Si quelqu’un devait être retenu pour illustrer le génocide arménien, si une seule histoire individuelle devait être choisie pour représenter un microcosme de l’expérience arménienne à la fin du 19e et au début du 20e siècle, nul besoin de chercher ailleurs que le prêtre et musicien Gomidas (ou Komitas, dans la prononciation en arménien oriental).

Soghomon Soghomonian naquit en 1869 à Kütahya dans l’empire ottoman (dans l’actuelle Turquie occidentale). Il perdit ses parents très jeune et, quoique très entouré par ses proches, il fut envoyé en 1881 poursuivre ses études à Etchmiadzine, le centre de l’Eglise arménienne, qui se trouvait dans l’empire russe. Bien que ne parlant pas du tout l’arménien à cette époque, il arrivait à chanter lors des offices religieux et avait une très belle voix. Son talent musical fut développé et mis à contribution, tandis qu’il œuvrait avec le chœur, après avoir suivi sa formation religieuse et été promu au rang de vardapet (ou vartabed dans la prononciation en arménien occidental, souvent traduit par « archimandrite » en anglais – prêtre célibataire).

Grâce au soutien du catholicos Mkrtich Khrimian et du magnat arménien Mantachev, Vardapet Komitas poursuivit des études musicales supérieures en Allemagne, initiant pour la première fois les Européens à la tradition musicale arménienne. Au lieu de se contenter d’interpréter et de partager une culture par delà les frontières, le profond talent musical de Komitas lui permit d’entreprendre une recherche approfondie sur la musique populaire arménienne (et kurde), la musique religieuse arménienne, ainsi que sur le système de notation musicale arménienne, appelé « khaz ». C’est à cette époque que la liturgie (messe, office dominical) de l’Eglise arménienne fut modifiée en recourant aux méthodes et à la notation musicale occidentale; les adaptations de Komitas restent très populaires aujourd’hui (ainsi que celles de son contemporain, Makar Yekmalian).

Komitas finit par jouer un rôle important dans la vie culturelle arménienne des deux plus grands centres d’expression arménienne d’alors : Tiflis dans l’empire russe (l’actuelle Tbilissi, en Géorgie) et Constantinople, capitale de l’empire ottoman, où il s’installa en 1910 (l’actuelle Istanbul, en Turquie). Il est connu en particulier pour y avoir dirigé un chœur de 300 personnes, entre autres activités de spectacle, développant l’enseignement et diffusant la musique arménienne.

Son rôle éminent fit de lui une cible naturelle du pouvoir, lorsque, le 24 avril 1915, la classe dirigeante arménienne fut l’objet d’une rafle, annonçant le début du génocide arménien. Komitas fut exilé vers l’intérieur, mais fut ramené sur intervention de quelques personnalités. Ce qu’il avait vécu suffit toutefois à provoquer en lui un bouleversement qui, aux yeux de nombre d’Arméniens, ne pouvait résulter que d’un dérèglement mental.

Komitas resta hospitalisé à Constantinople durant quelques années, puis gagna en 1919 la France, passant ses jours dans un hôpital psychiatrique à Villejuif, dans la banlieue de Paris, jusqu’à sa mort en 1935.

D’une part, l’histoire tragique du vardapet Komitas sert à illustrer l’objectif du génocide arménien : anéantir une nation et une culture. D’autre part, l’œuvre révolutionnaire du vardapet Komitas continue de vivre et d’inspirer la musique arménienne aujourd’hui. Ce n’est pas un hasard s’il est considéré comme le fondateur de la musique classique arménienne.

Hommage à la profonde influence que cet homme a exercée sur toute une nation, le fait qu’après sa mort, un régime athée, antinational, transfèrera le corps d’un prêtre arménien pour des obsèques nationales dans la capitale de l’Arménie soviétique. Le Panthéon d’Erevan -où de nombreuses personnalités arméniennes sont enterrées- a été baptisé en l’honneur de Komitas.

Le compositeur français François-Adrien Boieldieu est né le 16 décembre 1775 à Rouen (paroisse Saint-Pierre-du-Châtel) et mort le 8 octobre 1834 à Varennes-Jarcy.

