Le compositeur américain Jerome Moross (1er août 1913 - 25 juillet 1983) est surtout connu pour ses musiques de film et de télévision. Il a également composé des œuvres pour des orchestres symphoniques, des ensembles de chambre, des solistes et des comédies musicales, tout en orchestrant des partitions pour d'autres compositeurs.

Il est né à Brooklyn, New York, États-Unis, en 19131 de parents juifs : Mollie (Greenberg) Moross, née à New York, et Samuel Moross, né en Russie. Il devient un pianiste talentueux et compose de la musique pour le théâtre.
Pendant ses jeunes années, Moross rencontre Bernard Herrmann avec qui il se lie d'amitié pour la vie. En 1931, il rencontre Aaron Copland et rejoint son Young Composers Group, qui compte également Herrmann parmi ses membres. Copland soutient son travail et Herrmann lui permet de s'initier aux médias de divertissement, en commençant par la composition de repères musicaux pour des émissions radiophoniques en 1935.
Dans les années 1940, il commence à travailler à Hollywood où il compose la musique de seize films entre 1948 et 1969.

En 1956, il compose la musique du drame de la Seconde Guerre mondiale The Sharkfighters, se rendant éventuellement à Cuba avec la société cinématographique. Cette partition se distingue par l'utilisation de thèmes ethniques syncopés et d'instruments à percussion qui soulignent le rythme ostinato qui deviendra bientôt l'élément stylistique caractéristique de ses partitions pour de nombreux westerns.

Sa musique de film la plus connue est celle du film The Big Country (1958), pour lequel il a été nommé à l'Oscar de la meilleure musique originale. Selon Moross, il a composé le titre principal en se souvenant d'une promenade qu'il avait faite dans les plaines autour d'Albuquerque, au Nouveau-Mexique, lors d'une visite en octobre 1936, peu de temps avant son arrivée à Hollywood.

Il a également composé la musique des films The Proud Rebel (1958), The Mountain Road (1951), The Adventures of Huckleberry Finn (1960), Five Finger Exercise (1962), The Cardinal (1963), The War Lord (1965), Rachel, Rachel (1968), The Valley of Gwangi (1969) et Hail, Hero ! (1969)[1] Il a également composé le thème principal des 3e à 8e saisons de la série télévisée western Wagon Train, dont le thème était basé sur sa partition pour le western historique de 1959 The Jayhawkers.

Moross a écrit la musique de la comédie musicale The Golden Apple, dont la première a eu lieu à Off-Broadway en 1954 et qui a ensuite été transférée à Broadway. Sa chanson la plus connue est "Lazy Afternoon".

Il a également orchestré pour d'autres compositeurs, généralement sans être crédité, notamment pour des films tels que Our Town pour Copland et The Best Years of Our Lives pour Hugo Friedhofer.

Les œuvres de concert de Moross comprennent une Sonate pour duo de piano et quatuor à cordes, ainsi qu'une Symphonie qui a été créée par le chef d'orchestre Sir Thomas Beecham le 18 octobre 1943 à Seattle, dans l'État de Washington. Cette symphonie présente un "son intrinsèquement américain" qui caractérise toutes les compositions de Moross, quel que soit leur genre ou leur forme.

En 1939, à New York, il épouse Hazel Abrams (1905-1983), fille d'immigrants juifs de Russie. Ils ont une fille. Moross meurt à Miami le 25 juillet 1983, à l'âge de 69 ans, des suites de complications d'un accident vasculaire cérébral et d'une insuffisance cardiaque ; il est enterré au cimetière Mount Ararat à East Farmingdale, dans l'État de New York, à côté de Hazel.

Le compositeur, pianiste et chef d'orchestre italien Alfredo Casella est né le 25 juillet 1883  et décédé le 5 mars 1947.

Né à Turin, Alfredo Casella est le fils de Maria (née Bordino) et de Carlo Casella dont la famille compte de nombreux musiciens : son grand-père, ami de Paganini, est premier violoncelle au Théâtre San Carlo de Lisbonne et devient ensuite soliste à la Chapelle Royale de Turin. Le père d'Alfredo était également violoncelliste professionnel, tout comme les frères de Carlo, Cesare et Gioacchino ; sa mère était pianiste et a donné à l'enfant ses premières leçons de musique.

