L'altiste britannique Cecil Aronowitz (4 mars 1916 - 7 septembre 1978), membre fondateur du Melos Ensemble, musicien de chambre de premier plan, fut aussi un professeur influent au Royal College of Music et au Royal Northern College of Music.

Cecil Aronowitz est né le 4 mars 1916 à King William's Town, en Afrique du Sud. En 1933, il commence à étudier le violon à Durban avec Stirling Robbins. Deux ans plus tard, il vient en Angleterre avec une bourse d'études, au Royal College of Music de Londres.
En 1939, la Seconde Guerre mondiale interrompt ses études et il passe les six années suivantes dans l'armée. À son retour en Angleterre, il passe à l'alto.

Le Quatuor Amadeus lui demande régulièrement de jouer le rôle de second alto dans le répertoire du quintette à cordes et du sextuor à cordes.
Au printemps 1949, il rejoint les altos de l'Orchestre philharmonique de Londres.
En 1950, il cofonde l'Ensemble Melos, dont il sera l'altiste pendant des décennies et Terence Weil le violoncelliste.
Le bassoniste William Waterhouse a écrit en 1995 : C'est la remarquable relation entre cette paire de cordes inférieures, qui est restée constante tout au long d'une succession de chefs distingués, qui a donné une distinction particulière à cet ensemble exceptionnel.
Il a joué et enregistré avec le Pro Arte Piano Quartet, avec Kenneth Sillito au violon, et Terence Weil et Lamar Crowson au piano. Il a joué régulièrement avec les London Mozart Players et il a été l'altiste principal du Goldsbrough Orchestra (qui deviendra plus tard l'English Chamber Orchestra). Il s'est également produit au festival d'Aldeburgh chaque année de 1949 jusqu'à sa mort en 1978. À Aldeburgh, Aronowitz était soliste, chambriste et chef des altos de l'English Opera Group.

Benjamin Britten a écrit de nombreuses parties d'alto en pensant à Cecil Aronowitz, en particulier dans ses opéras de chambre et ses opéras religieux. La musique de chambre de son War Requiem a été écrite pour l'ensemble Melos et a été dirigée par Britten lors de la première représentation à Coventry en 1962.
Le premier enregistrement a eu lieu en 1963. Cecil Aronowitz a également participé à la création et au premier enregistrement de Curlew River de Britten en 1964. En 1976, Britten a écrit à Aronowitz une version de son Lachrymae (écrit pour William Primrose en 1950, à l'origine pour alto et piano) pour alto et orchestre à cordes.

En 1951, il crée la Suite pour alto et violoncelle d'Arthur Butterworth avec Terence Weil. Alun Hoddinott lui écrit un Concertino pour alto en 1958[10]. Les Variations pour alto et piano (1958), l'opus 1 de Hugh Wood, sont créées par Margaret Kitchin et Cecil Aronowitz le 7 juillet 1959 lors d'un concert au Wigmore Hall donné par la Society for the Promotion of New Music. Dans les années 1960, il joue dans le Quatuor Cremona avec Hugh Maguire, Iona Brown et Terence Weil. Au Festival d'Aldeburgh de 1976, il donne avec son épouse Nicola Grunberg la première exécution publique hors de Russie de la dernière œuvre de Chostakovitch, la Sonate pour alto et piano, opus 147, en présence de Britten et de la veuve de Chostakovitch.

Il a enseigné l'alto et la musique de chambre au Royal College of Music pendant 25 ans, puis, en 1973, il est devenu le premier chef des cordes au Royal Northern College of Music, nouvellement créé à Manchester.
Le RNCM a régulièrement décerné un Prix Cecil Aronowitz pour l'alto.

En 1978, il est victime d'une attaque cérébrale lors d'une interprétation du Quintette à cordes en do majeur de Mozart à Snape Maltings et meurt à Ipswich, en Angleterre, le 7 septembre.

Madeleine Winefride Isabelle Dring (7 septembre 1923 - 26 mars 1977) était une compositrice, pianiste, chanteuse et actrice anglaise.

