La compositrice cubano-américaine Tania León (1943, La Havane, Cuba) a remporté le XIXe Premio SGAE de la Música Iberoamericana Tomás Luis de Victoria, décerné tous les deux ans par la Fundación SGAE.
Forte de ses nombreuses récompenses internationales (dont le prix Pulitzer 2021 ou le Kennedy Center Honors 2022), Tania León devient la première femme à remporter ce prix, doté de 20 000 euros et considéré comme la plus haute reconnaissance publique pour un compositeur vivant de la communauté ibéro-américaine.

Le jury de cette édition --composé du compositeur (et lauréat du prix Tomas Luis de Victoria 2016) Tomás Marco, ainsi que des musicologues Luis Gago, Isabelle Hernández, Carmen Cecilia Piñero Gil et Álvaro Torrente- a décerné ce prix à la compositrice cubaine en "tenant compte de son expérience artistique, qui est projetée comme un paradigme de compréhension et de dialogue interculturels", ainsi qu'aux exils externes et internes qui, en tant que Cubaine aux États-Unis, ont marqué sa production compositionnelle de grande renommée internationale".

Son répertoire se compose d'opéras, de ballets, de musique originale pour des comédies musicales et des bandes originales, de compositions pour piano solo et de plus de 40 œuvres de musique de chambre, orchestrales et vocales. Sa musique se caractérise par un style cosmopolite moderne, à la fois complexe et très expressif, basé sur l'incorporation de pratiques rythmiques dérivées de la diaspora latino-américaine, fusionnées avec des techniques européennes dans les Caraïbes.

Installée à New York depuis 1967, Tania León n'a jamais eu l'intention de devenir compositrice. Tout change lorsqu'elle croise la route du chorégraphe Arthur Mitchell dans la Grosse Pomme : "J'ai remplacé, par chance, comme pianiste un camarade d'université qui jouait dans une école de ballet. C'est le destin qui m'a placée là. Il m'a entendu jouer et m'a immédiatement demandé d'être pianiste dans ses cours et de l'accompagner dans un nouveau projet qu'il allait lancer : le Dance Theater of Harlem".
C'était en 1968 et l'une des carrières de compositeur les plus brillantes et les plus prolifiques d'Amérique latine démarrait sans le vouloir. Dans les années 1970, son œuvre est marquée par un grand engagement politique, qui se reflète dans son catalogue d'opéras et dans la combinaison de genres, de rythmes et de voix de différentes cultures.

Le compositeur allemand Karl Amadeus Hartmann est né le 2 août 1905 à Munich et mort le 5 décembre 1963 dans la même ville. Son œuvre orchestrale a pour centre de gravité un imposant corpus de huit symphonies.

Né dans une famille vouée aux beaux-arts, son père et un de ses frères sont peintres. Il commence ses études en 1919, à Pasing, près de Munich, pensant d'abord se consacrer à une carrière d'enseignant, avant d'interrompre ses études en 1922, puis de les reprendre en 1924 en changeant de voie et en entrant à la Staatliche Akademie der Tonkunst à Munich, où il reste jusqu'en 1927, y étudiant sous la direction de Joseph Haas.

C'est à cette époque qu'il fait la connaissance de Hermann Scherchen qui encourage sa vocation et que, en 1928, il participe à la fondation des concerts organisés par l'association artistique « Die Juryfreien ». Il ébauche, entre 1928 et 1930, le cycle des opéras de chambre Wachsfigurenkabinett (Musée de cire), cycle qui reste inachevé.

Profondément épris de démocratie et surtout très engagé marxiste, Hartmann assiste avec consternation à l'arrivée au pouvoir d'Adolf Hitler et à l'avènement du Troisième Reich en 1933. Plutôt que de choisir l'exil, il préfère demeurer en Allemagne mais en se retirant complètement (ce qu'on appellera l’Innere Emigration) de la scène musicale allemande, tandis que certaines de ses œuvres sont jouées à l'étranger où sa réputation va grandissant alors que le public allemand ignore quasiment tout de ce compositeur caché. Pendant ces douze années, jusqu'en 1945, il préfère se consacrer, dans son exil intérieur volontaire, à l'art de la composition.

