A 87 ans, Zubin Mehta est arrivé dans sa ville natale de Mumbai pour diriger deux concerts avec l'Orchestre Symphonique de l'Inde (SOI) avec lequel il se produit pour la première fois.

 

 

Le chef d'orchestre israélien Yoel Gamzou, basé en Allemagne, est sur le point de lancer un orchestre, oneMusic, qui consacrera la moitié de son temps à des œuvres nouvelles.

L'orchestre est composé de musiciens de l'Opéra de Zurich, de l'Orchestre d'État de Bavière, de la Staatskapelle Berlin, du Royal Liverpool Philharmonic, du LSO, de l'Orchestre philharmonique de Copenhague, de l'Orchestre symphonique de Lucerne, de l'Orchestre philharmonique de Hambourg et de l'Orchestre des Tonkünstler de Vienne.

Gamzou était, jusqu'à l'année dernière, GMD au Theater Bremen.

Le Prix Würth des Jeunesses Musicales d'Allemagne, décerné chaque année depuis 1991, est attribué cette année à la Deutsche Streicherphilharmonie.

Depuis près de 50 ans, la Deutsche Streicherphilharmonie réunit les talents parmi les instrumentistes à cordes des écoles de musique. Les musiciens âgés de 11 à 20 ans se qualifient pour l'orchestre par le biais d'une audition et se retrouvent plusieurs fois par an pour des phases de répétition et des tournées de concerts. L'histoire de cet ensemble de haut niveau a commencé en 1973, lorsque, à l'occasion des "X. Festival mondial de la jeunesse et des étudiants" à Berlin-Est, on cherchait un orchestre pour le festival. L'orchestre central des jeunes des écoles de musique de la RDA, créé un an plus tôt, a été retenu. Herbert Kegel, en 1974, et Wolf-Dieter Hauschild, à partir de 1976, se succédèrent à la tête de l'orchestre. La même année, la radio de la RDA prit en charge l'orchestre, qui portait depuis le nom de Rundfunk-Musikschulorchester (RMO). En 1984, le chef d'orchestre principal de la Philharmonie de Dresde, Jörg-Peter Weigle, a pu être engagé comme directeur artistique. En 1991, l'association des écoles de musique allemandes (VdM) a pris en charge l'ensemble de haut niveau qui se recrutait désormais dans toute l'Allemagne sous le nom de Deutsches Musikschulorchester (DMO). De 1995 à 2002, Hanns-Martin Schneidt a été le chef d'orchestre principal, suivi en 2003 par Michael Sanderling. Depuis 2004, l'orchestre est connu sous le nom de Deutsche Streicherphilharmonie, dirigé depuis 2013 par l'actuel chef d'orchestre Wolfgang Hentrich. Le programme comprend de grandes œuvres de la littérature pour orchestre à cordes de toutes les époques musicales, ainsi que des raretés, des morceaux de cabaret injustement oubliés et des œuvres contemporaines.

La Deutsche Streicherphilharmonie a conquis avec succès des scènes de concert renommées et a également laissé une impression durable au niveau international lors de ses nombreuses tournées en Pologne, en Norvège, en Chine, au Monténégro, en Équateur et dans d'autres pays. La Deutsche Streicherphilharmonie collabore avec des chefs d'orchestre invités de renom tels que Marek Janowski et Vladimir Jurowski, ainsi qu'avec des virtuoses instrumentaux exceptionnels comme Julia Fischer, Nils Mönkemeyer et les frères Jussen Arthur et Lucas. Des enregistrements de concerts et de studios sont régulièrement produits avec Deutschlandfunk Kultur, et 14 CD ont été réalisés jusqu'à présent. De nombreux anciens membres jouent désormais dans des orchestres renommés tels que l'Orchestre philharmonique de Vienne, l'Orchestre philharmonique de Munich, l'Orchestre symphonique de la radio de Berlin, la Sächsische Staatskapelle de Dresde ou le Metropolitan Opera Orchestra de New York.

Le prix Würth des Jeunesses Musicales Deutschland est décerné à des artistes, des ensembles et des projets qui remplissent de manière exemplaire les valeurs et les objectifs des Jeunesses Musicales Deutschland. Jusqu'à présent, les compositeurs Philip Glass et Jörg Widmann, les chefs d'orchestre Claudio Abbado, Bruno Weil et Gustavo Dudamel ainsi que des ensembles tels que la Deutsche Kammerphilharmonie Bremen, la Junge Deutsche Philharmonie, le Quatuor Artemis, le Bundesjugendorchester, le programme éducatif de l'Orchestre philharmonique de Berlin, le Stegreiforchester Stuttgart, la violoncelliste Sol Gabetta, le violoniste Christian Tetzlaff et le pianiste Lars Vogt ont été récompensés, entre autres. Le dernier à avoir reçu le prix est le Notos Quartett en 2022. Le prix est soutenu par la fondation Würth, créée en 1987.