Alfredo entre au Conservatoire de Paris en 1896 pour étudier le piano avec Louis Diémer et la composition avec Gabriel Fauré ; dans ces classes, Lazare Lévy, George Enescu et Maurice Ravel comptent parmi ses condisciples. Pendant sa période parisienne, il connaît Claude Debussy, Igor Stravinsky et Manuel de Falla, ainsi que Ferruccio Busoni, Gustav Mahler et Richard Strauss.

Après avoir entendu le Prélude à l'après-midi d'un faune en 1898, Casella a développé une profonde admiration pour l'œuvre de Debussy, mais il a poursuivi une veine plus romantique (issue de Strauss et de Mahler) dans ses propres compositions de cette période plutôt que de se tourner vers l'impressionnisme. Sa Première Symphonie de 1905 date de cette époque, et c'est avec cette œuvre que Casella fait ses débuts en tant que chef d'orchestre lorsqu'il dirige la première de la symphonie à Monte-Carlo en 1908.

De retour en Italie pendant la Première Guerre mondiale, il commence à enseigner le piano au Conservatoire Santa Cecilia de Rome.
De 1927 à 1929, Casella est le chef d'orchestre principal du Boston Pops, où il sera remplacé par Arthur Fiedler. Il est l'un des pianistes virtuoses italiens les plus connus de sa génération et, avec Arturo Bonucci (violoncelle) et Alberto Poltronieri (violon), il forme le Trio Italiano en 1930. L'ensemble s'est produit avec succès en Europe et en Amérique. Sa stature de pianiste et son travail avec le trio ont donné naissance à certaines de ses compositions les plus connues, notamment A Notte Alta, la Sonatine, Nove Pezzi, et les Six Études, opus 70, pour piano. Pour que le trio puisse jouer en tournée, il a écrit la Sonata a Tre et le Triple Concerto.

Casella a connu son plus grand succès avec le ballet La Giara, sur un scénario de Luigi Pirandello ; parmi ses autres œuvres notables figurent Italia, le Concerto Romano (commandé par Rodman Wanamaker et créé à l'Auditorium Wanamaker de New York avec l'orgue et la collection Wanamaker d'instruments à cordes rares), Partita et Scarlattiana pour piano et orchestre, les Concerti pour violon et violoncelle, Paganiniana, et le Concerto pour piano, cordes, timbales et percussion.
Parmi ses œuvres de chambre, les deux sonates pour violoncelle sont jouées assez fréquemment, de même que la très belle sonate pour harpe tardive et la musique pour flûte et piano. Casella a également réalisé des rouleaux de musique pour piano à queue avec enregistrement en direct pour le système "Duo-Art d'Aeolian", qui subsistent tous aujourd'hui et que l'on peut écouter.
En 1923, avec Gabriele D'Annunzio et Gian Francesco Malipiero de Venise, il a fondé une association pour promouvoir la diffusion de la musique italienne moderne, la "Corporation de la nouvelle musique".

La résurrection des œuvres d'Antonio Vivaldi au XXe siècle est principalement due aux efforts de Casella qui a organisé en 1939 la désormais historique "Semaine Vivaldi" à laquelle le poète Ezra Pound a également participé. Depuis lors, les compositions de Vivaldi ont connu un succès quasi universel et l'avènement d'une interprétation fondée sur l'histoire n'a fait que renforcer sa position.
En 1947, l'homme d'affaires vénitien Antonio Fanna fonde l'Istituto Italiano Antonio Vivaldi dont le directeur artistique est le compositeur Malipiero, dans le but de promouvoir la musique de Vivaldi et de publier de nouvelles éditions de ses œuvres. Le travail de Casella en faveur de ses ancêtres musicaux baroques italiens l'a placé au centre du renouveau néoclassique de la musique au début du XXe siècle et a profondément influencé ses propres compositions. Ses éditions des œuvres pour piano de Jean-Sébastien Bach et de Ludwig van Beethoven, ainsi que de nombreuses autres œuvres, ont exercé une influence considérable sur les goûts musicaux et le style d'interprétation des interprètes italiens des générations suivantes.

La generazione dell'ottanta ("génération des années 80"), qui comprend Casella lui-même, Malipiero, Respighi, Pizzetti et Alfan -tous des compositeurs nés autour de 1880, la génération post-Puccini- s'est concentrée sur l'écriture d'œuvres instrumentales, plutôt que d'opéras, dont Puccini et ses prédécesseurs musicaux s'étaient fait une spécialité. Les membres de cette génération ont été les figures dominantes de la musique italienne après la mort de Puccini en 1924 ; ils avaient leurs homologues dans la littérature et la peinture italiennes.