Durant cette période sombre, Hartmann ne se départit pas de sa foi en une intégrité morale et en l'humanité. Il sublime dans l'art de la composition son besoin de résistance. Les œuvres écrites à cette époque témoignent de cette attitude : l'opéra Simplicius Simplicissimus, par exemple, traite de la dignité de la personne humaine face aux atrocités de l'époque. Dès 1934, il dédie également le poème symphonique Miseræ aux prisonniers du camp de concentration de Dachau. En outre, nombre de ses œuvres sont clairement imprégnées du climat pesant de la Seconde Guerre mondiale.

Pendant la guerre, il se perfectionne avec Webern qui le « pousse » vers la musique sérielle puis, après la guerre, sortant de sa longue relégation volontaire, il cumule les fonctions officielles à Munich et en Bavière : il est nommé dramaturge musical au Bayerische Staatsoper ; il crée notamment, en 1945, le cycle de concerts de musique contemporaine Musica Viva, dont il assure la formation artistique initiale, et dont il restera responsable jusqu'à sa mort ; puis il assume la présidence de la section allemande de la Société internationale de musique contemporaine (S.I.M.C.) en 1953.

Outre les diverses classifications thématiques, divers musicologues répartissent les œuvres de Hartmann en trois périodes relativement distinctes, correspondant à diverses phases importantes de la vie du compositeur :

- les œuvres dites « de jeunesse », composées avant 1933, et dont un grand nombre ont été reniées et détruites par Hartmann lui-même ;

- les œuvres de la relégation volontaire, composées entre 1933 et 1945, dont beaucoup n'ont été découvertes, sous leur forme originelle, qu'après la mort du compositeur ;

- les œuvres dites « majeures », composées après 1945, et dont beaucoup reprennent en les remaniant une partie des partitions composées entre 1933 et 1945.

En fonction des œuvres et des périodes, certains ont décelé dans sa production des influences de Gustav Mahler, Anton Bruckner (œuvres dites « de jeunesse »), Paul Hindemith, Igor Stravinsky, Arnold Schoenberg. Inversement, sa propre influence est parfaitement audible dans certaines œuvres de Hans Werner Henze, par exemple dans sa 7e Symphonie.

Avec son souci constant de l'expression, sa recherche de grandes tensions orchestrales, Hartmann rappelle indéniablement les grands symphonistes du XIXe siècle mais jamais ne les imite. Recourant aux percussions, usant des techniques instrumentales modernes, appliquant l'écriture atonale ou sérielle à ses thèmes, il est de son époque, c'est-à-dire d’un passé récent. Pourtant, on discerne chez lui un moindre intérêt expérimental pour les couleurs nouvelles, les formes. Hartmann est bien le suiveur des grands fondateurs de la musique moderne, le dernier ancien parmi les modernes.

 

Johann Friedrich Fasch, compositeur, violoniste et organiste allemand, est né à Buttelstädt près de Weimar le 15 avril 1688 et mort à Zerbst le 5 décembre 1758.

Johann Friedrich Fasch aborde la musique comme enfant de chœur (c'est-à-dire parmi les enfants chantant dans le chœur professionnel d'une église).
Il est ensuite enrôlé par le maître de musique (le Kapellmeister) Johann Kuhnau dans le chœur de la célèbre Thomasschule (l'école municipale de l'église Saint-Thomas de Leipzig, dirigée plus tard par Jean-Sébastien Bach). Il étudie ensuite à l’Université de Leipzig de 1708 à 1711.
Sans avoir reçu de formation de compositeur au-delà de sa formation à Saint-Thomas à l'adolescence, il commence à composer et sa réputation se fait si rapidement que son souverain lui commande des opéras en 1711 et 1712.
C’est vers ces années que Fasch entreprend d’étudier la composition à Darmstadt avec Johann Christoph Graupner et Gottfried Grünewald.
Il occupe par ailleurs quelques postes, notamment de violoniste à Bayreuth, d’organiste à Greiz et de maître de chapelle à la Cour du Comte Wenzel Morzin à Prague.
En 1722, il accepte le poste de maître de chapelle de la cour à Zerbst, où il reste jusqu’à la fin de ses jours.

