José Manuel Joly Braga Santos, (né le 14 mai 1924 à Lisbonne et mort le 18 juillet 1988 dans la même ville) est un compositeur et chef d'orchestre portugais. Il a écrit six symphonies.

Après avoir étudié le violon et la composition au Conservatoire National de Lisbonne, il est devenu un disciple de Luís de Freitas Branco (1890-1955), le principal compositeur portugais de la génération précédente.

Après la Seconde Guerre mondiale, il a pu aller à l'étranger, après avoir étudié la direction d'orchestre avec Hermann Scherchen et Antonino Votto et la composition avec Virgilio Mortari. Mis à part un sens inné de l'orchestration, son langage musical est basé sur une architecture musicale forte, mais aussi dramatique, avec des phrases longues mélodiques et un instinct naturel pour le développement structurel. Selon ses propres mots, il voulait « contribuer à un symphonisme Latin et réagir contre la tendance prédominante de la génération, qui m'a précédé, à rejeter le monumentalisme en musique ».

Dans ses premières œuvres, le compositeur a montré une tendance modale motivée par le désir d'établir une connexion entre la musique contemporaine et l'âge d'or de la musique portugaise : la Renaissance. On trouve aussi un contour mélodique des plus vieilles chansons folkloriques de son pays. Bien qu'il n'était pas particulièrement intéressé par le folklore portugais, en étudiant et composant à la maison de campagne de son mentor, dans les régions rurales au sud du Portugal -l'Alentejo- il accepta naturellement l'influence du folklore local très ancien qu'il considérait « d'envoûtante originalité et grandeur ».

Les quatre premières symphonies, qui se sont suivies assez rapidement, entre 22 et 27 ans, ont été immédiatement interprétées par l'Orchestre Symphonique de la radio portugaise à Lisbonne et ont rencontré un grand succès, sous la direction du chef d'orchestre et fondateur de l'Orchestre,  Pedro de Freitas Branco, un ami de Maurice Ravel et Manuel de Falla et ancien directeur de l'Orchestre Lamoureux. Pedro de Freitas Branco a reconnu aussitôt le talent de l'élève de son frère et a lancé la carrière internationale de Joly Braga Santos dans les années 1950, dirigeant plusieurs créations internationales de ses œuvres dans toute l'Europe. D'autres œuvres de cette époque sont le Concerto pour cordes, les Variations sur un thème de l'Alentejo et les trois Ouvertures symphoniques. La plupart des œuvres ont été enregistrées, depuis les années 1970, par le label portugais Strauss SP et plus récemment par Naxos/Marco Polo.

Influencé par les œuvres de compositeurs européens d'après guerre, son style est devenu, dès 1960, plus chromatique. Le temps qu'il a dédié à voyager et à la direction d'orchestre lui ont donné ce qu'il décrit comme une période utile de repos, décisive pour l'évolution de son style musical vers un chromatisme plus poussé et une forme moins traditionnelle. À cette période appartiennent des œuvres comme les Trois esquisses symphoniques, la Sinfonietta, le Requiem, ses 5e et 6^e Symphonies et le Divertimento nº2.

Joly Braga Santos a également écrit trois opéras, de la musique de chambre pour une grande variété d'instruments et ensembles, musiques de film et plusieurs œuvres chorales, sur des poèmes des grands classiques et de poètes modernes portugais et espagnols tels que Camões, Antero de Quental, Teixeira de Pascoaes, Fernando Pessoa, Garcilaso de la Vega, Antonio Machado et Rosalía de Castro.

Joly Braga Santos a donné des conférences sur la composition au Conservatoire National de Lisbonne, où il a fondé la Chaire d'analyse musicale. Il a également été directeur de l'Orchestre symphonique de Porto et l'un des fondateurs de la Juventude Musical Portuguesa (Jeunesses musicales portugaises). Comme critique et journaliste, il a produit une vaste gamme de travaux pour plusieurs revues portugaises et étrangères.

Il est mort à Lisbonne, d'un accident vasculaire cérébral.

Les Trois esquisses symphoniques (1962) ont reçu le Prix Donemus en 1963, la 5^e Symphonie le prix de la « Tribune internationale des compositeurs » (UNESCO) en 1966.