Casella, qui était particulièrement passionné de peinture, a accumulé une importante collection d'œuvres d'art et de sculptures. Il était peut-être le plus "international" de la génération dell'ottanta en termes de perspectives et d'influences stylistiques, en raison, du moins en partie, de sa formation musicale précoce à Paris et du cercle dans lequel il vivait et travaillait pendant cette période.

Parmi les élèves de Casella, on compte Clotilde Coulombe, Stefan Bardas, Maria Curcio, Francesco Mander, Branka Musulin, Maurice Ohana, Robin Orr, Primož Ramovš, Nino Rota, Maria Tipo, Gaetano Giuffrè, Camillo Togni et Bruna Monestiroli.

Casella, qui s'est identifié pendant de nombreuses années au régime fasciste italien, s'est trouvé en conflit avec lui après la promulgation des lois raciales italiennes de 1938, sa femme étant juive d'origine française. À partir de 1943, il vécut dans la crainte constante d'être arraché à sa femme et à leur fille qui risquaient d'être arrêtées et déportées.
Un soir, prévenue d'une rafle dans leur appartement, la famille se sépare et se cache chez des amis, pour ne se réunir qu'après la fin de la "chasse aux juifs".

Santiago de Murcia (25 juillet 1673 - 25 avril 1739 ) était un guitariste et compositeur espagnol .

On ne sait pas grand-chose de sa vie. Il est l'enfant de Juan de Murcia et de Magdalena Hernandez. Il épousa Josefa Garcia en mai 1695.
Dans son ouvrage Resumen de acompañar, il écrit qu'il est « el maestro de guitarra » de la Reine espagnole María Luisa de Saboya (épouse de Philippe V ). Vraisemblablement, il l'était de 1702 à 1714.
Des œuvres originales de lui ont fait surface en Amérique centrale et du Sud, suggérant qu'il a composé des œuvres pour de riches Espagnols ayant des contacts commerciaux dans le Nouveau Monde . En 1729, il signa une soi-disant déclaration de pauvreté. Il mourut pauvre à Madrid en 1739 .

Resumen de acompañar est un recueil de compositions pour guitare baroque (un instrument à cordes à double chœur souvent considéré comme le successeur du luth ). Il a également composé de nombreuses autres pièces. L'un des aspects importants de la musique de Murcia est son intérêt pour un large éventail de musiques préexistantes pour guitare, y compris celles de compositeurs espagnols, français et italiens, et pour les formes de danse populaire probablement originaires d'Afrique. Ainsi, ses collections proposent des œuvres de styles différents regroupées côte à côte, offrant un panorama riche et varié du répertoire baroque pour guitare.

Le Consortium CMO lance une nouvelle série de masterclasses de direction d'orchestre en ligne. Trois masterclasses sont déjà annoncées : Leonard Slatkin donnera deux masterclasses sur les chefs-d'œuvre de Copland et Gershwin en septembre 2023. Frédéric Chaslin présentera une masterclass de Puccini en novembre et John Axelrod présentera des symphonies de Bernstein en décembre. Avant de nouveaux développements pour 2024.

Selon John Axelrod, fondateur et directeur artistique de CMO, il existe une énorme demande mondiale pour la formation. Les masterclasses avec orchestres sont la norme mais pendant le Covid, j'ai vu l'opportunité de proposer des masterclasses en ligne pour les chefs d'orchestre. Depuis 2020, plus de 100 chefs d'orchestre ont bénéficié d'une formation en ligne sur www.conductorsmasterclassonline.com, certains remportant des concours et des emplois. Avec la série en ligne CMO Great Maestros Masterclass, CMO atteindra un public mondial de chefs d'orchestre et créera un catalogue de masterclasses en ligne pour un accès et une éducation futurs. Je suis reconnaissant au maestro Slatkin d'avoir accepté de commencer la série. D'autres grands maestros à venir !

(Remy Franck, Pizzicato)

Le Coréen Jeonghwan Kim, 23 ans, a remporté le Concours international de piano de Sydney 2023, avec un prix en espèces de 50 000 $, deux enregistrements commerciaux, un début au Wigmore Hall et une tournée en Australie.

