On retient vraiment peu de choses d'Algis Shuraitis (1928 - 1998).
Chef d'orchestre lituanien et russe.
Artiste du peuple de la RSFSR (1976).
Prix d'État de l'URSS (1977).
Prix du concours international de musique Santa Cecilia (Rome, 1968).
Il a été chef d'orchestre du théâtre Bolchoï.

Max Eham (* 16 février 1915 à Bergham, Miesbach ; † 27 juillet 2008 à Munich) est un prêtre catholique romain allemand, maître de chapelle de la cathédrale, compositeur et professeur d'université.

Max Eham a étudié à l'ancienne Université philosophique et théologique de Freising ; en parallèle, il a étudié la musique avec Michael Dachs.
Le 25 juin 1939, il fut ordonné prêtre par le cardinal Michael Faulhaber.
Jusqu'en 1941, il étudia la composition avec Joseph Haas, l'orgue avec Emanuel Gatscher et la musique sacrée avec Ludwig Berberich à l'Académie d'art musical de Munich.
Outre l'orgue et le piano, il jouait du violon, de la flûte et du cor.

Eham a été maître de chapelle à la Cathédrale de Freising de 1949 à 1969, puis à la Frauenkirche de Munich de 1969 à 1990.
À partir de 1969, il a enseigné la partition, la basse continue, la direction d'orchestre et l'histoire de la musique sacrée catholique à la Hochschule für Musik und Theater de Munich. En 1975, Max Eham a été nommé professeur honoraire.

Max Eham s'est engagé de manière décisive dans le renouvellement et la révision de la musique sacrée après le Concile de Vatican II. Outre un grand nombre de messes, motets et vêpres ("Korbiniansvesper"), il a composé quatre requiems.

En 1977, le Pape Paul VI l'a nommé Prélat pontifical honoraire (monseigneur) pour ses mérites dans le domaine de la musique sacrée.
En 1986, le Président de la République fédérale d'Allemagne Richard von Weizsäcker l'a honoré en lui remettant la Croix fédérale du Mérite sur ruban de l'Ordre du Mérite de la République fédérale d'Allemagne.

Leonard Rose, né le 27 juillet 1918 à Washington et mort le 16 novembre 1984 à White Plains, est un violoncelliste américain considéré comme l'un des plus talentueux de sa génération.

Il étudie au Conservatoire de Miami, à New York puis au Curtis Institute de Philadelphie (entre 1934 et 1938), où il est respectivement élève de Walter Grossman, Frank Miller et Felix Salmond. À la fin de ses études, âgé de vingt ans, il est remarqué par Arturo Toscanini qui l'invite à rejoindre l'Orchestre Symphonique de la NBC, où il devient rapidement second soliste (1938-1939). À 21 ans, il est engagé comme premier violoncelle solo de l'Orchestre de Cleveland et, à 26 ans, rejoint à ce poste l'Orchestre Philharmonique de New York entre 1943 et 1951.

Rose jouait sur un violoncelle de 1662 du luthier italien Niccolò Amati, aujourd'hui la propriété du violoncelliste canadien Gary Hoffman.

À partir de 1951, il se produit en soliste et réalise plusieurs enregistrements en particulier des concertos sous la direction de chefs comme Leonard Bernstein, Eugene Ormandy, George Szell ou Bruno Walter entre autres. Rose a également pratiqué la musique de chambre au sein d'un trio fameux aux côtés d'Isaac Stern et Eugene Istomin, ou en sonate avec Gary Graffman.
Son répertoire était particulièrement axé sur la période romantique ainsi que quelques pages du xx^e siècle comme Schelomo d'Ernest Bloch. Il a également créé le Concerto de Peter Mennin (1956) et le Chant d'Orphée de William Schuman (1962).

