Le compositeur britannique Arnold Edward Trevor Bax est né à Streatham dans la banlieue londonienne le 8 novembre 1883 et décédé à Cork le 13 octobre 1953.

Il passe son enfance à Hampstead dans un milieu bourgeois cultivé. Sa première composition au piano date de l’âge de 12 ans. Il excelle par la suite sur cet instrument même s’il n'en joue que très rarement en public. Il étudie à la Royal Academy of Music de Londres où il entre à l’âge de 17 ans. Il a pour professeurs Tobias Matthay au piano et Frederick Corder à la composition.

Il séjourne par la suite en Irlande, à Gleann Cholm Cille (Comté de Donegal), village situé sur la côte ouest qu'il devait fréquenter pendant trente ans et où il écrivit nombre de ses œuvres. À partir du début des années 1930, c'est vers l'Écosse qu'il va chercher l'inspiration, et il se rend régulièrement en hiver à Morar, petite ville située sur la côte ouest, où il séjourne à l'hôtel de la Gare et où il va orchestrer ses nouvelles œuvres ébauchées à Londres. Bax découvre l’œuvre littéraire de Yeats qui l’influence profondément par la suite. Il écrit d’ailleurs plusieurs poèmes dans des revues locales sous le pseudonyme de Dermot O'Byrne. L’occasion de s’initier à la musique russe lui est donnée lorsqu’il tombe amoureux d'une Ukrainienne, amour qui ne sera pourtant pas partagé.

Il se marie avec la sœur d’un pianiste espagnol célèbre en son temps, Carlos Sobrino. Il est anobli en 1937. Il cesse de composer en 1940, se consacrant notamment à une autobiographie, Farewell my youth (Au revoir ma jeunesse). Toutefois, il est nommé Master of the King's Music en 1941 et reprend sa carrière avec une productivité très atténuée.

Avant d'aborder l'orchestre, Bax composa pour le piano et pour la voix, et il faut rechercher du côté de Robert Schumann et de Frédéric Chopin pour trouver ses premiers modèles. Tchaïkovski, Richard Wagner puis Richard Strauss comptèrent aussi dans ses influences ultérieures, notamment pour leur technique d'écriture. Ensuite, l'Irlande, ses paysages, la mer, les autochtones et la musique populaire celtique l'inspirèrent. Il étudia par la suite l'orchestration de Claude Debussy, celles de Maurice Ravel et d'Igor Stravinsky, la musique nordique (il avait de l’admiration pour Jean Sibelius, et cela était réciproque). De toutes ces influences, Bax sut faire une synthèse et créer un style qui lui est personnel et immédiatement identifiable.

Sa musique est fortement enracinée dans le courant post-wagnérien et, contrairement à une grande partie de ses contemporains, il va garder cette orientation malgré les bouleversements de la Première Guerre mondiale. Ce néoromantisme est tempéré par des éléments impressionnistes, en particulier dans sa musique de chambre. Son style est foncièrement tonal/modal mais s'accompagne d'un réseau de contrepoint chromatique plus ou moins abondant selon l'ambition de l’œuvre. Il se définit lui-même comme un « romantique sans honte » : Ma musique est l'expression d'un état émotionnel. Je ne suis pas intéressé par le son musical en lui-même.

Le catalogue de ses œuvres comporte près de 380 numéros, avec des compositions orchestrales (7 symphonies, un concerto pour violon, un concerto pour violoncelle, plusieurs pièces symphoniques, dont Tintagel), des mélodies, des pièces pour piano et de la musique de chambre. On lui doit aussi la musique du film Oliver Twist, réalisé par David Lean en 1948.

Demain, au Teatro Monumental de Madrid, l'Orquesta Sinfónica y Coro RTVE donnera, sous la direction de Christoph König, le deuxième concert de la saison, au cours duquel sera créée l'oeuvre Unda Mari de Javier Quislant

Javier Quislant est lauréat du XL Premio Reina Sofía de Composición Musical.
Divisée en cinq parties, Unda Maris doit son titre à quelques vers de l'"Énéide" de Virgile, où il décrit le processus de formation d'une vague.

Javier Quislant (Bilbao, 1984) a reçu sa formation musicale d'abord au Conservatorio Juan Crisóstomo de Arriaga, puis à l'Escola Superior de Música de Catalunya (ESMuC). En 2011, il s'est installé à Graz (Autriche), où il a étudié avec le compositeur Beat Furrer. En 2017, il fait ses débuts au festival Wien Modern à Vienne et reçoit le Prix de composition de la ville de Graz. L'année suivante, il reçoit le Prix de composition musicale du Collège d'Espagne à Paris et crée son premier opéra de chambre, Mirada antigua. En 2019, l'AEOS et la Fundación SGAE lui commandent la composition de Tiempo silente, qui sera créée en 2022 par l'Orchestre Symphonique de Bilbao. En 2020, il reçoit le Prix de composition "Franz Schubert und die Musik der Moderne" en Autriche. La Sociedad Filarmónica de Badajoz et le Centro Nacional de Difusión Musical/INAEM lui ont commandé l'œuvre An der Schwelle, créée en 2021 à Berlin et au Museo Reina Sofía de Madrid.

