Ivan Semyonovich Kozlovsky, également appelé Kozlovskiy ou Kozlovskij, est né le 24 mars [O.S. 11 mars] 1900  et décédé le 21 décembre 1993. Ténor lyrique soviétique et l'une des stars les plus connues de l'opéra russe, il était aussi producteur et directeur de sa propre compagnie d'opéra, et longtemps professeur au Conservatoire de Moscou.
Il fut "Artiste du peuple de l'URSS" (1940) et "Héros du travail socialiste" (1980).

Ivan Kozlovsky est né dans le village de Marianivka, près de Bila Tserkva, dans le gouvernorat de Kiev, dans l'Empire russe (aujourd'hui en Ukraine), et il a commencé à chanter à l'âge de sept ans dans la chorale du monastère Saint-Michel au dôme d'or.
Il a ensuite étudié l'art dramatique, le piano et le chant (avec la célèbre soprano Olena Muravyova) à l'Université nationale du théâtre, du cinéma et de la télévision I. K. Karpenko-Kary de Kiev. Il chante également avec son frère dans la chorale d'Alexander Koshetz à Kiev. Cette formation a été interrompue au bout de deux ans, en raison de l'éclatement de la guerre civile qui a suivi la révolution russe. Kozlovsky chante dans un quatuor vocal sous la direction d'O. Sveshnikov. Sa voix lui permet de rejoindre le génie de l'armée, en tant que chanteur principal d'un orchestre militaire.

Il fait ses débuts à l'opéra en 1920 dans le rôle de Faust au théâtre de Poltava, où il chante jusqu'en 1923. Il a ensuite été engagé à l'opéra de Kharkiv en 1923-1924 et à l'opéra d'Ekaterinbourg (alors appelé Sverdlovsk) en 1924-1926, avant de devenir l'un des principaux ténors du théâtre Bolchoï de Moscou de 1926 à 1954. Il a passé une audition mémorable au Bolchoï en 1924, atteignant avec aisance les notes les plus aiguës du registre (tout au long de sa carrière, il a acquis la réputation de chanter la note la plus haute possible et de s'y accrocher pour bénéficier de l'adulation).
Au Bolchoï, il est placé sous le mentorat de Leonid Sobinov, le plus grand ténor russe de l'époque. Kozlovsky a ensuite chanté dans plus de 50 opéras en tant que ténor principal du Bolchoï.

En 1938, Kozlovsky a organisé et dirigé un ensemble de concert de chanteurs d'opéra, le VTO Soviet Opera Ensemble, se mettant lui-même en scène dans Werther de Massenet et Orfeo ed Euridice de Gluck, entre autres productions. Il a reçu le titre prestigieux d'artiste du peuple de l'URSS en 1940.

Connu pour être le chanteur préféré de Joseph Staline, il a acquis une grande renommée dans toute l'Union soviétique, mais n'a jamais été autorisé à quitter ses frontières.

Kozlovsky entretenait une rivalité amicale avec Sergei Lemeshev, un autre chanteur d'opéra immensément populaire en Russie. Tous deux chantaient souvent les mêmes rôles et les amateurs d'opéra russes étaient divisés entre les partisans de l'un et ceux de l'autre. Le hall du théâtre était le théâtre de bagarres entre les fans appelés plaisamment les "lemeshistki" et les "kozlovityanki".

Kozlovsky a donné de nombreux concerts dans toute l'Union soviétique, chantant des chansons et des romances russes et ukrainiennes, ainsi que des lieder allemands de Schubert, Schumann et Liszt.
Il enseigne le chant au Conservatoire de Moscou de 1956 à 1980. Après 1954, Kozlovsky continue de se produire occasionnellement au Bolchoï, et fait sa dernière apparition en 1970 dans le rôle de Yurodivy (le Simplet) dans Boris Godounov.
Il a continué à se produire fréquemment en public et a même chanté le 4 juillet 1985 lors du 90e anniversaire de Mark Reizen au Bolchoï. Le dernier concert de Kozlovsky a eu lieu en 1990 au théâtre Bolchoï de Moscou.
Trois ans plus tard, il meurt à Moscou à l'âge de 93 ans.