Le maire Thomas Ebersberger les a remerciés mercredi lors d'une cérémonie à la maison Wahnfried pour leur fidélité et leur engagement infatigable : Chacun d'entre vous contribue à l'image de Bayreuth en tant que ville culturelle, à la bonne résonance du nom de notre ville dans le monde entier.

Parmi les personnes honorées, on comptait la soprano Catherine Foster et la basse Georg Zeppenfeld pour leur participation pendant dix ans au festival.
Le directeur du chœur Eberhard Friedrich a reçu en plus l'Anneau d'Or, la deuxième plus haute distinction de la ville de Bayreuth, pour ses 30 ans d'activité.

La liste comprenait des participants de presque tous les domaines importants du festival de la Colline verte : des solistes, musiciens d'orchestre et choristes aux techniciens et scénographes, en passant par les figurants et les concepteurs d'éclairage. Ils ont reçu - selon la durée de leur engagement pour le festival une "Schimmala" (cruche en céramique avec couvercle en étain), un cube en verre du Festspielhaus ou une médaille Richard Wagner.
Avec 40 ans, Udo Metzner =assistance artistique= est celui qui est resté le plus longtemps.

Le chef Arnold Östman (°24 décembre 1939) est décédé à Stockholm ce 15 août 2023.

Né à Malmö, il avait étudié l'histoire de l'art et la musicologie à Lund, Paris et Stockholm. En tant qu'instrumentiste, il se concentre sur le piano et le clavecin, en grande partie en autodidacte.
Au cours de ses années de recherche, il se concentre sur  l'opéra ancien, mettant en lumière un certain nombre d'opéras baroques jusqu'alors inconnus ou peu connus.

Östman a enseigné à l'Operahögskolan i Stockholm (alors appelée Statens musikdramatiska skola) en 1969. Il a été directeur de théâtre et de musée au Drottningholms Teatermuseum (plus tard connu sous le nom de Sveriges Teatermuseum) à Stockholm à partir de 1979.

Östman a été directeur artistique et chef d'orchestre de l'Académie de Vadstena de 1971 à 1981, tout en étant également chef d'orchestre et directeur artistique du NorrlandsOperan à Umeå de 1974 à 1978.

Il a été nommé directeur artistique du Théâtre du Palais de Drottningholm en 1980, poste qu'il a occupé jusqu'en 1992. Il s'est acquis une réputation internationale en tant que défenseur du mouvement de l'interprétation d'époque en musique classique, un mouvement qui insiste sur l'interprétation du répertoire allant de 1600 à 1820 (c'est-à-dire le baroque, le classique et les premiers romantiques) : pour Östman, l'utilisation d'instruments historiquement appropriés est vitale pour comprendre le style mozartien.

En dehors de la Suède, Östman a dirigé un large éventail de répertoires à Covent Garden, Vienne, Parme, Trieste, Cologne, Bonn, Toulouse, Nice, Wexford, Madrid, Washington, Lausanne, Paris (Garnier et Bastille), ainsi qu'aux festivals de Schwetzingen et de Vienne, entre autres.

En tant que chef d'orchestre symphonique, Östman a travaillé avec de nombreux grands orchestres européens, notamment les Orchestres de la radio allemande à Hambourg, Francfort, Cologne, Stuttgart et Baden-Baden ; l'orchestre Gürzenich de Cologne ; l'Orchestre Baroque de Fribourg ; l'Orchestre Philharmonique de Radio France ; l'Orchestre National de France ; l'Académie de musique ancienne, l'Orchestre de Chambre de Genève, l'Orchestre Royal du Concertgebouw d'Amsterdam, l'Orchestre de chambre de la radio néerlandaise, l'Orchestre de chambre écossais, l'Orchestre Symphonique de Göteborg, l'Orchestre Philharmonique d'Oslo, l'Orchestre de chambre Mahler, l'Orchestre Philharmonique de Rotterdam et l'Orchestre Philharmonique de Hambourg.

