Atso Almila, chef d'orchestre, directeur musical, compositeur, tromboniste et professeur finlandais est né le 13 juin 1953 à Helsinki.

Il a travaillé avec la plupart des orchestres finlandais, en tant que chef invité ou non. Bien qu'il travaille principalement en Finlande, il travaille également beaucoup en Suède et en Estonie. Son style de composition peut être considéré comme néoclassique, bien qu'il soit parfois chromatique et expressif (comme dans son Concerto pour flûte de 1985 et son Concerto pour violon de 1989). Ses œuvres témoignent d'une appréciation de l'instrument individuel et de la musicalité naturelle.

Il a étudié le trombone et la direction d'orchestre à l'Académie Sibelius d'Helsinki, sous la direction de Jorma Panula, et a obtenu son diplôme de direction d'orchestre en 1979. Il a ensuite travaillé au sein de l'institution en tant qu'assistant principal en direction d'orchestre entre 1991 et 2002 et en tant que professeur de direction d'orchestre à partir de 2002.
Il a dirigé plusieurs chœurs, notamment le Radio Symphony Choir (1975-1976), le chœur de chambre Cantemus de l'Académie Sibelius (1979-1984) et le chœur Akateeminen Laulu (1991-1995). Il a également dirigé l'Orchestre Philharmonique de Tampere (1987-1989) et l'Orchestre Municipal de Joensuu entre 1993 et 2000 (dont il a également été le chef artistique). Il a été directeur musical et directeur artistique de l'Orchestre Symphonique de Kuopio entre 1995 et 2000, après quoi il est devenu premier chef invité de l'Orchestre Municipal de Seinäjoki.
Il a également été directeur musical du Théâtre national de Finlande entre 1982 et 1995 et a été chef d'orchestre de l'Opéra National de Finlande (1980-1987 et 1989-1995). Au FNO, il a dirigé Vincent d'Einojuhani Rautavaara, Gaia de Markus Fagerudd, Mario et le magicien de Vajda et Le rossignol d'Igor Stravinsky.
En 1982, il a remporté le Concours nordique de direction d'orchestre de Norrköping avec Jukka-Pekka Saraste.

Il a composé quatre opéras : Kolmekymmentä hopearahaa (Trente pièces d'argent) en 1988, Ameriikka (Amérique) en 1992, Isontaloon Antti (Antti Isotalo) en 2000, et Pohjanmaan kautta (Cul sec !) en 2002. Elles sont généralement basées sur des intrigues folkloriques et intègrent souvent de la musique folklorique -bien qu'il ne s'agisse pas d'opéra folklorique en raison de la présence de développements musicaux et d'étendues structurelles. Ses harmonies rappellent Sergei Prokofiev et Les Six -avec l'influence de la mélodie italienne dans ses deux derniers opéras. L'intrigue de Kolmekymmentä hopearahaa étudie les relations entre un pasteur revivaliste et son entourage (laïcs et ecclésiastiques) et est basée sur une pièce de Heikki Ylikangas. Ameriikka est une étude sur l'amour et les relations à distance : un mineur part pour l'Amérique en laissant sa fiancée derrière lui -son imagination la conduit à la jalousie et elle décide de le poursuivre à travers l'océan Atlantique. Isontaloon Antti suit un Jägare recruteur qui, de retour d'une formation en Allemagne, est poursuivi par la police pour cette allégeance. Les livrets d'Ameriikka et d'Isontaloon Antti ont été écrits par Antti Tuuri. Pohjanmaan kautta, dont le livret a été écrit par Tiina Puumalainen, raconte l'histoire de la prohibition en Ostrobothnie (le titre se traduit littéralement par "à travers l'Ostrobothnie", un toast finlandais). Elles ont toutes été créées à Ilmajoki et sont généralement jouées à l'extérieur.

