Auteur-compositeur, arrangeur et organiste,  James Lord Pierpont (25 avril 1822 - 5 août 1893), soldat des États confédérés et compositeur américain, est surtout connu pour avoir écrit et composé Jingle Bells en 1857, intitulé à l'origine The One Horse Open Sleigh (Le traîneau ouvert à un cheval).

Il est né à Boston, dans le Massachusetts, et est mort à Winter Haven, en Floride. Bien que Pierpont soit aujourd'hui méconnu, Jingle Bells est devenue synonyme de fête de Noël et est l'une des chansons les plus jouées et les plus reconnaissables au monde.

Son père, le Révérend John Pierpont (1785-1866), était pasteur de l'église unitarienne de Hollis Street à Boston, abolitionniste et poète.
[Robert Fulghum a confondu James avec son père dans son livre "It Was On Fire When I Lay Down On It" (1989), attribuant à tort la paternité de Jingle Bells au Révérend John Pierpont].
La mère de James était Mary Sheldon Lord (1787-1855), fille de Lynde Lord Jr (1762-1813) et de Mary Lyman. James était l'oncle du financier et banquier John Pierpont Morgan. John et Mary Pierpont ont eu six enfants.

En 1832, James est envoyé dans un pensionnat du New Hampshire. Il écrit une lettre à sa mère dans laquelle il raconte comment il s'est promené en traîneau dans la neige de décembre. En 1836, James s'enfuit en mer à bord d'un baleinier, le Shark, puis sert dans la marine américaine jusqu'à l'âge de 21 ans.

En 1845, il retourne dans le Nord-Est, visitant la Nouvelle-Angleterre et s'installant à New York où son père est pasteur d'une congrégation unitarienne à Troy, dans l'État de New York. En 1846, il épouse Millicent Cowee, fille de Farwell Cowee et d'Abigail Merriam, et s'installe à Troy, où ils ont deux enfants. Son père devient pasteur d'une congrégation unitarienne à Medford, dans le Massachusetts, en 1849.

En 1849 aussi, James Pierpont laisse sa femme et ses enfants à son père dans le Massachusetts pour ouvrir un commerce à San Francisco pendant la ruée vers l'or de Californie. Il travaille aussi comme photographe. Mais son entreprise est ravagée par un incendie.

En 1856, Millicent meurt et, après que son frère, le Révérend John Pierpont Jr. (1819-1879) ait accepté un poste dans la congrégation unitarienne de Savannah, en Géorgie, James le suit et devient organiste et directeur musical de l'église. Pour subvenir à ses besoins, il donne également des leçons d'orgue et de chant. L'orgue est actuellement en possession de l'université d'État de Floride.

Le 27 mars 1852, James Pierpont publie sa composition The Returned Californian, basée sur ses expériences à San Francisco, publiée à Boston par E. H. Wade. L'oeuvre a été chantée à l'origine par S. C. Howard, des Ordway's Aeolians, et a été écrite expressément pour les Ordway's Aeolians et arrangée par John Pond Ordway (1824-1880). La chanson raconte une version des expériences de Pierpont pendant la ruée vers l'or en Californie et l'échec de son entreprise à San Francisco. La Bibliothèque du Congrès des États-Unis possède une copie de la partition originale de la chanson.

En 1853, Pierpont avait publié de nouvelles compositions de minstrel à Boston, dont Kitty Crow, dédiée à W. W. McKim, et il publie également un arrangement intitulé The Universal Medley.

En 1854, Pierpont compose les chansons Geraldine et Ring the Bell, Fanny pour la troupe d'opéra Nightingale de George Kunkle. Il a également déposé la chanson To the Loved Ones at Home en 1854 et Poor Elsie, une ballade écrite et arrangée expressément pour les Campbell's Minstrels, rivaux des Christy's Minstrels. En 1855, il compose The Starlight Serenade, publié par Miller and Beacham à Baltimore. Pierpont compose également I Mourn For My Old Cottage Home.
En 1857, Pierpont connaît un nouveau succès avec une chanson écrite en collaboration avec le parolier Marshall S. Pike, The Little White Cottage ou Gentle Nettie Moore, publiée par Oliver Ditson and Company et protégée par le droit d'auteur le 16 septembre 1857. La mention de l'auteur de la chanson apparaît sous la forme suivante : "Poetry by Marshall S. Pike" : "Poésie de Marshall S. Pike, Esq., mélodie de G. S. P., chœur et accompagnement de piano de J. S. [sic] Pierpont.

