 2024.

François Auguste Gevaert est un compositeur et théoricien de la musique belge, né le 31 juillet 1828 à Huysse (Kruisem) près d'Audenarde, et mort le 24 décembre 1908 à Bruxelles.

Son père était boulanger et il prévoyait d’exercer la même profession. Sur des conseils avisés, il a été autorisé à étudier la musique.
Il intégra en 1841 le Conservatoire de Gand où il a suivi les cours de Sommere et de Martin-Joseph Mengal. Il fut alors nommé organiste de l’église jésuite.

Ses compositions ont bientôt attiré l’attention, et il a gagné un voyage de deux ans lors d’un prix. Ce voyage a été retardé, le temps de produire son premier opéra.

Il a commencé son voyage en 1849. Après un court séjour à Paris, il se rendit en Espagne puis en Italie. Plusieurs de ses compositions importantes furent produites à Paris, et en 1867, il a succédé à Ludovic Halévy au poste de « maître de chœur » de l’Académie de musique de Paris.
En 1871, il fut nommé à la direction du Conservatoire Royal de Bruxelles. Il a été également maître de chapelle de S.M. le Roi des Belges.

Bien qu’il ait réussi à devenir un compositeur accompli, il eut plus de succès en tant que professeur, historien, auteur et conférencier sur la musique. Il a notamment eu pour élève le baryton Maurice Renaud.

Ses nombreux travaux incluent le célèbre « Nouveau traité d'instrumentation », un cours d'orchestration, un traité d'harmonie et un Vademecum pour les organistes.

Ses compositions comptent entre autres une douzaine d’opéras environ (Quentin Durward, Le Capitaine Henriot, etc.), des cantates, des chansons.

Cependant, sa principale œuvre est son apport à l’enseignement de la musique.

Eugeniusz Pankiewicz, né le 15 décembre 1857 à Siedlce, mort le 24 décembre 1898 à Varsovie, est compositeur, pianiste, pédagogue.

Diplômé du gymnase de Lublin, il étudie également le piano avec Józef Wieniawski entre autres, et à partir de 1876 à l'Institut de musique, puis au Conservatoire de Moscou.
De 1883 à 1885 et de 1889 à 1894, il enseigne le piano à l'Institut de musique et à l'Institut marial.
Il se produit en tant que pianiste, soliste et musicien de chambre lors de concerts nationaux et internationaux à Vienne, Dresde, Berlin et Leipzig, organisés par la Société de chant "Lutnia" et la Société de musique de Varsovie.
Dès ses études au gymnase, il a commencé à composer, écrivant principalement des pièces pour piano. Il a composé une cinquantaine de chansons en solo, une quinzaine de chansons pour chœur et plus de 30 pièces pour piano et variations pour quatuor à cordes. Dans ses compositions, il se réfère au folklore et à la musique folklorique.
Ses œuvres se caractérisent par une excellente technique polyphonique et des harmoniques avancées proches de l'impressionnisme, et occupent une place importante dans la musique polonaise.

 

Enrique Fernández Arbós (né à Madrid le 24 décembre 1863 et mort à Saint-Sébastien le 2 juin 1939) est un violoniste, chef d'orchestre et compositeur espagnol.

Il se forme au Real Conservatorio de Madrid avec Jesús de Monasterio, avec qui il établit une relation étroite. En 1876, il remporte le premier prix de violon du Conservatoire.

Ayant obtenu une bourse de l'Infante Isabel de Borbón y Borbón, il se rend en 1877 à Bruxelles, où il poursuit des études de perfectionnement et de virtuosité avec Henri Vieuxtemps, ainsi que de composition avec Maurice Kufferath et François-Auguste Gevaert. Il rencontre Isaac Albéniz, dont il réalisera l'orchestration de la suite Iberia. En 1879, il obtient le premier prix et la médaille d'or de la classe de violon et la mention honorifique dans la classe de composition.

En 1880, il s'établit à Berlin pour étudier avec Joseph Joachim. Il débute avec l'Orchestre Philharmonique de Berlin, dont il est premier violon pendant plusieurs années.
Il effectue de nombreus
En 1888, il retourne à Madrid comme soliste de l'orchestre de la Sociedad de Conciertos de Madrid que dirige Tomás Bretón et il fonde l'année suivante la Sociedad de Música de Cámara.
Enseignant au conservatoire de Madrid et à celui de Hambourg en 1894, il est nommé professeur de violon au Royal College of Music à Londres, place qu'il occupe jusqu'en 1916. Il occupe ensuite le poste de professeur de violon du conservatoire de Madrid. Pendant cette période, il déploie une intense activité de concertiste, tant comme soliste que comme membre du quatuor qu'il forme avec Isaac Albéniz, Rafael Gálvez et Agustín Rubio.