En 2004, l'enregistrement de la Symphonie n^o 4 de Naxos/Marco Polo, réalisée par l'Orchestre Symphonique National d'Irlande sous la direction de Álvaro Cassuto, a reçu le Cannes Classical Award dans la catégorie premier enregistrement.

En 1977, Joly Braga Santos a été distingué avec l'Ordre de Sant'Iago de l'Épée par le Président de la République du Portugal.

Ferdinand David, né le 20 avril 1810 à Hambourg et mort le 19 juillet 1873 à Klosters, est un violoniste virtuose et compositeur allemand.

David est l'élève de Louis Spohr et Moritz Hauptmann entre 1823 et 1824. Il commence sa carrière à l’Opéra d'État de Berlin en 1826. En 1829 il est premier violon du quatuor à cordes à Dorpat et se produit en concert à la Cour de Riga, Saint-Pétersbourg et Moscou. En 1835 il est premier violon (Konzertmeister) dans l'Orchestre du Gewandhaus de Leipzig.
À partir de 1843, il est professeur (Violinlehrer) au Conservatoire de la ville.
David est l'ami de Felix Mendelssohn, et a été le créateur du Concerto pour violon opus 64. Mendelssohn a travaillé avec David pour la partie de violon.
Parmi ses élèves on trouve le musicien cubain José Comellas.

D’origine juive, il s'était converti au christianisme.

Raymond Murray Schafer, né le 18 juillet 1933 à Sarnia en Ontario et mort le 14 août 2021, est un compositeur, théoricien et pédagogue canadien connu pour ses sensibilités écologistes.

Cofondateur du « projet mondial d'environnement sonore » à l'Université Simon Fraser, Schafer publie en 1977 Le Paysage sonore (originellement publié en anglais sous le titre The Tuning of the World). Cet ouvrage, qui se veut en quelque sorte la synthèse de ses recherches en matière d'écologie sonore, lui vaut rapidement une reconnaissance internationale. Il serait le premier à avoir développé le concept de « paysage sonore », en anglais soundscape.

Božidar Kunc (18 juin 1903, Zagreb - 1er avril 1964, Détroit) était un compositeur et pianiste croate. Il étudie à l'Académie de musique de l'Université de Zagreb. À partir de 1951, il travaille comme professeur à New York. Sa sœur était la célèbre soprano Zinka Milanov (nom de jeune fille Kunc).

Božidar Kunc est le quatrième enfant du comptable Rudolf Kunc (1867-1932), un rejeton de la famille Kunz van der Rosen de Graz, et de Ljubica Smičiklas (1873-1936). Outre Božidar, seule Mira Tereza Zinka (17 mai 1906 - 30 mai 1989), plus tard célèbre chanteuse d'opéra, devait atteindre l'âge adulte.

Božidar grandit dans une atmosphère musicale, encouragé par son père musicien (il jouait du violoncelle et chantait également), qui lui donne une éducation musicale exemplaire. Il a commencé à composer à l'âge de 12 ans et, à partir de 18 ans, il l'a fait de manière systématique et continue. Bien qu'en 1926 il ait terminé ses quatre années d'études de droit, il s'intéresse surtout à la musique, qu'il étudie à l'Académie de musique, en choisissant deux domaines qui l'occuperont toute sa vie : le piano et la composition. Il passe son diplôme de piano le 27 juin 1925, classe de Svetislav Stančić, et obtient son diplôme de composition et d'instrumentation le 25 juin 1927 sous la direction de Blagoje Bersa.

Lors du concert de remise des diplômes, le 23 juin de la même année, Božidar apparaît en tant que compositeur et pianiste, interprétant ses propres compositions pour piano, et accompagnant également sa sœur Zinka et le violoniste Ljerko Spiller. Immédiatement après l'obtention de son diplôme, il entame une riche carrière de concertiste et de compositeur. Dès le 29 juin 1927, l'Orchestre Philharmonique de Zagreb donne un concert consacré à ses œuvres (Idylle, Cantate Sur le Nil, Sonate pour violoncelle et piano), tandis que l'année suivante, il remporte le très prestigieux Prix Zlatko Baloković pour son Concerto pour violon.