Pierpont publie plusieurs ballades, des polkas, comme The Know Nothing Polka, publiée par E. H. Wade en 1854, et des minstrel songs.

En août 1857, James épouse Eliza Jane Purse, fille du maire de Savannah, Thomas Purse, qui donne bientôt naissance au premier de leurs enfants, Lillie. Les enfants du premier mariage de Pierpont restent dans le Massachusetts avec leur grand-père.

En août 1857, sa chanson The One Horse Open Sleigh, interprétée à l'origine lors d'un concert de l'école du dimanche à l'occasion de Thanksgiving à Savannah, en Géorgie. En 1859, elle a été rééditée sous le titre Jingle Bells, or The One Horse Open Sleigh (Jingle Bells ou le traîneau ouvert à un cheval). La chanson n'a pas été un succès comme Pierpont l'avait publiée à l'origine.

Après la guerre, James installe sa famille à Valdosta, en Géorgie où il enseigne la musique.
En 1869, Pierpont s'installe à Quitman, en Géorgie. Il y est organiste à l'église presbytérienne, donne des leçons privées de piano et enseigne à l'Académie de Quitman, où il prend sa retraite en tant que directeur du département musical.

En 1880, le fils de Pierpont, le Dr Juriah Pierpont renouvelle les droits d'auteur sur Jingle Bells, mais il n'en tirera jamais beaucoup d'argent. Il a dû déployer des efforts considérables pour que le nom de son père reste attaché à la chanson après l'expiration du droit d'auteur.

Pierpont passe ses derniers jours dans la maison de son fils à Winter Haven, en Floride, où il meurt le 5 août 1893.

Le compositeur d'opéra et maître de chapelle italien du xvii^e siècle Pietro Cesti, connu sous son prénom de religion Antonio Cesti, également appelé parfois Marc'Antonio Cesti, est né le 5 août 1623 à Arezzo et mort le 14 octobre 1669 à Florence.

Franciscain dans les premières années de sa vie, Antonio Cesti deviendra ensuite un chanteur classique.
En 1650, il fait scandale pour avoir chanté dans le Giasone de Cavalli.
En 1652, il devient maître de chapelle de la Chambre de l'Archiduc Ferdinand de Habsbourg, à Innsbruck.
En 1654, Antonio Cesti reprend son Cesare amante, et la transforme en La Cleopatra, pour l'inauguration de la Komödienhaus.

En 1655, à l'occasion du passage à Innsbruck de la Reine Christine de Suède, qui a abdiqué pour s'être convertie au catholicisme et se rend à Rome, l'Archiduc Ferdinand d'Autriche donne des festivités au cours desquelles est jouée l'Argia de Cesti.

En 1659, Antonio Cesti est relevé de ses vœux. Il continue alors sa carrière musicale en devenant chantre à la Chapelle Sixtine à Rome. En 1661, à l’occasion des noces de Marguerite-Louise d'Orléans et de Côme de Médicis à Florence, la Dori est représentée. En 1662, la Reine Christine de Suède rend une nouvelle fois visite à Innsbruck, et la Magnanimita d'Alessandro est représentée.

En 1666, il devient second chef de chapelle à la Cour de l’Empereur Léopold I^er. La même année, l'opéra Orontea est repris au Teatro SS Giovanni e Paolo.
En 1668, à l'occasion des fêtes du mariage de l'Empereur Léopold I^er avec l'Infante Marguerite d'Espagne, Il pomo d’oro est créé à Vienne. Le livret est de Sbarra, l’Empereur y compose quelques arias.

En 1669, Antonio Cesti meurt lors d'un voyage à Florence, alors qu'il était attaché à la Cour impériale de Vienne.

Le projet européen innovant Le Dimore del Quartetto prend vie avec le lancement de la plateforme en ligne MERITA -où se rencontrent Musique de chambre, hERItage culturel et TAlent- dont l'objectif principal est d'accroître la visibilité et la mobilité des quatuors à cordes professionnels européens émergents, représentant ainsi un important pas en avant pour l'industrie musicale européenne.

Le projet, qui s'adresse aux quatuors à cordes professionnels, au public, aux institutions musicales et aux résidences historiques, répond aux nouveaux besoins de l'industrie musicale : il favorise l'accès et la participation aux activités culturelles, même en dehors des grandes villes, promeut le patrimoine culturel européen et renforce les liens entre la culture locale et internationale. La plateforme numérique est le centre névralgique à partir duquel se déploient toutes les activités du projet, devenant ainsi un espace de référence et une vitrine promotionnelle pour les artistes, la présentation de sites culturels et de résidences historiques, la cartographie des professionnels du secteur (directeurs artistiques, éditeurs, producteurs, managers, ingénieurs du son, etc.), la diffusion de matériel pédagogique et de contenus pour le public, la mise en réseau d'institutions culturelles à travers l'Europe.

