Yasuo Kuwahara (桑原 康雄^?), né le 12 décembre 1946 à Kōbe et décédé le 6 décembre 2003, est un mandoliniste et compositeur japonais pour instruments à cordes pincées. Président de diverses institutions et organisations musicales, il enseigne également la composition et la mandoline artistique.

Après avoir étudié auprès de Kinuko Hiruma, il est d'abord connu au Japon pour ses spectacles solos musicaux avec mandoline et son exceptionnelle technique de jeu.
Ses débuts européens dans un festival de mandoline à Meinheim en Allemagne (1982), le font connaître des mandolinistes.
Un concert qu'il donne en 1983 à Providence aux États-Unis introduit Yasuo Kuwahara en Amérique du Nord.
Il n'a cessé de gagner en reconnaissance et en notoriété. Ses compositions pour orchestre de mandolines sont souvent données en concert. Il a également composé des œuvres pour ensembles de chambre et solistes

Les compositions de Yasuo Kuwaharas racontent souvent des histoires. La chanson de l'automne japonais par exemple, décrit la lutte des agriculteurs au cours de la période du début de l'automne avant un orage accompagné d'une violente pluie, avant que le temps se calme à nouveau vers la fin de la pièce.

Yasuo Kuwahara insère souvent des techniques de jeu moderne dans ses compositions. Cela se manifeste le plus dans son œuvre orchestrale Fête de novembre dans laquelle il a intégré 7 effets différents de percussion dans la seule première voix de la mandoline. Au lieu de pincer les cordes ou de les faire vibrer en trémolo, les doigts, les articulations ou le plectre interviennent sur les différentes parties de l'instrument.

Dans ses compositions, Yasuo Kuwahara utilise des éléments de Nouvelle Musique, comme la musique minimaliste. Un bon exemple en est la pièce Au-delà de l'arc en ciel où de longs passages sont régulièrement répétés et seulement de temps en temps apparaissent des séquences légèrement différentes, avec des marches harmoniques similaires des différentes voix se chevauchent ou se déplacent en rythme.

De long passages en trémolo expressifs, habituels dans la musique japonaise de cordes pincées, caractérisent les compositions de Yasuo Kuwahara.

Les enregistrements vidéo en direct des concerts de gala de l'ICMA à Luxembourg (2022) et à Wroclaw (2023) ont maintenant atteint un total de 3 millions de téléspectateurs.

La vidéo du concert de gala de l'ICMA joué par le NFM Wroclaw Philharmonic sous la direction de Giancarlo Guerrero et mettant en vedette de nombreux artistes lauréats du panel 2023 (1,7 million) est disponible via ce lien :

L'enregistrement en direct du concert de gala de l'ICMA à la Philharmonie de Luxembourg, avec les lauréats des International Classical Music Awards 2022 et le Luxembourg Philharmonic dirigé par Adam Fischer (1.3m) peut être visionné ici : https://www.youtube.com/watch?v=ue5l_tyIjQM

Le Prix Grawemeyer 2024 en composition musicale, d'une valeur de 100 000 dollars, a été décerné à Aleksandra Vrebalov pour Missa Supratext, une œuvre de 22 minutes pour quatuor à cordes et chœur de jeunes filles créée par Kronos.

Aleksanra Verbalov, 53 ans, vit aux États-Unis depuis 1995 et a écrit 15 œuvres pour Kronos depuis 1997. Elle a publié plus de 100 partitions.

Elle a déclaré : La Missa Supratext n'est liée à aucune religion... Les mots sont inventés et n'ont aucune signification. L'œuvre va au-delà de la narration verbale pour montrer comment toutes les formes de vie sur notre planète sont interconnectées.

Parmi les récents lauréats du Grawemeyer figurent Olga Neuwirth et Julian Anderson. Les premiers lauréats, en 1985-86, étaient Lutoslawski et Ligeti.

