La première édition du Festival de Música Sacra de Granada MUSAG, sous la direction artistique du claveciniste et chef d'orchestre Darío Tamayo, débute demain, le 3 octobre. L'objectif de MUSAG est de mettre en relation le répertoire sacré de différentes époques (avec une attention particulière pour le répertoire baroque espagnol et latino-américain) avec les espaces monumentaux les plus représentatifs du patrimoine historique et artistique de Grenade.

Jusqu'au 23 octobre, le MUSAG proposera cinq concerts et deux conférences, dont l'entrée sera gratuite jusqu'à ce que la salle soit pleine. L'ensemble Íliber sera le résident permanent du festival. En outre, le cycle cherchera à soutenir la composition musicale contemporaine, une idée qui se cristallisera dans les éditions futures à travers la commande de musique nouvelle et la création de la figure du compositeur en résidence.

Le concert inaugural sera donné ce jeudi par le groupe hispano-allemand GeheimMusik, dirigé par le flûtiste à bec Moisés Maroto, dans le cadre du programme "La música secreta de Cristóbal de Morales : Entre lo sagrado y lo profano" (La musique secrète de Cristóbal de Morales : Entre le sacré et le profane).

La Brahms-Gesellschaft Schleswig-Holstein a décerné cette année son prix Brahms au chef d'orchestre Kent Nagano.
Ces dernières années, en tant que directeur musical de l'Orchestre Philharmonique d'État de Hambourg, il s'est intéressé de plus près à Johannes Brahms et a ouvert de nouvelles perspectives sur l'œuvre du compositeur d'Allemagne du Nord.
La personnalité de Kent Nagano allie de manière inhabituelle l'esprit de découverte et le plaisir d'innover à une vision claire de la dignité de l'héritage culturel, selon la justification.
La remise du prix Brahms, doté de 10 000 euros, a eu lieu dans le cadre d'un concert de l'Orchestre Philharmonique d'État de Hambourg, qui a joué sous la direction de Nagano des œuvres de Johannes Brahms et Richard Strauss.

Le PDG a fait savoir que Maria Włoszczowska a rejoint l'orchestre en tant que leader/directrice, partageant le poste avec Lorenza Borrani.

Maria Włoszczowska, 33 ans, est actuellement chef et partenaire artistique du Royal Northern Sinfonia en Angleterre.

Le Concorso Triennale Internazionale di Liuteria Antonio Stradivari, un concours de lutherie qui attire certains des meilleurs luthiers du 21e siècle, s'est récemment achevé. Au total, 315 luthiers de 376 pays différents ont participé et ont présenté au jury 401 instruments différents.

La médaille d'or tant convoitée a été décernée à un seul instrument : un violoncelle d'Alessandro Peiretti. Cette récompense reconnaît que l'instrument en question est d'une qualité suffisante pour être exposé dans la collection de la Fondation Stauffer à Crémone.

Alessandro Peiretti a commencé à apprendre la lutherie auprès de son père, Davide, avant d'entrer au conservatoire de Turin « Giuseppe Verdi », où il a étudié le violoncelle avec Antonio Mosca. Il a également étudié avec Rocco Filippini à l'Accademia Stauffer de Crémone, ainsi qu'avec Antonio Meneses et Enrico Bronzi.

Liu Zhaojun a obtenu la meilleure note pour tous les violons et a reçu une médaille d'argent. Renzo Mandelli et Milos Seyda ont tous deux reçu une double médaille de bronze, et Borja Bernabeu a obtenu la meilleure note pour un alto. Piotr Pielaszek a reçu le prix Walter Stauffer pour un instrument au timbre magnifique.