Artiste né sous l'Ancien Régime, Boieldieu fit ses armes pendant la Terreur, acquit la célébrité durant le Consulat et l'Empire, fut honoré par les Bourbons, puis ruiné par la révolution de Juillet. Il demeure le principal compositeur français d'opéras du premier quart du XIXe siècle.

Boieldieu fut formé à la musique en tant qu'enfant puis membre du chœur de la Maîtrise Saint-Evode de la cathédrale de Rouen, dirigée par Charles Broche, maître de chapelle puis organiste de la cathédrale Notre-Dame de Rouen. Très précoce, le jeune Boieldieu touchait le clavecin dès sept ans et, à neuf ans, improvisait sur l’orgue. Puis il composa de petits morceaux, des sonates et des romances.
Un jour que son professeur, Broche, l’organiste de la cathédrale, ne s’était pas trouvé à son poste un certain jour de grande fête carillonnée, l’orgue fut pourtant touché (= joué) d’une manière ravissante. Tout le monde en fit compliment à Broche, bien étonné. Informations prises, on apprit que le jeune élève avait eu l’audace de remplacer son maître, sans en demander la permission à personne.

À quatorze ans, il partit seul, à pied, pour Paris, avec 18 deniers gagnés à accorder des clavecins.

La Révolution ne freina pas l'activité musicale du Théâtre-Français de Rouen, qui continua de présenter les œuvres de jeunes auteurs tels qu’Étienne Nicolas Méhul. Pendant la Terreur, Rouen fut même une des rares villes à conserver une activité musicale importante et, en 1793, plusieurs concerts furent organisés avec le célèbre violoniste Rode et le ténor Garat.

Revenu à Rouen en 1791, Boieldieu composa alors ses premières œuvres sur des textes écrits par son père, La Fille coupable (2 novembre 1793), l’Hymne à la déesse Raison ou Chant populaire pour la Fête de la Raison pour chœur et orchestre (30 novembre 1793) puis Rosalie et Mirza en 1795, représentées à Rouen au temple de la Raison (ancienne cathédrale), obtinrent assez de succès pour l'encourager à tenter sa chance à Paris. Son maître Broche, ravi des succès de son élève, se permit, à cette occasion, un calembour, disant qu’il trouvait le jeune musicien « très habile en fugues », pour avoir fait jouer ces deux opéras, à Rouen, après son escapade à Paris.

Durant la période révolutionnaire, Boieldieu partit pour Paris et, prudemment, s'y installa comme accordeur de pianos. Seul l'opéra-comique offrait alors des débouchés pour ces œuvres hybrides, proches de l'opéra classique, mais comportant des dialogues parlés. L'œuvre la plus typique en est Médée de Cherubini (1797). L'opéra-comique, privilège de la troupe du même nom alors installée salle Favart, commença également à être représenté par la troupe du théâtre de Monsieur créée en 1789 et hébergée dans la salle des Machines du palais des Tuileries, avant de s'installer, en 1791, au théâtre Feydeau construit pour l'occasion. Jusqu'à leur fusion en 1801, les deux troupes se concurrencèrent, Favart multipliant spectacles patriotiques et œuvres plus légères de Méhul, Feydeau proposant plutôt des drames héroïques de Cherubini ou Lesueur. En 1797, Boieldieu proposa ainsi à Feydeau La Famille suisse et L'Heureuse Nouvelle et, l'année suivante, Zoraime et Zulmare à Favart. Le succès fut si considérable qu'on put le comparer à celui du Médée de Cherubini.

Fils spirituel de Grétry, Boieldieu privilégiait les mélodies sans ornements superflus qu'il mettait en valeur avec une instrumentation légère mais soignée, et des dialogues spirituels. Berlioz attribuait à sa musique une « élégance parisienne de bon goût qui plaît ». En 1800, Le Calife de Bagdad lui valut un véritable triomphe.