Le chef a confirmé qu'il reprendrait Lohengrin en 2025 dans la production de Yuval Sharon qu'il a lancée en 2018.

Christian Thielemann a dirigé à Bayreuth tous les étés de ce siècle jusqu'en 2022, date à laquelle il a quitté son poste de directeur musical.

La violoniste et chef d'orchestre franco-britannique Stephanie Childress, 23 ans, a été nommée premier chef d'orchestre invité de l'Orchestre Symphonique de Barcelone.
L'actuel directeur musical de Barcelone est Ludovic Morlot.

Stephanie Childress commence sa carrière musicale en tant que violoniste. Aujourd’hui, elle se fait remarquer en tant que cheffe d’orchestre et est comparée à « d’autres jeunes chefs notables du passé tels que Sir John Eliot Gardiner et Sir Simon Rattle ». Son talent musical et sa maîtrise d’un large éventail de répertoires lui apportent des engagements avec des orchestres symphoniques, des ensembles contemporains et des opéras.

Au cours de la saison 2020-21, Childress fait plusieurs apparitions, notamment à la direction du Royal Liverpool Philharmonic Orchestra et du BBC Philharmonic. Elle est également encadrée par Simon Rattle grâce à son travail avec le London Symphony Orchestra pour leur nouvelle saison de diffusion de LSO St Luke’s.
En novembre 2020, elle est invitée par Susanna Mälkki pour diriger le LSO dans un programme Sibelius, Mendelssohn et Saariaho, diffusé sur Medici.
En mai 2019, Childress se produit pour la première fois avec l’ensemble qu’elle vient de créer, Orchestra Rheia, avec Ein Deutsches Requiem de Brahms.
Elle est nommée cheffe d’orchestre principale du London Lawyers’ Symphony Orchestra pour la saison 2019-20. Parmi les autres moments forts de cette saison, citons la direction du Chineke! Juniors Orchestra lors de concerts au Southbank Center et le remplacement du chef Alexander Joel lors de performances de Luisa Miller de Verdi à l’Opéra National anglais.

S’établissant à la fois dans le répertoire symphonique et l’opéra, Stephanie dirige une variété de programmes, dont The Enchanted Island de Jeremy Sams avec le British Youth Opera, The Rape of Lucretia de Benjamin Britten au St John’s College (Cambridge), A Dinner Engagement de Lennox Berkeley pour la Cambridge University Opera Society, et la première mondiale de l’opéra d’Anna Semple The Next Station is Green Park au Royal Conservatoire of Scotland.

Stephanie Childress participe à plusieurs concours prestigieux et reçoit le 2^e Prix à la première édition du Concours International pour cheffes d’orchestre La Maestra, à Paris. Elle assiste à des masterclasses avec des chefs d’orchestre estimés tels que Sir Mark Elder, Paavo Järvi, Neeme Järvi, Sian Edwards et Colin Metters, et plus récemment avec Jukka-Pekka Saraste au LEAD! Festival en Finlande.
Elle fait partie du programme Momentum de Barbara Hannigan.

 

Tous les artistes invités à l'Opéra d'État de Bavière ont reçu une lettre leur annonçant qu'ils ne seront pas payés à partir de la mi-décembre et jusqu'en février. Leurs contrats stipulent qu'ils doivent être payés mensuellement à terme échu.

Les chanteurs invités ont commencé à organiser un débrayage si le Staatsoper (dirigé par le Belge Serge Dorny) ne les paie pas comme convenu. Les retards de paiement sont courants en Italie, mais pas en Allemagne. Les managers d'artistes se sont simplement vu répondre : "Tout le monde sait qu'à Munich, on n'est pas payé à Noël". Les cachets de répétition, qui sont censés couvrir les frais de subsistance, ne sont perçus que plus d'un mois après la fin des productions.