Jeonghwan Kim a commencé à jouer du piano à l'âge de six ans. Au cours des années suivantes, ses nombreux premiers prix dans des concours nationaux l'ont conduit à être admis à l'Académie du Centre des arts de Séoul pour les jeunes musiciens talentueux à l'âge de neuf ans seulement.
S'installant à Berlin à l'âge de 11 ans, il a continué à gagner une large reconnaissance. Depuis 2017, il étudie à la Hochschule für Musik Hanns Eisler dans la classe du professeur Konrad Maria Engel. Ses anciens professeurs incluent Kyuhee Kim, Leda Kim et Thomas Just. Il a également participé à des masterclasses avec Jakob Leuschner, Bob Versteegh et Robert Levin. Il doit d'autres influences capitales sur son développement artistique à Stephan Imorde, Konstantin Heidrich, Stephan Forck et Jonathan Aner.

Jeonghwan s'est produit avec le Konzerthaus Orchester Berlin, avec les Orchestres Symphoniques d'Aarhus et d'Odense, et il a donné des concerts dans de grandes salles à Berlin, Weimar, Hambourg et Aarhus, entre autres.

Des Prix à son actif :
- Premier Prix au Concours du Conservatoire Felix Mendelssohn Bartholdy (Berlin, Allemagne) en 2022
- Quatrième Prix et Prix du Public  au Sendai International Music Competition (Sendai, Japon) en 2022
- Premier Prix : Concours international de piano d'Aarhus (Aarhus, Danemark) en 2019

Le chef d'orchestre et musicologue autrichien Kurt Pahlen est né 26 mai 1907 et décédé le 24 juillet 2003.

Pahlen est né à Vienne, en 1907. À l'âge de sept ans, il perd son père, l'accompagnateur Richard Pahlen. Sa mère se marie une deuxième fois avec le banquier Paul Raumann et s'installe à Berlin-Schmargendorf avec lui et son fils. Kurt Pahlen a étudié la musicologie et les études allemandes dans sa ville natale. En outre, il a suivi un apprentissage de maître de chapelle à l'Académie de musique de Vienne. En 1929, il obtient son doctorat.

Après ses premiers succès en tant que maître de chapelle du Volksoper de Vienne, et apprécié par les socialistes révolutionnaires d'Autriche en tant que chef de chœur, il dirige les événements musicaux de la Volkshochschule Ottakring. Il a été chef d'orchestre à Radio Wien et à l'Orchestre Symphonique de Vienne, et il a fondé un studio d'opéra à Ludo-Hartmann-Platz dans le quartier populaire d'Ottakring.
Bien que, selon sa propre déclaration, il n'ait pas été personnellement menacé par le nazisme, Pahlen ne revint pas en 1938 d'un séjour à Zurich et émigra en 1939 en Argentine. À Buenos Aires, il devient directeur musical et chef de la Filarmónica Metropolitana, dans laquelle il joue également avec l'émigré autrichien Estéban Eitler. Pahlen est ensuite devenu professeur à l'Universidad de la República de Montevideo et a été le fondateur et titulaire du Département d'histoire de la musique.
Pendant de nombreuses années, il a été directeur du Teatro Colón de Buenos Aires.
Il a également enseigné à l'école Pestalozzi de Buenos Aires.
Au cours de ces années, il se lie d'amitié avec Manuel de Falla, Paul Hindemith et Erich Wolfgang Korngold.

Après la fin du Troisième Reich, Pahlen a dirigé à l'Opéra d'État de Vienne, à l'Opéra de Zurich, au Théâtre de Bâle, au Théâtre de Berne, au Badisches Staatstheater Karlsruhe et dans d'autres maisons. Il s'est produit avec le NDR Symphony Orchestra, l'Orchestre de la Suisse Romande, le Mozarteum Orchestra Salzburg et d'autres orchestres.
Au début des années 1970, il rentre en Suisse et s'installe à Männedorf. Il a été professeur à l'Internationales Opernstudio de l'Opéra de Zürich. Il a donné des masterclasses et a été président du Forum pour la musique et le mouvement à Lenk. Il a été chercheur invité à l'Université de Buenos Aires, à l'Université nationale de La Plata, à l'Université fédérale de Rio de Janeiro, à l'Université nationale autonome du Mexique, à l'Université Benemérita Autónoma de Puebla, à l'Université de Monterrey, à l'Université Veracruzana et autres.

Au cours du Musiktage qu'il a organisé pour les enfants à Lenk, il fait une chute provoquant une fracture du fémur et ne s'est jamais remis de son opération. Il est décécé à l'âge de 96 ans.

