Arnold Schönberg, ou Arnold Schoenberg est un compositeur, peintre et théoricien autrichien né le 13 septembre 18743 à Vienne, et mort le 13 juillet 1951 à Los Angeles. Deux siècles après Jean-Sébastien Bach et Jean-Philippe Rameau, qui avaient posé les fondements de la musique tonale, il chercha à émanciper la musique de la tonalité et inventa le dodécaphonisme, qui aura une influence marquante sur une part de la musique du XXe siècle.

Arnold Schönberg est né au sein d’une famille juive ashkénaze de la classe moyenne à Leopoldstadt à Vienne (anciennement un ghetto juif). Son père Samuel, né à Szécsény en Hongrie, qui déménagea à Pozsony (en français Presbourg, faisant alors partie du Royaume de Hongrie, aujourd'hui Bratislava en Slovaquie) puis à Vienne, était propriétaire d'un magasin de chaussures et sa mère, Pauline Schönberg (née Nachod), native de Prague, enseignait le piano.

Il fut avant tout autodidacte. Il reçut uniquement des leçons de contrepoint de celui qui devint son premier beau-frère, le compositeur Alexander von Zemlinsky. Il fonda avec ses élèves Alban Berg et Anton Webern la Seconde école de Vienne, avant de s'installer à Berlin pour y enseigner la musique. Pédagogue et théoricien de réputation mondiale, Schönberg eut pour autres élèves notamment Hanns Eisler, Egon Wellesz, Otto Klemperer, Theodor Adorno, Viktor Ullmann, Winfried Zillig, Nikos Skalkottas, Josef Rufer, Roberto Gerhard et John Cage avec lequel il entretenait une relation très amicale.

Après des œuvres qui procèdent de son admiration pour Richard Wagner et Richard Strauss, dont il a assimilé l'art avec une prodigieuse maîtrise (La Nuit transfigurée, pour sextuor à cordes, 1899 ; les Gurrelieder, cantate profane en deux parties pour chœurs, solistes et grand orchestre, 1900-1911 ; le Quatuor à cordes no 1, 1905), il élimine au terme d'une profonde évolution -dont les étapes principales sont le Quatuor à cordes no 2, 1908, avec sa partie pour soprano dans le dernier mouvement, sur un poème approprié de Stefan George affirmant « je respire l'air d'autres planètes » ; les Cinq Pièces pour orchestre, 1909 ; les Six petites pièces pour piano, 1911- les relations tonales et élabore le mode de déclamation du « Sprechgesang » (« chant parlé ») avec Pierrot lunaire pour soprano et cinq instruments solistes en 1912. Cette composition l'établit définitivement en tête des compositeurs les plus influents de son temps. Igor Stravinsky (Trois poésies de la lyrique japonaise) et Maurice Ravel (Trois poèmes de Mallarmé) l'imitent, Darius Milhaud le fait jouer à Paris et Ernest Ansermet à Zurich, tandis que l'Europe musicale se divise en atonalistes et anti-atonalistes. Ces derniers perturbèrent le concert du 31 mars 1913 (qui fut appelé par la suite « Skandalkonzert ») qui ne put aller à son terme. La première audition du Sacre du Printemps de Stravinsky, à Paris, en mai de la même année, donna lieu à une « bataille » tout aussi célèbre (comme l'avait été celle d'Hernani, drame de Victor Hugo, en 1830). Certains opposants demandèrent également le renvoi de Schönberg de sa chaire de professeur.

Patriote autrichien dans l'âme (et plus tard nostalgique de l'empire des Habsbourg), il se porte, malgré son âge relativement avancé, volontaire durant la Première Guerre mondiale et sert à l'arrière. Cet engagement lui vaudra l'animosité de Claude Debussy, tout aussi patriote que lui, mais du bord opposé.

Recherchant de plus en plus le systématisme de la construction musicale dans l'esprit du classicisme du XVIIIe siècle, tel que synthétisé par Johannes Brahms, mais dans une expression moderne -il s'agit donc d'une double transcendance de l'esprit bacho-mozartien, car c'est finalement dans le « conservateur » Brahms que Schönberg reconnaît le véritable novateur- il inaugure en 1923 une technique de composition fondée sur la notion de série qui le place à l’avant-garde du mouvement musical : Suite pour piano (1923), Quatuor à cordes nº 3 (1927), Variations pour orchestre (1928), Moses und Aron (Moïse et Aaron, opéra inachevé, 1930-1932). Durant un séjour à Barcelone en 1929 où il vit dans le quartier de Vallcarca près du parc Güell, il compose le premier des deux Morceaux pour piano, op. 33a.