Rose fut un pédagogue influent et les élèves qu'il a formé à la Juilliard School de New York (à partir de 1947) et au Curtis Institute (entre 1951 et 1962) ont rejoint les pupitres de nombre d'orchestres symphoniques américains parmi les plus prestigieux comme l'Orchestre Symphonique de Boston, l'Orchestre de Cleveland, l'Orchestre de Philadelphie ou l'Orchestre philharmonique de New York.
Lynn Harrell et Yo-Yo Ma comptent au nombre de ses élèves devenus célèbres.

Leonard Rose meurt le 16 novembre 1984 à White Plains (New York)

Albert Franz Doppler, en hongrois Albert Ferenc Doppler (Lemberg, royaume de Galicie et de Lodomérie, Autriche-Hongrie 16 octobre 1821 – Baden, Autriche-Hongrie, 27 juillet 1883), est un flûtiste virtuose et un compositeur austro-hongrois, surtout connu pour sa musique pour flûte. Il est aussi l'auteur d'opéras -un en allemand et d'autres en hongrois- et de plusieurs ballets. Ses compositions, qui de son vivant rencontrèrent un très vif succès, tomberont par la suite quelque peu dans l'oubli.

De 1828 à 1831, Franz Doppler reçoit des leçons de flûte de son père, Joseph Doppler, hautboïste. Il se produit pour la première fois sur scène, seul, à l'âge de treize ans, et ne tarde pas à constituer un duo de flûtes avec son frère Karl, de quatre ans son cadet. Bien vite, le duo connaît un grand succès dans toute l'Europe, où il fait de nombreuses tournées. Les deux frères deviennent membres de l'orchestre du Théâtre Allemand à Budapest en 1838 et du Théâtre National hongrois en 1841. Cinq opéras de Franz Doppler y seront présentés avec succès.
En 1853, Franz et Karl Doppler contribuent à la fondation de l'Orchestre Philharmonique de Hongrie. Premier flûtiste de l'Opéra de Budapest à dix-huit ans, Doppler finit par devenir premier chef de l'Opéra de Vienne. Il sera également professeur de flûte au Conservatoire de cette même ville, de 1864 à 1867.

Franz Doppler repart ensuite avec son frère en tournée européenne, entre autres à Bruxelles et à Weimar, où il rencontre Franz Liszt et, en 1856, à Londres, où il fait connaissance de Charles Hubay, père du célèbre violoniste Jenő Hubay.

Franz et son frère Karl ont toujours été partisans de la flûte française et du système de clef Tulou.

Doppler a principalement composé pour la flûte -dont de nombreux duos destinés à lui et son frère- et pour l'opéra, mais il a aussi écrit plusieurs concertos et des pièces de démonstration. Sa musique évoque certains aspects des musiques russe et hongroise. Parmi ses opéras figurent Judith (son seul opéra allemand) et une œuvre en russe intitulé Beniovski. Il composa sept opéras et quinze ballets au total (très populaires à l'époque) et fut un brillant orchestrateur.

Il est surtout connu pour les arrangements orchestraux de six des Rhapsodies hongroises de Franz Liszt publiés sous son nom. Élève de Liszt, celui-ci lui avait demandé ces transcriptions. Chacune des mesures de ces orchestrations a été révisée par Liszt avant publication, mais il permit à Doppler d'imprimer son nom sur la page de titre. Liszt accordait fréquemment de telles faveurs à ses élèves, ce qui donna naissance à la rumeur selon laquelle Liszt ne pouvait orchestrer ses propres œuvres.

Le Festival du Petit Opéra de Zamora accueillera la première mondiale de La Métamorphose, un nouvel opéra de chambre du compositeur Igor Escudero.

Musicalement, l'œuvre s'inspire "des styles et des courants des premières décennies du XXe siècle, en y ajoutant des techniques plus tardives, telles que l'harmonie négative ou le minimalisme, ainsi que d'autres techniques étendues plus contemporaines".
D'un point de vue esthétique, "l'œuvre est notoirement expressionniste, et la musique utilise également ce type d'atmosphères et de tensions, bien que sous des formes plus modernes".