En 2024, le jury était composé des luthiers Ulrich Hinsberger (Allemagne), Massimo Negroni (Italie), Benjamin Ruth (États-Unis), Elisa Scrollavezza (Italie) et Gao Tong Tong (Chine)  ainsi que des violonistes Fabrizio von Arx (Italie/Suisse) et Daniel Rubenstein (Belgique), de l'altiste Alberto Salomon (Italie), du violoncelliste Dan Sloutskovski (Russie) et de la contrebassiste Mirela Vedeva Ruaux (Bulgarie).

« Le Concours a grandi et s'est amélioré au cours de toutes ces éditions grâce à la contribution de la communauté de nos luthiers, qui ont suggéré de temps à autre des améliorations constantes du règlement, ainsi que des nombreux jurés qui, à la fin des différentes éditions, nous ont laissé de précieuses notes sur leur expérience, d'ailleurs toujours très appréciée », a déclaré Paolo Bodini, président du jury.

 

En raison du très haut niveau artistique du 4e Concours international de piano Brahms de Detmold, le jury a décidé de partager le Premier Prix et de l'attribuer ex aequo à Elisabeth Tsai (États-Unis) et Martin Jaspard (France). Tous deux reçoivent 6.250 euros ainsi que de nombreux engagements pour des concerts ultérieurs.

Elisabeth Tsai, 25 ans, qui étudie actuellement à la Guildhall School of Music and Drama de Londres avec Ronan O'Hara, et Martin Jaspard, 19 ans, élève d'Hortense Cartier-Bresson au Conservatoire de Paris, ont fasciné à la fois le public du Konzerthaus de Detmold et ceux qui ont suivi le concert en livestream avec leur interprétation du 1er Concerto pour piano de Brahms. Ils étaient accompagnés par la Nordwestdeutsche Philharmonie sous la direction de Florian Ludwig. Au cours du concours, le jeu de Martin Jaspard s'est distingué par une grande intelligence structurelle, une articulation claire et différenciée et -malgré son jeune âge- une maturité et un naturel remarquables. Elisabeth Tsai a captivé le jury et le public par sa grande présence scénique, son tempérament entraînant et sa capacité à s'immerger profondément dans la musique. La troisième place a été remportée par le Japonais Rei Harada, âgé de 19 ans, qui s'est distingué par un jeu très cultivé, sans minauderies, et une interprétation responsable. Il s'est vu garantir un concert au Moritzburg de Zeitz.

 

Juste à temps pour le 75e anniversaire du compositeur -le 22 octobre-, le Deutsche Oper am Rhein de Düsseldorf reprend sa création du dernier opéra de Manfred Trojahn, Septembersonate. La première de cette pièce de chambre musicale a eu lieu fin 2023.  Johannes Erath met en scène l'opéra vibrant et riche en couleurs de Manfred Trojahn d'après une nouvelle de Henry James dans un univers très imagé de fantômes intérieurs qui ne se laissent pas si facilement secouer.

La compositrice Marisa Manchado et la soprano Yolanda Auyanet  ont reçu les Prix nationaux de musique 2024 dans les catégories Composition et Interprétation. Ces prix, décernés chaque année par le ministère de la Culture par l'intermédiaire de l'Institut national des arts scéniques et de la musique (INAEM), sont dotés de 30 000 euros chacun.

Le jury a décerné le prix à Mme Manchado pour son opéra La Regenta, une production du Teatro Real et du Teatro Español en 2023, « une lecture actualisée d'un classique de la littérature universelle, à travers laquelle elle donne une voix à un personnage féminin emblématique, soulignant l'engagement de longue date de la compositrice en faveur de l'égalité ». La Regenta s'ajoute ainsi à « un corpus de plus de 150 œuvres, vocales, de chambre, symphoniques et autres, une carrière dans laquelle la recherche de nouveaux formats et langages a toujours été présente, et dans laquelle la recherche et l'interaction entre les différentes disciplines artistiques et académiques ont prévalu, ainsi qu'un engagement pédagogique constant ».