Tout au long de sa vie, Kozlovsky a été un partisan actif de la musique ukrainienne et a interprété des œuvres de compositeurs ukrainiens tels que Mykola Lysenko, Yakiv Stepovy, Kyrylo Stetsenko et Mykola Arkas. En 1924, il chante en ukrainien le rôle de Yontek dans Halka de Moniuszko.
En 1940, il dirige la première représentation de l'opéra ukrainien Kateryna de Mykola Arkas et, en 1954, Natalka Poltavka de Mykola Lysenko.
En 1970, il a financé la construction d'une école de musique dans son village natal de Marianivka.
Il a enregistré 22 disques de chansons folkloriques ukrainiennes, de romances et d'arias en ukrainien.
Kozlovsky est également l'auteur de nombreux mémoires sur les chanteurs ukrainiens O. Petrusevych, Mykhailo Donets, M. Mykysh, Borys Hmyria et d'autres.

 

 

Le compositeur croate Blagoje Bersa est né à Dubrovnik le 21 décembre 1873 et décédé à Zagreb le 1er janvier 1934. 

Bersa naît dans une famille de musiciens amateurs passionnés. Son père Ivan, fonde un quatuor à cordes à Dubrovnik.
Il étudie à Zagreb de 1893 à 1896 avec Ivan Zajc le piano et la composition, mais également le violoncelle. Il poursuit ses études au Conservatoire de Vienne : la composition avec Robert Fuchs (également professeur de Mahler et Sibelius) et le piano avec Julius Epstein (1896–1899).
Son travail de fin d'étude, Andante sostenuto pour orchestre, est joué en public à Vienne en 1899.
Durant la saison 1902–03, il obtient un poste de chef d'orchestre à Graz, puis, tout en enseignant la musique et orchestrateur d'opérettes de 1903 à 1919, il est également de 1911 à 1918, conseiller artistique pour l'éditeur Ludwig Doblinger.

En 1919, il retourne à Zagreb, et dès 1922, il travaille comme professeur de composition à l'Académie de musique, où il enseigne jusqu'à sa mort.

L'œuvre de Blagoje Bersa est typique de la musique « fin de siècle » enrichissant la tradition romantique de nouvelles nuances. Sa musique symphonique est essentiellement constituée de poèmes symphoniques à programme et trouve son sommet dans Sunčana polja (« Champs ensoleillés », 1919). Il compose également des opéras dont le plus réussi est Der Eisenhammer (1906–1911). La musique des machines, dans l'acte 3, est un exemple musical futuriste. Il compose également des mélodies sur des textes croates et allemands, de la musique de chambre et des pièces pour piano.

 

Hermann Friedrich Raupach (21 décembre 1728 - 12 décembre 1778) est un compositeur allemand du XVIIIe siècle.

Hermann Raupach est né à Stralsund en Allemagne, fils et élève du compositeur et organiste Christoph Raupach (1686-1744) et neveu de l'historien de l'Église luthérienne Bernhard Raupach (1682-1745).
Raupach était claveciniste et devint l'assistant de Vincenzo Manfredini à l'Orchestre de la Cour impériale russe à Saint-Pétersbourg en 1755. En 1758, il fut nommé maître de chapelle et compositeur de la Cour.
Certains de ses opéras ont été joués en russe. Son Alceste (Альцеста, 1758) est considéré comme le "deuxième opéra russe" (après Tsefal i Prokris d'Araja, 1755). Le rôle d'Admète dans cet opéra a été chanté par Dmitry Bortniansky, surnommé l'"Orphée de la Neva".