Pour lui donner vie, Marc Moncusí dirigera l'Ensemble Littleopera (complété par le piano de Krzysztof Stypulkowski), ainsi que la mise en scène d'Iñigo Santacana et les voix du ténor William Wallace et de la soprano Paula Mendoza.

Les célébrations du centenaire de György Ligeti (1923-2006) ont également touché le Festival de Salzbourg qui consacre un cycle intitulé " Zeit mit Ligeti " au compositeur hongrois.
Le premier concert débutera par le Poème pour 100 métronomes, suivi de Musica ricercata (Pierre-Laurent Aimard), Continuum pour clavecin (Florian Birsak) et du Quatuor à cordes n°2 (Minguet Quartett).
Puis Pierre-Laurent Aimard interprétera les Études pour piano, et on pourra entendre les Trois pièces pour deux pianos de Tamara Stefanovich et Nenad Lečić. La Sonate pour alto, jouée par Tabea Zimmermann, sera suivie des Six Bagatelles pour quintette à vent.
Ensuite, la violoniste Isabelle Faust et l'ensemble Les Siècles, sous la direction de François-Xavier Roth, proposeront un programme monographique avec le Concerto de chambre, Ramifications, le Concerto pour violon et le Concert Romanesque.
Isabelle Faust, cette fois en compagnie du corniste Johannes Hinterholzer et du pianiste Alexander Melnikov, interprétera à nouveau le Trio pour violon, cor et piano.
Enfin, le Quatuor Ébène donnera le Quatuor à cordes n° 1,  et l'Orchestre Philharmonique de Vienne sous la direction de Franz Welser-Möst terminera avec deux œuvres orchestrales : Atmospheres et Lontano.

La nouvelle mise en scène de Parsifal par Jay Scheib pour l'ouverture du festival de Bayreuth a été saluée mardi par le public de la première par des ovations et des huées pour l'équipe de mise en scène. Ce n'est que partiellement justifié, car le professeur d'art théâtral du Massachusetts Insitute of Technology livre un travail qui n'est pas spectaculaire, mais solide sur le plan artisanal et généralement divertissant.

Avant la première, les 330 lunettes de réalité augmentée (mais seulement) ont fait les gros titres - on ne comprend pas pourquoi l'utilisation de cette technique en 2023 suscite des discussions. Lors de la première, les chances et, ce soir-là, surtout les limites de la technique deviennent évidentes. Ce n'est qu'à de rares moments que la réalité est "élargie" dans le sens de l'œuvre, la plupart du temps le rythme et le langage visuel du virtuel ne sont pas en accord avec le rythme et le langage visuel de la scène. Faire flotter des gouttes de sang dans un espace qui n'est pas réel pendant qu'Amfortas se lamente sur sa blessure, de magnifiques tiges de lys blanches et des insectes surdimensionnés qui se précipitent vers l'auditeur en prononçant les mots "Connaissant par compassion" : le gain de connaissance est marginal, l'effet de divertissement aussi -et introduire la nouvelle dimension comme niveau d'ironie manque de cohérence dans la production. Ainsi, la scène réelle surpasse clairement le virtuel. Un à zéro pour la réalité.

Pour ses débuts au pupitre sur la Colline verte, Pablo Heras-Casado n'utilise pas encore de manière optimale les conditions acoustiques. L'orchestre du festival joue bien, mais le son semble parfois plat et de nombreux tempos manquent de groove. Les sonorités étincelantes et la transparence filiforme que fournissent les meilleurs chefs wagnériens ne sont pas au rendez-vous de cette première. Malheureusement, même les scènes-clés s'enfoncent musicalement dans une longue et ennuyeuse langueur.