Max von Schillings (19 avril 1868 - 24 juillet 1933) était un chef d'orchestre, compositeur et directeur de théâtre allemand. Il a été chef d'orchestre à l'Opéra d'État de Berlin de 1919 à 1925.

Son opéra Mona Lisa (1915) connut un succès international et fut joué au Metropolitan Opera. Le compositeur a épousé Barbara Kemp, la soprano qui a chanté le rôle-titre. Avant Mona Lisa, Schillings avait déjà écrit trois opéras : Ingwelde (1894), Der Pfeifertag (1899) et Der Moloch (1906).

Né à Düren, Max von Schillings était le frère du photographe Carl Georg Schillings.
Il a reçu sa première formation musicale en violon, piano et théorie en même temps que son éducation formelle à Bonn. Ses professeurs étaient Caspar Joseph Brambach et Otto von Königslow. Schillings a ensuite étudié la jurisprudence, la philosophie, la littérature et l'histoire de l'art à l'Université de Munich.
Le 1er octobre 1892, il épouse sa cousine Caroline Josefa Peill à Römlinghoven. Ils divorcent en 1923 et, le 11 juin 1923, il épouse la chanteuse d'opéra Barbara Kemp à Berlin-Charlottenburg.

Max Schillings a reçu une chaire du Ministère Royal Bavarois de l'Intérieur ( Königliches Bayerisches Staatsministerium des Innern ) le 16 février 1903. En octobre 1911, il a été nommé Docteur honoris causa en philosophie par la Faculté de philosophie de l' Université de Heidelberg . Il a reçu l' Ehrenkreuz (croix honorifique allemande) de l' Ordre de la Couronne de Wurtemberg , le cinquième rang le plus élevé décerné. Avec cet honneur, il a été autorisé à utiliser le nom de Max von Schillings. A Düren, la rue entre Goethestraße et Aachener Straße a été rebaptisée "Schillingsstraße".

Dès les années 1890, il obtient un poste d'assistant au Festival de Bayreuth ; plus tard, il fut engagé comme chef d'orchestre et professeur de musique à Munich. Entre 1908 et 1918, il est intendant du Königlichen Hoftheater (Théâtre de la Cour royale) de Stuttgart, pour lequel il reçoit la distinction mentionnée ci-dessus. De 1918 à 1925, il succède à Richard Strauss en tant qu'intendant de l'Opéra d'État de Berlin, tout en étant simultanément directeur musical de l'Opéra forestier d'été de Zoppot. Dans la seconde moitié de cette décennie, il entreprend des tournées de concerts qui le mènent à travers l'Europe et aux États-Unis.

De retour en Allemagne, il prend la présidence de l'Académie prussienne des arts en 1932, succédant à Max Liebermann. De mars 1933 jusqu'à sa mort, Schillings est également directeur artistique du Städtische Oper Berlin. Il meurt en 1933 d'une embolie pulmonaire à Berlin. Ses cendres ont été enterrées à Francfort-sur-le-Main.

Son travail de composition comprend plusieurs opéras, mélodrames, œuvres chorales, pièces de musique de chambre, concertos pour violon et piano, poèmes symphoniques et œuvres pour scène. Son œuvre la plus importante est sans aucun doute son opéra Mona Lisa (créé le 26 septembre 1915 à Stuttgart), qui est devenu l'un des opéras les plus joués en Allemagne jusqu'à sa mort. Aux côtés d'Engelbert Humperdinck et de Richard Strauss, il est l'un des compositeurs qui ont rétabli la forme musicale du mélodrame au début du XXe siècle. Schillings était reconnu comme professeur de musique -l'un de ses élèves les plus célèbres était Wilhelm Furtwängler. Il était le dédicataire de "Sea Drift" de Frederick Delius.

Schillings était un opposant à la République de Weimar et un antisémite déclaré. L'expulsion et l'exclusion d'importants artistes juifs et libres-penseurs de l'Académie prussienne des arts ont commencé pendant son mandat de président -certains artistes concernés étaient Käthe Kollwitz, Heinrich Mann, Ricarda Huch, Alfred Döblin, Thomas Mann, Max Liebermann, Alfons Paquet, Franz Werfel et Jakob Wassermann. Il a licencié Arnold Schoenberg du personnel enseignant de l'Académie, en violation du contrat de Schoenberg et, en 1933, il a ordonné à Franz Schreker, le chef des masterclasses de composition à l'Académie, de prendre une retraite anticipée.