Pour sa part, Yolanda Auyanet a été récompensée « pour ses débuts acclamés dans le rôle de Tosca au Teatro de la Maestranza de Séville en 2023, avec lesquels elle a prolongé une carrière de trois décennies marquée par les rôles féminins les plus exigeants, de Gilda ou Violetta, aux rôles de bel canto Norma, Lucia di Lammermoor, Isabel I de Roberto Devereux, ou Lucrezia Borgia, et où elle a démontré son énorme virtuosité et sa capacité d'interprétation ».

Marisa Manchado Torres (Madrid, 1956) a étudié l'accompagnement et l'harmonie, le contrepoint et la fugue, la composition et l'orchestration au Real Conservatorio Superior de Música de Madrid, obtenant à la fin de ses études une mention honorable dans la chaire d'A. García Abril. Sa formation de compositrice a été complétée en Espagne par Carmelo Bernaola et Luis de Pablo. Elle a ensuite poursuivi ses études de composition à l'Université de Paris VIII avec Horacio Vaggione et à l'Accademia Chigiana de Sienne avec Franco Donatoni et B. Ferneyhough. Ferneyhough. Elle est également titulaire d'un doctorat en psychologie de l'Université Complutense de Madrid et est thérapeute en Gestalt. En 2022, elle termine sa thèse de doctorat El Laboratorio de Informática y Electrónica Musical (LIEM) del Centro para la Difusión de la Música Contemporánea (CDMC) : "un instrumento inclusivo para la creación electroacústica", avec laquelle elle remporte le Premio Fundación SGAE a la mejor tesis doctoral 2021.

En tant que compositrice, son catalogue est très vaste, avec plus de 150 œuvres comprenant de la musique pédagogique, de chambre, vocale, symphonique, lyrique et électroacoustique. Elle a reçu des commandes de différentes organisations nationales et internationales et ses œuvres ont été récompensées par le Premio Iberoamericano de la Música Comuarte 2007, le Premio Nacional Daniel Montorio 1995, la deuxième place du Xe Concurso de Composición para órgano Cristóbal Halffter 1989 et la Mención de Honor Fin de Carrera en Composición (1983), entre autres.

Parmi ses dernières œuvres, la première mondiale de sa pièce pour saxophone solo Silencio 4 au Festival de Música Contemporánea de Madrid COMA, en 2019, une année prolifique dans sa carrière qui se termine avec la sortie de son œuvre En tiempos turbulentos avec le Cuarteto Quiroga, dans le programme du CNDM. En 2021, l'Auditorio Nacional accueille la première de El árbol rosa, sur des textes d'Emilia Pardo Bazán, interprétée par l'Orquesta de la Comunidad de Madrid (ORCAM). En 2022, son œuvre pour voix et piano En la tierra de nadie, basée sur le poème du même nom de Carmen Conde, sera présentée le 8 mars aux Teatros del Canal et, en mai, il créera La huella de Clara Schumann.

Yolanda Auyanet (Las Palmas de Gran Canaria, 1970) a étudié au Conservatoire supérieur de sa ville natale et s'est ensuite installée à Barcelone, où elle a fréquenté le Conservatoire du Liceu. C'est là qu'elle rencontre le baryton Jerzy Artysz, qui lui donne la formation technique et interprétative qui lui permet de faire ses débuts en Italie, à l'âge de vingt-trois ans, dans La bohème (dans le rôle de Musetta).
En 1996, Alfredo Kraus l'invite à participer à son concert d'hommage au Teatro de la Zarzuela, où elle interprète avec lui des extraits de Doña Francisquita et de Werther.
À partir de 1997, sa carrière se concentre principalement sur l'Italie, sans perdre de vue le reste de l'Europe, et elle élargit son répertoire avec des opéras de Mozart (Così fan tutte, Le nozze di Figaro, Die Zauberflöte), Donizetti (Don Pasquale, La fille du régiment), Bellini (I Capuleti e i Montecchi), Verdi (Falstaff), Puccini (La bohème et Liù de Turandot), ainsi que des opéras moins connus de Paisiello (Il Socrate immaginario), Martin y Soler (Una cosa rara) et Blow (Venus & Adonis).