En 1762, Raupach quitta Saint-Pétersbourg pour Hambourg puis Paris, où il rencontra Wolfgang Amadeus Mozart et improvisa avec lui sur le clavecin à 4 mains. Mozart arrange certains mouvements de ses sonates pour piano et orchestre à cordes. La Sonate pour piano et violon en la majeur, répertoriée comme K. 61,[a] est apparue pour la première fois sous le nom de Mozart dans les Oeuvres de Breitkopf & Härtel en 1804.
Elle faisait partie de la collection du Baron Taddaus von Dürnitz et a été considérée à tort comme une œuvre de Mozart. En 1912, Téodor de Wyzewa et Georges de Saint-Foix ont découvert que le véritable compositeur était Hermann Raupach. Ils pensent que le jeune Mozart a copié cette sonate pour en faire un arrangement pour un concerto pour piano, comme il avait utilisé des œuvres de Raupach dans K. 37, K. 39 et K. 41.

Plus tard, Raupach retourna à Saint-Pétersbourg, où il devint professeur de composition et de chant à l'Académie des beaux-arts de 1768 à 1778. Les compositeurs Dmitry Bortniansky et Yevstigney Fomin comptent parmi ses élèves.

Il meurt à Saint-Pétersbourg.

Le directeur musical de la Deutsche Oper de Berlin, Sir Donald Runnicles, devrait devenir le nouveau chef d'orchestre de la Philharmonie de Dresde.
Comme l'orchestre l'a fait savoir mercredi, un projet de contrat sera prochainement présenté au conseil municipal de la capitale saxonne. L'entrée en fonction est prévue pour la saison 2025-26.

À Dresde, Runnicles (69 ans) succède à Marek Janowski, dont le contrat a expiré cet été après quatre ans. Le natif d'Edimbourg, en Ecosse, restera en poste à la Deutsche Oper Berlin jusqu'à la fin de la saison 2025-26 et fera la navette entre les deux villes, a déclaré une porte-parole de l'opéra.

Le chef d'orchestre du théâtre d'Erfurt, Alexander Prior, quitte prématurément l'établissement. Le jeune homme de 31 ans a signé mardi, à sa demande, un contrat de résiliation, a annoncé le théâtre. "Pour des raisons personnelles, il ne peut plus garantir le bon déroulement des productions à venir dans les prochains mois", a-t-on précisé.
Le contrat de travail du chef d'orchestre prend fin le 1er avril 2024.

Le chef d'origine russe, né à Londres en 1992, avait pris ses fonctions de directeur musical à Erfurt à l'automne 2022. Son contrat était d'une durée de quatre ans avec une option de prolongation d'une année supplémentaire.

En février 2023, Prior a renoncé au poste de GMD car il craignait de perdre sa nationalité américaine en raison des obligations qui y étaient liées. Un contrat d'invité en tant que chef d'orchestre principal lui a toutefois permis de poursuivre son activité artistique avec l'Orchestre philharmonique d'Erfurt.

Prior, qui est également compositeur, a dirigé des orchestres tels que le NDR Elbphilharmonie Orchester, le Bayrische Staatsorchester, le Seattle Orchestra, le Royal Philharmonie Orchestra, le Copenhagen Philharmonie Orchestra, le Norwegian Radio Orchestra, la Camerata Salzburg.
De 2017 à 2022, il a été chef principal de l'Orchestre Symphonique d'Edmonton, au Canada.

Dmitri Iakovlevitch Pokrass, né à Kiev le 7 novembre 1899 et mort à Moscou le 20 décembre 1978, est un compositeur soviétique, pianiste et chef d'orchestre.
Il a travaillé régulièrement avec son frère, Daniil.

