La mezzo-soprano Elina Garanca chante lors de la première d'Aida à l'opéra de Berlin. A la question de l'incidence sur son rôle (Amneris) de la mise en scène de Calixto Beito, sa réponse est claire :

"Je suis une chanteuse, pas un metteur en scène. Je travaille avec le matériel prescrit par le compositeur Giuseppe Verdi et son librettiste Antonio Ghislanzoni. Le génie de Verdi a déjà élaboré la dramaturgie intérieure de mon personnage. Dans cette mise en scène, nous essayons de la transposer de manière un peu plus moderne. Mais que Calixto défende lui-même ses idées. Cela m'est totalement égal de me promener dans un costume démodé ou moderne. Chaque nouvelle production, et je ne dis pas cela méchamment, est un peu comme le syndrome de Stockholm pour nous, les chanteurs. Au cours des semaines de répétition, nous sommes convaincus que ce que nous faisons est exactement ce qu'il faut. A la fin, c'est le public qui doit décider".

Le clarinettiste Julian Bliss et la compositrice Sally Beamish assumeront des rôles nouvellement créés pour l'année scolaire 2023-24

Fondée par le violoniste Yehudi Menuhin en 1963 pour les enfants musicalement doués du monde entier, l'école Yehudi Menuhin (YMS) dispense aujourd'hui une éducation holistique à 90 élèves âgés de 11 à 19 ans, avec des cours spécialisés sur les cordes, le piano et la guitare classique.

Le clarinettiste britannique Julian Bliss et la compositrice britannique Sally Beamish seront respectivement le premier artiste en résidence et la première compositrice en résidence de la YMS.

Bliss interprétera le Quatuor pour la fin du temps de Messiaen avec des étudiants lors d'un spectacle du jour du Souvenir le 11 novembre 2023, et jouera avec son septuor de jazz, qui clôturera la saison automne-hiver de l'YMS.
Récemment, il a fait ses débuts au Menuhin Hall avec des œuvres de Schumann aux côtés de l'altiste et chef d'orchestre Maxim Rysanov et du pianiste Dasol Kim.

En tant que compositrice en résidence, Mme Beamish travaillera directement avec les étudiants pour la préparation des concerts, présentera des séminaires et des ateliers sur sa carrière et ses compositions, et fournira un encadrement aux compositeurs étudiant à l'YMS.
Ses œuvres seront présentées lors de concerts tout au long de l'année et, en tant qu'altiste accomplie, elle interprétera sa Partita pour octuor à cordes avec les élèves de la YMS, dans le cadre du festival d'hiver du Menuhin Hall.

 

La 13e édition du Festival International PROPATRIA se déroule du 1er au 30 octobre 2023 dans 6 pays européens. Des artistes roumains du monde entier arrivent cette année, à travers le Festival international PROPATRIA, dans les communautés de la diaspora d'Italie, d'Allemagne, d'Israël, de France, de République de Moldavie, le festival se terminant en Roumanie.

Facebook se fait l'écho d'une décision de la municipalité d’Athènes : rénover la maison et l’immeuble dans lequel a vécu Maria Callas de 1937 à 1945, délabré depuis longtemps, un joyau d’art nouveau au centre de la capitale grecque.
Une fois restauré, "l’immeuble historique deviendra le siège de l’Académie d’art lyrique Maria Callas. Elle y a passé la fin de son enfance et son adolescence, c’est-à-dire la période la plus marquante de sa formation musicale et de son expression théâtrale. Et quand elle a quitté cette maison, elle était prête à conquérir les scènes les plus prestigieuses du monde entier."
Il est à noter, comme le soulignent les musicologues grecs, que pendant cette période elle s’est intéressée à l’interprétation des grandes actrices grecques du théâtre de l’époque en assistant à leurs spectacles : Kyveli, Marika Kotopouli, Katina Paxinou, Eleni Papadaki et autres -de vraies tragédiennes dont l’expression et les gestes peuvent être reconnus dans la théâtralité de Maria. Il était dès lors clair dans son esprit qu’elle ne se bornerait pas seulement à chanter, mais à incarner, ce qui a passionné le public mondial.

L'atelier permet régulièrement à une vingtaine de jeunes musiciens issus d'universités allemandes et polonaises de travailler ensemble sur la musique contemporaine : dans le cadre de phases de répétition d'une semaine sous la direction artistique du professeur Rüdiger Bohn, ils étudient des pièces importantes du répertoire, apprennent de nouvelles techniques de jeu et créent des œuvres de compositeurs européens. Les résultats musicaux sont présentés à l'automne de Varsovie ainsi qu'à d'autres festivals européens.