Johann Friedrich Fasch compose dans presque tous les genres musicaux en vogue à son époque. Il est un compositeur respecté de tous, y compris de Jean-Sébastien Bach qui copie plusieurs de ses ouvertures.

L’œuvre de Fasch réalise une transition entre les styles baroque et classique : d’après Gottfried Küntzel, Fasch « développa le vocabulaire d’un nouveau langage musical sur une trame formelle traditionnelle ; dans certaines de ses œuvres tardives, il anticipa de manière tout à fait remarquable les idiomes -mais pas les structures formelles- utilisés ensuite par Gluck, Haydn et Mozart ».

"Léonard Gianadda, entrepreneur et mécène culturel à la tête de la Fondation Pierre Gianadda à Martigny (VS), s'est éteint à l'âge de 88 ans après une vie, mille vies - aurait-il dit - aussi palpitantes les unes que les autres.

(de la RTS)

Marvin Miller a été récompensé à Baden-Baden par le Prix Rolf-Hans Müller pour la musique de film 2023.
Il a reçu cette distinction dotée de 5.000 euros pour sa composition pour Das Märchen vom Frosch und der goldenen Kugel. Le jury d'experts a qualifié la musique, qui "offre au film une forte valeur ajoutée", de "fantastiquement composée" d'un point de vue artisanal.

Miller est né en 1988 à Augsbourg et a participé au début de sa carrière à plusieurs courts métrages. En collaboration avec Ralf Wengenmayr, il a composé la musique du polar télévisé "Die Tote aus der Schlucht" (2014) ainsi que celle de l'adaptation cinématographique du livre pour enfants de Denis Gansel "Jim Knopf und Lukas der Lokomotivführer" (2018) et de "Ballon" (2018) de Michael "Bully" Herbig.
Miller a également composé pour divers autres projets cinématographiques tels que "Es gilt das gesprochene Wort" (2019) et "Das Lehrerzimmer" (2023) d'Ilker Catak.

Le Prix Rolf-Hans Müller pour la musique de film est décerné tous les deux ans depuis 1992. Ce prix est organisé par la chaîne publique Südwestrundfunk, en collaboration avec la fondation Rolf-Hans Müller de Baden-Baden et la MFG Medien- und Filmgesellschaft Baden-Württemberg.
En tant que chef d'orchestre, compositeur et arrangeur, Rolf-Hans Müller a été étroitement lié à l'ancienne SWF (aujourd'hui SWR) pendant des années.

Les précédents lauréats étaient Fabian Zeidler, Michael Künstle, Richard Ruzicka, Julian Maas et Christoph Kaiser, Martina Eisenreich, Daniel Sus, Rainer Bartesch, Natalia Dittrich, Marco Hertenstein, Karim Sebastian Elias, Florian Appl, Johannes Kobilke, Jörg Lemberg, Ralf Wienrich, Frank Loef et Nikolaus Glowna.

Cette année, le jury était composé de Fola Dada, Irene Klünder, Nanna Schmidt, Bernd Künzig, Thorsten Lorenz, Fabian Zeidler ainsi que Max-Peter Heyne.

Le Paradis et la Péri (Das Paradies und die Peri), Op. 50, est un oratorio profane de Robert Schumann. Il fut créé le 4 décembre 1843 à Leipzig.

L'oratorio est conçu en trois parties, pour un total de 26 numéros et l'œuvre dure environ 90 minutes. Neuf solistes ainsi qu'un chœur mixte sont nécessaires à son exécution ; les solistes chantent aussi bien les parties de certains rôles (la Péri, le tyran Gazna, la jeune fille, le jeune homme, l'ange) que certaines interventions narratives qui ne sont pas le seul fait du narrateur ténor. Sur les douze chœurs, cinq correspondent à des rôles précis (chœur des Indiens, chœur des conquérants, chœur des anges, chœur des paysans du Nil, chœur des Houris).