À partir de 1929, Kunc travaille également comme enseignant, donnant des cours de piano à l'Académie de musique et encadrant de jeunes chanteurs. Pendant dix ans (1941-1951), il dirige également le Studio d'opéra.

Dans les années 1930, Kunc remporte de nouveaux succès internationaux lors de festivals européens : lors du festival international de Dresde en 1934, la Staatskapelle interprète son Concerto pour piano en si mineur, avec le compositeur lui-même comme soliste (le 7 mars 1954, l'Orchestre de Philadelphie, sous la direction d'Eugène Ormandy, interprétera la même œuvre). Il y eut ensuite des représentations bien accueillies à Karlovy Váry, Francfort-sur-le-Main et Prague. La Seconde Guerre mondiale a mis un terme au développement de sa réputation. Au cours de ces années, Kunc continue de composer et, après la guerre, il se produit dans toute la Croatie et dans la Yougoslavie de l'époque, en tant que soliste et accompagnateur de chanteurs, souvent dans des conditions improvisées.

Un tournant décisif dans la vie de Kunc se produit en 1951, lorsqu'il décide de suivre sa sœur Zinka (aujourd'hui Milanov) aux États-Unis. La proximité affectueuse avec sa sœur, devenue une célèbre prima donna, ainsi que l'espoir d'une carrière internationale (combiné à la conscience de sa position périphérique dans le régime communiste yougoslave) ont tous influencé la décision de Kunc. Il s'est rapidement impliqué dans les tournées de concerts de Zinka et l'a entraînée pendant toute la durée de son contrat avec le Metropolitan. Dans le cadre des concerts de Zinka, Kunc a également joué en tant que soliste, interprétant le plus souvent ses propres compositions. Cependant, ses apparitions restent dans l'ombre de l'art de sa sœur et il ne parvient pas à percer sur la scène mondiale de la composition comme il l'avait espéré.

Lorsqu'il se rendit aux États-Unis, les circonstances extérieures de la vie de Kunc changèrent radicalement. Son nouveau statut musical, essentiellement incertain, le contraint, comme tant d'autres avant lui (y compris Béla Bartók), à lutter pour sa simple existence. Il travaille dans un domaine très large, ce qui lui cause un stress permanent.

Année après année, Kunc entreprend de nombreuses tournées avec Zinka à travers les États-Unis et l'Europe, il joue lors de soirées et d'enregistrements, coache des chanteurs et les accompagne lors de leurs apparitions, joue de la musique dans un ensemble à quatre mains et joue des parties de célesta et de triangle dans l'Orchestre de l'Opéra métropolitain. L'école de ballet de Mia Čorak Slavenska constitue une source de revenus inestimable (bien qu'il considère ce travail comme inférieur à celui qu'il exerce en tant que pianiste).

Il maintient des contacts avec certains de ses amis de Zagreb, qui sont rejoints par d'autres en Amérique. En plus de ses engagements artistiques variés et vigoureux, les dernières années de sa vie ont été marquées par des circonstances et des crises personnelles. Après son mariage avec Karla, née Račić (plus tard mariée sous le nom de Cizelj), qui a conservé jusqu'à sa mort son héritage artistique de Zagreb (aujourd'hui à l'Institut croate de musique) et son second mariage avec l'infirmière américaine Ruth Higgins, dont est issu son fils Douglas, Kunc a rencontré en 1959 DeElda Fiebelkorn (née en 1923), et a trouvé dans son mariage avec elle, et avec leur fille, Ivana Joy, le bonheur et l'inspiration artistique.

La dernière représentation de Božidar Kunc eut lieu dans le Ford Hall bondé de Detroit, le 1er avril 1964. L'Orchestre Symphonique de Detroit était dirigé par Sixten Ehrling et interpréta, avec la participation de Zinka, des œuvres du répertoire international et croate. L'objectif de cet avantage était l'interprétation du Concerto pour piano en si mineur de Kunc, avec le compositeur comme soliste. Immédiatement après le concert, Kunc a eu une crise cardiaque et est décédé. Ses amis se souviennent de lui comme d'un homme vif, toujours bienveillant et plein d'esprit, un brillant improvisateur.