La première édition de l'Atelier européen a eu lieu en 2003 à Varsovie. Depuis, le projet de coopération entre Podium Gegenwart | Deutscher Musikrat gGmbH et le festival Warschauer Herbst s'est non seulement établi comme une constante de l'échange interculturel entre l'Allemagne et la Pologne, mais il a également connu un développement continu. Ainsi, depuis dix ans, des coachings de deux jours sont organisés en amont avec des interprètes de musique contemporaine renommés comme l'Ensemble Modern, l'Ensemble Musikfabrik ou l'Ensemble Recherche. En outre, des coopérations intensives avec des écoles supérieures de musique polonaises ont été initiées en 2013, notamment avec les villes de Cracovie (2013-15), Łódź (2016-17), Wrocław (2018-19) et Varsovie (depuis 2020).

L'EWCM a célébré son 20e anniversaire avec des compositions de Helmut Lachenmann, Paweł Malinowski, Naomi Pinnock et une création de Tadeusz Wielecki, directeur du festival de l'Automne de Varsovie depuis de nombreuses années et co-initiateur de l'European Workshop for Contemporary Music.

 

Les musicologues María Álvarez-Villamil et María Díez-Canedo, en collaboration avec l'Instituto Complutense de Cienca Musicales, ont sauvé et récupéré plusieurs partitions du compositeur catalan Luis Misón, né à Mataró en 1727.
Toutes ces partitions mettent en scène la flûte comme protagoniste.

Loué par Iriarte, Samaniego et Cadalso, sollicité comme instrumentiste par la Maison d'Albe, le castrat Farinelli ou l'orchestre du Real Coliseo del Buen Retiro, Luis Misón (1727-1766) est l'une des figures musicales les plus importantes du XVIIIe siècle en Espagne. Les œuvres publiées aujourd'hui sont des sources uniques et inédites du compositeur conservées dans la bibliothèque musicale de la Casa de Navascués.

Cette nouvelle édition trouve son origine dans le travail de recherche de la musicologue María Álvarez-Villamil, qui a découvert la richesse et la valeur de l'héritage musical de la Casa de Navascués. Ses recherches ont débouché sur le projet de récupération de l'Instituto Complutense de Ciencias Musicales, qui voit aujourd'hui ses premiers résultats avec la publication moderne de l'édition critique, l'enregistrement par le label Lindoro et le concert, grâce à la collaboration de FestRibAlt et au soutien d'Ibermúsica.

À la recherche de nouveaux thèmes et de nouveaux langages, l'opéra contemporain fait de nulle autre que Raffaella Carrà un personnage lyrique. C'est ce qui se passait hier au Teatro Donizetti de Bergame, avec la première de Raffa in the Sky.
Défini comme un "fanta opera en deux actes", Raffa in the Sky est, comme l'explique le théâtre lui-même, "un véritable opéra, inspiré par la figure emblématique de Raffaella Carrà, grande star de la télévision italienne, mais aussi personnalité internationale. Il ne s'agit pas d'une biographie musicale, mais de l'histoire d'une carrière artistique qui a accompagné, et parfois stimulé, les transformations de la société italienne au cours du dernier demi-siècle".

Raffa in the Sky est une œuvre du compositeur Lamberto Curtoni sur un livret de Renata Ciaravino et Alberto Mattioli, d'après une idée de Francesco Micheli, qui est également responsable de la mise en scène. Sur le choix du thème, Micheli explique : Qu'a fait Carrà ? Il y a plus d'un demi-siècle, avec son corps et sa voix, elle a parlé de la liberté des femmes, sans être taxée de passionniste ou d'anarchiste. Le Guardian a brillamment écrit : "Elle a enseigné la joie du sexe à toute l'Europe". Les barrières de la vie culturelle doivent être actualisées et éventuellement brisées : c'est pourquoi Carrà doit elle aussi être considérée comme un sujet culturel à part entière.

Sur les caractéristiques de la musique, Boccadoro explique : "Curtoni a trente-cinq ans, il lui est donc difficile d'écrire comme un compositeur de l'avant-garde du XXe siècle ; il lit les noms des protagonistes de ce monde dans les livres d'histoire ; il est l'élève de Giovanni Sollima, donc l'un des principaux représentants du post-modernisme. Son œuvre s'inscrit dans une tradition post-moderne italienne, née dans les années 1980 avec les compositeurs néo-romantiques, dans laquelle on a tenté de fusionner les sonorités pop et rock avec la tradition de l'opéra, de l'opéra italien, et même, dans certains cas, du vérisme. Le langage qu'il utilise n'a rien de dix-neuvièmiste, il est inscrit dans cette tradition pour laquelle le passé est la sève, le sang, l'ADN de ce qui prend forme, même quand il ne passe pas par des citations explicites et reconnaissables. Dans Raffa in the Sky, il y a aussi des passages qui rappellent Donizetti, Mozart et d'autres, précisément parce que Lamberto, en tant que postmoderniste, cite tout le matériel qu'il veut, de Donizetti à Carrà...".