Sa musique se caractérise par son caractère nostalgique et agité, avec des mélodies enjouées et des ostinatos brusques. Elle met souvent l'accent sur les cuivres et comprend deux symphonies, dont une pour quintette de cuivres et orchestre (remarquable pour son contrepoint aléatoire), des concertos (contrebasse en 1979, flûte en 1985, tuba en 1986, violon en 1989 et trombone en 1994) et de la musique de chambre (notamment un quatuor à vent et un quintette à cordes, tous deux de 1993, ainsi que Taikalamppu pour quatuor de cuivres, Dedications, Memories (1985) pour quintette de cuivres, le Nonet à vent (1985) et le Quintette de cuivres (1991)). Ses œuvres pour orchestre d'harmonie sont traditionnelles et tonales, ce qui peut être décrit comme de la Gebrauchsmusik, et il emprunte parfois à la musique populaire. Ces œuvres comprennent Concert March (1979), Allegro agitato (1986) et Fanfare (1987), le Concerto pour deux clarinettes et orchestre d'harmonie (1980) et Visions from the North (1997). Cette œuvre comprend des pièces pour le théâtre (environ 40 pièces), la télévision et le cinéma. À l'écran, il a notamment réalisé Da Capo en 1985 et Kotia päin en 1989.

Il enseigne depuis de nombreuses années à l'Académie Sibelius. Presque tous les étudiants en direction d'orchestre qui y ont étudié dans les années 1980, 1990 et au XXIe siècle ont également étudié avec lui. Il organise également de nombreuses masterclasses, dont la plus annuelle a lieu en août à Seinäjoki.

Violeta Dinescu, née le 13 juillet 1953 à Bucarest, est une compositrice, pianiste et professeur roumaine vivant en Allemagne depuis 1982.

Violeta Dinescu commence ses études musicales en 1972, au Conservatoire Ciprian Porumbescu de Bucarest et la composition avec Myriam Marbe. En 1978, elle obtient son diplôme de maîtrise, avec distinction. Elle reçoit également ses diplômes de composition, piano et pédagogie. Elle enseigne à l'école de musique Georges-Enesco de Bucarest, assurant des cours d'histoire de la musique, d'esthétique, contrepoint, harmonie et piano. En 1980, elle rejoint l'Union des compositeurs roumains.

En 1982, elle s'installe en Allemagne de l'Ouest. Son premier opéra, Hunger und Durst (« La Soif et la faim »), d'après Eugène Ionesco, est créé à Fribourg en 1986. Der 35. Mai (Le 35 mai, ou Conrad chevauche dans les mers du Sud), un opéra pour enfants d'après Erich Kästner est donné en 1986 ; puis Eréndira d'après une nouvelle de Gabriel García Márquez, en 1992. Elle est jouée lors de la troisième de la Biennale de Munich, lors de la création en 1994 de Schachnovelle (Le Joueur d'échecs) d'après Stefan Zweig. Ces opéras sont interprétés dans les plus grands opéras, comme Der 35. Mai au Staatsoper de Hambourg en 2004. Elle travaille pour le théâtre autrichien ARBOS sur deux projets de théâtre musical, Le chant des fous sur l'Europe et Le Concert des oiseaux. Herzriss, un opera in nuce pour voix et percussions d'après Homère, Ionesco et Márquez, est créé en 2005.

Depuis 1986, Violeta Dinescu est enseignante dans les académies de musique de Heidelberg, Francfort, Bayreuth et, depuis 1996, elle est professeur de composition appliquée à l'Université d'Oldenburg². Dès 1996, elle commence à inviter annuellement les compositeurs dans un Komponisten-Colloque, avec entre autres en 2009, Jean-Luc Darbellay et Graham Waterhouse.

Violeta Dinescu est membre du conseil exécutif de la Ligue internationale des femmes compositeurs depuis 1987. Ses œuvres ont été publiées notamment par Verlag Dohr et Schott Music.

Prolifique compositrice pour la musique d'orchestre, la musique de chambre, le chant choral et la musique vocale, Violeta Dinescu a reçu de nombreux prix et récompenses. Ses principales œuvres de commande comprennent Akrostichon et L'ORA X pour orchestre, un oratorio pour la Pentecôte, Pfingstoratorium, une partition pour le film muet de Friedrich Murnau, Tabou, et les ballets, Der Kreisel et Effi Briest.

La Fondation Géza Anda a annoncé le jury, les conditions de participation et le répertoire de la 16e édition du Concours international de piano Géza Anda.
Il se déroulera entre le 30 mai et le 8 juin 2024 à Zurich et Winterthur et il sera ouvert aux participants de tous les pays nés après le 30 mai 1992.

Le jury sera présidé par Franz Xaver Ohnesorg et composé de Martha Argerich, Ricardo Castro, Zlata Chochieva, Lucas Debargue, Konstanze Eickhorst, Toshio Hosokawa, Robert Levin et Dénes Várjon.
La demi-finale Mozart, avec le Musikkollegium Winterthur, sera dirigée par Mikhail Pletnev et la finale, avec l'Orchestre de la Tonhalle de Zurich, par Paavo Järvi.