Madeleine Dring passe les quatre premières années de sa vie à Raleigh Road, Harringay, avant que la famille ne déménage à Streatham. Elle fait preuve de talent dès son plus jeune âge et est acceptée au département junior du Royal College of Music, où elle commence à jouer le jour de son dixième anniversaire. Elle se voit offrir des bourses pour le violon et le piano et choisit le violon. Elle étudie le piano en tant qu'instrument secondaire, sous la direction d'étudiants du RCM pendant les premières années.

Dans le cadre de leur formation, tous les élèves se sont produits dans le domaine du théâtre pour enfants sous la direction d'Angela Bull. Dring a commencé à étudier la composition au département junior avec Stanley Drummond Wolff en 1937, puis avec Leslie Fly en 1938, et elle a travaillé avec Sir Percy Buck les deux années suivantes.
ers la fin de ses études, elle est confiée à Lilian Gaskell pour l'étude du piano.
Elle poursuit ses études au Royal College, où son professeur de composition est Herbert Howells. Elle prend occasionnellement des leçons avec Ralph Vaughan Williams (officiellement, un remplaçant de Howells).
lle abandonne l'étude du violon après la mort de son professeur, W.H. Reed, à la fin de la première année. Elle se concentre alors sur le piano et la composition, mais elle étudie également le mime, le théâtre et le chant. L'amour de Dring pour le théâtre et la musique se mêle avec bonheur : nombre de ses premières créations professionnelles sont destinées à la scène, à la radio et à la télévision.

En 1947, elle a épousé Roger Lord, qui a été hautbois solo de l'Orchestre Symphonique de Londres pendant plus de trente ans. Elle a composé plusieurs œuvres pour lui, dont les très appréciées Dances for solo oboe. Peu après son mariage, ses premières pièces ont été publiées chez Lengnick et Oxford (1948).

Dring est décédée en 1977 d'une hémorragie cérébrale (anévrisme cérébral). La pierre tombale de Dring a été récemment découverte (in situ) au cimetière de Lambeth à Streatham.

Un livre, "Madeleine Dring : Her Music, Her Life, de Ro Hancock-Child", a été publié en 2000 (2e édition en 2009), et comprend des illustrations de bandes dessinées tirées des carnets de Dring et interprétées par Ro Hancock-Child. La biographie a été en partie financée par Roger Lord, le mari de Dring, afin de diffuser des informations sur les compositions de sa défunte épouse. Plusieurs articles, enregistrements sur disque compact et inclusions des informations biographiques de Madeleine Dring dans des livres sur les compositeurs au cours de la dernière décennie ont assuré à son nom une place dans le lexique moderne.

Un autre livre, "Madeleine Dring : Lady Composer" de Wanda Brister et Jay Rosenblatt a été publié en 2020 par Clemson University Press et Liverpool University Press. Plus de 100 pages de notes de bas de page et de références sont incluses dans ce volume, ainsi que des listes d'œuvres complètes et des documents sur les performances de Dring. L'ouvrage a reçu un accueil favorable de la part de revues consacrées au chant, aux femmes dans la musique, aux anches doubles et à la musique légère.
Ces deux auteurs ont également travaillé avec diligence pour enregistrer et publier ses œuvres.

L'honneur posthume le plus récent a été de donner son nom à la salle à manger de la Streatham & Clapham High School. C'est en effet un honneur, car elle n'a pas fréquenté ce lycée, mais l'école catholique La Retraite à Clapham Park située au milieu du quartier dans lequel Dring a passé la plus grande partie de sa vie.

Dans sa jeunesse, le compositeur préféré de Mme Dring était Rachmaninov dont elle possédait de nombreuses partitions de piano et de chant qui sont aujourd'hui en possession de Ro Hancock-Child. Elle a étudié avec Herbert Howells, mais son œuvre ne doit rien au style musical de ce dernier. Elle a parfois suivi l'enseignement de Ralph Vaughan Williams, mais là encore, l'influence est peu évidente, et sa musique ne reflète pas la tradition de la chanson folklorique anglaise, bien qu'elle ait étudié ce genre en tant que chanteuse. Elle a parfois mis en musique un texte qu'elle avait rencontré dans une œuvre solo ou chorale, en y laissant sa marque mais elle a regardé plus loin.