Sir Donald Runnicles a dû annuler la direction des deux concerts prévus avec la Philharmonie de Dresde les 14 et 15 octobre 2023, en raison d'une maladie. C'est le chef français Alexandre Bloch qui prendra la direction de ces concerts, le programme restant inchangé.

Alexandre Bloch, on le sait, est depuis 2016 directeur musical de l'Orchestre National de Lille où un cycle Mahler et un cycle Sibelius ont été des moments forts.

Dimanche prochain, au Palau de la Música Catalana de Barcelone, la Philharmonie Franz Schubert rendra hommage au compositeur, violoncelliste et chef d'orchestre Pau Casals, à l'occasion du 50e anniversaire de sa mort, survenue le même jour en 1973.

Il le fera avec son oratorio El pessebre, une œuvre qui, selon l'orchestre, est devenue un message universel, de la main d'un homme universel, pour tenter d'unir les peuples, de convaincre tout le monde et d'émouvoir ceux qui sont encore capables de l'être.
Elle sera dirigée par Antoni Ros-Marbà et mettra en vedette la Coral Càrmina, ainsi que les voix solistes de Mireia Tarragó, David Alegret, Gemma Coma-Alabert, Joan Martín-Royo et Pau Armengol.

Engagé depuis longtemps en faveur de la paix, Daniel Barenboim s’est exprimé sur l’attaque du Hamas en Israël.

Décolonisé et autonomisé : l'Anneau du Nibelung de Wagner n'est plus depuis longtemps l'apanage du Festival de Bayreuth ni un projet réservé aux grandes scènes. Même les petits théâtres osent s'attaquer à l'immense tétralogie.
Cela vient de se passer à Londres et à Bâle, cela se passe à Bruxelles, plus tard à Dortmund et à Erfurt : partout, il y a des premières de L'or du Rhin, tantôt en prélude à un nouveau Ring, tantôt pour le clore presque. Parfois aussi simplement, de manière isolée. Et à Bayreuth de toute façon, où le 150e anniversaire du Festival approche en 2026 et où la première représentation des deux dernières parties de la Tétralogie en tant que cycle complet s'arrondit.

Wagner fait du bruit partout : à Sarrebruck (875 places), à Klagenfurt (800 places), au Passionsspielhaus d'Erl (1500 places, pas de fosse, pas de technique scénique), pour la première fois à Detmold en 2008 (648 places) ou à Oldenburg en 2022 (580 places), et même au Bespieltheater de Minden (535 places, orchestre sur scène) -aucun théâtre ne semble trop petit qu'on ne puisse, d'une manière ou d'une autre, mettre en scène le Ring de 14 heures comme un projet sûr de lui.

Sur le plan dramaturgique aussi, il n'y a plus de limites. Même Bayreuth -en 2021, année de la Covid- a expérimenté, outre une Walkyrie semi-concertante, badigeonnée en direct et couverte de couleurs par Hermann Nitsch, décédé peu après, un spectacle de marionnettes de L'or du Rhin dans la mare du parc devant le Festspielhaus, Siegfried en mise à mort du dragon et Le crépuscule des dieux en pelote de fil de destin rouge.
Et ce qui est juste pour le temple de la colline de Bayreuth peut apparaître en version "soft" pour une scène moyenne (896 places) comme Brunswick : la saison dernière, on y a proclamé l'extension du territoire du Ring, mais seul le Crépuscule des dieux a été donné dans son intégralité.

L'intention était tout à fait dans l'air du temps : Le matériau du 'Ring' sert de point de départ à une réinterprétation et à un élargissement artistiques à plusieurs niveaux, qui se déploient résolument à partir des qualités d'une maison pluridisciplinaire et recherchent activement l'échange avec la société urbaine. L'excellence collective des disciplines s'oppose avec assurance au culte du génie hiérarchique au service d'une œuvre d'art globale. Et à une utopie du technicien du sentiment Wagner, l'analyse sans complaisance du monde tel qu'il est - ou tel qu'il pourrait être.

Le tissu de l'œuvre d'art totale, composé de différentes formes d'expression des arts de la scène et de la musique, comprenait en outre L'or du Rhin (en tant que théâtre musical avec jeu d'acteur), les créations des Walkyries" de Caren Erdmuth Jeß (jeu d'acteur avec orchestre national) ainsi que Siegfried (théâtre de danse avec orchestre de Steffen Schleiermacher et Gregor Zöllig). Pour le Crépuscule des dieux, un directeur musical, trois metteurs en scène, un chorégraphe, quatre décorateurs, deux dramaturges, douze solistes, un acteur, l'ensemble de danse, le chœur, le chœur d'hommes et l'orchestre d'État se sont réunis.