Les inscriptions seront ouvertes le 19 novembre 2023.

Dans le cadre du festival Bachcelona qui se déroule ces jours-ci à Barcelone, le Palau de la Música Catalana accueille ce lundi 17 juillet le Jove Orquestra Nacional de Catalunya, dirigé par le violoniste et chef d'orchestre Giuliano Carmignola.

Le musicien italien et l'orchestre catalan proposeront un programme centré sur le baroque, spécialité de Carmignola, avec des concertos pour violon de Jean-Sébastien Bach (BWV 1042, BWV 1041), bien sûr, et d'Antonio Vivaldi (RV 265, RV 208). Les musiciens joueront depuis l'espace Platea du Petit Palau.

Giuliano Carmignola participe régulièrement à des festivals de musique baroque à travers l’Europe, notamment à Bruges, Lucerne, Vienne, Bruxelles, Salzbourg et Barcelone. En 1999, il a été nommé professeur de violon à la Haute École de Lucerne et il a enseigné à l’Académie musicale Chigiana de Sienne.

Giuliano Carmignola, Andrea Marcon et l’Orchestre baroque de Venise ont participé en août 2005 au festival Mostly Mozart de New York et sont repartis peu après aux États-Unis pour une tournée d’un mois.

Professeur de violon au Conservatoire de Venise pendant 10 ans, il a aussi été premier violon de l’orchestre de La Fenice de 1978 à 1985. En travaillant avec I Sonatori de la Gioiosa Marca, et maintenant avec l’Orchestre baroque de Venise, Giuliano Carmignola est devenu un interprète majeur du violon baroque, en particulier dans le domaine de la musique italienne du xviii^e siècle.

Pour interpréter la musique baroque, Giuliano Carmignola joue avec un violon de Johannes Florenus Guidantus de 1739 dans son état original et le Stradivarius « Baillot » de 1732 mis à disposition par la Fondazione Cassa di Risparmio in Bologna. Pour interpréter la musique classique et romantique, il joue un Pietro Guarneri datant de 1733.

«Aucun projet stratégique», d'importantes dépenses de fonctionnement mais des recettes «faibles»: la gestion par la ville de Marseille de l'opéra municipal et du théâtre de l'Odéon est étrillée dans un rapport de la Chambre régionale des comptes de Provence-Alpes-Côte d'Azur, rendu public mardi.

L'opéra (1.800 places) et le théâtre (800 places) «ne disposent d'aucun projet stratégique» et «aucun bilan annuel ne permet de retracer l'activité détaillée des deux équipements culturels» gérés en régie municipale directe et réunis sous une même direction depuis 2013, relève la synthèse du rapport, qui porte sur les années 2016 et suivantes. «L'opéra et le théâtre de l'Odéon ne sont pas dotés d'un projet d'établissement formalisé» et «sont ainsi gérés par la collectivité au fil des saisons», précise le rapport, qui ajoute que «l'élaboration d'une stratégie nécessite au préalable une connaissance fine des publics», qu'aucune des deux structures n'a entreprise.

«Ni l'orchestre, ni l'opéra ne disposent d'un label national», poursuivent les magistrats, selon lesquels cette absence «a privé l'opéra de ressources en provenance de l'État» et «l'a aussi “affranchi” de toutes les obligations liées au respect de cahiers des charges». La ville est cependant engagée depuis 2022 dans une démarche pour obtenir le label «Opéra national en région», précise le rapport.

Par ailleurs, «en l'absence de comptabilité analytique, la commune ne connaît pas le coût complet de ce service qui emploie pourtant plus de 350 agents et génère des dépenses de fonctionnement de plus de 20 millions d'euros par an, soit l'équivalent du budget de fonctionnement d'une commune de 15.000 habitants», relève le rapport, notant qu'en outre «les recettes sont faibles», en raison notamment d'une politique de gratuité opaque. «Les tarifs sont bas, mais la commune ne peut les augmenter, au vu des conditions de confort qui devraient être améliorées», avec des «bâtiments, entrepôts et ateliers (...) dans un état avancé de dégradation», complète-t-il. Dans le même temps, l'activité des deux structures «s'infléchit», selon le rapport, qui pointe une réduction du nombre d'œuvres et de représentations proposées à l'opéra au cours des cinq saisons étudiées.