András Schiff a reçu la Festspielnadel in Rubin (l'épingle de rubis) du festival de Salzbourg. Lors de la remise de l'insigne mercredi, le directeur Markus Hinterhäuser a rendu hommage à l'artiste de 69 ans en le qualifiant d'artiste essentiel qui a contribué à écrire l'histoire du festival, l'un des pianistes les plus importants de notre époque et un véritable ami du festival de Salzbourg.

Andras Schiff a fait ses débuts au Festival de Salzbourg en 1982. Il y a présenté des cycles à plusieurs reprises comme, en 1994, un cycle Mendelssohn-Brahms en alternance avec des formations de musique de chambre, en 1998 une série consacrée à Robert Schumann ou, en 2015, trois concerts consacrés aux dernières sonates pour piano de Franz Schubert.

L'épingle du festival a déjà été décernée à des artistes tels Christa Ludwig, Jürgen Flimm, Riccardo Muti, Anne-Sophie Mutter, Mariss Jansons, Franz Welser-Möst et, plus récemment, Wolfgang Rihm.

Le compositeur français Florent Schmitt est né le 28 septembre 1870 à Blâmont et mort le 17 août 1958 à Neuilly-sur-Seine.

Florent Schmitt étudia à Nancy puis au Conservatoire de Paris où il fut élève de Massenet et Fauré.
En 1900, après 3 tentatives, il reçut le Premier Grand Prix de Rome pour sa cantate Sémiramis.
En 1904, Schmitt acheva son grandiose et tonitruant Psaume XLVII qui lui valut le succès lors de sa création. Pour Norbert Dufourcq, « l’apparition en 1906 du Psaume XLVII a été l’événement le plus important de la musique française depuis Pelléas. » L’humour vache du Sanglier des Ardennes (son surnom), libre et franc voire rude, et sa facétie à la Satie, avec qui il était ami, s’exprimaient aussi en titres mystificateurs : Suite en rocaille, Çançunik, Suite sans esprit de suite, Fonctionnaire MCMXII inaction musicale, Sonate libre en deux parties enchaînées, Habeyssée, etc.

Présent à Toul en 1915, il fait l'objet d'un portrait cubiste par Albert Gleizes intitulé Le Chant de guerre.

Marqué dans sa jeunesse par les mouvements symboliste et impressionniste autant que par Chopin, il développa une esthétique opulente, appuyée sur un savant contrepoint. L’emploi d’effets de percussion primitive l’apparente avant la lettre aux recherches de la musique russe moderne. Son art sans demi-teinte fut à l’image de son caractère dont l’esprit caustique n’excluait nullement la bienveillance.
En 1924, la création à l’Opéra du ballet Le Petit Elfe ferme-l’œil révéla un délicieux peintre de l’enfance tandis qu’Antoine et Cléopâtre (1920), Salammbô (1925) et le somptueux Oriane et le Prince d’Amour (1938) consacraient l’orientaliste inspiré et le symphoniste héritier des classiques purs.
Membre du cercle des Apaches, Schmitt fut cofondateur en 1909 de la Société musicale indépendante avec Maurice Ravel, Gabriel Fauré, Émile Vuillermoz, Louis Aubert, Charles Koechlin, et Jean Huré.

Edouard Herriot fit appel à lui pour remplacer Augustin Savard au Conservatoire de Lyon. Il en fut le directeur de 1921 à 1924, avec notamment pour élève César Geoffray.
Il fut aussi chroniqueur du journal Le Temps de 1929 à 1939.

Personnalité assez rude, indépendante, ennemie des dogmes et des systèmes, avec une fécondité rare due à sa longue vie, il composa dans tous les domaines excepté l’opéra. Sa musique vigoureuse, caractérisée par un dynamisme rythmique et une ligne mélodique sensuelle, possède un langage harmonique riche et suave d’inspiration aussi bien classique que romantique. L’exotisme apprécié à l’époque se ressent dans plusieurs de ses compositions, tel le lyrique poème symphonique La Tragédie de Salomé, dédié à Igor Stravinsky et honoré par Diaghilev. Ces œuvres furent les plus appréciées avec son Quintette pour piano et cordes qui recueillit l’admiration, entre autres, d’un Georges Enesco. Sa Deuxième Symphonie fut créée par Charles Munch quelques semaines avant sa mort.