En 1903, il est nommé premier violon de l'Orchestre Symphonique de Boston et en 1904 chef d'orchestre du Gran Casino de San Sebastián.
La même année, il dirige l'Orchestre Symphonique de Madrid, dont il est le premier chef titulaire. Avec cette formation, il effectue des tournées en Espagne, en Europe et en Amérique et se fait une réputation internationale comme chef d'orchestre. Mais il n'abandonne pas son travail de concertiste et constitue le Quartuor Arbós avec la participation, entre autres, de Julio Francés, le pianiste portugais José Vianna da Motta et le violoncelliste Juan Ruiz Casaux.
Il dirige également l'Orchestre Symphonique de Boston pendant une saison.
En 1905, il fonde la société de concerts The Concert Club à Londres.
Son activité internationale comme chef d'orchestre se poursuit avec des concerts à Paris, Rome, Moscou, Budapest, Bordeaux, Lisbonne, Winterthour, Cleveland, New York.

Enrique Fernández Arbós est l'un des principaux représentants de l'école espagnole de violon.

Le pianiste et compositeur Joseph Johann Baptist Wölfl est né à Salzburg, 24 décembre 1773 et mort à Londres 21 mai 1812.

Son père, Johann Paulus Wölfl (1737-1795), issu de la petite noblesse, est haut fonctionnaire. Diplômé en jurisprudence, il occupe des postes auprès de différents tribunaux de Bavière, puis en 1769, passe au service du prince-évêque de Salzbourg, Hieronymus von Colloredo-Mansfeld, comme percepteur des impôts.

Woelfl a reçu très jeune les leçons de Leopold Mozart. Placé à la maîtrise de la cathédrale, il bénéficie des cours de Michael Haydn (le frère de Jopseph), qui y est organiste.

En 1783, sa mère est vraisemblablement déjà décédée, il intègre l'école de la chapelle de la cour. Il semble qu'il continue à suivre parallèlement les cours privés de Leopold Mozart, mais aussi de sa fille Nannerl, pour le piano. Est-il interne à la maîtrise ? Loge-t-il chez les Mozart comme cela était l'usage pour les jeunes maîtrisiens et les élèves des maîtres ?
De 1786 à 1788, il est immatriculé à l'Université bénédictine de Salzburg.
Le 28 mai 1787, son professeur Leopold Mozart décède. Johann, dont la voix a mué, doit quitter la maîtrise et l'école de la Cour.

En 1790, il se rend à Vienne, peut-être pour étudier avec Wolfgang Amadeus Mozart. On ne connaît pas la nature exacte de leurs relations, mais Mozart l'aurait recommandé auprès du Prince Michael Kleofas Ogiński (1765- 1833), qui l'engage à Varsovie en 1791.

Le 26 octobre 1792, Woelfl (qui abandonne l'orthographe originale de son nom), organise un concert où il interprète un choix représentatif de son art de pianiste et de compositeur, un concerto, une sonate, une symphonie, des variations sur un air polonais. Il fait une très grande impression et s'affirme dès lors comme l'un des meilleurs pianistes du temps.
Les troubles politiques liés à la partition de la Pologne poussent son maître à l'exil. Woelfl regagne Vienne, en 1795, avec déjà une grande renommée de concertiste.

Il devient le rival (comme Joahn Nepomuk Hummel) de Ludwig van Beethoven, avec lequel il entretient des relations amicales et participe avec lui à des joutes d'interprétation et d'improvisation que les revues musicales ne manquent pas de commenter. L'"Allgemeine Musikalische Zeitung" apprécie « son comportement sans prétention et agréable...» un jeu « non seulement d'une agréable originalité, mais aussi une combinaison très rare de puissance et de délicatesse ».
Il se fait également un nom pour ses compositions dédiées à son instrument, mis aussi pour l'orchestre et un premier opéra, Der Höllenberg, sur un livret de Schikaneder, créé à Vienne avec succès en 1795.

En 1798, il épouse l'actrice Theresa Klemm, ils ont un enfant l'année suivante, mais cette union ne dure pas.

Son opéra Der Kopf ohne Mann, créé à Vienne est un succès.

En 1799, il entreprend une longue tournée de concerts qui le mène à Brno, Prague (17 mars), Dresden, Leipzig (il y donne deux concerts supplémentaires) à Hamburg (où il pense s'installer), Berlin (14 mai) , Stettin, Ludwiglust, de nouveau à Hamburg où il donne de nombreuses leçons bien rémunérées. De Hamburg, il rayonne : il se signale à Lübeck, Weimar, Breslau, Magdeburg, Halle, Leipzig, Dresden.