Nous sommes ravis d'annoncer la nomination de deux nouveaux chefs d'orchestre adjoints.

Rita Castro Blanco compte parmi les chefs portugais les plus prometteurs de sa génération et elle a fait ses débuts avec l'Orquestra Gulbenkian, l'Orquestra Sinfónica Portuguesa, l'Orquestra Metropolitana de Lisboa, l'Orquestra das Beiras et l'Orquestra do Norte.
De septembre 2019 à janvier 2022, elle a été cheffe principale de l'Orchestre Philharmonique de Huddersfield.

Charlotte Corderoy est basée à Londres et récemment diplômée de la Royal Academy of Music.

David Fiodorovitch (Fichélévitch) Oïstrakh (en russe : Давид Фёдорович (Фишелевич) Ойстрах), né le 30 septembre 1908 à Odessa et mort le 24 octobre 1974 à Amsterdam, est l'un des violonistes les plus réputés du xx^e siècle. Violoniste et altiste, il a profondément influencé la technique de l'instrument, par sa maîtrise technique stupéfiante, sa déconcertante décontraction, sa virtuosité. Musicien, il a durablement marqué l'histoire de la musique au travers de la collaboration qu'il entretint avec de grands compositeurs qui lui dédiaient leurs œuvres. Son fils et disciple Igor Oïstrakh est également un violoniste réputé.

David Oïstrakh naît à Odessa : elle était devenue, après les migrations de Pologne des xviii^e et xix^e siècles, la ville la plus juive des grandes villes de l'Empire russe. Fiodor Davidovitch Oïstrakh et Isabella Stepanovna Kolker, eux-mêmes d'origine juive, vivent dans un petit appartement des quartiers sud de la ville. Fiodor est un modeste officier, qui doit vendre des graines de tournesol pour améliorer ses revenus. Il joue bien du violon, mais aussi du cor et d'autres instruments à vent. Isabella est chanteuse de chœur à l'opéra. Très tôt, Isabella emmène son fils David aux répétitions.

Odessa était alors une ville fort animée d'un point de vue culturel et scientifique. Les cafés et les restaurants recevaient des violonistes ; le Square Richelieu, des ensembles de cuivres et des orchestres napolitains ; des quatuors à cordes et autres ensembles de chambre étaient invités pour des concerts privés ; le Théâtre recevait Glazounov, Chaliapine, Sobinov, Caruso, Anna Pavlova ou Isadora Duncan.

Dans cette atmosphère prometteuse, et à sa demande, David reçoit son premier violon à cinq ans, en remplacement de son violon-jouet dont il était devenu inséparable et avec lequel il aimait à se montrer. David est motivé, certes, mais sa chance sera son premier professeur, Pyotr Stolyarsky.

La pédagogie de Stoliarski était fondée sur le jeu, et sur une connaissance des talents et du caractère de chacun de ses élèves. À la fois très présent, mais partisan de l'autonomie, il ne jouait que rarement, préférant laisser ses élèves appréhender et résoudre les difficultés par leurs propres moyens. Ils étudiaient le violon et l'alto, jouaient dans de petits ensembles à l'unisson ou en orchestre, et donnaient souvent des auditions et des concerts, afin de s'habituer au trac et au public, ce qui finançait en même temps cette école si particulière. David y côtoie un autre futur violoniste virtuose, Nathan Milstein, de cinq ans son aîné, avec lequel il joue en quatuor, Nathan se chargeant de la partie de violoncelle !

Il ne sera jamais un enfant prodige (comme le seront dans sa génération Heifetz ou Menuhin). Stoliarski dira d'ailleurs : « Je ne veux pas que Dodik soit un enfant prodige, parce que c'est un véritable musicien ».

La Première Guerre mondiale et la Révolution russe ralentissent peu les progrès de David. Sa famille, comme tant d'autres, sombre dans la pauvreté, mais Stoliarski parvient à ménager de bonnes conditions de travail à ses élèves. Et après des années difficiles, le pouvoir soviétique ramène un début d'ordre en 1920.

Son premier concert eut lieu en 1923. Au programme figurait le Concerto en la mineur de Bach. Ce concerto, ainsi que la sonate les Trilles du diable de Tartini, les Airs bohémiens de Sarasate, figuraient sur les premières affiches à porter le nom de David Oïstrakh, l'année suivante.

Sa première tournée se déroula en Ukraine en 1925, avec l'orchestre du Conservatoire d'Odessa. Les conditions étaient difficiles et les voyages éprouvants.