En 1803, il partit pour Saint-Pétersbourg afin d'occuper le poste de compositeur de la Cour impériale jusqu'en 1810 à l'invitation personnelle de l'Empereur Alexandre Ier. Il y composa neuf opéras dont Aline, reine de Golconde (1804) et Les Voitures versées (1808)11. De retour en France, il reconquit le public parisien avec La Jeune Femme en colère (1811), Jean de Paris (1812), Le Nouveau Seigneur de village (1813), Le Béarnais ou Henri IV en voyage (1814), Angéla ou l'Atelier de Jean Cousin (1814)…

Boieldieu devint professeur de composition au Conservatoire de Paris et, en 1817, succéda à Méhul à l'Académie des beaux-arts. Il reçut la Légion d'honneur en 1820.

En 1825, il publia son chef-d'œuvre, La Dame blanche. Basé sur « Le Monastère » et « Guy Mannering » de Walter Scott, ce qui est inhabituel à cette époque, le livret est construit sur le thème de l'enfant perdu puis heureusement reconnu in extremis. Le style de cet opéra a inspiré Donizetti (Lucia di Lammermoor), Bellini (I Puritani) et Bizet (La Jolie Fille de Perth). Reconnu comme une des premières tentatives d'introduction du fantastique dans l'opéra, La Dame blanche a également été un modèle pour les opéras Robert le Diable de Meyerbeer ou Faust de Gounod. Boieldieu composa un des airs les plus célèbres de La Dame Blanche, « Ah ! quel plaisir d'être soldat », à Villeneuve-Saint-Georges, en 1823.

Son opéra suivant, Les Deux Nuits (1829) fut admiré par Wagner qui loua « la vivacité et la grâce naturelle de l’esprit français » et qui s’inspira d’un des chœurs pour la Marche des fiançailles de Lohengrin. Il n’en fut pas moins un échec, principalement en raison de la faiblesse du livret de Bouilly, que le compositeur avait accepté de bonne foi. Cette déception a peut-être favorisé la maladie pulmonaire dont Boieldieu avait ramené les germes de Russie. En vain chercha-t-il à se rétablir dans la douceur du climat du sud de la France. Les difficultés financières augmentèrent les inconforts de la santé défaillante de Boieldieu qui perdit progressivement l’usage de la parole, sans doute du fait d’un cancer du larynx. La faillite de l’opéra-comique et l’expulsion, à la révolution de 1830, de Charles X, qui lui versait une pension, le privant de ses principales sources de revenus, ajoutèrent à son malheur. Afin de lui éviter la misère, Thiers lui assura une pension de l’État de 6 000 francs.
Le 25 septembre 1834, il fit sa dernière apparition publique à l’occasion de la première du Chalet d’Adolphe Adam, à l’issue de laquelle il rendit hommage à son ancien élève en lui écrivant : « Je voudrais que cette musique fût de moi ».

Il meurt le 8 octobre 1834, dans sa maison de campagne de Varennes-Jarcy.

Son fils Adrien (1816-1883), éduqué au conservatoire sous son père, était également compositeur.
Sa petite-fille, la pianiste Louise Boieldieu, fille d’Adrien Boieldieu et de Fanny Defourneaux, épousa le compositeur Émile Durand.

Le Grand Théâtre de Lübeck présente en octobre l'opéra exceptionnel La passagère de Mieczysław Weinberg, qui a pour thème le souvenir du crime contre l'humanité qu'est Auschwitz. La première dans la mise en scène de Bernd Reiner Krieger aura lieu le 12 octobre sous la direction musicale de Takahiro Nagasaki.

Quinze ans après la fin de la Seconde Guerre mondiale, un diplomate allemand et sa femme voyagent sur un bateau entre l'Europe et le Brésil, où il doit prendre un nouveau poste. Soudain, la femme perçoit à bord une passagère qui lui rappelle une prisonnière du camp de concentration d'Auschwitz, où elle était elle-même surveillante. Elle n'a jamais parlé de ce passé à son mari et l'a elle-même refoulé autant que possible. Mais maintenant, des images de sa propre implication et de sa culpabilité surgissent ; le voyage en bateau la conduit inexorablement dans ses propres abîmes.