Dring appréciait particulièrement (et imitait) les manières de Poulenc, par exemple dans l'accompagnement de sa chanson I Feed A Flame. Comme l'a observé Ro Hancock-Child, elle préférait les idiomes jazzy, Gershwin, Cole Porter et le style ensoleillé d'Arthur Benjamin. Ayant entendu le calypso à Londres, elle a répondu par ses propres Caribbean Dance et West Indian Dance, pour piano.

Dring a délibérément évité de répéter son matériel musical d'une pièce à l'autre, trouvant toujours une nouvelle approche de l'harmonie et du rythme. Si sa musique vocale a déjà été comparée à celle de Roger Quilter (peut-être en raison de choix de textes similaires), il s'agit d'une comparaison erronée. Quilter était résolument victorien, et ses chansons sont profondément mélodiques et contrapuntiques. En revanche, Dring regardait vers l'avenir et se nourrissait de nouveauté et de surprise, espérant que ce qu'elle écrivait puisse choquer ou faire sourire. Ses mélodies vocales naissent des harmonies sous-jacentes et peuvent être difficiles à placer : les accords viennent en premier, comme le fait remarquer Ro Hancock-Child. Elle a écrit la plupart de ses airs pour son propre usage : elle avait une voix de soprano de grande qualité, avec une large tessiture et une justesse parfaite. Il existe plusieurs enregistrements informels et instructifs de Dring chantant et jouant ses propres compositions.

Les chansons de cabaret et de revue du West End de Dring comportaient parfois ses propres paroles et sont pleines d'intelligence, tant sur le plan musical que textuel. Elles ont été récemment enregistrées et publiées par plusieurs artistes dévoués.

Dring a choisi de ne pas composer d'œuvres de grande envergure. Elle a écrit des pièces pour piano solo, des duos de pianos, des chansons avec piano, ainsi que de la musique de chambre, notamment des pièces pour duo de pianos, flûte, hautbois, harmonica, flûte à bec et clarinette, dont un petit nombre sont des œuvres pédagogiques.
Ses œuvres pour la télévision et la radio sont toutes d'une durée de 45 minutes ou moins. Elle a terminé un opéra en un acte, Cupboard Love, avec son ami D.F. Aitken (jamais joué de son vivant, mais il a été publié en 2017 et a été présenté en première aux États-Unis en avril 2018 à la Florida State University et en première européenne en Écosse en juin 2019). Un drame dansé intitulé The Fair Queen of Wu (La belle reine de Wu), diffusé sur la BBC en 1951. Le ballet nécessitait une compagnie complète de solistes qui étaient hors champ. Elle a été chargée d'écrire la musique de The Real Princess, un ballet, et de plusieurs pièces de théâtre jouées à Londres entre 1946 et 1971. Elle a souvent collaboré avec Felicity Gray, chorégraphe, et D.F. Aitken, librettiste.

Madeleine Dring a rarement fourni des dates pour ses compositions ; nombre d'entre elles  proviennent du traité d'Alistair Fisher sur ses chansons. Des dates de publication ont été fournies, dont beaucoup à titre posthume par son mari, Roger Lord. Certaines dates ont été rétablies plus récemment en utilisant les dates des premières interprétations et d'autres informations confirmées dans ses documents personnels ainsi que dans les revues de presse archivées.
En 2018, trois volumes de chansons ont été gravés et publiés, ainsi que quatre volumes de numéros de cabaret et de revues musicales.
Des duos et des ensembles ont également été publiés.

 

L'Orchestre Philharmonique Borusan d'Istanbul (BIPO) a annoncé que l'Italien Carlo Tenan, 44 ans, sera son directeur artistique à partir du 1er octobre 2023 et son premier chef d'orchestre à partir du 1er septembre 2024. Le contrat court jusqu'à l'été 2026.