Florent Schmitt fut nommé membre de l’Académie des beaux-arts en 1936 et reçut le Grand Prix musical de la ville de Paris en 1957. Mais cet artiste majeur du xx^e siècle, qui a laissé une œuvre monumentale, est aujourd’hui encore méconnu du grand public. Sa grande indépendance et son faible attachement à la renommée et aux suiveurs de modes ne sont pas étrangers à ce fait.
Aujourd’hui, on peut considérer qu’il a fortement marqué l’histoire de la musique française de la première moitié du xx^e siècle, au même titre que Debussy, Ravel et Roussel. Il est reconnu comme « l’un des piliers du répertoire musical pour le quatuor de saxophones ».

En dehors de son activité musicale, Florent Schmitt est aussi connu pour ses positions favorables à l’Allemagne nazie dans les années trente. L’épisode le plus connu autour cette controverse est le concert parisien du 26 novembre 1933, qui avait au programme trois extraits d’une opérette de Kurt Weill, compositeur juif allemand exilé, et face auquel Schmitt a lancé du public « Vive Hitler ». Ces propos sont rapportés par Robert Brasillach, puis cités par Lucien Rebatet, deux journalistes qui se marqueront en 1940-1944 par leur participation à la politique collaborationniste. Selon Rebatet, Schmitt aurait ajouté « Nous avons déjà assez de mauvais musiciens pour avoir à accueillir les Juifs allemands ». Si on peut objecter que la politique antisémite d'Hitler n'était pas encore tout à fait en 1933 ce qu'elle devint à partir de la Nuit de Cristal en 1938 puis de la Seconde Guerre mondiale, cet épisode n'a pourtant pas donné lieu ultérieurement à une clarification publique.

La vie tout entière de Florent Schmitt est rythmée par les voyages qui s’inscrivent dans le cadre de son activité musicale. Parmi ses voyages, il s’est aussi rendu en Allemagne pendant les années trente puis sous l’Occupation où il a été membre de la Section musicale du Comité France–Allemagne, créé en 1935. Il a assisté à une réunion de musiciens français et allemands organisée à Vienne en décembre 1941 pour rendre hommage à Mozart, et a été le coprésident d’honneur de la Section musicale du Groupe Collaboration à partir de décembre 1941.
À la Libération, pour avoir prêté son nom au Groupe Collaboration, des poursuites judiciaires ont été engagées contre Florent Schmitt pour indignité nationale par Joseph-Eugène Szyfer de la section Musique du Comité d’épuration. Cependant, après enquête, comme il s'est toujours positionné d’un point de vue musical, ces poursuites ont été classées sans suite. Toutefois, il a été condamné dans le cadre de l’épuration professionnelle : le 7 janvier 1946, le Comité national d’épuration des gens de lettres, auteurs et compositeurs a prononcé contre lui une peine d’interdiction d’éditer ou de faire jouer ses œuvres d’une durée d’un an, interdiction partant du 1^er octobre 1944.
Florent Schmitt a expliqué son voyage en Allemagne par la volonté de revoir son fils, resté prisonnier dans le Stalag XXIII de Pirmasens depuis juin 1940.
Il a justifié son appartenance au Groupe Collaboration par son souci de défendre la musique française, et a indiqué son absence d’implication politique dans le groupe.
Dans les faits, sa position lui aura permis de signer des pétitions en faveur de musiciens israélites tels que la cantatrice Madeleine Grey, le pianiste François Lang, le compositeur Fernand Ochsé ou de soutenir ses amis Paul Dukas, Alexandre Tansman ou Arnold Schönberg qu’il appréciait et défendait vigoureusement.

Bien qu'honoré à plusieurs reprises après la guerre, l'exhumation du passé controversé du compositeur en 1996 a provoqué de nombreuses réactions, dont le changement de nom d'un lycée portant son nom à Saint-Cloud. La salle de concerts du Conservatoire à rayonnement régional de Nancy lui avait été dédiée. Mais à la suite de polémiques, la communauté urbaine a pris la décision de la débaptiser.

Kurt Hessenberg (Francfort, 17 août 1908-17 juin 1994) est un compositeur allemand et professeur à la Hochschule für Musik und Darstellende Kunst de Francfort.

Parmi ses ancêtres, on trouve Heinrich Hoffmann, dont le célèbre livre pour enfants, Pierre l'ébouriffé [Struwwelpeter]sera arrangé par'Hessenberg pour chœur d'enfants (op. 49).
Entre 1927 et 1931, Hessenberg étudie au Conservatoire de Leipzig où il étudie notamment la composition avec Günter Raphael et le piano avec Robert Teichmüller.
En 1933, il est professeur au Conservatoire Hoch de Francfort, où il avait pris ses premières leçons de musique.
En 1940, Hessenberg reçoit le « Nationaler Kompositionspreis » (Prix National de Composition) et rejoint le parti nazi en 1942. En 1951, il reçoit le prix Robert-Schumann de la ville de Düsseldorf pour sa cantate « Vom Wesen und Vergehen », op. 45. Hessenberg est nommé professeur de composition à la Hochschule für Musik und Darstellende Kunst en 1953, où il enseigne jusqu'à sa retraite en 1973.