Après l'accession d'Adolf Hitler au pouvoir en Allemagne et avec la promulgation de la « Loi allemande sur la restauration de la fonction publique du 7 avril 1933 », Schönberg doit démissionner de ses activités, notamment des classes de composition qu'il donne à l'Académie prussienne des arts. Considéré par le régime nazi comme « dégénéré », il est contraint de quitter l'Allemagne.
En 1938, il fait l'objet d'une section entière (intitulée « Schönberg et les théoriciens de l'atonalité ») au sein de l'exposition Musique dégénérée, organisée à Düsseldorf par les partisans d'Alfred Rosenberg. Dans le catalogue de l'exposition qui paraît la même année, le commissaire de l'exposition Hans Severus Ziegler écrit : « L’atonalité, en tant que résultat de la destruction de la tonalité, représente un exemple de dégénérescence et de bolchevisme artistique. Étant donné, de plus, que l’atonalité trouve ses fondements dans les cours d’harmonie du Juif Arnold Schönberg, je la considère comme le produit de l’esprit juif ».

En 1933, après un court séjour en France, Schönberg est à New York, ainsi qu'à Boston où il enseigne au Malkin Conservatory. Une année plus tard, il déménage et s'établit définitivement à Los Angeles où il développe un dodécaphonisme « classique » : Concerto pour violon (1936), Ode to Napoleon Bonaparte pour baryton, Quatuor à cordes et piano (1942), Concerto pour piano (idem), Trio pour cordes (1946), Un survivant de Varsovie (oratorio dramatique, 1947).

En 1944, il est mis à la retraite par l'Université de Californie où il enseignait depuis 1936, ce qui le pousse à donner des cours particuliers. En parallèle, il écrit des œuvres qui démontrent son intérêt pour un retour à une forme de tonalité : achèvement de la Seconde « Symphonie de chambre » (Kammersinfonie, commencée en 1906, terminée en 1939), composition d'œuvres vocales d'inspiration religieuse juive (Kol Nidre 1938, Psaume 130 et Psaume moderne (moderner Psalm, 1950).

Le 2 août 1946, le compositeur faillit mourir d'un arrêt cardiaque à la suite d'une violente crise d'asthme et s'en sort grâce à une injection médicamenteuse.

Vivant dans un certain dénuement, Schönberg continue d'enseigner jusqu'à sa mort. C'est à des mécènes comme Elizabeth Sprague Coolidge et à des musiciens comme Leopold Stokowski, le pianiste Eduard Steuermann ou encore le violoniste et beau-frère du compositeur Rudolf Kolisch que nous devons les commandes de la plupart de ses œuvres de la période américaine.

Bien qu'installé à seulement à quelques pâtés de maisons de Stravinsky, Schönberg, qui le détestait car il le jugeait futile, refusait obstinément de le voir ou même d'entendre parler de lui. Stravinsky le lui rendait bien, mais ne s'opposa plus à ses théories après sa mort, et sut lui rendre hommage.

Clara Schumann, née Clara Wieck le 13 septembre 1819 à Leipzig et morte le 20 mai 1896 à Francfort-sur-le-Main, est une pianiste et compositrice allemande. Considérée comme l'une des plus grandes pianistes de l’époque romantique, elle compose des concertos pour piano et de la musique de chambre.

Elle est l’épouse du compositeur romantique Robert Schumann et le couple est très proche de Johannes Brahms. Elle est la première à avoir interprété les œuvres de son mari et celles de Brahms, et elle se produit également auprès du violoniste Joseph Joachim.

À l’âge de onze ans, elle commence à partir en tournée. Sa carrière internationale se poursuit pendant 61 ans.

En 1878, elle intègre le Conservatoire Hoch de Francfort comme professeure de piano.

Après le départ de sa mère en 1824, son père, Friedrich Wieck, célèbre professeur de piano, travaille à faire d'elle une concertiste prodige. Il lui enseigne un répertoire tape-à-l’œil, correspondant à un style contemporain, des pièces appartenant à Kalkbrenner, Henselt, Thalberg, Herz, mais dans ses créations elle s’inspire de compositeurs baroques tels que Scarlatti ou Bach.

Sa demi-sœur, Marie Wieck, est également pianiste et compositrice.

À six ans, elle donne son premier concert auprès d'Émilie Reichhold, une pianiste très réputée, et rencontre son premier succès.