Dmitri Pokrass se produit dès l'âge de huit ans comme chansonnier dans les villages et villes alentour.
Après avoir fait les études du piano au Conservatoire Rimski-Korsakov de Saint-Pétersbourg en 1914-1917, sous la direction de Mikhaïl Guelever, il rentre à Kiev et travaille comme accompagnateur.
En 1919, à Rostov-sur-le-Don, il se produit dans la salle de spectacle Krivoï Jimmy et écrit la même année, à la demande d'Anton Tourkoul, une nouvelle version du Chant des partisans de l'Amour connue sous le titre Marche du régiment Drozdovski.
Enrôlé dans la 1^re armée de cavalerie rouge en 1919-1921, il compose à l'occasion de la prise de Rostov la musique de la Marche de Boudienny dont les paroles sont écrites par Anatoli D'Actyle. D'autres morceaux de cette époque reflètent également son expérience militaire, comme Hei, hei sedlaï konei, sur des paroles de Demian Bedny, la cantate Vperiod et la chanson Krasnye kavaleristy, les deux sur des paroles de Sergueï Minine.

En 1923-1926, installé à Moscou, il devient chef d'orchestre des théâtres Palas et Ermitage. En 1926-1935, il est chef d'orchestre et responsable du département musical du Music-hall de Moscou.
De 1936 à 1972, il est directeur artistique de l'orchestre de la Maison de la culture des cheminots située Place Komsomolskaïa (Moscou). Il collabore avec les paroliers Alekseï Sourkov, Vassili Lebedev-Koumatch (Si demain la guerre éclate, 1938), Mikhaïl Issakovski, Boris Laskine (Tri tankista pour le film Les Tractoristes, 1939), Mikhaïl Svetlov. Le poème Zog Nit Keynmol écrit par Hirsch Glick, un résistant détenu au ghetto de Vilnius, est également chanté sur un air composé par Pokrasse.

Il a été nommé artiste du peuple de l'URSS en 1975 et honoré des prix suivants
- Ordre du Drapeau rouge du Travail : 1938, 1969
- Prix Staline : 1941, pour la musique de films Les Marins de Kronstadt (1936) et Si demain la guerre éclate (1938)
- Ordre de l'Étoile rouge : 1943
- Ordre de l'Insigne d'honneur : 1947

Paul Constantinescu, 60 ans

 

Le compositeur roumain d'origine juive Paul Constantinescu (Ploiești, 30 juin 1909 - Bucarest, 20 décembre 1963) est membre de l'Académie roumaine et professeur au Conservatoire de Bucarest. Outre la musique, Constantinescu est doué de talents artistiques pour la littérature (la poésie), l'art (dessin, caricature), la cinématographie. Il manifeste une préoccupation constante pour le folklore et la musique liturgique byzantine, se transformant en chercheur passionné et en un créateur de formes sonores innovantes. Contrairement à la génération précédente qui fait ses études à l'étranger, Constantinescu trouve ses professeurs dans le pays et, à son tour, enseigne avec la flamme pédagogique. Il réussit à tirer ses sources d'inspiration de sa terre natale, même dans ses premières œuvres.

 

Paul Constantinescu commence ses études musicales à Ploiești en 1919, puis au Conservatoire de Bucarest (1929-1933) où il a comme professeurs Mihail Jora (harmonie, composition, contrepoint), Constantin Brăiloiu (histoire de la musique), Dimitrie Cuclin (esthétique musicale). À partir de 1933 jusqu'en 1935 il se perfectionne à Vienne avec Franz Schmidt, Oscar Kahasta et Joseph Marx (composition).

 

Constantinescu est d'abord professeur d'harmonie, de contrepoint et de composition à l'Académie de musique religieuse (1933-1941), puis à l'École de musique militaire (1941-1944), et au Conservatoire de Bucarest jusqu'à sa mort (1941-1963).

En 1935, il fait ses débuts à l'opéra, avec Une Nuit orageuse.

Outre son activité d'enseignant, il a de multiples activités, en tant que violoniste, chef d'orchestre et compositeur. Il entreprend une vaste collection de pièces du folklore (plus tard il travaille avec Ion Petrescu), présente des conférences, des émissions de radio et de télévision. Il est aussi conseiller pour le ministère de la Cinématographie.
Il est élu à l'Académie roumaine en 1963.