 

Alexeï Vladimirovitch Stantchinski  est un compositeur et pianiste russe né le 9 mars 1888 à Obolsounovo (gouvernement de Vladimir) et mort le 2 octobre 1914 (à 26 ans) près de Logatchiovo (gouvernement de Smolensk).

Alexeï Stantchinski commence à composer et jouer ses œuvres à l’âge de six ans.
En 1899, sa famille s'installe à Logatchiovo, et à partir de 1904 il visite fréquemment Moscou où il prend des leçons privées de piano auprès de Josef Lhévinne et de Konstantin Eïgues, d’harmonie et contrepoint chez Nikolaï Jiliaïev et de composition chez Alexandre Gretchaninov. C’est ce dernier qui présente le jeune musicien à Sergueï Taneïev, et, en 1907, Stantchinski entre dans la classe de composition au Conservatoire de Moscou (parallèlement il apprend le piano auprès de Constantin Igoumnov).

Après la mort de son père en 1908, Stantchinski souffre d’une maladie mentale et on l’installe en maison d’aliénés. Vers 1910, son état s’améliore et il retourne à la vie musicale. Ses œuvres parues à ce temps révèlent une maturité en une liberté de style. Il commence à apprendre la musique populaire, fait connaissance avec Alexandre Scriabine et Nikolaï Medtner et reprend ses études avec Eïges. Son concert dans la Petite salle du conservatoire de Moscou, où il joue ses propres œuvres parmi autres, a beaucoup de succès, mais sa santé s’aggrave et il va en Crimée. Au début d’octobre 1914, il revient à Logatchiovo mais quelques jours après il se noie dans la rivière. Les circonstances de sa mort restent inconnues jusqu’aujourd’hui.

Au début de sa carrière, Stantchinski est sous l’influence d'Alexandre Scriabine et Edvard Grieg et son harmonie est, dans une certaine mesure, pareille à celle de Modeste Moussorgski. Plus tard, il forme son propre style marqué par des expériences avec le rythme et une grande maîtrise polyphonique. Il quitte aussi l’harmonie chromatique pour les structures sans tonalité fixée, en créant un espace pandiatonique. Ses œuvres pour piano sont remarquables par leur emploi de mesures inhabituelles, à cinq temps, à sept temps, à onze temps, et même à dix-sept temps (Andante epico, n^o 6 des Douze esquisses op.1 de 1911).

La plupart de ses compositions restent inédites pendant sa vie. Pendant les années 1920, à l’aide de Nikolaï Jiliaïev et d'Anatoli Alexandrov, quelques pièces paraissent et ce n’est qu’en 1960 que ses œuvres complètes pour piano seront publiées.

František Tůma, né à Kostelec nad Orlicí, près de Hradec Králové en Bohême, le 2 octobre 1704 et mort à Vienne d'une pneumonie le 3 février 1774, est un compositeur de musique baroque.

Né d'une famille de tradition musicale (son père était maître de chant et organiste), il fait ses études à Prague, au Clementinum, prestigieuse université jésuite où étudia, entre autres, Jan Dismas Zelenka. Il chante comme ténor à l'église de Saint-Jacques des Minorites sous la direction du compositeur, pédagogue et réputé maître de chapelle Bohuslav Matěj Černohorský qui y exerce ses fonctions et enseigne le contrepoint.

Il aurait en 1723, à l'âge de 19 ans, tenu la partie de théorbe aux côtés du célèbre luthiste Sylvius Leopold Weiss et de son aîné, le violoniste Zelenka, à l'occasion de la représentation, à Prague, de l'opéra Costanza e fortezza, de Johann Joseph Fux, donné pour le Comte Philippe Joseph Kinský, alors haut-chancelier de Bohême qui l'encourage à travailler le contrepoint avec Johann Joseph Fux.