Le livret de l'oratorio est une traduction et une adaptation de l'épopée orientale Lalla Rookh (1817) de Thomas Moore par Emil Flechsig. Schumann connaissait vraisemblablement le récit de Moore depuis sa jeunesse puisqu'une traduction était parue dans le journal de son père en 1822. Sur la demande de Schumann, son ami Emil Flechsig (1808-1878) commença à travailler sur le texte en 1841 et termina le livret le 6 janvier 1842. Schumann qualifia sa pièce de "Dichtung", un terme allemand désignant un processus de création poétique, et non pas d'oratorio, afin de clamer le caractère novateur de sa production.

La Péri (terme persan pour fée ou elfe), fille d'un ange déchu et d'un mortel, tente d'accéder à nouveau au paradis dont elle a été exclue du fait de l'impureté de ses origines. Pour ce faire, elle doit apporter à l'ange le bien que le ciel convoite le plus. Ses deux premiers présents -la dernière goutte de sang d'un guerrier agonisant dans sa lutte contre un tyran et le dernier soupir d'une jeune fille morte de la peste dans les bras de son bien-aimé- ne sont pas acceptés par l'ange. Cependant elle se voit offrir l'accès au paradis lorsqu'elle lui apporte la larme de repentir qu'un criminel a versée en se souvenant de l'innocence de son enfance.

 

Le compositeur, guitariste, arrangeur, producteur et réalisateur américain Frank Zappa est né le 21 décembre 1940 à Baltimore (Maryland), fils d'immigrés italiens.
Enfant, Frank souffrait souvent de rhumes graves et d'asthme, si bien qu'après plusieurs changements de lieu, la famille a finalement déménagé en 1951 sur la côte ouest, au climat plus agréable, à Lancaster (Californie).

Ses dispositions pour la musique ne tardent pas à se manifester : dès 1951, il fait sa première apparition publique en tant que batteur d'un groupe scolaire et, à l'âge de 15 ans, il s'intéresse à la théorie musicale et écrit des pièces classiques pour orchestre.
La musique d'Edgar Varèse, dont la pièce Ionisation a fasciné Zappa, a eu une influence déterminante sur lui.
Après avoir terminé ses études secondaires en 1958, il a suivi des cours d'harmonie et de composition.
À l'âge de 18 ans, il a essayé de gagner sa vie avec le rock'n'roll et a fondé de nombreux groupes tout au long de sa carrière. En plus de la batterie et de la guitare, ses principaux instruments, il a appris en autodidacte le vibraphone, l'orgue et le piano et a travaillé comme pianiste de bar en dehors du groupe.

En 1963, il peut s'offrir son "Studio Z" à Cucamonga grâce aux recettes de ses commandes de musique de film (1959 : "Run Home Slow" ; 1962 : "The World's Greatest Sinner").
C'est en 1966 qu'il connaît le succès avec son groupe "Mothers of Invention" et l'album "Freak Out", le premier double album de l'histoire de la musique rock.

Dans les années qui suivirent, Frank Zappa consolida sa réputation de "musicien underground", il devint de plus en plus une figure culte, engagée contre le racisme et la guerre du Vietnam.
Au cours de sa carrière, Zappa a publié plus de 60 enregistrements studio et albums live. Parallèlement, il a également composé des pièces pour des ensembles de musique classique qui ont été remarquées dans les années 1980-90.
Il a collaboré avec le Royal Philharmonic Orchestra, le London Symphony Orchestra dirigé par Kent Nagano et l'Ensemble Modern dirigé par Pierre Boulez.
En septembre 1992, la suite orchestrale The Yellow Shark de Zappa a été jouée à l'Alte Oper de Francfort.

Frank Zappa est mort d'un cancer le 4 décembre 1993 à Laurel Canyon, en Californie. Il a laissé derrière lui un grand nombre de compositions encore inédites, y compris avec une formation classique.