 

Jusqu'à présent, le Festival de Bregenz avait quatre sponsors principaux : la banque Hypo Vorarlberg appartenant au land, le fournisseur d'énergie illwerke vkw, Casinos Austria et le groupe automobile allemand BMW. Ce dernier ne sera plus sponsor à l'avenir. Le logo de BMW ne figure plus sur la page d'accueil du festival.  Selon les indications de BMW, la décision a été prise en raison d'une modification des conditions générales.
Des négociations sont en cours avec d'autres sponsors potentiels. On ne connait pas le montant des sommes en jeu, mais un sponsoring principal commence à partir de 150.000 euros par an.

Pour la première fois de son histoire, le Teatro Real de Madrid proposera La Chauve-souris (Die Fledermaus) de Johann Strauss fils (1825-1899) que le colisée madrilène offrira le 9 décembre en version de concert sous la baguette de Marc Minkowski, qui dirigera son ensemble Les Musiciens du Louvre.

La compositrice cubano-américaine Tania León (1943, La Havane, Cuba) a remporté le XIXe Premio SGAE de la Música Iberoamericana Tomás Luis de Victoria, décerné tous les deux ans par la Fundación SGAE.
Forte de ses nombreuses récompenses internationales (dont le prix Pulitzer 2021 ou le Kennedy Center Honors 2022), Tania León devient la première femme à remporter ce prix, doté de 20 000 euros et considéré comme la plus haute reconnaissance publique pour un compositeur vivant de la communauté ibéro-américaine.

Le jury de cette édition --composé du compositeur (et lauréat du prix Tomas Luis de Victoria 2016) Tomás Marco, ainsi que des musicologues Luis Gago, Isabelle Hernández, Carmen Cecilia Piñero Gil et Álvaro Torrente- a décerné ce prix à la compositrice cubaine en "tenant compte de son expérience artistique, qui est projetée comme un paradigme de compréhension et de dialogue interculturels", ainsi qu'aux exils externes et internes qui, en tant que Cubaine aux États-Unis, ont marqué sa production compositionnelle de grande renommée internationale".

Son répertoire se compose d'opéras, de ballets, de musique originale pour des comédies musicales et des bandes originales, de compositions pour piano solo et de plus de 40 œuvres de musique de chambre, orchestrales et vocales. Sa musique se caractérise par un style cosmopolite moderne, à la fois complexe et très expressif, basé sur l'incorporation de pratiques rythmiques dérivées de la diaspora latino-américaine, fusionnées avec des techniques européennes dans les Caraïbes.

Installée à New York depuis 1967, Tania León n'a jamais eu l'intention de devenir compositrice. Tout change lorsqu'elle croise la route du chorégraphe Arthur Mitchell dans la Grosse Pomme : "J'ai remplacé, par chance, comme pianiste un camarade d'université qui jouait dans une école de ballet. C'est le destin qui m'a placée là. Il m'a entendu jouer et m'a immédiatement demandé d'être pianiste dans ses cours et de l'accompagner dans un nouveau projet qu'il allait lancer : le Dance Theater of Harlem".
C'était en 1968 et l'une des carrières de compositeur les plus brillantes et les plus prolifiques d'Amérique latine démarrait sans le vouloir. Dans les années 1970, son œuvre est marquée par un grand engagement politique, qui se reflète dans son catalogue d'opéras et dans la combinaison de genres, de rythmes et de voix de différentes cultures.

Le compositeur allemand Karl Amadeus Hartmann est né le 2 août 1905 à Munich et mort le 5 décembre 1963 dans la même ville. Son œuvre orchestrale a pour centre de gravité un imposant corpus de huit symphonies.

Né dans une famille vouée aux beaux-arts, son père et un de ses frères sont peintres. Il commence ses études en 1919, à Pasing, près de Munich, pensant d'abord se consacrer à une carrière d'enseignant, avant d'interrompre ses études en 1922, puis de les reprendre en 1924 en changeant de voie et en entrant à la Staatliche Akademie der Tonkunst à Munich, où il reste jusqu'en 1927, y étudiant sous la direction de Joseph Haas.