Le violoniste américain Ruggiero Ricci (24 juillet 1918-5 août 2012) était connu pour ses performances et ses enregistrements des œuvres de Paganini.

Il est né à San Bruno, en Californie, fils d'immigrants italiens qui l'ont d'abord nommé Woodrow Wilson Rich. Son frère était le violoncelliste George Ricci (1923-2010),  initialement nommé George Washington Rich. Sa sœur Emma a joué du violon avec le New York Metropolitan Opera. Son père lui a d'abord appris à jouer du violon. À sept ans, Ricci a étudié avec Louis Persinger et Elizabeth Lackey. Persinger deviendrait son accompagnateur au piano pour de nombreux récitals et enregistrements.

Ricci donne sa première représentation publique en 1928 à l'âge de 10 ans à San Francisco où il interprète des œuvres de Wieniawski et Vieuxtemps. Il a acquis la réputation d'être un enfant prodige. À l'âge de 11 ans, il a donné son premier concert avec orchestre, jouant le Concerto de Mendelssohn, et peu de temps après, il a fait ses débuts très réussis au Carnegie Hall.

Dans les années 1930, Ricci étudie à Berlin avec Georg Kulenkampff, où il apprend un "style allemand" de jeu dans la tradition d'Adolf Busch. Il a également étudié avec Mishel Piastro et Paul Stassevich .

Il a servi dans l'armée américaine de 1942 à 1945, où il était un "spécialiste du divertissement".

En 1947, Ricci est le premier violoniste à enregistrer l'intégrale des 24 Caprices, op. 1 de Paganini, dans leur forme originale. Le premier enregistrement de Ricci était sur le label Decca. Après son passage dans l'armée, il découvre de nombreuses pièces de compositeurs du XIXe siècle qu'il interprètera en solo. En 1993, il enregistre les Œuvres complètes pour violon et orchestre de Saint-Saëns. Il a également interprété les premières mondiales de pièces de nombreux compositeurs contemporains, dont les concertos pour violon de Gottfried von Einem, Carlos Veerhoff et Alberto Ginastera.

En plus d'avoir donné plus de 6 000 concerts dans 65 pays au cours de ses 70 ans de carrière solo, Ricci a également réalisé plus de 500 enregistrements, sur tous les grands labels. Il a enseigné le violon à l'Université de l'Indiana, à la Juilliard School et à l'Université du Michigan. Il a également enseigné à l'Université Mozarteum de Salzbourg, en Autriche. Ricci a donné des master classes aux États-Unis et en Europe. Il a écrit "Left Hand Technique", un volume pédagogique pour violon publié par G. Schirmer. Le volume persan de ce livre est également publié par Mohsen Kazemian, Iran.

Ricci possédait de nombreux instruments précieux, dont le Guarneri Del Gesù connu sous le nom d'ex-Bronisław Huberman de 1734, un Storioni, un Luiz Bellini, un Curtin & Alf, un David Bague et un couple de Regazzi. Il a joué, le 18 septembre 1997, son quatrième enregistrement des Paganini Caprices sur le propre Guarneri de Paganini, Il Cannone, prêté par la ville de Gênes, en Italie.

Ricci est décédé d'une insuffisance cardiaque en août 2012 à son domicile de Palm Springs, en Californie, à l'âge de 94 ans.

Le compositeur français Adolphe-Charles Adam est né le 24 juillet 1803 à Paris, et mort dans la même ville le 3 mai 1856.

Son père, Jean-Louis Adam était un pianiste et compositeur alsacien, professeur de piano au Conservatoire de musique à Paris, sa mère, Élisabeth-Charlotte-Jeanne (dite Élisa) Coste, la fille d'un médecin. Mauvais élève, Adam désertait les cours avec un cancre de la même envergure, Eugène Sue.
Après avoir commencé à étudier la musique en cachette de son père, il entra à l'École royale de musique et de déclamation en 1817, fut élève de François-Adrien Boieldieu mais n'hésita pas à user de subterfuges pour se faire connaître : il travaillait le soir à l'orchestre du Gymnase, allant jusqu'à reverser ses cachets à ceux qui acceptaient de se faire remplacer et écrivait des chansons et musiques de circonstance pour autrui. Malgré ces facéties, il acquit assez de métier pour devenir lauréat du second prix de Rome en 1825.