Au total, 38 quatuors -152 artistes- ont été sélectionnés pour rejoindre MERITA. Les musiciens viennent de toute l'Europe (Danemark, Belgique, Espagne, Italie, Pays-Bas, France, Allemagne, Suisse, Autriche, Royaume-Uni, Pologne, Serbie, Finlande, Grèce).

Le projet couvre trois domaines, la formation, la production et la recherche. Sa mise en œuvre durera trois ans et mettra aussi l'accent sur l'éco-durabilité, l'équilibre entre les sexes, l'inclusion et la diversité.

Carl Davis CBE (28 octobre 1936 - 3 août 2023), chef d'orchestre et compositeur britannique né aux États-Unis, a écrit la musique de plus d'une centaine d'émissions télévisées (notamment "Pride and Prejudice", 1995, sur la BBC), créé de nouvelles partitions pour des concerts et des représentations cinématographiques de films muets anciens, et composé de nombreuses partitions de films, de ballets et de concerts qui ont été jouées dans le monde entier, notamment (en collaboration avec Paul McCartney) l'Oratorio de Liverpool en 1991. L'éditeur de Davis était Faber Music.

Carl Davis est né à Brooklyn, de parents juifs, Sara (née Perlmutter) et Isadore Davis[. Il étudie la composition avec Paul Nordoff et Hugo Kauder, puis avec Per Nørgard à Copenhague. Il suit les cours du Bard College, à New York.
Ses premiers travaux aux États-Unis lui permettent d'acquérir une expérience précieuse de la direction d'orchestre au sein d'organisations telles que le New York City Opera et la Robert Shaw Chorale.
En 1959, la revue Diversions, dont il est le coauteur, remporte un Prix off-Broadway et se rend ensuite au Festival d'Édimbourg en 1961. Conséquence de ce succès, Ned Sherrin lui demande de composer la musique de la version britannique originale de That Was the Week That Was. D'autres commandes pour la radio et la télévision ont suivi et la carrière de Davis au Royaume-Uni a été lancée.

Davis se fait rapidement remarquer en composant la musique de la série de pièces de théâtre d'anthologie de la BBC The Wednesday Play puis celle de Play for Today. Pour Pride and Prejudice (1995), succès populaire et acclamé par la critique, Davis s'inspire de la musique classique d'époque, en particulier du Septuor en mi bémol majeur, opus 20, de Beethoven et d'un thème qui rappelle fortement le final de son Concerto de l'Empereur.

Parmi ses autres musiques pour la télévision figurent The Naked Civil Servant (1975), Shades of Greene (1975), The Kiss of Death (1977), Langrishe, Go Down (1978), Prince Regent (1979), Private Schulz (1980),[12] Oppenheimer (1980), Winston Churchill : The Wilderness Years (1981), The Hound of the Baskervilles (1982), The Far Pavilions (1984), The Day the Universe Changed (1985), The Pickwick Papers (1985), Hotel du Lac (1986), Ashenden (1991), Anne Frank Remembered (1995), Seesaw (1998), Coming Home (1998), Upstairs Downstairs (2010) et Brexicuted (2018).

Davis a également travaillé pour le producteur de télévision Jeremy Isaacs en fournissant la musique originale des séries documentaires historiques The World at War (1973) pour Thames Television et Cold War (1998) pour la BBC. Il a dirigé le thème de la BBC pour sa couverture de la Coupe du monde de football 2006, adaptée de la chanson See the Conquering Hero Comes Haendel.

À la fin des années 1970, Davis a été chargé par les documentaristes Kevin Brownlow et David Gill de créer la musique de l'émission Hollywood : "A Celebration of the American Silent Film" (1980) de Thames Television. Son association avec eux s'est poursuivie la même année avec le film muet épique "Napoléon" (1927) d'Abel Gance, qui a été restauré et pour lequel la musique de Davis a été utilisée lors de sa réédition cinématographique et de ses projections télévisées puis pour "Intolerance" : Love's Struggle Through The Ages (1916) de D. W. Griffith. À l'origine, ce film comportait une musique orchestrale, mais la nouvelle partition de Davis a été utilisée à la place en 1989. En mars 2012, Davis a dirigé l'Oakland East Bay Symphony, interprétant sa partition en direct lors d'une présentation de Napoléon dans la restauration complète de Brownlow au San Francisco Silent Film Festival à Oakland.