En 1827, l'année de ses huit ans, elle rencontre Robert Schumann qui étudie auprès de son père et est âgé de dix-sept ans. À l'âge de seize ans, elle s'éprend de lui. Celui-ci demande sa main à son père lorsque la jeune fille atteint sa 18e année, mais Friedrich Wieck s'oppose vigoureusement à leur mariage. Les amoureux sont séparés de force, mais communiquent par le biais d'amis et de messages musicaux dans les concerts de Clara Schumann. Le mariage est finalement célébré en 1840 à Schönefeld en exécution d'une décision judiciaire. Huit enfants vont naître de leur union, ce qui ralentit fortement le parcours musical de Clara Schumann.

Première interprète des œuvres de son mari, elle fait connaître et apprécier sa musique dont, selon ce dernier, elle est alors la seule à bien comprendre les délicatesses. Clara Schumann est elle-même la compositrice d'une quarantaine d'œuvres, mais elle néglige en partie la composition au profit du piano et de son rôle de maîtresse de maison. En tant que pianiste, elle est considérée comme l'une des plus grandes pianistes du XIXe siècle.

En 1854, Robert Schumann est interné à l'asile pour aliénés du Dr Richarz, près de Bonn. Veuve en 1856, Clara Schumann devient l'amie, la conseillère et l'inspiratrice de Johannes Brahms, mais elle affirme désormais que ses seuls moments de bonheur sont ceux où elle joue ou écoute la musique de son mari disparu.

De son vivant, Clara Schumann est reconnue à travers le monde. Elle se lance dans des tournées en Angleterre, en France, en Russie jusqu'en 1891, date de son dernier concert. Entre 1831 et 1889, elle réalise plus de 1 300 performances dans toute l’Europe. Elle passe une grande partie de sa vie à interpréter les œuvres de son mari, de Brahms, Chopin et Mendelssohn.

En 1831, elle se produit au Gewandhaus de Leipzig, où elle est remarquée par les grandes personnalités et compositeurs de l'époque comme Goethe ou Chopin.

Sa plus grande période de production a lieu après la mort de son mari, entre 1856 et 1873. En 1865 elle est applaudie pour son interprétation du Concerto de piano en sol de Beethoven, en Grande-Bretagne.

À la fin de sa vie, elle accompagne des vocalises et récitals au piano.

Son travail de composition est moins important que son travail d’interprétation et de transcription en tant que pianiste, alors qu'elle semble posséder facilité et sensibilité vis-à-vis de la création. De 11 à 29 ans, elle compose une à huit pièces par an. Sa rencontre avec Brahms en 1853 a stimulé sa créativité. En effet, cette année-là, elle compose 16 morceaux, qui seront publiés un an plus tard.

Les 43 années suivantes seront dédiées à la transcription au piano des travaux de son défunt mari et de Brahms.

Elle enseigne par ailleurs le piano au Conservatoire Hoch de Francfort de 1878 à 1892. Elle est reçue dans le salon de la Landgravine de Hesse-Cassel, nièce de l'Empereur, mélomane et musicienne au talent reconnu.

La dernière année de sa vie, elle réalise plusieurs ébauches de préludes au piano pour ses étudiants mais la plupart demeurent incomplètes.

Elle meurt le 20 mai 1896, ayant enduré vers la fin de sa vie des problèmes de surdité. Elle est enterrée aux côtés de son mari au Vieux-Cimetière de Bonn.

La majeure partie des compositions de Clara Schumann n’a jamais été jouée de son vivant, puis l’artiste a été effacée des mémoires jusqu’en 1970. Depuis, ses œuvres sont activement retravaillées et enregistrées.

Le Japonais Yo Kitamura est le lauréat de la 19ème édition du Concours International George Enescu, section violoncelle, à l'issue d'une finale au cours de laquelle il a interprété le Concerto en si mineur pour violoncelle et orchestre op. 104 de Dvořák, accompagné del'Orchestre national de la radio , dirigé par Jonathan Bloxham. 

Le Jury de la section violoncelle de la 19e édition du Concours était composé des violoncellistes Arto Noras (Président), Leonid Gorokhov, Meehae Ryo, Valentin Răduţiu, Marin Cazacu, Enrico Dindo et Dan Prelipcean , ainsi que Charlotte. Lee, l'un des 14 principaux dirigeants d'artistes et Raimund Trenkler, violoncelliste et président du conseil d'administration de la Fondation Kronberg Academy.