C'est à cette époque qu'il fait la connaissance de Hermann Scherchen qui encourage sa vocation et que, en 1928, il participe à la fondation des concerts organisés par l'association artistique « Die Juryfreien ». Il ébauche, entre 1928 et 1930, le cycle des opéras de chambre Wachsfigurenkabinett (Musée de cire), cycle qui reste inachevé.

Profondément épris de démocratie et surtout très engagé marxiste, Hartmann assiste avec consternation à l'arrivée au pouvoir d'Adolf Hitler et à l'avènement du Troisième Reich en 1933. Plutôt que de choisir l'exil, il préfère demeurer en Allemagne mais en se retirant complètement (ce qu'on appellera l’Innere Emigration) de la scène musicale allemande, tandis que certaines de ses œuvres sont jouées à l'étranger où sa réputation va grandissant alors que le public allemand ignore quasiment tout de ce compositeur caché. Pendant ces douze années, jusqu'en 1945, il préfère se consacrer, dans son exil intérieur volontaire, à l'art de la composition.

Durant cette période sombre, Hartmann ne se départit pas de sa foi en une intégrité morale et en l'humanité. Il sublime dans l'art de la composition son besoin de résistance. Les œuvres écrites à cette époque témoignent de cette attitude : l'opéra Simplicius Simplicissimus, par exemple, traite de la dignité de la personne humaine face aux atrocités de l'époque. Dès 1934, il dédie également le poème symphonique Miseræ aux prisonniers du camp de concentration de Dachau. En outre, nombre de ses œuvres sont clairement imprégnées du climat pesant de la Seconde Guerre mondiale.

Pendant la guerre, il se perfectionne avec Webern qui le « pousse » vers la musique sérielle puis, après la guerre, sortant de sa longue relégation volontaire, il cumule les fonctions officielles à Munich et en Bavière : il est nommé dramaturge musical au Bayerische Staatsoper ; il crée notamment, en 1945, le cycle de concerts de musique contemporaine Musica Viva, dont il assure la formation artistique initiale, et dont il restera responsable jusqu'à sa mort ; puis il assume la présidence de la section allemande de la Société internationale de musique contemporaine (S.I.M.C.) en 1953.

Outre les diverses classifications thématiques, divers musicologues répartissent les œuvres de Hartmann en trois périodes relativement distinctes, correspondant à diverses phases importantes de la vie du compositeur :

- les œuvres dites « de jeunesse », composées avant 1933, et dont un grand nombre ont été reniées et détruites par Hartmann lui-même ;

- les œuvres de la relégation volontaire, composées entre 1933 et 1945, dont beaucoup n'ont été découvertes, sous leur forme originelle, qu'après la mort du compositeur ;

- les œuvres dites « majeures », composées après 1945, et dont beaucoup reprennent en les remaniant une partie des partitions composées entre 1933 et 1945.

En fonction des œuvres et des périodes, certains ont décelé dans sa production des influences de Gustav Mahler, Anton Bruckner (œuvres dites « de jeunesse »), Paul Hindemith, Igor Stravinsky, Arnold Schoenberg. Inversement, sa propre influence est parfaitement audible dans certaines œuvres de Hans Werner Henze, par exemple dans sa 7e Symphonie.

Avec son souci constant de l'expression, sa recherche de grandes tensions orchestrales, Hartmann rappelle indéniablement les grands symphonistes du XIXe siècle mais jamais ne les imite. Recourant aux percussions, usant des techniques instrumentales modernes, appliquant l'écriture atonale ou sérielle à ses thèmes, il est de son époque, c'est-à-dire d’un passé récent. Pourtant, on discerne chez lui un moindre intérêt expérimental pour les couleurs nouvelles, les formes. Hartmann est bien le suiveur des grands fondateurs de la musique moderne, le dernier ancien parmi les modernes.