 

L'ensemble de l’oeuvre du compositeur montre son souci d’exploiter les ressources du folklore et de la musique religieuse byzantine. Il compose dans pratiquement tous les genres de musique classique, dans « un langage clair et direct » : opéra, mélodies, ballet, concerts symphoniques, musique de film, jusqu'à l'oratorio.
Brillant orchestrateur, il imite parfois les instruments folkloriques ou réalise des effets comiques dans une utilisation ludique des instruments à vent.
Il a reçu deux Prix Enescu de composition (1932 et 1938) et un prix d'État en 1952.

 

Le titre de Citoyen d'honneur de la municipalité de Ploieşti lui a été attribué de manière posthume le 28 mai 2009 à l'occasion du 100e anniversaire de sa naissance, pour sa contribution exceptionnelle à l'enrichissement du patrimoine musical de la ville de Ploiesti, ainsi que pour la promotion de l'image de la ville, à travers la création de son compositeur, à l'échelle nationale et internationale.

 

Chaque année est organisé à Ploieşti le Concours national d'interprétation et de création musicale Paul Constantinescu, pour les élèves, les étudiants et les diplômés, avec les sections piano, violon, chant et composition.

 

Antonio Soler, 240 ans

 

Antonio Francisco Javier José Soler Ramos, plus connu sous le nom de Padre Antonio Soler (baptisé le 3 décembre 1729 et mort le 20 décembre 1783) est un religieux, compositeur, organiste et claveciniste espagnol.

 

Antonio Soler est le principal compositeur pour le clavecin actif en Espagne du XVIIIe siècle si l'on excepte Domenico Scarlatti, Italien qui passa les trente dernières années de sa vie en Espagne et y introduisit son style si particulier, influencé par la musique populaire de son pays d'adoption. Antonio Soler se place directement dans le sillage et la tradition du maître napolitain.

 

Né à Olot dans la province de Gérone, il commence ses études musicales à l'âge de six ans à l'Escolania de Montserrat. Entré ensuite en religion dans l'ordre des Hiéronymites et ordonné prêtre en 1752, il fait partie de la communauté hiéronymite de San Lorenzo de El Escorial et devait y passer le reste de son existence tout en exerçant ses dons musicaux en tant que maître de chapelle.

 

La famille royale de Ferdinand VI et Marie-Barbara, puis celle de Charles III, sont accompagnées dans leur villégiature automnale à l'Escurial par les compositeurs José de Nebra et Domenico Scarlatti. En ces occasions, A. Soler étudie avec Nebra et recueille l'enseignement de Domenico Scarlatti, ou du moins ses conseils. Soler donne également des leçons à l'Infant Don Gabriel, fils préféré de Charles III. Le Prince l'invite à participer à des concerts (des « academias ») organisés au Prado ou à Aranjuez : Soler s'absente ainsi de son couvent pendant plusieurs semaines.

 

Sa liberté et son succès font des jaloux parmi les moines. On le surnomme « le diable en habit de moine ». La venue d'un nouveau supérieur au couvent, Julian de Villegas, très rigoriste, interdit au Padre Soler de quitter son couvent. Soler demande en vain sa mutation. Villegas lui trouve une « tête affaiblie par l'étude immodérée de la musique ».

 

Parmi les points communs entre Scarlatti et Soler, il faut relever leur importante production de sonates pour le clavecin ; ce terme ne correspond d'ailleurs pas, chez ces deux compositeurs, à la sonate classique en 3 ou 4 mouvements : celles de Scarlatti sont en général à un seul mouvement de coupe binaire (deux reprises), celles de Soler également, mais adoptent des structures plus variées.

 

Antonio Soler meurt à l'Escurial en 1783. Il meurt tristement en « demandant sincèrement pardon à toute la communauté ».