Le Comte Kinský le nomme maître de chapelle de sa propre Cour, entraînant une longue amitié qui perdurera tout au long de leur vie. Le Comte devient le parrain des trois enfants du compositeur et l'encourage, à la mort de Johann Cristoph Gayer en 1734, à déposer sa candidature en tant que maître de chapelle de la cathédrale Saint-Guy de Prague. Mais celle-ci arrive trop tard. Tůma reste donc au service des Kinský jusqu'à la mort du Comte en 1741.
En mars de cette même année, la veuve de Charles VI, Élisabeth-Christine, fonde sa propre chapelle musicale. Elle nomme Tůma à sa tête en lui attribuant un salaire de 800 ducats, pension qui augmentera à la mort de la veuve (1750).

Il se met ensuite en retrait, mais non sans activité, puis se retire en 1768 au monastère des Prémontrés de Geras (Basse-Autriche). Il y forme des musiciens comme Thomas Frieberth. Après six ans, il revient à Vienne et s'installe chez les "Frères de la Charité", mais meurt peu après, en automne 1774.

Ses compositions (messes, motets, etc.) pour l'église, étaient très appréciées, mais n'ont jamais été publiées de son vivant. On remarque notamment un Miserere composé sur ordre de Marie-Thérèse d'Autriche et les Matines pour les défunts.

Antonio Cifra (1584? - Loreto, 2 octobre 1629) est un compositeur italien de l'École romaine de la Renaissance et du début de l'ère baroque. Il est une des figures transitoires entre les styles musicaux Renaissance et baroque.

Cifra a étudié avec Giovanni Bernardino Nanino à partir du 27 juin 1594 jusqu'en 1596 à l'église de San Luigi dei Francesi à Rome ; en janvier 1597 il a été admis dans la Cappella Giulia.

De 1605 à 1607, il était directeur de musique au séminaire romain, et de 1608 à 1609 il a tenu le même poste au Collège germanique de Rome.

En 1609, il a été loué comme maestro di cappella à la sainte Maison de Loreto et il a tenu ce poste pour le reste de sa vie. Les liens culturels entre Loreto et Rome étaient étroits (Loreto fut, pendant trois siècles, le lieu de pèlerinage le plus fréquenté d’Occident, et la via lauretana (Rome-Loreto) son chemin principal), et il a maintenu le contact avec les compositeurs à Rome pendant cette période.

Vers la fin de sa vie, il a participé à plusieurs grands événements musicaux à Rome, y compris pour des Vêpres à la Basilique Saint-Pierre pour laquelle il a dirigé un des chœurs.

Cifra était un compositeur prolifique, avec 45 publications faites sous son nom : elles incluent des psaumes, des motets, des litanies, des « Scherzi sacri », des chants, des motets à un ou plusieurs chœurs, aussi bien que de la musique profane avec des madrigaux avec ou sans accompagnement instrumental.

Stylistiquement, la musique de Cifra évolue graduellement, partant du modèle palestrinien, avec beaucoup d'utilisation de l'homophonie (comme le Concile de Trente l'avait recommandé) et peu d'élaboration polyphonique pour ne pas nuire à la compréhension du texte, jusqu'à des travaux plus progressifs dans le modèle vénitien. Il a également employé la technique de la monodie accompagnée, déjà déployée dans le nord de l'Italie, pour certains de ses madrigaux. Certains de ses madrigaux sont plus développés, annonçant la forme de la cantate, qui a commencé à émerger peu après l'époque de sa mort.

Cifra était également l'un des rares compositeurs à être influencé par le chromatisme extrême de Carlo Gesualdo. Il a réservé cette technique pour un livre de madrigaux qui semble être fait délibérément sur le modèle de Gesualdo (les « Madrigali concertati libro quinto » de 1621) ; il a d'ailleurs repris 18 des propres textes de Gesualdo.