 

La vaste œuvre de Božidar Kunc englobe tous les genres musicaux à l'exception de l'opéra. Au centre de son intérêt se trouve le piano, auquel il consacre quatre sonates et environ 90 autres compositions (cycles à programme, bagatelles, nocturnes, préludes, toccatas, danses stylisées, musique pour et sur les enfants). Le piano était au centre de ses œuvres de chambre, qui appartiennent en partie aux compositions classiques-romantiques (sonate pour violon, sonate pour violoncelle et piano, quatuor avec piano et quintette avec piano), et sont en partie des compositions plus courtes. Parfois, le compositeur lui donne le rôle principal dans des œuvres qui ont des sujets distinctifs, comme Two Chapters from the Book of Job, Two Dance Improvisations, Three Episodes for Piano and String Orchestra, Ballet Scene for Two Pianos et le cycle For Piano and Percussion. . L'instrument de prédilection de Kunc a livré une puissante énergie musicale dans le Premier Concerto pour piano et orchestre brillamment orchestré (le 2e Concerto n'était pas terminé).

Le monde privé de Božidar Kunc nous est révélé notamment dans ses chansons en solo. Il y en a une quarantaine sur des paroles en anglais et en croate, et elles sont partiellement rassemblées en cycles. Leurs mélodies inventives dérivent de la familiarité du compositeur avec la voix, et la partie de piano esthétique interagit et se mêle à la partie vocale. On se souviendra peut-être des chansons d'anthologie de jeunesse Zima (Winter; Antun Branko Šimić) et Smrt karnevala (Death of Carnival, Miroslav Krleža) et de l'œuvre ultérieure De Elda's Love Songs sur des paroles de sa femme.

Les œuvres orchestrales de jeunesse de Kunc (Idylle et autres), ainsi que la cantate Sur le Nil sont injustement oubliées.

Božidar Kunc était tout à fait conscient de sa valeur en tant que compositeur. Il se considère comme un « maillon de la chaîne des grands » et -voulant compléter son œuvre en Amérique- travaille avec une grande intensité la composition, parfois uniquement la nuit. Sa poétique compositrice qui, dans son pays natal, était assez distincte de la tendance dominante, lors de son changement de cadre et de sa rencontre avec le répertoire international, a acquis certaines caractéristiques nouvelles qui invoquaient la retenue ainsi que l'étiquetage généralisé de son expression musicale comme "impressionniste" ou "post-impressionniste".

De telles considérations sont encouragées en particulier par l'harmonie de Kunc qui, au cours de sa vie créative, s'est développée selon une tonalité élargie en ligne avec le développement général de la pensée harmonique. Elle est à la base de la structure raffinée et toujours renouvelée de ses œuvres, où alternent une coloration luxuriante et des consonances dissonantes et dures d'une impression remarquablement expressive. Dans son style pianistique, Kunc repousse les anciennes frontières de la sonorité avec une registration spécifique, une utilisation imaginative de la pédale et une nouvelle ornementation, mais typiquement kuncienne. Il affectionne à la fois une ligne mélodique marquée et une disposition formelle facilement lisible, qui confèrent à ses compositions à la fois équilibre et clarté classiciste.

Les constantes caractéristiques de l'expression musicale de Kunc sont sa dansabilité, son pittoresque (musique à programme) et sa stylisation discrète occasionnelle de la musique folk.

 

Le 22 juillet, le Teatre Grec de Barcelone accueillera la première espagnole de l'opéra Prisoner of the State du compositeur américain David Lang, lauréat du prix Pulitzer 2008 pour sa pièce The Little Match Girl Passion.
Fruit d'une co-commande avec le New York Philharmonic Orchestra, le De Doelen Concert Hall, le Barbican Center, l'Orchestre symphonique de Bochum, le Concertgebouw de Bruges et l'Opéra de Malmö, Prisoner of the State est une réflexion sur le thème des prisonniers politiques à partir du Fidelio de Beethoven, qui a été un élément actif d'inspiration pour Lang.

Créé en 2019 et défini comme un "singspiel contemporain", Prisoner of the State sera joué à Barcelone dans une mise en scène d'Elkhanah Pulitzer.
Ludovic Morlot dirigera l'OBC, le chœur d'hommes du chœur de jeunes de l'Orfeó Català et le chœur de chambre du Palau de la Música Catalana. Les solistes vocaux seront Claron McFadden (l'assistante), Davóne Tines (le geôlier), Alan Oke (le gouverneur) et Jarrett Ott (le prisonnier).