Et c'est ainsi que les choses continuent de s'enrouler dans des contextes qui ne cessent de s'étendre. A Stuttgart, où l'on avait déjà sorti pour la première fois en 1999-2000 -et copié à maintes reprises- un Ring avec quatre metteurs en scène (à Chemnitz, il y avait ensuite quatre metteurs en scène en 2018), trois collectifs de metteurs en scène se sont amusés chacun avec un acte de la Walkyrie en 2019

En ce début de saison, il semble pourtant qu'une sorte d'épicentre wagnérien du Ring se trouve  en Suisse. Quatre des sept théâtres musicaux helvétiques travaillent actuellement sur la Tétralogie.
Cela va du quadruple spectacle dans l'intimité de la maison zurichoise (1100 places), qui s'achèvera en deux ans avec le Crépuscule des dieux début novembre, raconté de manière naïve par Andreas Homoki, mais dont Gianandrea Noseda a su faire parler la musique, en passant par la tentative d'arriver bientôt au Siegfried, avec un élément par saison, sur la petite scène de Berne (650 places), dans la mise en scène de la Polonaise Ewelina Marcinia, considérée comme une grande mystique.

Le violoniste et manager culturel Guido Gärtner (45 ans) devient le nouveau directeur général de l'Orchestre Philharmonique de Brême. Il prendra ses fonctions en mars 2024.

Gärtner est membre de l'Orchestre d'État de Bavière depuis 2008. En tant que musicien de chambre, il donne depuis lors régulièrement des concerts avec des solistes de l'Orchestre d'État de Bavière, également au sein du Quatuor Praetorius.
En 2012, il a été nommé directeur de la Bayerisches Staatsorchester Konzert GmbH.
Sur ordre de l'Opéra d'État de Bavière, il a fondé en 2021 le label musical Bayerische Staatsoper Recordings.

En tant que directeur général, Gärtner succède à Christian Kötter-Lixfeld, qui a rejoint la Kultur Herford gGmbH en novembre 2022, après 20 années passées au poste de directeur général. Depuis, c'est Wolfgang Fink qui assure l'intendance par intérim.

Takehisa Kosugi, né le 14 mars 1938 à Tokyo et mort à Ashiya le 12 octobre 2018, est un compositeur et violoniste japonais associé au mouvement Fluxus.

Takehisa Kosugi étudie la musicologie à l'Université des arts de Tokyo dont il est diplômé en 1962.
Il est probablement surtout connu pour la musique expérimentale qu'il créée de 1960 à 1975, d'abord dans les années 1960 avec l'ensemble de sept membres du Groupe Ongaku basé à Tokyo, et par la suite en tant qu'artiste solo et avec l'octuor itinérant Taj Mahal Travellers (1969-1975).
Le principal instrument de Takehisa Kosugi est le violon, dont il envoie le son à travers différents chambres d'écho et d'effets pour créer une musique bizarre faites de secousses, tout à fait en désaccord avec les bourdons d'autres artistes plus connus de Fluxus comme Tony Conrad, John Cale et Henry Flynt.

En 1963 Takehisa Kosugi compose pour Fluxus 1 une pièce intitulée Musique de théâtre sous la forme d'un rectangle de carton portant la trace d'une spirale de pieds en mouvement avec l'instruction : « Continuez à marcher attentivement ».

De 1985 à 2012, Takehisa Kosugi est directeur musical de la compagnie de danse Merce Cunningham et vit à Osaka. Sa carrière au sein du Groupe 1960 Ongaku est largement expliquée dans l'essai de 32 pages « expérimental Japon » qui figure dans le livre Japrocksampler (Bloomsbury, 2007), écrit par l'auteur / musicien / occultiste Julian Cope . Le livre propose également une biographie détaillée de 12 pages du Taj Mahal Travellers de Kosugi, dont Julian Cope décrit la musique comme un « rappel du gréement grinçant de la Mary Céleste sans pilote ». Selon Cope, le plus beau travail de Kosugi est l'album solo Catch-wave paru en 1975 chez CBS/Sony.

Takehisa Kosugi a reçu des subventions du 3^e Fonds JDR en 1966 et 1977.
Il a également reçu en 1981 une subvention de bourse DAAD pour résider à Berlin.

Il reçoit en 1994 un prix musical John Cage de la Fondation pour les arts scéniques contemporains.

Le musicien Djivan Gasparyan, légende du duduk arménien, est mort à 92 ans
Il était le maître et la référence du duduk (ou "doudouk"), cet instrument traditionnel arménien à vent dont le son poignant, profond, identifiable au premier souffle, a fait le tour du monde.
Djivan Gasparyan était une référence mondiale et un ambassadeur de la musique de son pays. Instrument traditionnel emblématique d'un peuple, porte-voix de l'âme millénaire des montagnes d'Arménie, sous les doigts de Djivan, le duduk a résonné dans le monde entier, jusqu'à certaines grandes productions hollywoodiennes. La mort de Gasparyan a causé une émotion bien au-delà des frontières arméniennes, des artistes comme Peter Gabriel et Brian May (du groupe Queen) lui ayant rendu hommage.