Adolphe Adam choisit la carrière qui conduisait alors le plus sûrement à la renommée et à la fortune : celle de compositeur lyrique. Son maître, Boieldieu, l'orienta vers l'opéra-comique, genre alors en pleine mutation. En 1834, il connut son premier succès important, avec son opéra-comique Le Chalet, considéré depuis comme le point de départ de l'opérette à la française, et qui influença Offenbach à ses débuts.
En 1836, l'opéra-comique Le Postillon de Lonjumeau obtint un succès phénoménal qui gagna l'Europe, même si l'ouvrage se joue de moins en moins aujourd'hui. Peu à peu, la renommée d'Adam s'accrut. Les critiques élogieuses du Brasseur de Preston parvinrent aux oreilles du Tsar Nicolas I^er et Adam gagna Saint-Pétersbourg en 1839, où il fut accueilli par son propre ballet La Fille du Danube. Il composa alors un nouveau ballet, L'Écumeur des mers (Morskoï Rasbonick). Considéré comme le digne successeur de Boieldieu, qui fut maître de chapelle à Saint-Pétersbourg, il se vit proposer la même fonction, mais la déclina.

Il composa une Marche funèbre pour le retour des cendres de l'Empereur Napoléon I^er et leur inhumation aux Invalides le 15 décembre 1840.
1841 vit la naissance du succès le plus durable d'Adolphe Adam, son ballet Giselle, ou les Wilis, sur un livret de Théophile Gautier, inspiré d'un poème extrait de De l'Allemagne de Heinrich Heine.

En 1844, il fut nommé membre de l'Académie des Beaux-Arts en composition musicale. En 1845, il obtint à nouveau un grand succès avec son ballet Le Diable à quatre.
En 1847, à la suite d'une dispute avec la direction de l'Opéra-Comique, il fut l'instigateur de la création du Théâtre-National, installé dans la salle du Cirque-Olympique ; ce théâtre avait pour premier but, fort louable, d'accueillir les jeunes compositeurs ne parvenant pas à faire jouer leurs ouvrages ailleurs. Le premier à en bénéficier fut Louis-Aimé Maillart, dont l'opéra Gastibelza ouvrit le premier rideau de cette nouvelle scène lyrique (seul son opéra-comique Les Dragons de Villars est aujourd'hui connu). Mais la révolution ruina cette tentative : le Théâtre-National fut fermé en 1848 et, afin d'apurer les dettes, Adam dut trouver d'autres sources de revenus et se mit à écrire des articles.

L'année suivante, il succéda à son père comme professeur de piano au Conservatoire de musique et de déclamation. Les trois derniers succès notoires d'Adolphe Adam furent les opéras-comiques Le Toréador en 1849 (l'air de bravoure Ah ! Vous dirai-je, Maman ? est toujours en vogue auprès des sopranos coloratures) et Si j'étais roi en 1852 et le ballet Le Corsaire en 1856. Bien qu'Adam ne fût plus endetté à partir de 1853, il continua d'écrire ses articles jusqu'à sa mort, survenue quelques jours après la création aux Bouffes-Parisiens de son opérette, Les Pantins de Violette.

Adolphe Adam épousa en 1829 l'actrice Sara Lescot, avec laquelle il eut un fils, Adrien-Léopold Adam (1832-1851). À la mort de sa femme en 1851, il épousa Chérie-Louise Couraud, auprès de laquelle il vécut jusqu'à sa mort.

À Paris, une rue est baptisée Rue Adolphe-Adam en 1864. Elle a été ouverte lors des travaux commencés en 1854 pour l'aménagement de la place du Châtelet et de ses abords. Elle se situe dans le IV^e arrondissement, juste derrière le Théâtre de la Ville (ex-théâtre Sarah-Bernhardt), commençant au 14 quai de Gesvres, finissant au 13 avenue Victoria.

À Longjumeau, le théâtre municipal est baptisé "Théâtre Adolphe Adam". De plus, un ensemble statuaire est érigé place de la Mairie : il comporte un buste du compositeur surplombant la liste de ses principaux ouvrages et une statue symbolique du fameux Postillon.