Sous la direction de Juanma Parra, la Philharmonie de Malaga offrira le 22 juillet un concert en hommage au compositeur de bandes originales le plus célèbre du moment : John Williams.

À 91 ans, l'auteur de musiques légendaires pour des films tels que E.T., Jurassic Park, Jaws, Superman, Harry Potter ou Star Wars, a récemment assuré que sa dernière œuvre serait celle que l'on peut apprécier en ce moment même au cinéma, le dernier volet de la saga Indiana Jones.
En plus de celles déjà citées (à l'exception de Harry Potter), d'autres bandes originales seront entendues, comme celles de The Patriot, The Witches of Eastwick, Schindler's List.

Depuis plusieurs années, un petit festival fondé par Ton Koopman se déroule dans le sud-ouest de la France. Le lieu choisi est l'Aquitaine, dans le département de la Dordogne, où se trouve la région historique du Périgord. Dans les anciennes églises et les châteaux de ce territoire riche en histoire et en vestiges médiévaux, se déroulent des concerts qui réunissent plusieurs musiciens en quelques jours.
Le parcours sonore de cette édition débutera dans l'église abbatiale de Cercles avec le concert d'orgue de Pietro Paganini et se terminera au château de Jaurias avec la chapelle haute La Guilde des Mercenaires.

Tout a commencé en 2001 avec un groupe d'amis et seulement deux concerts. C'est une très belle région où il y a beaucoup d'églises romanes, qui étaient habituellement fermées, et qui sont l'endroit idéal pour jouer et écouter de la musique. Le paysage est très beau et il y a aussi beaucoup de châteaux. Avec ma femme, nous avons acheté et fait restaurer une vieille maison que nous avons toujours plaisir à visiter. D'ailleurs, en ces jours particulièrement torrides, la température baisse la nuit et nous dormons bien.

Les gens d'ici sont très serviables et aiment rencontrer des gens d'autres pays, et il y a une très bonne production de vin...

Au fil du temps, nous avons accueilli des groupes néerlandais, français, anglais et italiens de niveau international et, au fil des années, l'événement s'est développé et les concerts se sont multipliés autour de l'itinéraire qui représente l'âme de notre projet, grâce aussi à la collaboration de Robert Huet, qui habite près de Cercles et qui s'occupe de la partie organisationnelle.

Il y a aussi des ensembles de jeunes musiciens dans le programme, et c'est un aspect très important parce qu'ils représentent l'avenir de la musique ancienne...

La percussionniste Vivi Vassileva (29 ans) a été récompensée par le Leonard Bernstein Award. Cette distinction, dotée de 10.000 euros, lui a été remise dans le cadre du festival de musique du Schleswig-Holstein.

Viva Vassileva est née en 1994 à Hof. Elle a commencé sa formation musicale par le violon, avant de passer aux percussions. Elle a fait ses études à la Hochschule für Musik und Theater de Munich. Elle a été membre du Bundesjugendorchester et a fait ses débuts en tant que soliste avec l'Orchestre Symphonique de Hof. Soutenue par plusieurs fondations, dont la Fondation Robert Bosch et le Conseil allemand de la musique, elle a remporté plusieurs prix, dont des prix aux Concours internationaux de marimba de Paris en 2009 et de Nuremberg en 2010, le Prix de promotion de la musique d'Ingolstadt en 2013 et deux Prix spéciaux en tant que plus jeune demi-finaliste du Concours musical ARD en 2014.

À l'âge de 16 ans, elle a été admise à la Hochschule für Musik und Theater de Munich, où elle a obtenu son Bachelor of Music avec Raymond Curfs et Peter Sadlo. Actuellement, elle étudie à l'Université Mozarteum de Salzbourg avec Martin Grubinger qui a été le premier percussionniste à remporter le Bernstein Award en 2007. Elle se produit régulièrement avec des partenaires tels que Kian Soltani, Frank Dupree, Pablo Barragan et le guitariste Lucas Campara Diniz, ainsi qu'avec l'ensemble de percussions qu'elle a elle-même créé, l'"Extasi Ensemble", notamment à la Philharmonie de Berlin, au Festival de musique du Schleswig-Holstein, à Snape Maltings, aux March Music Days de Ruse, à l'Elbphilharmonie de Hambourg et au Festival de Salzbourg.