 

On apprenait en septembre dernier la découverte d'une nouvelle sonate de Vivaldi par le musicologue et violoniste espagnol Javier Lupiáñez. Après avoir identifié comme vivaldienne une sonate cataloguée sous le nom d'un autre compositeur à la Bibliothèque Nationale de Vienne, Lupiáñez a contacté son collègue Fabrizio Ammetto, spécialiste de Vivaldi, et ils ont rédigé ensemble un article qui sera publié dans le prochain numéro de la revue "Studi Vivaldiani", ainsi que dans l'édition critique à paraître chez Ricordi et à l'Institut italien Antonio Vivaldi (IIAV).

Le comité éditorial de l'IIAV a déjà confirmé la paternité de Vivaldi sur la nouvelle sonate pour violon et basse continue, qui portera le nouveau numéro de catalogue RV 828.

Selon le spécialiste Michael Talbot, il s'agit de l'exemple le plus explicite de "Sonate auf Concertenart" de Vivaldi, c'est-à-dire un type de sonate que Vivaldi utilisait comme "carte de visite" pour mettre en valeur ses grandes qualités de virtuose. Ces sonates sont assez rares dans le répertoire italien avant Tartini, ce qui fait de cette composition une sonate très particulière, puisqu'elle est datée de la deuxième décennie du dix-huitième siècle.

C'est un genre inédit, qui a pris forme en septembre denier au Théâtre de Beaulieu à Lausanne. Engloutis dans un vert pétant, leurs pieds et leurs silhouettes découpées dans une sorte de bulle de tissus criards de 700 m², près de 80 musiciens, placés sous la direction d’Ana María Patiño-Osorio, jouaient les Tableaux d’une exposition de Moussorgski, dans la version orchestrée par Ravel.
Loin du public, en toute discrétion, l’Orchestre de la Suisse romande ouvrait ce jour-là une autre page dans ses annales. Un tournant digital ouvert à l’expérimentation d’une nouvelle forme de diffusion.

Aujourd’hui, l’institution fondée il y a plus de 100 ans par Ernest Ansermet fait savoir, à travers un communiqué, les suites concrètes de cette aventure lausannoise. L’OSR pourra être écouté et vu d’une manière inédite, sous la forme d’un hologramme, lors d’un concert qui sera donné le 24 janvier prochain à Palexpo. L’événement -une première mondiale- s’inscrira dans le cadre de la douzième édition d’artgenève. Le public pourra alors plonger entre les pupitres, dans une Black Box spécialement conçue pour l’occasion.

Le protocole technologiquene constitue pas, à vrai dire, une nouveauté. On ne fera pas l’inventaire de ces artistes qu’on a pu retrouver sur scène sous la forme plus ou moins aboutie d’une projection digitale. La nouveauté ici, est ailleurs: dans les dimensions opulentes de l’opération, tout d’abord. L’entreprise établie à Morges, Cybel’Art, qui a mené à bien l’enregistrement, a capté les mouvements de chaque musicien pour transposer ensuite leurs images dans une dimension virtuelle. Cela a nécessité un dispositif technique conséquent.

Pour parvenir à un résultat concluant, il a fallu faire appel à 70 micros, positionnés à des hauteurs différentes autour des pupitres. Sur le front des images, on est à l’avenant, avec un résultat qui s’annonce tout aussi enveloppant, grâce à l’utilisation de caméras 360 degrés. Par-delà l’événement de Palexpo, les contenus de la captation sont d’ores et déjà au cœur d’un projet de diffusion bien plus étendu. Cet autre volet se déclinera grâce à icologram, logiciel inventé par Cybel’Art qui permettra de décliner ce concert dans une finalité pédagogique. À terme, le site de l’OSR donnera ainsi accès à une immersion visuelle et sonore dans l’orchestre et placera le visiteur au plus près des musiciens. Une expérience interactive qu’aucune autre formation au monde n’a développée à ce jour. Les initiateurs de cette exploration envisagent enfin la conception d’une application spéciale qui rapprocherait, à l’aide d’un casque de réalité virtuelle, tous les publics à la musique classique.

(La Tribube de Genève)