Le Ministère français de la Culture a promulgué la nomination de Nicolas Ellis comme directeur musical de l'Orchestre National de Bretagne. Il entrera en fonction en 2024, succédant au Gallois Grant Llewellyn, qui a occupé ce poste pendant huit ans.

La mezzo-soprano américaine Mildred Miller, pilier du Met pendant 23 ans, est décédée à l'âge de 98 ans.

Née en 1924, elle a passé plus de 20 ans comme mezzo-soprano au Metropolitan Opera de New York, se spécialisant dans les rôles masculins de "pantalons". Connue professionnellement sous le nom de Mildred Miller, elle a également enregistré et s'est produite dans des opéras aux États-Unis et à l'étranger, et a participé à des émissions de radio et de télévision en tant qu'interprète régulière.

En 1967, elle et son mari, Wesley W. Posvar, s'installent à Pittsburgh lorsque ce dernier est nommé 15e Chancelier de Pitt, fonction qu'il exercera pendant près d'un quart de siècle. Wesley Posvar est décédé en 2001.

En 1978, elle a fondé l'Opera Theater of Pittsburgh, dont elle a été la directrice artistique jusqu'en 1999. Le groupe poursuit ses activités aujourd'hui sous le nom de Pittsburgh Festival Opera.

Mildred Miller était également connue comme coach vocal et professeur à l'école de musique de Carnegie Mellon. Elle donnait des cours de maître au niveau international et n'a pris sa retraite qu'en 2021, à l'âge de 95 ans.

Fille d'immigrés allemands, Mildred Müller est diplômée de l'Institut de musique de Cleveland en 1946. Elle a ensuite obtenu un diplôme du New England Conservatory of Music et a étudié l'opéra au Tanglewood Music Center.

Elle fait ses débuts à l'opéra en 1946 au festival de musique de Tanglewood dans la première américaine de Peter Grimes de Benjamin Britten, sous la direction de Leonard Bernstein. Alors qu'elle se produisait en Italie, elle a renoué avec son futur mari, un camarade de lycée qui commençait à bénéficier d'une bourse Rhodes à l'Université d'Oxford. Ils se sont mariés en 1950.

Elle s'est produite avec des compagnies d'opéra et dans des festivals en Europe avant de faire ses débuts au Metropolitan Opera en 1951 dans le rôle de Cherubino dans Les Noces de Figaro. Elle a passé 23 ans au Met, où elle a interprété 21 rôles en 338 représentations.

Tout au long de sa carrière, Mildred Miller a partagé les scènes d'Europe et des États-Unis avec les légendes de l'opéra Placido Domingo, Robert Merrill, Roberta Peters, Leontyne Price et bien d'autres, et elle a travaillé avec de nombreux chefs d'orchestre renommés. En tant que récitaliste et soliste avec des orchestres, elle s'est produite à la Maison Blanche, au Carnegie Hall de New York, au Hollywood Bowl et dans d'autres lieux prestigieux d'Amérique du Nord, d'Europe et d'Asie du Sud-Est.

En 1971, elle a chanté l'hymne national lors du tout premier match nocturne des séries mondiales de la Major League Baseball, lorsque les Pirates de Pittsburgh ont affronté les Orioles de Baltimore lors du quatrième match au Three Rivers Stadium.

Elle s'était installée à Pittsburgh quatre ans plus tôt avec son mari lorsque celui-ci est devenu Chancelier de Pitt, mais elle a continué à se produire à New York et ailleurs jusqu'au milieu des années 1970. Outre son implication dans l'Opera Theater of Pittsburgh, elle a longtemps été membre du conseil d'administration de l'Opéra de Pittsburgh et elle a siégé au conseil consultatif de la musique pour le National Endowment for the Arts.

Le compositeur et chef d'orchestre américain William Grant Still est né à Woodville (Mississippi) le 11 mai 1895 et mort à Los Angeles (Californie) le 3 décembre 1978.
Il est le fils unique de Carrie « Frambo » Still et de William Grant Still, Sr.