Depuis 2002, un groupe financier fonde le Leonard Bernstein Award, doté de 10 000 euros, dans le cadre du festival de musique du Schleswig-Holstein. Ce prix doit donner un signal dans le domaine de la promotion des talents.
Cette année, les membres de la commission de sélection étaient Jamie et Alexander Bernstein ainsi que Nina Bernstein Simmons -en tant que membres de la famille Bernstein-, Christoph Eschenbach, Ute Fesquet, Per Hauber, l'intendant Dr. Christian Kuhnt, Barbara Lebitsch et Oliver Stolz.
Parmi les lauréats précédents, on trouve notamment Lang Lang, Anna Vinnitskaya, Alisa Weilerstein, Kian Soltani, Emily D'Angelo, Felix Klieser, Krzysztof Urbanski, Lisa Batiashvili, Erik Schumann, Martin Grubinger, David Aaron Carpenter, Jan Lisiecki, Stathis Karapanos et Sean Shibe.

Le Festival de Musique Renaissance et Baroque de Vélez Blanco s'ouvre avec un concert d'Anacronía qui, sous le titre " Le Continuum Classique : le partenariat Bach-Abel ", permettra au public d'écouter des œuvres de Johann Christian Bach, Karl Friedrich Abel, Juan Oliver Astorga, Carl Philipp Emanuel Bach et Joseph Haydn.
Anacronía se compose de David Gutiérrez Aguilar, traverso ; Pablo Albarracín Abellán, violon ; Luis Manuel Vicente Beltrán, alto ; Feliú Llobet Caixac, violoncelle et Marina López Manzanera, clavecin.
"L'un des aspects les plus intéressants de la Bach-Abel Society est le riche amalgame de sonorités de différentes époques qui coexistaient à Londres à cette époque. Carl Friedrich Abel, violagambiste, et Johann Christian Bach, claveciniste, ont assisté à la transition du baroque au classicisme, et ce répertoire peut être interprété aussi bien sur des instruments baroques (clavecin ou viole de gambe) que sur des instruments plus modernes (pianoforte ou violoncelle). L'année 2023 marque le 300e anniversaire de la naissance de Carl Friedrich Abel. Considéré comme le dernier grand violagambiste, il est une figure importante de la période dite du "style galant", située à l'aube d'un classicisme naissant dans lequel subsistent encore certains vestiges du baroque", explique le festival sur son site internet.

La 11e édition du Festival international Panticosa s'est ouvert hier avec le récital "Cantar del Alma : Homenaje a Victoria de los Ángeles " (Chant de l'âme : hommage à Victoria de los Ángeles). L'hommage à une autre grande chanteuse espagnole, Teresa Berganza, sera au cœur du concert de clôture du festival, le 21 juillet. Il réunira les sopranos Cecilia Lavilla Berganza et Eugenia Boix, la mezzo-soprano Nancy Fabiola Herrera, le baryton Isaac Galán, le clarinettiste Antonio García et les pianistes Miguel Ituarte et Carmen Esteban.

Pendant six jours, le Festival Panticosa proposera une vingtaine d'activités liées à la musique. Sous le slogan "Elles, les étoiles", le programme rendra non seulement hommage à Victoria de los Ángeles à l'occasion du centenaire de sa naissance et à Teresa Berganza (qui a été ambassadrice du festival et y a donné des master classes jusqu'en 2018), mais célébrera également des artistes féminines comme Elvira Hidalgo, des compositrices comme Teresa Prieto ou Laura Vega, ainsi que Rosita García Ascot, Ángeles López Artiga ou Carlota Garriga.

En outre, le Balneario de Panticosa accueillera l'exposition "Teresa Berganza, ses robes d'été", organisée par Román Padín, qui a rassemblé quelques-unes des robes les plus emblématiques de la légendaire mezzo-soprano. L'exposition sera ouverte au public jusqu'au 15 août.