Pendant trois jours, Musikfest Berlin a prévu trois concerts pour faire revivre la figure de la compositrice américaine Ruth Crawford Seeger.

Née en 1901 dans l'Ohio, elle a développé son activité de composition dans une perspective d'entnomusicologie. Ruth Crawford Seeger grandit en Floride mais se forme au Conservatoire de Chicago, où elle apprend la composition et la théorie musicale auprès d'Adolf Weidig qui sera le mécène de ses premières compositions, comme ses Préludes pour piano de 1924 et sa Sonate pour violon et piano de 1926.

Grâce à une bourse de la Fondation Guggeheim, il a pu passer quelque temps en Europe, où elle est entrée en contact avec des compositeurs de renom tels que Bela Bartók, Alban Berg et Arnold Schönberg. Son activité de compositrice est généralement divisée en deux grandes périodes : l'une, de 1924 à 1929, marquée par l'influence de Scriabine, au cours de laquelle elle expérimente l'atonalité ; et l'autre, de 1930 à 1933, au cours de laquelle elle participe à la musique sérielle. C'est précisément de cette seconde période que date l'une de ses œuvres les plus répandues, le Quatuor à cordes de 1931, « anticipant la musique d'avant-garde de l'après-guerre », selon les termes d'Alex Ross, dans son célèbre livre "The Eternal Noise".

Après 1932, date de sa rencontre avec le musicologue Charles Seeger, qui allait devenir son mari, l'activité de composition de Ruth Crawford décline au profit de son activité ethnomusicologique. En fait, après 1933, une seule composition est documentée dans son catalogue, Rissolty Rossolty, qu'elle qualifie elle-même de « fantaisie américaine pour orchestre » et qui a été écrite pour un programme éducatif de CBS.

En effet, Ruth Crawford Seeger s'est fait un nom en tant qu'experte de la musique populaire et folklorique sous les latitudes nord-américaines, collaborant avec le spécialiste Alan Lomax à deux importantes anthologies parues dans les années 1940 ("Our Singing Country", 1941, et "Folk Song : USA", 1947).

Ruth Crawford Seege a également participé à la fondation de la Société internationale pour la musique contemporaine.

En 1952, un an avant sa mort des suites d'un cancer, Ruth Crawford Seeger reprend son activité de compositrice avec la Suite pour quintette à vent. Alex Ross, déjà cité, n'hésite pas à qualifier Ruth Crawford de « l'un des rares grands compositeurs de la première moitié du XXe siècle ».

Les concerts des œuvres de Ruth Crawford Seeger au Musikfest Berlin auront lieu les 13, 14 et 15 septembre et seront dirigés par l'Ensemble Modern, sous la baguette de David Niemann, accompagné de divers solistes.

Le BBC Symphony Orchestra a renouvelé le contrat du chef d'orchestre Sakari Oramo pour cinq années supplémentaires. Il est à la tête de l'orchestre depuis 2013.
Il dirigera à nouveau la Last Night of the Proms ce samedi, en direct à la télévision.

Gavriil Nikolaïevitch Popov est un compositeur soviétique né le 12 septembre 1904 à Novotcherkassk et mort le 17 février 1972 à Repino.

Il étudie au Conservatoire de Saint-Pétersbourg de 1922 à 1930 avec Maximilian Steinberg. Il est considéré comme aussi talentueux que son contemporain Dmitri Chostakovitch ; ses œuvres de jeunesse, en particulier le septuor (ou symphonie de chambre) pour flûte, trompette, clarinette, basson, violon, violoncelle et basse, et sa Symphonie nº 1 (en) (op. 7, interdite immédiatement après sa création en 1935, et jamais rejouée de sa vie), témoignent non seulement d'une maîtrise certaine mais aussi de l'originalité et de l'audace du jeune compositeur.
Sa musique déplait aux autorités et, en 1936, il commence à écrire dans un style plus conservateur pour tenter de réfuter les accusations de formalisme.
En dépit de son alcoolisme, Popov écrit de nombreuses pièces pour orchestre, dont six symphonies.
La plupart de ses compositions, écrites selon les recommandations du système soviétique, célèbrent la vie en URSS et les héros du communisme, par exemple, sa Symphonie n° 4 intitulée « Honneur de la patrie », ou un poème-cantate titré « Honneur à notre parti ». Celles que l'on connaît montrent cependant une force créatrice quasi-intacte : invention mélodique et instrumentale vivace, profondément enracinée dans la musique populaire russe, souffle orchestral flamboyant, sens de la grande forme, comme en témoigne la vaste Symphonie n° 3 pour grand orchestre à cordes. La Symphonie n° 6 « Festive » laisse percer une ironie grandiose, cinglante et désespérée.
Popov écrivit de nombreuses musiques de films, dont celles du "Pré de Béjine" et "Tchapaïev".