La majorité des œuvres d'Adam n'eurent qu'un succès éphémère, notamment ses nombreuses chansons, pièces pour piano, cantates scéniques et autres œuvres vocales profanes et sacrées. Il réalisa également des arrangements et orchestrations d'œuvres d'autres compositeurs (Grétry, Monsigny, Dalayrac), parfois à la demande de Louis-Philippe lui-même. Si le Cantique de Noël, sur des paroles de Placide Cappeau, demeure célèbre aujourd'hui sous le titre de « Minuit, Chrétiens », Adam, peu attaché à la religion, ne semble pas y avoir accordé une grande importance, car il n'en dit pas un mot dans ses deux volumes de souvenirs.

Adam doit avant tout sa notoriété à ses compositions lyriques, dont quarante-six opéras ou opéras-comiques, quatorze ballets et de nombreuses opérettes et vaudevilles. Pour l'Opéra de Paris, il composa Richard en Palestine, La Bouquetière et Le Fanal, qui ne remportèrent pas un grand succès. Ses opéras les plus célèbres sont Le Roi d'Yvetot, Giralda ou la Nouvelle Psyché, Si j'étais roi, Le Chalet (son œuvre la plus populaire en France et à propos de laquelle Boieldieu écrivit « Je voudrais que cette musique fût de moi ») et Le Postillon de Lonjumeau. Cette dernière œuvre conserve un indéniable engouement en Allemagne sous le titre Der Postillon von Lonjumeau, fut souvent copiée mais pas toujours avec bonheur : en Italie, Il Postiglione di Lonjumeau de Pietro Antonio Coppola fut un four et dut être retiré dès le troisième soir ; à Madrid, la zarzuela de Cristobal Oudrid, El Postillon de la Rioja, n'obtint qu'un succès d'estime.

Parmi ses quatorze ballets, (en réalité 13 + 1, puisque "Les Hamadryades", de 1840, est un opéra-ballet), La Fille du Danube (1836) eut son heure de gloire ; néanmoins, les plus connus sont Le Diable à quatre, La Jolie Fille de Gand, La Filleule des fées, Le Corsaire et surtout Giselle, ou les Wilis (1841), qui met en scène les amours malheureuses de la jeune paysanne Giselle et du Duc Albrecht. Musicalement, Giselle introduit le principe, encore timide mais bien réel, du leitmotiv. C'est le premier ballet à établir et maintenir une ambiance, une atmosphère, dégageant la partition de son rôle unique jusqu'alors de « fournisseuse de rythmes fonctionnels », comme l'étaient La Sylphide de Jean Schneitzhoeffer, Don Quichotte ainsi que La Bayadère de Léon Minkus, La Fille du Pharaon ou le Pas de quatre de Cesare Pugni.

Par leurs qualités, les ballets d'Adam amorcent le renouveau de la musique de ballet où brilleront plus tard Léo Delibes, Édouard Lalo, André Messager et tant d'autres. Tchaïkovski lui-même relisait toujours la partition de Giselle avant d'écrire un nouveau ballet et disait de cette œuvre : « C'est un bijou, poétique, musical et chorégraphique ». Camille Saint-Saëns, quant à lui, déclarait au sujet de Giselle : « Qu'a donc fait Adam dans Giselle ? Non seulement il a fait la musique la plus symphonique qu'il a pu, mais il a donné dans ce qu'on est convenu d'appeler la musique savante, n'ayant pas hésité à faire danser les Wilis sur une fugue ! Il a su écrire aussi dans Giselle de vrais airs de danse ». Plus loin, dans le même ouvrage : « C'est dans ses ballets, où n'ayant pas de modèles, n'étant pas préoccupé d'imiter Auber ou Rossini, qu'Adam a été créateur et a donné toute sa mesure. Il est vraiment étrange que ce mélodiste de profession n'ait complètement réussi que dans la “symphonie” ; car le ballet, c'est la symphonie qui s'amuse, mais c'est toujours la symphonie, et les ballets d'Adam sont des chefs-d'œuvre. [...] Y avait-il donc, dans cet ennemi de la musique sérieuse et de la symphonie, un symphoniste qui s'ignorait ? Le plus célèbre de ses ballets, Giselle, est un pur chef-d'œuvre. Je l'ai vu, dans ma première jeunesse, alors qu'on l'exécutait avec foi, “avec conviction”. L'effet en était surprenant ; les larmes montaient aux yeux quand Giselle, à la fin, disparaissait peu à peu dans les herbes, sous les yeux de son amant. (...) L'instrumentation en est originale, colorée, merveilleuse. »

En revanche, Richard Wagner, jeune critique alors inconnu, se borna lors de la création de Giselle à railler la frivolité des Français si amateurs de ballet …