Dans son roman "La passagère", Zofia Posmysz, survivante d'Auschwitz, s'est inspirée d'expériences autobiographiques. Mieczysław Weinberg, profondément ému par l'histoire, a composé en 1968 un opéra d'après le sujet, qui n'a jamais été représenté de son vivant et qui a été donné pour la première fois sous forme scénique en 2010.
L'œuvre, qui s'oppose de toutes ses forces à l'oubli de cette rupture civilisationnelle, est précédée d'une citation du poète Paul Éluard en guise de devise : « Si l'écho de vos voix s'éteint, nous périrons ».

Le Concours de violon Joseph Joachim, qui a lieu tous les trois ans à Hanovre, a décerné cette année 2024 un premier prix ex aequo à Angela Chan (Hong Kong) et Jacques Forestier (Canada), âgés respectivement de 27 et 19 ans.

Ils recevront chacun un prix en espèces de 15 000 euros. Angela Chan a également remporté le prix de la meilleure interprétation de l'œuvre commandée à Enno Poppe, tandis que le prix du public a été décerné à Jacques Forestier. Le troisième lauréat, Kyumin Park, recevra 10 000 euros.

Le Coq d'Or est un opéra en trois actes. Vladimir I. Bielski en a composé le livret intégral, d'après le conte en vers de Pouchkine « Le Coq d'or ». La création du dernier opéra de Rimski-Korsakov eut lieu le 7 octobre 1909 à Moscou au théâtre Solodovnikov, sous la direction d'Emil Cooper.

Les intentions satiriques du compositeur envers le tsarisme sont indiscutables : cet opéra, composé une dizaine d'années avant la révolution de février 1917, montre que Rimski sentait venir l'orage. La censure en interdit la représentation du vivant du compositeur.

Nikolaï Rimski-Korsakov avait considéré son précédent opéra, La Légende de la ville invisible de Kitège et de la demoiselle Fevronia (1907), comme sa dernière déclaration artistique dans le domaine et, en effet, cette œuvre a été qualifiée de somme de la tradition opératique nationaliste de Glinka et des Cinq. Cependant, la situation politique de la Russie de l'époque l'incite à prendre la plume pour composer une "satire acérée de l'autocratie, de l'impérialisme russe et de la guerre russo-japonaise". Par ailleurs, les précédentes œuvres de Rimski-Korsakov inspirées des poèmes d'Alexandre Pouchkine, en particulier Le Conte du tsar Saltan (1899-1900), s'étaient avérées très réussies.

Quatre facteurs ont influencé le compositeur dans l'écriture de l'opéra :

- Pouchkine. Toutes les autres œuvres de Rimski-Korsakov inspirées des œuvres du grand poète, en particulier Le Conte du tsar Saltan, avaient été de grands succès. On retrouve la même magie dans Le coq d'or.

- Bilibine. Ivan Bilibine avait déjà réalisé des scènes pour Le Coq d'or, avec le même goût pour le folklore russe traditionnel que pour Le Conte du tsar Saltan.

- La Guerre russo-japonaise. Sous le tsar Nicolas II, la Russie a mené une guerre contre le Japon qui était très impopulaire parmi les Russes et qui s'est soldée par un désastre militaire et une déroute pour la Russie (dans la pièce, le tsar Dodon décide follement d'attaquer un État voisin, provoquant un grave désordre et une effusion de sang. Le tsar lui-même consacre plus d'attention à ses plaisirs personnels et finit mal).

- La révolution russe de 1905. De nombreux Russes n'étaient pas seulement mécontents de la guerre avec le Japon, mais aussi de leurs conditions de vie misérables. Le 9 janvier 1905, une manifestation pacifique menée par un prêtre devant le Palais d'Hiver pour réclamer de meilleures conditions de travail s'est soldée par un massacre perpétré par les troupes tsaristes : ce jour est entré dans l'histoire sous le nom de "Dimanche rouge". Cette nouvelle a provoqué d'autres troubles dans le pays, notamment la célèbre mutinerie du cuirassé Potemkine. Les étudiants du Conservatoire de Saint-Pétersbourg manifestent également contre le tsar, avec le soutien de Rimski-Korsakov : en conséquence, il est démis de ses fonctions à la tête du Conservatoire ; en signe de protestation, Alexandre Glazounov et Anatoli Liadov démissionnent également.