Peter Arnold Heise (né à Copenhague le 11 février 1830 – mort à Tarbaek le 12 septembre 1879) est un compositeur et organiste danois.

À la suite du décès de sa mère à sa naissance, il est en partie élevé dans la famille du philosophe et écrivain Frederik Christian Sibbern, ami de la famille.

Plus tard, le père de Heise le pousse à devenir juriste, mais sa passion pour la musique le fait changer de direction. Il a commencé à écrire des mélodies à l'âge de 19 ans. Encore jeune, il a collecté plusieurs centaines de chansons folkloriques dans les villages et utilisera ces airs dans Tornerose et Bergliot (Une romance historique danoise).

Il fait ses études de musique avec Andreas Peter Berggreen et Niels Wilhelm Gade, qui aura une influence majeure sur son style. Puis il entre au Conservatoire de Leipzig pour étudier auprès de Moritz Hauptmann¹.
De 1857 à 1865, il est professeur et organiste à l'Académie de Sorø.
Entre 1861 et 1879, il effectue plusieurs voyages d'étude en Italie (1861-1862, 1867, 1868-1869 et 1879). Il va aussi à Paris en 1865. En Italie, il rencontre, entre autres, l'écrivain norvégien Bjørnstjerne Bjørnson et il a souvent utilisé par la suite des textes de Bjørnson.

Il épouse Ville Heise (1838-1912), fille d’Alfred Hage, d’une famille fortunée, ce qui lui donnera l’aisance nécessaire pour se consacrer pleinement à son art.

Peter Heise a écrit plus de 300 mélodies ou lieder, la plupart en danois. Un coffret de ses mélodies complètes avec certains des meilleurs chanteurs danois a été édité en 2021 par le label Dacapo. Certaines de ses mélodies sont aussi en allemand, ou en anglais, comme par exemple ses mélodies sur When I was and a little tiny boy et Five Erotic songs de Shakespeare.

Il a écrit aussi deux opéras. Le premier Paschaens datter (La fille du Pacha) a été créé le 30 septembre 1869. Le second opéra Drot og Marsk (Roi et maréchal, créé le 25 septembre 1878) raconte l' histoire de l'assassinat d'un roi médiéval, et porte la marque d'une certaine influence wagnérienne. Cet opéra reste encore aujourd’hui au répertoire.

Sa musique instrumentale, généralement d'excellente qualité, compte 6 quatuors à cordes, un trio avec piano, un quintette avec piano, et nombre de sonates instrumentales.

Son Quintette avec piano en fa majeur, composé en 1869 et pensé comme une réponse optimiste à celui de Brahms qu’il jugeait trop sombre, est une œuvre de premier plan. Néanmoins, l'œuvre est restée sous forme de manuscrit pendant 140 ans. En 2009, la première édition de ce quintette a été publiée par les Éditions Silvertrust, qui ont aussi réimprimé la Sonate pour violoncelle (1867) et ses deux Fantaisies pour violoncelle et piano.

Johann Benjamin Groß (également sous cette forme Johann Benjamin Gross) est un violoncelliste et compositeur allemand, né à Elbing le 12 septembre 1809 et mort à Saint-Pétersbourg le 1^er septembre 1848, emporté par le choléra.

Johann Benjamin Gross a grandi à Elbing (Elblag aujourd'hui), et a reçu ses premières leçons de musique de son père, Georg G. Gross. À Berlin, il a ensuite reçu sa formation de violoncelliste de musique de chambre avec Ferdinand Hansmann, un élève de Jean-Pierre Duport.

En 1824, Gross a obtenu son premier emploi à l'orchestre du Théâtre de Königsstadt à Berlin. En 1830, il a été premier violoncelle solo de l'Orchestre du Gewandhaus de Leipzig et il est entré dans le cercle de musique de Felix Mendelssohn Bartholdy et Friedrich Wieck, dont la fille Clara a épousé Robert Schumann.
En 1833, il a été brièvement violoncelliste dans l'orchestre du théâtre de Magdebourg.
Son ami, le mécène baron Karl Eduard von Liphart, l'a engagé par la suite à Dorpat (aujourd'hui Tartu) en Estonie pour son quatuor dirigé par Ferdinand David, qui s'est séparé après une période très productive en 1834.