Diplômé en direction d'orchestre, piano, hautbois, composition et musique électronique, Carlo Tenan a commencé sa carrière en tant qu'assistant d'Antonio Pappano, de Mstislav Rostropovich et de Lorin Maazel. Il a été invité à diriger de nombreux grands orchestres.

Le ténor américain Stephen Gould -qui a mis récemment fin à sa carrière- a déclaré être atteint d'une maladie incurable.
On m'a diagnostiqué un cancer des voies biliaires avec des complications, a annoncé le chanteur (né en 1962) sur son site Internet. C'est un cholangiocarcinome, une maladie mortelle, avec un pronostic de quelques mois à dix mois de vie au maximum. Il n'y a pas de traitement pour cela, a-t-il ajouté.

L'opéra "Subnormal Europe  de Belenish Moreno-Gil et Óscar Escudero sera donné au Festival moderne de Vienne fondé sous la direction de Claudio Abbado en 1988.
La pièce aborde de manière critique la naissance de l'identité européenne, ses icônes les plus importantes et le rôle de la documentation et de la reproduction audiovisuelles dans sa consolidation.
La mise en scène place Frenkel sur une scène où la réalité augmentée partage l'espace avec d'autres dispositifs qui transforment sa voix et son corps en direct, tels que des scanners de reconnaissance faciale ou des capteurs de mouvement.

Commandée à l'origine par la Biennale de théâtre musical de Munich en collaboration avec le Centre pour les arts et les médias (ZKM) de Karlsruhe, elle a reçu une mention honorable au Prix Ars Electronica en 2021 pour ses innovations technologiques sur la scène européenne du théâtre musical. Après sa première à Karlsruhe en juin 2020, l'œuvre a été jouée sur certaines des plus importantes scènes internationales dédiées à la nouvelle création, telles que HELLERAU - European Center for the Arts (Dresde), Gare du Nord (Bâle) ou les Théâtres de la Ville de Luxembourg.

Robert von Bahr, fondateur et propriétaire du label suédois BIS, récent octogénaire, a vendu sa société à Apple, indique-t-il sur le site du label :
Apple, avec sa propre histoire d'innovation et d'amour de la musique, est la maison idéale pour inaugurer la prochaine ère du classique et a fait preuve d'un véritable engagement pour construire un avenir dans lequel la musique classique et la technologie travaillent en harmonie. Ma vision et mon rêve le plus sincère sont que nous fassions tous partie de cet avenir.
Récemment, Apple a pris de nombreuses mesures pour soutenir la créativité dans le domaine de la musique classique, la moindre n'étant pas le lancement d'Apple Music Classical au début de l'année. Apple et BIS partagent également une croyance fondamentale dans l'importance de préserver la qualité audio. Comme vous le savez tous, BIS a toujours été synonyme de qualité sonore exceptionnelle, et j'ai suivi avec intérêt l'engagement d'Apple en faveur du son et de l'audio spatial.
BIS fera partie d'Apple Music Classical et de Platoon. Aussi fier que je sois de cette étape, je suis encore plus fier du fait que l'ensemble du personnel de BIS, moi y compris, a été conservé. Nous nous réjouissons tous de l'avenir, rempli de nouvelles musiques et d'artistes au son d'or, de cette force accrue de la musique classique. "

Le pianiste réfugié soviétique Anatol Ugorsky est décédé à l'âge de 80 ans.

Installé en Allemagne, il a été largement reconnu comme pianiste de Beethoven, malgré -peut-être à cause de- sa tendance à prendre des tempi extrêmement lents.

Sa fille Dina Ugorskaja a acquis une autorité encore plus grande dans Beethoven. Ses derniers enregistrements, à la suite d'un cancer, sont légendaires parmi les interprètes de Beethoven. Le père et la fille ont tous deux gagné une place perpétuelle au panthéon.

Le chef italien Claudio Scimone est né le 23 décembre 1934 à Padoue et décédé le 6 septembre 2018 dans la même ville.