Enfin, en matière de ressources humaines, les magistrats fustigent un «recours croissant» aux intermittents, notamment pour «pallier l'absentéisme des fonctionnaires» tandis que les musiciens, dont certains «cumulent plusieurs emplois à temps complet», n'effectuent en moyenne «que la moitié ou les deux tiers» du «nombre de services (répétitions et représentations) prévu par le règlement de travail de l'orchestre»

Dans un rapport de décembre 2021, la Chambre régionale des comptes avait déjà sévèrement épinglé la gestion par la ville de ses musées municipaux.

Depuis plus d'un siècle, les musiciens vénèrent le solo de basson avec lequel Stravinsky annonça l'avènement de la modernité en 1913. Ce passage dans l'aigu du début du Sacre du printemps se glisse dans les premières mesures du Divertimento concertante en fa pour quintette à vent, piano et cordes d'Antoni Ros-Marbà, mais il est de courte durée et son effet n'est pas celui escompté : en l'entendant, les membres de l'orchestre demandent au soliste de se taire. "Le temps passe, les habitudes changent, et en plus, c'est l'été, pas le printemps", plaisante le compositeur catalan, qui dirigera la première de son œuvre : Il n'y a pas de message caché dans ma partition, juste de la musique combinée à de grandes doses de théâtralité et de bonne humeur.

C'est Paloma O'Shea elle-même, fondatrice et présidente de la Fondation Albéniz, qui, en 2020, lui a commandé une œuvre qui pourrait être interprétée par les étudiants de l'Encuentro de Música y Academia, qui réunit depuis 22 ans à Santander les meilleurs étudiants des conservatoires du monde entier et les professeurs les plus éminents de chaque catégorie. Il voulait continuer à fêter ses 80 ans avec de la musique nouvelle, et j'ai terminé la composition du Divertimento le jour de mon propre anniversaire, pour boucler la boucle, poursuit ce disciple de Celibidache, que Karajan avait invité à diriger l'Orchestre Philharmonique de Berlin en 1978. Ce n'est pas une œuvre longue, ni courte, mais elle est très difficile, car elle exige une grande virtuosité. Tous les musiciens doivent se mouiller.

C'est ce qu'a confirmé la contrebassiste madrilène Jimena Rodríguez San Miguel après la dernière répétition. Ros-Marbà pousse les possibilités de chaque instrument à la limite, mais il n'y a pas de plus grand luxe pour un jeune musicien que de jouer une œuvre qui n'a jamais été entendue auparavant et d'être dirigé par son compositeur, confesse la jeune musicienne de 22 ans, ancienne élève de Wies de Boevé à la chaire de contrebasse Unidad Editorial de l'Escuela Reina Sofía.

Le directeur artistique de l'Encuentro, Péter Csaba, a personnellement sélectionné les étudiants au cours d'un marathon d'auditions à travers l'Europe. Tout le monde veut participer aux étés de Santander, car c'est une expérience qui change la vie et ouvre de nombreuses portes, explique le hautboïste Fidel Fernández Moraleja, 25 ans, originaire de Cuenca et issu de l'académie des jeunes de l'école. Plusieurs récitals m'attendent et j'en profiterai pour préparer avec mon professeur, Hansjörg Schellenberger, les pièces des concours auxquels je souhaite participer.

À leur manière, les élèves exercent aussi leur propre enseignement. On peut apprendre des jeunes, affirme Ros-Marbà qui, à 86 ans, n'a rien perdu de sa curiosité. Composer, c'est avant tout savoir écouter. Et en répétition, chaque réponse à un problème nécessite un consensus dans le dialogue et une mise en commun des solutions créatives. Lors de sa dernière séance avec les musiciens de l'Ensemble del Encuentro, ceux-ci ont reçu des instructions sur le vibrato des cordes du deuxième mouvement du Divertimento (intitulé Variazioni a Isabel et qui fait le lien avec la Chanson et Danse n°2 de son très regretté Mompou) et sur le tenuto d'un des longs passages de la conclusion Till revisited, où le compositeur joue avec le thème principal du poème symphonique Till Eulenspiegel de Richard Strauss.

Outre la création mondiale, le programme du concert comprend évidemment d'autres oeuvres. Un assortiment de "raretés extraordinaires" auxquelles Ros-Marbà, avec sa franchise habituelle, ne trouve aucun "lien apparent" avec son Divertimento. C'était un peu comme si on lançait les dés et qu'on se réjouissait de la fortune du nombre obtenu, explique-t-il. car, à mon âge, composer une telle œuvre ne peut être qualifié que d'espièglerie.