En 1801, il est à Braunschweig, Kassel, Frankfurt am Main, Mainz (Mayence), Coblenz, Trier (Trèves), Metz, Hannover. Dans une lettre à son éditeur du 13 avril, depuis Braunschweig, il annonce le projet se rendre à Paris et Londres.
Il est à Paris à l'automne 1801, il y renoue avec le succès. Début 1804, son opéra L'amour romanesque remporte un succès considérable. Il se rend aux Pays-Bas qui lui sont pécuniairement favorables, mais en raison de la guerre, il ne peut passer en Angleterre.

Il met en chantier un grand opéra héroïque en trois actes, Fernando (Don Fernand) ou les Maures, sur un livret de De Bussy. Il est créé le 11 février 1805, Salle Favart (Opéra-Comique). Unique représentation, c'est un échec.

Il arrive à Londres où il est très attendu par les mélomanes, en mai 1805. Il y soulève l'enthousiasme avec ses œuvres concertantes et symphoniques, ses ballets ont un grand succès, mais il n'a aucune commande d'opéra. Le ballet Victoire navale et triomphe de Lord Nelson, reçoit un accueil triomphal le 21 octobre 1805, mais la mort de l'amiral empêche d'autres représentations. Le 21 décembre, le ballet La Casa Rara, représenté au Kings Theatre est également un grand succès.

Il est engagé par l'impresario Salomon, pour ses célèbres concerts.

Il meurt subitement en mai 1812, mais pendant près de deux ans, on spécule, en partie grâce à l'Allgemeine Musikalische Zeitung, qu'il est toujours en vie.

Le compositeur anglais John Dunstable est décédé à Londres le 24 décembre 1453.

On ne connaît pour ainsi dire aucun détail de sa vie. Sur la base des œuvres les plus anciennes qui nous sont parvenues depuis 1410, on suppose qu'il est né entre 1380 et 1390. Il est toutefois certain qu'il est mort le soir de Noël 1453. En dehors de cela, les indications sont rares.
À partir de 1427, Dunstable était probablement au service du Duc de Bedford, le frère du Roi Henri V. Après la mort d'Henri V, le Duc fut régent de France de 1422 à 1435. Dans son sillage, Dunstable a probablement séjourné plus souvent en France, ce qui a sans doute renforcé la notoriété de ses œuvres et sa grande influence sur les compositeurs de ce pays.
Entre 1427 et 1436, il était probablement aussi au service de la Reine Jeanne de Navarre et enfin au service du Duc Humphrey de Gloucester. On peut supposer que Dunstable connaissait les centres culturels de l'époque et qu'il était parfaitement au courant des courants musicaux.
De ses origines anglaises, Dunstable a apporté sur le continent le faburdensatz, une sorte de musique d'improvisation en chaînes d'accords de tierce-sexte. Il développa dans ses compositions un traitement de la dissonance totalement nouveau, dans lequel les dissonances qui apparaissaient jouaient le rôle d'une attente préparée.

De cette manière, ses œuvres étaient plus vivantes et plus simples que la manière de composer de plus en plus rigide et construite de l'Ars nova française tardive.
Ce principe de réserve devait déterminer la manière de composer des générations suivantes de compositeurs et rester en vigueur pendant plus de 200 ans.

Dunstable a en outre développé le type de "messe au ténor", dans laquelle les différentes parties de l'ordinaire de la messe sont reliées de manière cyclique par un cantus firmus au ténor pour former un tout. Le cantus firmus est certes également d'origine liturgique, mais il est extrait d'un autre contexte. Dunstable a été perçu comme un précurseur dans la transition entre le Moyen Âge et la Renaissance par les compositeurs importants de cette époque, tels que Guillaume Dufay, Gilles Binchois, Johannes Ockeghem ou Antoine Busnois, et il a exercé sur eux une influence stylistique déterminante.

Le poète français Martin le Franc (env. 1410 - 1461) témoigne de l'importance de Dunstable dans son épopée en vers "Champion des dames" (vers 1440) et parle à son propos de la "contenance angloise" et de la "concordance frisque" comme étant la particularité du nouveau style de composition anglais.
Aux côtés de John Dowland, William Byrd et Henry Purcell, John Dunstable compte parmi les compositeurs les plus importants d'Angleterre et de "l'âge d'or" de la musique anglaise primitive.
On a conservé près de 60 œuvres de Dunstable -presque exclusivement liturgiques- dont la moitié sont des motets à trois ou quatre voix.

Dans le cadre de la Réforme anglaise et suite à la dissolution des monastères entre 1536 et 1540, une grande partie des manuscrits avait également été détruite. La plupart de ses œuvres conservées nous sont parvenues pour ainsi dire de seconde main grâce à des sources continentales provenant principalement du nord de l'Italie.

 

Le ténor Eduardo Villa est décédé à l’âge de 70 ans
Le ténor américain s’est produit dans plusieurs grandes maisons européennes, ainsi qu’au Metropolitan Opera de New York