Il étudie le violon à la M. W. Gibbs High School de Little Rock puis entame des études de médecine, assez vite abandonnées au profit de la musique.
En 1917, il entre au Conservatoire de musique d'Oberlin (Ohio) où il apprend le hautbois puis, en 1919, vient à New York. Les années 1920 seront pour lui décisives : il étudie la composition, d'abord auprès de George Chadwick en 1921 à Boston, au Conservatoire de musique de la Nouvelle-Angleterre, puis à New-York durant deux ans, auprès d'Edgard Varèse. Et il s'initie à d'autres répertoires en travaillant notamment avec William Christopher Handy (surnommé "Le père du blues").
Étant afro-américain, William Grant Still (comme le Britannique Samuel Coleridge-Taylor avant lui qu'il admirait) défend la cause des gens avec lesquels il partage les mêmes origines et qui sont victimes de la ségrégation raciale.

Ces mêmes années 1920, il participe au mouvement "Renaissance de Harlem" destiné à promouvoir la culture afro-américaine, laquelle marquera sa musique toute son existence. Comme hautboïste, il joue dans le "Harlem Orchestra" de New York et aussi dans l'orchestre de la comédie musicale à succès Shuffle Along, à la distribution exclusivement afro-américaine, jouée à Broadway en 1921-1922. Il gagne également sa vie en travaillant pour une maison de disques.

En 1929-1930, il est arrangeur musical pour Paul Whiteman à Los Angeles, où il s'installe en 1934. Là, il est sollicité par Hollywood pour réaliser des arrangements et orchestrations de musiques de films. Par exemple, il est l'orchestrateur de Dimitri Tiomkin sur « Lost Horizon », film réalisé par Frank Capra en 1937.
Il est également l'auteur (sans être crédité aux génériques) des musiques de six films en 1936-1937.

Comme compositeur, outre ses contributions au cinéma, on lui doit quantité d'œuvres dans des domaines variés, dont cinq symphonies, sept opéras, des pièces pour piano, de la musique de chambre, des œuvres chorales, des musiques de ballet, etc. Il commence à composer dès le début des années 1920 et sa première œuvre jouée sera From the Land of Dreams (pour voix solistes et orchestre de chambre) en 1925, mais de manière confidentielle. Plus retentissantes seront les créations en 1931 de son ballet Sahdji et surtout de sa première symphonie The Afro-American Symphony (à ce jour une des œuvres les plus connues du compositeur), par le Eastman-Rochester Orchestra (New York) sous la direction de Howard Hanson : c'est en effet la première fois aux États-Unis qu'un orchestre "blanc" joue des œuvres d'un compositeur classique "noir". Et cette première sera répétée pour la Symphonie no 1 dès 1935, lorsqu'elle est jouée par l'Orchestre Philharmonique de New York. Puis en 1937, sa symphonie no 2 Song of a New Race est créée par l'Orchestre de Philadelphie sous la direction de Leopold Stokowski. Plus tard, son deuxième opéra (le premier, Blue Steel de 1935, ne sera pas joué de son vivant), achevé en 1941, Troubled Island, est créé en 1949 par le New York City Opera : là encore, pour la première fois, une troupe lyrique d'envergure internationale interprète aux États-Unis un opéra dont l'auteur est afro-américain. Notons ici qu'il épouse en 1939 la journaliste et pianiste Verna Arvey, laquelle sera la librettiste de plusieurs de ses opéras.

William Grant Still aura également des activités de chef d'orchestre. Ainsi, en 1936, il dirige l'Orchestre Philharmonique de Los Angeles au Hollywood Bowl : c'est la première fois qu'un orchestre classique "blanc" est placé sous la baguette d'un Afro-américain aux États-Unis. Mieux encore, il rééditera cette "performance", cette fois dans le "Sud profond", en dirigeant l'Orchestre Philharmonique de La Nouvelle-Orléans en 1955. Par ailleurs, il dirigera aussi des orchestres de radio.