En 1835 Gross est allé à Saint-Pétersbourg et a été premier violoncelle solo de l'orchestre de la Cour impériale avec le titre de « musicien de chambre impériale ». Les virtuoses du violon Heinrich Wilhelm Ernst et Henri Vieuxtemps l'appréciaient comme violoncelliste de quatuor. Il a également travaillé en tant que professeur de violoncelle et composé plus de 40 œuvres de musique, dont beaucoup sont destinées à son instrument.

François-Xavier Richter est un compositeur morave, né à Holešov dans l'Empire des Habsbourg le 1er décembre 1709 et mort à Strasbourg le 12 septembre 1789. Il est l'un des représentants importants de l'École de Mannheim.

On sait peu de choses de sa jeunesse et ses origines sont incertaines. Il reçut probablement une éducation musicale complète sous la direction de Johann Joseph Fux à Vienne.

De 1740 jusqu'à 1747, il fut vice-maître de chapelle au service du Prince-Abbé Anselme de Reichlin-Meldegg à Kempten dans l'Allgäu, en Bavière. Pendant ce temps, six de ses 69 symphonies furent publiées à Paris.

Après 1747, comme compositeur et baryton, il fit partie de la célèbre chapelle de Cour de Mannheim auprès du Prince-Electeur Charles-Théodore. Marpurg l'a inclus comme deuxième violon dans l'orchestre de la Cour. Il n'y a pas d'autres références contemporaines à des fonctions d'instrumentiste qu'il aurait exercées.

Il écrivit un « Traité d'harmonie et de composition », traduit et publié à Paris en 1804, et entreprit un certain nombre de tournées de concert, d'abord à la Cour d'Oettingen-Wallerstein (1754) puis en France, aux Pays-Bas et en Angleterre. En 1768, l'Electeur le nomma compositeur de la chambre princière.

En 1769, il succéda à Joseph Garnier comme maître de chapelle de la cathédrale Notre-Dame de Strasbourg où il eut comme assistant, et seulement à partir de 1783 (74 ans), Ignace Pleyel, le célèbre élève de Joseph Haydn qui allait lui succéder. Le poste fut convoité par rien moins que Mozart, qui rencontra Richter à Strasbourg en 1778, après son séjour parisien. Mozart a de l'admiration pour le compositeur, même s'il n'en oublie pas de rappeler son addiction à l'alcool.

Dans ses compositions, des marques du style baroque s'associent à des éléments galants : « Je suis obligé de le faire, écrivit-il à un de ses amis, autrement les gens ne vont plus à l'église ».

Richter fait partie de ces maîtres de l'École de Mannheim qui ont eu leur importance pour les débuts de la symphonie. Sa musique « montre la voie qui va de la sonate baroque en trio aux précurseurs immédiats du quatuor à cordes classique ».
Parmi ses élèves, on peut mentionner Carl Stamitz (qui épousera sa fille Marie Anne Françoise Xavière), František Xaver Pokorný, Joseph Martin Kraus (1756-92), Sébastien Demar et Ferdinand Fränzl.

La compositrice Silvia Colasanti (°1975) sera la nouvelle directrice artistique du Festival della Valle d'Itria et de l'Accademia del Belcanto « Rodolfo Celetti » à partir de la saison 2025. Son contrat court jusqu'en 2027.
Colasanti succède au manager culturel allemand Sebastian F. Schwarz, qui dirigeait le festival spécialisé dans les découvertes d'opéras depuis 2022.

Colasanti a étudié la composition au Conservatorio di Musica Santa Cecilia de Rome ainsi qu'auprès de Fabio Vacchi, Wolfgang Rihm et Pascal Dusapin. Ses œuvres ont été interprétées par des chefs d'orchestre et des solistes tels que Vladimir Jurowski, Yuri Bashmet, Salvatore Accardo, David Geringas, Nathalie Dessay, Roberto Abbado, Massimo Quarta et Maxime Pascal. En 2013, Colasanti a reçu le Prix européen du compositeur décerné par le Land de Berlin. En 2021, elle a été honorée par le Franco Buitoni Award.

Cet été, le Festival della Valle d'Itria a fêté ses 50 ans d'existence. Selon les organisateurs, il a connu une affluence record de 12.000 visiteurs, soit une augmentation de 20 pour cent par rapport à l'année précédente. 35 pour cent des spectateurs venaient de l'étranger.