L'œuvre d'Hessenberg contribue de manière significative au répertoire des Églises protestantes au xx^e siècle. Parmi ses plus célèbres élèves, on note Hans Zender et Peter Cahn.

Abram Chasins naît à Manhattan le 17 août 1903 et y décède le 21 juin 1987.
Après avoir fréquenté une école du groupe Ethical Culture et la Université Columbia, il étudie le piano avec Ernest Hutcheson (1871-1951) et la composition avec Rubin Goldmark (1872-1936), maître de Aaron Copland et George Gershwin à la Juilliard School. Puis il a la chance de poursuivre son perfectionnement avec Josef Hofmann au Curtis Institute of Music de Philadelphie. Pendant l'été 1931, il étudie l'analyse musicale avec Donald Tovey à Londres.

La carrière de Chasins en tant que concertiste se poursuit de 1927 à 1947. Pianiste exceptionnel, il donne de nombreux récitals et joue avec les grands orchestres tant aux États-Unis qu'au Canada, en Amérique du Sud et en Europe. À Philadelphie, puis le 1^er janvier 1929 au Carnegie Hall, il assure la création de son premier Concerto pour piano en fa mineur (1928) avec l'Orchestre de Philadelphie conduit par Ossip Gabrilowitsch. Et en mars 1933, il donne son deuxième Concerto pour piano en fa-dièse mineur (1931), à nouveau avec l'Orchestre de Philadelphie, mais sous la direction de Leopold Stokowski.

De 1926 à 1935, Chasins enseigne le piano à l'Institut Curtis, dès ses vingt-trois ans -sous la recommandation de Josef Hofmann- en tant que chef du département piano.

Entre 1932 et 1939, il produit sa propre émission de radio intitulée Piano Pointeurs, qui utilise son Prélude en mi-bémol mineur comme générique. Il donne des classes de maître radiophoniques sur les radio nationales américaines, CBS et NBC. Dès 1941, il est associé de la station de radio classique fondée en 1939, WQXR-FM et acquis par The New York Times en 1944. Il en devient le directeur musical en 1946 et ce, jusqu'en 1965. Il se consacre entièrement à son poste, abandonnant sa carrière de concertiste.
Il participe aux jury de concours prestigieux, tels les prix Van Cliburn, Kappel, Chopin (dès 1949) ou Rachmaninoff.

Il écrit pour les magazines Saturday Review et Sunday Magazine du New York Times et il est conseiller pour le film de la firme Columbia, The Competition (1980)² avec Richard Dreyfuss. Il rédige nombre de textes d'introduction aux disques, notamment ceux d'Arthur Rubinstein pour RCA.

En 1949, il épouse Constance Keene (1921-2005), une pianiste et ancienne élève. Ils jouent en duo et enregistrent quelques disques.

En 1972, il rejoint l'Université de Californie du Sud à Los Angeles comme musicien en résidence, le poste ayant été créé pour lui. Il réorganise la station de radio gérée par des étudiants en une chaîne pour la musique classique ou moderne. Il prend sa retraite en 1977 et décède d'un cancer, chez lui à Manhattan, le 21 juin 1987 à l'âge de 83 ans.

Abram Chasins a écrit plus de cent compositions, essentiellement destinées au piano. Rachmaninoff lui-même disait son estime pour la musique pour piano de Chasins. Ses Trois pièces chinoises op. 5 (1925) ont été interprétées par des pianistes célèbres dont Josef Lhévinne, Josef Hofmann, William Kapell et à plusieurs reprises par Shura Cherkassky. Dans sa version orchestrée, Flirtation in a Chinese Garden fut l'œuvre choisie pour être exécuté par Toscanini avec le New York Philharmonic, ainsi qu'une autre, Parade, le 8 avril 1931. C'est la première fois que le chef italien dirige la création d'un œuvre américaine et Chasins n'a que vingt-sept ans².

La Paraphrase de concert sur « La vie d'un artiste » de J. Strauss est parmi ses meilleures œuvres pour deux pianos, et ses 24 Préludes pour piano (1928) continuent à être utilisés comme répertoire pédagogique.