Après avoir étudié la direction d'orchestre avec les chefs Carlo Zecchi, Dimitri Mitropoulos et Franco Ferrara, Claudio Scimone atteint une notoriété internationale en enregistrant pour la firme Erato l'intégrale des Concertos pour flûte de Vivaldi, à la demande de -et avec- le flûtiste Jean Pierre Rampal en 1966.
Rapidement, il est invité à diriger quelques-uns parmi les plus grands orchestres symphoniques, dont l'Orchestre Philharmonique Royal de Londres et l'Orchestre Symphonique Yomiuri à Tokyo.

Entre 1952 et 1957, il a écrit la rubrique musicale de la revue La gazzetta del Veneto.

En 1959, il fonde à Padoue  I Solisti Veneti avec lesquels il interprète principalement un répertoire de musique baroque italienne, et donne plus de 5 000 concerts sur tous les continents.

Dans les années 1970, il dirige notamment l'Orchestre Philharmonique de Monte-Carlo et produit, avec le guitariste Turibio Santos, un disque contenant des œuvres de Joaquin Rodrigo, comme le Concerto d'Aranjuez et la Fantaisie pour un gentilhomme.

Il redécouvre également bon nombre d'opéras méconnus de Rossini, comme Mosè in Egitto, Ermione, Maometto II, L'Italienne à Alger (qu'il enregistre avec Marilyn Horne).

De 1979 à 1986, il dirige l'Orchestre de la Fondation Gulbenkian de Lisbonne, dont il devient ensuite le directeur honoraire.

Pendant 27 ans, il dirige le conservatoire Pollini de Padoue et enseigne au conservatoire Benedetto Marcello de Venise.

Son activité discographique a été particulièrement importante et compte près de 200 enregistrements, la plupart pour Erato.

Son travail a aidé à redécouvrir la musique instrumentale italienne du xviii^e siècle⁴.

Parmi les prix les plus prestigieux qu'il a reçus, figurent les trois « Grand prix du disque » de l'Académie Charles-Cros de Paris et un Grammy Award de Los Angeles.
Claudio Scimone a été fait Chevalier Grand-Croix de l'ordre du Mérite de la République italienne et il a reçu la Médaille d'Or du Mérite pour l'art et la culture du président de la République italienne en 2000. Enfin, en 2008, à Venise, il a reçu, avec les musiciens de I Solisti Veneti, le Prix Arthur-Rubinstein.

Pál Kadosa, né Pál Veisz à Léva 6 septembre 1903 et décédé à Budapest le 30 mars 1983, est un compositeur, pianiste et pédagogue hongrois.

Pál Kadosa perd son père lorsqu'il est enfant. Ses grands-parents vivaient à Nagyszombat (aujourd'hui Trnava en Slovaquie), et c'est là qu'il fréquente l'école primaire et apprend le piano.
En 1918, alors qu'il a quinze ans, il emménage à Budapest avec sa mère, qui s'était remariée. C'est dans la capitale qu'il commence à étudier sérieusement le piano. D'abord avec Ilona Pál et en 1921, après l'obtention du diplôme, il est admis à l'Académie de musique Franz Liszt. Il étudie le piano avec Arnold Székely et Lili Keleti, la musique de chambre avec Leó Weiner, et la composition avec Zoltán Kodály. En outre, il pratique la peinture et le dessin, et l'histoire de l'art, la littérature. Il est en relation amicale avec notamment, le peintre Róbert Berény, Sándor Bortnyik, Huber István Dési, Andor Sugár, Pál Pátzay et György Goldmann. En 1927, il obtient son diplôme.

En tant que pianiste il considère comme sa tâche primordiale de jouer -en plus de ses propres œuvres- la musique contemporaine. Son jeu de piano évoque celui de Bartók dans ses sonorités et la pulsation rythmique typique.

Tout au long de la vie, il est un acteur important de la vie musicale hongroise. Il fonde en 1928 l'association des musiciens hongrois de musique moderne, qui fusionne plus tard avec l'Internationale Gesellschaft für Neue Musik, dont il est une personne importante. Après 1945, il est président de l'association des musiciens hongrois, puis président de l'Office du droit d'auteur. Il est également membre honoraire de la l'Académie royale de musique à Londres et membre correspondant de l'Académie des arts de la RDA.