Rimski-Korsakov décide alors de composer un opéra pour dénoncer le désastreux régime tsariste et, en 1906, il commence à travailler sur Le Coq d'or. Le livret est confié à Vladimir Bel'skij qui apporte quelques modifications et introduit de nouveaux personnages par rapport à l'histoire de Pouchkine. L'écriture de l'opéra progresse rapidement et, en septembre 1907, la partition est achevée et publiée. À la fin du mois de février 1908, le directeur des Théâtres impériaux Vladimir Telyakovskiy transmit la partition à l'agence de censure afin d'obtenir une approbation pour le Théâtre Bolchoï. La partition fut renvoyée sans avoir été éditée, mais elle fut soudainement reprise le lendemain. Cette fois, de nombreux changements furent demandés pour le livret ainsi que pour le texte original de Pouchkine. Rimski-Korsakov soupçonne une dénonciation de la part de quelqu'un et s'oppose à tout changement. Il continue à travailler sur l'orchestration tout en luttant contre une maladie progressive.
En juin 1908, Telyakovskiy l'informa que le gouverneur général de Moscou Sergei Gershelman était très opposé à l'opéra. Rimski-Korsakov est contraint d'accepter les exigences de la censure, mais demande que les livrets avec le texte original complet soient vendus séparément de la représentation dans la version originale. Dans sa dernière lettre, Rimski-Korsakov demanda à son ami et éditeur de musique Boris Jurgenson de contacter Michel Dimitri Calvocoressi et de lui suggérer de mettre en scène Le coq d'or à Paris. Il mourut deux jours plus tard et n'assista donc jamais à la création de son dernier opéra. La première représentation a eu lieu au théâtre Solodovnikov de Moscou le 24 septembre 1909, un an après la mort du compositeur, et a été jouée avec de nombreux changements imposés par la censure.

Das Fürstenkind est une opérette en deux actes avec un prélude de Franz Lehár. Le livret a été écrit par Victor Léon en utilisant un personnage du roman "Le roi des montagnes" d'Edmond About. L'œuvre a été créée le 7 octobre 1909 au Johann Strauss-Theater de Vienne.

L'opérette se déroule en Grèce au début du 20e siècle. L'enfant du prince est la princesse Photini. Celle-ci est amoureuse d'un officier américain qui veut retrouver un criminel notoire. Tous deux ignorent que le criminel en question est le père de Photini, Hadji, qui mène une double vie. La suite de l'intrigue s'articule autour de cette situation initiale.

Das Fürstenkind a été composée à peu près en même temps que l'opérette Le Comte de Luxembourg, créée peu après, le 12 novembre 1909. Contrairement à cette dernière, elle n'a pas réussi à s'imposer sur les scènes des théâtres. Même une nouvelle version créée en 1932 sous le titre Der Fürst der Berge n'a pas eu de succès. Aujourd'hui, l'opérette en tant qu'œuvre complète n'est plus que rarement jouée, voire pas du tout.

Hermann Schroeder (26 mars 1904 - 7 octobre 1984) est un compositeur et musicien d'église allemand.

Schroeder est né à Bernkastel et a passé la plus grande partie de sa vie à travailler en Rhénanie. La famille de sa mère avait des ancêtres communs avec Beethoven. Il étudie de 1926 à 1930 à la Hochschule für Musik Köln, où ses professeurs les plus importants sont Heinrich Lemacher et Walter Braunfels (composition), Hermann Abendroth (direction) et Hans Bachem (orgue).

Ses principaux domaines d'activité en tant que compositeur, chef d'orchestre et organiste étaient complémentaires à son travail de professeur de direction chorale, de contrepoint et de composition. Après avoir obtenu son diplôme du conservatoire, il obtient un poste d'enseignement de la théorie musicale à la Rheinische Musikschule de Cologne. Huit ans plus tard, il devient organiste à la cathédrale de Trèves. Il reste à ce poste jusqu'à la fin de la guerre, en ajoutant le poste de directeur de l'École de musique de Trèves en 1940. Après la guerre, il enseigne le solfège à la Musikhochschule de Cologne à partir de 1946, y devient professeur en 1948 et directeur adjoint en 1958. Il est également lecteur à l'Université de Bonn de 1946 à 1973 et maître de conférences à l'Université de Cologne de 1956 à 1961. Il a également dirigé divers ensembles semi-professionnels tels que le Bach-Verein Köln et le Rheinischer Kammerchor.