David Fiodorovitch quitta le conservatoire en 1926 ; son programme de fin d'année révèle déjà le grand musicien : à côté d'œuvres plus courantes, la Chaconne de Bach et la Sonate de Tartini, David fait figurer la sonate pour alto d'Anton Rubinstein et le premier concerto de Prokofiev, œuvre très difficile et très novatrice, prise de risque énorme, d'autant qu'elle venait d'être écrite (1917) et créée (18 octobre 1923, à l'Opéra de Paris par Marcel Darrieux) et que la première russe ne datait que du 21 octobre 1923 à Moscou (Nathan Milstein, Vladimir Horowitz au piano).

En 1935, il finit second au Concours international de violon Henryk Wieniawski à Varsovie derrière Ginette Neveu. En 1937 il obtient le premier prix du premier Concours musical international Reine-Élisabeth-de-Belgique (alors « Concours Eugène Ysaÿe ») à Bruxelles. Cette victoire lui ouvre les portes d'une grande carrière internationale.»

Sa carrière se développe d'abord à l'intérieur des frontières de l'Union Soviétique. Il crée les concertos de Nikolai Miaskovsky et Aram Khatchatourian, la sonate de Serge Prokofiev. Il reçoit le Prix Staline en 1942 -dont il reverse la récompense à l'Armée rouge. Il lie de durables amitiés avec Serge Prokofiev et Dmitri Chostakovitch. Il fonde un trio en 1940, avec Lev Oborine au piano et Sviatoslav Knouchevitski au violoncelle, avec lesquels il se produit jusqu'en 1963, à la mort de Knouchevitski.

Quand l'Union soviétique entre en guerre, alors que beaucoup d'artistes fuient, il reste à Moscou et continue à enseigner au conservatoire. Il voyagera sur les lignes de front pour se donner en concert devant les soldats et les ouvriers. En 1947 il est décoré de l'ordre de Lénine.

Après la guerre, et à l'instar d'autres artistes, il est autorisé à voyager -d'abord à l'intérieur des frontières du bloc soviétique, par exemple au festival « Printemps de Prague », puis graduellement à « l'Ouest ». En 1951, il est au festival « Maggio Musicale » de Florence ; en 1952 en Allemagne de l'Est pour le festival Beethoven ; en France en 1953, en Angleterre en 1954 ; en 1955, aux États-Unis.

Il débute en 1959 une carrière de chef d'orchestre, dirige à Moscou en 1962. Il reçoit le Prix Lénine en 1960. En 1967, commence sa collaboration avec Sviatoslav Richter.

Sa santé se dégrade progressivement. Il se relève d'un infarctus en 1964, mais ne ralentit pas son rythme effréné de travail : il est alors le principal ambassadeur de l'art soviétique, et considéré comme l'un des plus grands violonistes du siècle -il n'est donc pas question qu'il prenne du repos.

En 1968, pour ses soixante ans, ont lieu de grandes célébrations. En 1974, il dirige un cycle Brahms avec le Concertgebouw Orchestra d'Amsterdam ; il y meurt d'un nouvel infarctus, âgé de 66 ans.

David Oïstrakh trouvait le temps d'enseigner.

Je devais faire tout ce qu'il demandait, l'affiner chez moi de sorte à pouvoir le lui montrer plus tard. Aussitôt que quelque chose n'allait pas chez un élève, moi y compris, il prenait son violon et donnait une démonstration parfaite de ce qu'il fallait faire. Gidon Kremer

Au-delà de nombreux concerts qu’il donne à l’Auditorium et hors les murs dans la ville, l’ONL rayonne en France et à l’étranger par une présence régulière dans des salles et des festivals régionaux, nationaux et internationaux et par l’organisation de tournées internationales. Il rassemble chaque saison une très grande diversité de spectateurs.

Nicolas DROIN a occupé successivement les postes d’administrateur général de l’Orchestre des Champs-Elysées, des musiciens du Louvre-Grenoble puis du chœur Accentus. Ces dix dernières années passées à la direction générale de l’Orchestre de Chambre de Paris lui ont permis de réaliser un travail remarqué de rayonnement territorial et d’ouverture vers les nouveaux publics et les publics éloignés. Il a transformé l’orchestre en profondeur qui est devenu à la fois paritaire et l’un des plus jeunes de France.

Le projet de Nicolas DROIN est à la fois de poursuivre l’action d’Aline SAM-GIAO depuis 6 ans, mais également de développer un projet qui prenne en compte tous les enjeux de transformation des esthétiques, de renouvellement du public et de responsabilité sociétale. Son projet souhaite renforcer la présence de l’Auditorium-Orchestre national de Lyon en s’appuyant sur les ressources du lieu et le potentiel de l’orchestre, tant dans le domaine symphonique que dans les autres éléments de sa programmation afin d'accélérer la création et la transmission. Il poursuivra les actions culturelles menées par l’ONL.