L'ensemble des chanteurs, qui a été remplacé, fonctionne à un haut niveau. Andreas Schager, qui a remplacé Joseph Calleja, est une personne idéale, expérimentée dans le rôle-titre, d'une grande et subtile force créatrice. Derek Walton incarne Amfortas musicalement, mais pas théâtralement. Georg Zeppenfeld, un habitué de Bayreuth, est presque abonné à Gurnemanz et il est d'une grandeur souveraine. Les débuts d'Elīna Garanča au Festival de Bayreuth étaient attendus avec intérêt, elle dessine Kundry de manière différenciée et vocalement avec une grande présence. La scène du Jardin enchanté de Klingsor, interprétée par Andreas Schager, est l'une des plus inspirées de la soirée. Tobias Kehrer en Titurel et Jordan Shanahan en Klingsor sont convaincants.

Le nouveau Parsifal de Bayreuth vaut assurément le détour, mais la mise en scène ne transporte pas une toute nouvelle dimension malgré l'utilisation de lunettes AR.

 

(d'après Musik Heute)

Le chef d'orchestre vedette Christian Thielemann doute que les grands orchestres munichois aient tous deux besoin de leur propre salle de concert.
J'accorde de tout cœur à l'orchestre symphonique de la radio bavaroise sa propre salle de concert. Mais je ne sais pas si chaque orchestre a vraiment besoin de sa propre salle de concert à Munich, a déclaré l'homme de 64 ans dans une interview accordée à l'agence de presse allemande à Munich.
Je ne comprends pas pourquoi il n'est pas possible que l'Orchestre Philharmonique et l'Orchestre Symphonique se partagent une salle. Les orchestres entre eux devraient bien sûr se concerter pour ne pas planifier tous les deux un cycle Brahms et un cycle Beethoven ou la même pièce de Schönberg.

Parmi les nombreux événements marquant le Centenaire de la Société italienne de musique contemporaine (1923-2023) qui se déroulent dans toute l'Italie, la conférence nationale organisée à Florence du 9 au 10 septembre 2023, intitulée "La musica contemporanea tra presente e futuro" (La musique contemporaine entre présent et futur), occupe une place centrale.
Organisé en collaboration avec le festival GAMO de Florence, la SIMC invite ses membres et d'autres invités de marque du secteur à discuter de la musique italienne d'aujourd'hui et de demain, des langues, de la formation didactique, du rôle culturel et social des compositeurs, de la production et du mécénat, ainsi que d'autres sujets d'intérêt.

Coordonnée par Andrea Talmelli, président de la SIMC, et Renzo Cresti, coordinateur du comité du centenaire, la conférence réunira Claudio Ambrosini, Gilberto Bosco, Giuseppe Fagnocchi, Lamberto Lugli, Andrea Mannucci, Alessandro Melchiorre, Piero Niro, Francesco Maria Paradiso, Biagio Putignano, Vincenzo Saldarelli, Alessandro Solbiati, Stefano Taglietti et Dino Villatico. Des discours seront également prononcés par Davide Anzaghi, Gisella Belgeri, Elisabetta Capurso, Roberto Fabbriciani, Francesco Gesualdi, Marco Giommoni, Marco Lenzi, Gianpaolo Salbego, Giovanni Claudio Traversi et Angela Vietri.

Pendant la conférence, des œuvres de Davide Anzaghi, Silvia Bianchera, Gilberto Bosco, Gabriele Caselli, Paolo Geminiani, Lamberto Lugli, Massimo Massimi et Simonetta Sargenti seront interprétées par Maurizio Barbetti (alto et alto électrique) et Peter Yanchuk (piano).

Les concerts du soir, organisés par l'ensemble GAMO dirigé par Francesco Gesualdi, font partie de l'édition 2023 du festival et comprennent de la musique de Sylvano Bussotti, Cristina Papi, Sonia Bo, Ada Gentile, Andrea Talmelli (samedi 9, 21 heures) et Stefano Scodanibbio (dimanche 10, 20 heures).