La série de documentaires sur Hollywood a été suivie par les documentaires "Unknown Chaplin" (1983), Buster Keaton : "A Hard Act to Follow" (1987) et Harold Lloyd : "The Third Genius" (1989). Dans les années 1980 et 1990, Davis écrit et dirige les partitions de nombreux films de la série Thames Silents et de projections télévisées.

En 1993, sa réputation a fait de lui le premier choix pour les nouvelles partitions de films muets. De nombreux DVD, dont Ben-Hur (1925), Le Fantôme de l'Opéra (1925), Safety Last (1923), The Godless Girl (1928) de DeMille, City Lights (1931, réorchestré par Davis sur la base de la partition originale écrite par Chaplin et José Padilla) et Greed (1924) d'Erich von Stroheim, utilisent la musique de Davis. Davis a également entièrement réécrit la partition de Flesh and the Devil (1927) de Clarence Brown.
À plusieurs reprises, il a dirigé ces partitions en direct dans le cinéma ou la salle de concert pendant que le film était projeté.

Riccardo Chailly a dû subir une intervention chirurgicale et n'est pas en mesure de diriger les trois concerts du Lucerne Festival des 11, 12 et 16 août.
Paavo Järvi et Andrés Orozco-Estrada ont accepté de diriger ces concerts...

 

Le chef d'orchestre allemand Kurt Peter Eichhorn est né le 4 août 1908 et décédé le 29 juin 1994.

Eichhorn est né à Munich. Fils d'un peintre, il étudie la musique au Conservatoire de Würzburg avec Hermann Zilcher et passe par des maisons provinciales.
Il fait ses débuts de chef en 1932 en tant que chef d'orchestre et chef de chœur à Bielefeld. Il a également travaillé comme chef d'orchestre à Teplitz-Schönau et à Karlsbad. L'annexion des Sudètes par Hitler lui a permis de faire carrière à Teplice (1939) et à Karlovy Vary (1941-1943).
En 1941, il commence à diriger à l'Opéra d'État de Dresde, beaucoup plus important, et il dirige la Philharmonie de Dresde en 1944.

Les années d'après-guerre le ramènent à Munich, sa ville natale. À partir de 1945, il dirige l'Orchestre Philharmonique de Munich, l'Opéra populaire de Bavière et enseigne la direction d'orchestre à l'Académie de musique de Munich.
De 1956 à 1967, il est chef du théâtre national de la Gärtnerplatz à Munich puis, de 1967 à 1975, de la radio de Munich.
Il est nommé chef honoraire de l'orchestre Bruckner de Linz, avec lequel il entame un cycle d'enregistrements des symphonies d'Anton Bruckner, mais ce projet reste inachevé lorsqu'il meurt à Murnau.
Son souvenir est associé aux enregistrements des oeuvres de Carl Orff.
En 1991, l'Association Bruckner de Haute-Autriche lui a décerné la Plaque d'or.

L'alto germano-danoise Inger Karén von Zarembskij est née le 4 août 1908 à Berlin et décédée le 9 octobre 1972 à Dresde.

Elle était la fille du professeur de chant et compositeur danois Jens Federhof-Møller et de la soprano de concert Fanny Gerich.
Après avoir été formée par sa mère, elle a commencé sa carrière scénique en 1928 au Landestheater de Neustrelitz. Elle a ensuite travaillé à Cobourg, Darmstadt et Francfort-sur-le-Main (1934-1935).

A partir de 1935, elle est première contralto à l'Opéra National de Dresde. Elle y  chante sans interruption jusqu'en 1963, période durant laquelle elle travaille plus de 60 rôles.
En 1935, est nommée "Sächsische Kammersängerin" (chanteuse de chambre de Saxe).
En 1945, elle contribue à la reconstruction de la vie musicale saxonne.

Inger Karén repose au cimetière orthodoxe russe de Berlin-Tegel aux côtés de son mari.
À Dresde, la rue Inger Karén rappelle son souvenir.
Son fonds est conservé à la Sächsische Landesbibliothek - Staats- und Universitätsbibliothek de Dresde et comprend, entre autres, près de 600 lettres datant de la période 1946-1971, des félicitations et des photos (1930-1968), des programmes de concert et des critiques.