Trente-quatre chanteurs et chanteuses étaient candidats. Au total sont sélectionnés 15 chanteuses (8 sopranos et 7 mezzo-sopranos) et 19 chanteurs  (9 barytons, 5 ténors, 2 contre-ténors, 1 baryton-basse, 2 basses) :

Semyon Antakov, baryton, Russie
Nicolò Balducci, contre-ténor, Italie
Gabrielle Beteag, mezzo-soprano, Etats-Unis
Charles Buttigieg, baryton, Malte
Ekaterina Chayka-Rubinstein, mezzo-soprano, Allemagne
John Findon, ténor, Royaume-Uni
Caitlin Gotimer, soprano, Etats-Unis
Navasard Hakobyan, baryton, Arménie
Eugénie Joneau, mezzo-soprano, France
Maria Kalinina, soprano, Russie
Hovhannes Karapetyan, baryton-basse, Arménie
Taehan Kim, baryton, Corée du Sud
Omer Kobiljak, ténor, Bosnie-Herzégovine
Oleh Lebedyev, baryton, Ukraine
Maayan Licht, contre-ténor, Israël
Luvo Maranti, ténor, Afrique du Sud
Thando Mjandana, ténor, Afrique du Sud
Sakhiwe Mkosana, baryton, Afrique du Sud
Siphokazi Molteno, mezzo-soprano, Afrique du Sud
Anita Monserrat, mezzo-soprano, Royaume-Uni
Stephano Park, basse, Corée du Sud
Gabriel Rollinson, baryton, Allemagne
Julie Roset, soprano, France
Sarah Saturnino, mezzo-soprano, Etats-Unis
Daniel Schliewa, ténor, Allemagne
Alexandria Shiner, soprano, Etats-Unis
Yosif Slavov, baryton, Bulgarie
Libby Sokolowski, soprano, Etats-Unis
Luke Sutliff, baryton, Etats-Unis
Elena Villalón, soprano, Etats-Unis
Alan Williams, basse, Etats-Unis
Alexandra Yangel, mezzo-soprano , Russie
Nombulelo Yende, soprano, Afrique du Sud
Yuliia Zasimova, soprano, Ukraine

Pour assurer le remplacement d'Andreas Schager, qui chante Parsifal à la place de Joseph Calleja, qui remplaçait précédemment... et ainsi de suite, Baureuth a rappelé Tomislav Mužek, qui a chanté le rôle en 2013, 2014, 2015 et 2018.

Le compositeur soviétique Alexandre Vassilievitch Mossolov est né le 11 août 1900 à Kiev et mort le 11 juillet 1973 à Moscou.

Son père était avocat et sa mère cantatrice. Il passe sa jeunesse à Moscou où il est fortement influencé par les idées prorévolutionnaires de son beau-père, le peintre Mikhaïl Leblanc, que sa mère avait épousé en secondes noces en 1905.

Il travaille au secrétariat du parti bolchevique et n'hésite pas à s'engager dans le 1^er régiment de cavalerie de Moscou (1918-1920) partant se battre contre les armées blanches. Lorsqu'il regagne Moscou, blessé, décoré par deux fois, il prend des leçons de piano auprès de Prokofiev et suit, au Conservatoire (1922-1925), les classes de Konstantin Igoumnov pour le piano, et de Nikolaï Miaskovski pour la composition. Il reçoit à Kiev les conseils de Reinhold Glière.

Entre 1924 et 1928, il écrit une trentaine d'ouvrages, à la fois d'avant-garde et de pionnier socialiste convaincu. De nombreux manuscrits semblent perdus, ainsi quatre des huit sonates pour piano recensées. Les Sonates n^o 4 op. 11 (achevée en 1927) et n^o 5 op. 12 (1929) suffisent à montrer l'originalité d'un talent faisant le lien entre l'héritage de Scriabine et le « pianisme motorique » du Prokofiev « parisien ».