Il a eu Karlheinz Stockhausen comme élève.

Schroeder est décédé le 7 octobre 1984 à Bad Orb à l'âge de 80 ans.

Les principales réalisations de Schroeder en tant que compositeur se trouvent dans la musique d'église catholique, où il a tenté de se libérer du monopole persistant détenu par la musique romantique. Ses œuvres se caractérisent par l'emploi d'éléments médiévaux tels que le chant grégorien, les gammes modales et le fauxbourdon qu'il combinait avec des harmonies composées de quartes et de quintes et quartes et une écriture polyphonique linéaire, parfois atonale du XXe siècle, similaire à celle de Paul Hindemith¹. Son catalogue comprend beaucoup de musique d'orgue ainsi que des arrangements de chansons folkloriques, des arrangements allemands de l'Ordinaire et du Propre de la Messe et de la musique de chambre (en particulier avec l'orgue).

Shura Cherkassky (7 octobre 1909 – 27 décembre 1995) est un pianiste américain né Russe, connu pour ses interprétations du répertoire romantique. Son jeu était caractérisé par une grande liberté et individualité, une sonorité d'une grande variété de couleurs. Et son répertoire était connu pour être très étendu allant de Johann Sebastian Bach à György Ligeti. Il a quasi toujours vécu à l'hôtel d'abord à Nice après la Seconde Guerre mondiale, où sa mère est enterrée, puis à Londres, où il est mort.

Alexandre Isaakovich Cherkassky est né à Odessa en Russie (désormais en Ukraine). Sa famille s'établit ensuite aux États-Unis afin de fuir la Révolution russe.

Les premiers cours de musique de Cherkassky lui furent donnés par sa mère, Lydia Cherkassky, qui joua pour Tchaikovsky à Saint-Pétersbourg. Elle enseigna également au pianiste Raymond Lewenthal. Aux États-Unis, Cherkassky continua ses études de piano à l'Institut Curtis sous la direction de Josef Hofmann. Toutefois, avant d'étudier avec Hofmann, Cherkassky auditionna pour Sergueï Rachmaninov, qui lui conseilla de cesser de se produire pendant au moins deux ans et de changer la position de ses mains sur le clavier. Hofmann, lui, suggéra à Cherkassky de continuer à jouer en public. Hofmann lui recommanda de s'exercer quatre heures par jour, ce que Cherkassky fera consciencieusement toute sa carrière. Cherkassky avait un répertoire très varié et composé d’une grande quantité d’oeuvres (du baroque à Luciano Berio). Ses études avec Hofmann continuèrent jusqu'en 1935.

Cherkassky s'est très régulièrement produit jusqu'à la fin de sa vie, et parmi ses nombreux enregistrements, les meilleurs sont issus de récitals et concerts captés sur le vif.

Le chef canadien Yannick Nézet-Séguin a reçu la médaille d'honneur Kilenyi Bruckner de la Bruckner Society of America. Le Philadelphia Orchestra, dont Nézet-Séguin est le directeur musical et artistique, a partagé la nouvelle sur les médias sociaux, en soulignant le moment où le président de la société, le Dr Benjamin Korstvedt, lui a remis la médaille à la suite du succès qu'il a remporté le week-end dernier en dirigeant la Septième Symphonie de Bruckner.

La médaille d'honneur Kilenyi Bruckner a été créée en 1933 par le sculpteur américain d'origine hongroise Julius Kilenyi pour exprimer et perpétuer son admiration pour la musique d'Anton Bruckner. Cette récompense a été décernée à des personnalités du monde musical telles que George Szell, Riccardo Chailly, Arturo Toscanini et Paul Hindemith, entre autres.