Le percussionniste Martin Grubinger recevra le Prix Musikfest Bremen 2023.
Les organisateurs ont fait savoir mercredi que cette distinction non dotée récompensait les services rendus par le quadragénaire au festival. Lors du Musikfest de cette année, l'Autrichien donnera ses deux derniers concerts en Allemagne en tant que percussionniste soliste avant la fin de sa carrière : Depuis ses débuts au Musikfest en 2016, Martin Grubinger a souligné de manière impressionnante, lors de ses apparitions au festival, pourquoi il est le multipercussionniste par excellence depuis près de deux décennies. Comme aucun autre, il a contribué à ce que la percussion, avec ses innombrables facettes, conquière les scènes de concert internationales en tant qu'instrument solo.

Depuis 1998, le Musikfest-Preis Bremen est décerné chaque année à des solistes, des ensembles, des orchestres et des chefs d'orchestre de renom qui, par leur travail artistique exceptionnel, ont posé des jalons indépendants dans le monde musical international et ont contribué de manière décisive à façonner le profil du Musikfest.
Les lauréats des années précédentes étaient entre autres Jessye Norman, Nikolaus Harnoncourt, Sir András Schiff, Marc Minkowski, Hélène Grimaud, Masaaki Suzuki, Janine Jansen, Rolando Villazón et Philippe Jaroussky.

Alfred Garrievitch Schnittke est né le 24 novembre 1934 à Engels (oblast de Saratov) et mort le 3 août 1998 à Hambourg.

Rappel :
Très influencé par Gustav Mahler, Schnittke se veut spirituellement engagé. Il est l'auteur, entre autres, de douze concertos, dix symphonies, six concerti grossi, une soixantaine de musiques de film et une œuvre abondante de musique de chambre. Inclassable -il aime citer Anton Rubinstein : pour les classiques, je suis un futuriste, pour les futuristes, je suis un réactionnaire- sachant créer le scandale comme l'enthousiasme, Schnittke suscite des avis partagés et souvent passionnés de la part des musicologues et critiques. Ses satires polystylistiques, qualifiées de « bonbons acides » par le critique américain Alex Ross, même s'ils présentent Alfred Schnittke sous l'image fausse d'un ironiste facile, sont une voie d'entrée efficace dans le courant dont, maître de l'ironie¹, il se présente comme le principal initiateur en musique : le polystylisme. Immanquablement politisée, la musique de Schnittke est donc vulnérable à une étude purement historico-politique. Reste que sa musique profondément expressionniste contribue, par sa force et une dramaturgie souvent violente, à faire de Schnittke une figure majeure de la musique de la fin du xx^e siècle.

Le pianiste, compositeur et professeur de musique argentin Constantino Vicente Gaito, (3 août 1878, Buenos Aires, Argentine ; 14 décembre 1945) a contribué au développement de la musique de son pays, se distinguant dans nombre de ses compositions par l'accentuation de son trait localiste avec l'influence de la musique folklorique sans préjudice de l'influence du vérisme italien et de l'impressionnisme français.

Il étudie la musique à Naples au Conservatoire de San Pietro a Majella et, de retour dans son pays, il enseigne la musique dans un conservatoire qu'il a créé. Il a également enseigné l'harmonie au Conservatoire national de Buenos Aires et est devenu un excellent professeur de composition. Parmi ses élèves figurent José María Castro, Luis Gianneo et Juan José Castro. Il fut membre du Cuarteto de la Sociedad Argentina de Música de Cámara (1914-1915), avec León Fontova, Juan José Castro (violons), Aníbal Canut (alto) et José María Castro (violoncelle).

Parmi ses œuvres figurent les opéras Los pajes de su majestad (1915), Petronio (1919), Flor de nieve (1922), Ollantay (1926), Lázaro (1927) et La sangre de las guitarras (1931) ; les musiques de scène Oedipo (1926) et Antígona (1930), les ballets Cuadro campestre (1926) et La flor del irupé (1947), ainsi que le poème symphonique El ombú (1924). Il a également écrit des pièces pour piano et de la musique de chambre, telles que Cuarteto de cuerdas nº 2, op. 33 - Andante (1927), Valse fantastique op16.

Il meurt à Buenos Aires le 14 décembre 1945.
Une rue de cette ville, une de Lomas de Zamora et une autre de la ville de Córdoba portent son nom, ainsi que dans la ville de Villa Rosa, dans le district de Pilar (Buenos Aires).