Kadosa est un important pédagogue du piano. Après son diplôme, entre 1927 et 1943, il enseigne à l'École de musique Fodor, mais la montée du fascisme l'oblige à quitter son poste et, de 1943 à 1944, il enseigne à l'école de musique Goldmark, ce qui a presque interrompu sa carrière.
Il enseigne à l'Académie de musique de 1945 jusqu'à sa mort en tant que chef du département de piano. Il a eu notamment comme élèves : Jenő Jandó, Zoltán Kocsis, György Kurtág, Dezső Ránki, András Schiff et Gyula Kiss (Prix Liszt en 1972).

Le style de ses compositions est principalement influencé par Béla Bartók et Zoltán Kodály, mais il a aussi été très impressionné par le début de l'avant-garde et le néoclassicisme allemand. Toutes les formes issues des œuvres du répertoire classique peuvent être trouvées dans son catalogue ; il a composé à la fois des œuvres pour orchestre, dont huit symphonies et une symphonie de chambre, quatre concertos pour piano, deux concertos pour violon et pour d'autres instruments, ainsi qu'un opéra (Huszti kaland), des œuvres de musique de chambre, des pièces pour piano, ainsi que des œuvres chorales et des mélodies.

Pal Kadosa est publié chez Schott à Mayence.

Il a été distingué par les

• Prix Kossuth (1950, 1975)
• Mérite artistique (1953)
• Prix Ferenc Erkel (1955, 1962)
• Prix d'excellence artistique (1963)

Le Csemadok et les Amis de la musique hongroise de Slovaquie ont créé pour les pianistes amateurs le Concours Pál Kadosa qui a lieu à Levice (Léva) qui se déroule tous les deux ans depuis 1993.

Johann Schelle est un musicien saxon né à Geising le 6 septembre 1648 et mort à Leipzig le 10 mars 1701.

Le fils du cantor et recteur Jonas Schelle était déjà à l'âge de sept ans soprano de la Staatskapelle de Dresde sous la direction de Heinrich Schütz. Sur la recommandation de ce dernier, il entra en 1657 en tant que choriste à la chapelle ducale de Wolfenbüttel, où travaillait Heinrich Schütz comme maître de chapelle.

De 1665 à 1667, Schelle a été chanteur dans le chœur de l'église Saint-Thomas dépendant de la Thomasschule à Leipzig. Il s'est inscrit à l'Université de Leipzig le 31 janvier 1667.
Sur la recommandation de Sebastian Knüpfer, il est devenu en 1670 cantor de l'école de la ville d'Eilenbourg. Il a été l'un des premiers à diriger des cantates en langue allemande lors de cérémonies de culte.

Du 31 janvier 1677 jusqu'à sa mort, il a été Thomaskantor à Leipzig, succédant à Sebastian Knüpfer et précédant Johann Kuhnau. Dans le même temps, il était « directeur Chori musici » pour la ville de Leipzig. Il a introduit à Leipzig des œuvres où se côtoient des textes évangéliques et des lieder spirituels. Il a aussi été parmi les premiers auteurs à écrire des cantates-choral. Il a composé principalement de la musique d'église (vocale et instrumentale).

Johann Schelle a eu pour élèves Johann Theodor Roemhildt, Friedrich Wilhelm Zachow, Reinhard Keiser, Johann Christoph Graupner et Johann David Heinichen.

La majorité de ses oeuvres étaient des œuvres sacrées sur un texte allemand, très peu d'entre elles ont été publiées de son vivant. Certains de ses Kirchenlieder ont été publiés en 1693 dans le livre de Joachim Feller « Der andächtige Student » imprimé dans Chants.
25 manuscrits de cantates se trouvent à la Bibliothèque d'État de Berlin.
Ces œuvres montrent l'importance de Schelle pour le développement de ce genre musical. Il fut l'un des premiers compositeurs à mélanger des textes bibliques et des poésies libres. En outre, les cantates chorales que l'on y trouve, sont parmi les plus anciennes du genre.