L'opus 11 est en un seul mouvement alternant constamment presto et lento, poétique dans laquelle le charme est remplacé par l'extatisme dissonant, le diabolique postlisztien par la violence. L'opus 12 demeure la sonate la plus impressionnante en ses quatre mouvements (allegro affanato, elegia, scherzo martiale et adagio languente e patetico), aussi excessifs et imprévisibles sur le plan de l'expression que témoins d'une science achevée de l’écriture. À cette époque, l’œuvre de chambre comprend : le Quatuor à cordes no 1 (créé au festival 1927 de la Société internationale pour la musique contemporaine, SIMC, à Francfort-sur-le-Main) ; deux sonates, l'une pour violon et piano (1927), l'autre pour alto et piano (1928) ; un Trio pour violoncelle, clarinette et piano (1927) ; la Suite de danses pour trio avec piano (1928).

Il étudie la musique au Conservatoire de Moscou et s'initie à la composition auprès de Reinhold Glière.

Il incarne un temps l'avant-garde musicale soviétique et se rend célèbre en 1927 par cette pièce symphonique Les Fonderies d'acier tirée du ballet L'Acier.
Il est alors à la musique ce que Fernand Léger est à la peinture, cherchant à traduire musicalement, après Paul Hindemith, Arthur Honegger et Sergueï Prokofiev, le mouvement du machinisme et de l'industrialisme.

Accusé de formalisme, il tombe en disgrâce sous le règne de Staline dans les années 1930 et est exclu de l'Union des compositeurs soviétiques en 1936.

Il a laissé une œuvre variée comportant des sonates au piano, des concertos pour violoncelle, un concerto pour piano, un concerto pour harpe, de la musique de chambre et deux opéras. Il est enterré au cimetière de la Présentation à Moscou.

Le compositeur et organiste belge Joseph (Marie Alphonse Nicolas) Jongen est né le 14 décembre 1873 à Liège et mort à Sart-lez-Spa le 12 juillet 1953. Il est le frère aîné du compositeur Léon Jongen, chef d'orchestre et ancien directeur du Conservatoire de Bruxelles.

Très tôt, les dons de Joseph Jongen sont manifestes et évidents aux yeux de son père, Alphonse Jongen (1843-1927), ébéniste d'art, qui lui enseigne les premiers rudiments et l'encourage, ainsi qu’à ceux d’amis musiciens lors d'exécutions de chorals ou saynètes que son père dirige pour des fêtes de famille ou dans des Cercles d'amateurs à Liège et en province.

Joseph Jongen accomplit toutes ses études musicales au Conservatoire Royal de Liège : le piano, l'orgue et les branches théoriques, solfège, fugue, harmonie, contrepoint, avec Sylvain Dupuis et Jean-Théodore Radoux.

En 1894 il est couronné par l'Académie Royale de Belgique pour son 1^er Quatuor à cordes (op. 3), œuvre "d'une maîtrise étonnante chez ce quasi débutant (...) d'une polyphonie riche, subtile" et aussitôt publiée à Leipzig.

En 1897, le Premier Grand Prix de Rome lui est décerné pour sa cantate Comala (op. 14). Cette récompense lui permet de réaliser un voyage d’études à l'étranger d’une durée de près de quatre ans, d’octobre 1898 à mai 1902.
Il passe un an et demi en Allemagne, à Berlin où il découvre la musique de Brahms, rencontre Vincent d'Indy et également Richard Strauss qui lui donne des leçons de composition. À Munich où il rédige son Concerto pour violon (op. 17), tandis qu’il occupe le poste de maître de chapelle en 1900 à Bayreuth. Puis, il découvre Vienne et s'établit ensuite huit mois à Paris où il se lie avec différents musiciens français tels Gabriel Fauré et Charles Bordes et devient l'élève de Vincent d'Indy. Il termine son périple par un séjour de huit mois à Rome. Pendant ce voyage fructueux, il a composé plusieurs œuvres importantes : une symphonie (op.15), deux concertos (op. 17 et 18), un quatuor avec piano (op. 23) et d’autres pièces qui témoignent d'une nette maturation de son style.

De retour en Belgique en 1902, Joseph Jongen est nommé en 1903 professeur d'harmonie et de contrepoint au Conservatoire de Liège.

Marié depuis 1909 et père de trois enfants, il emmène les siens en Angleterre pour y passer les années de la Première Guerre mondiale, et participe activement à la vie musicale comme organiste et pianiste au sein du Belgian Quartet dont il est l'un des fondateurs avec le violoniste Désiré Defauw, le violoncelliste Etienne Doehaerd et l’altiste Lionel Tertis.

Dès décembre 1918, Jongen reprend son poste à Liège, puis est nommé en 1920 professeur de fugue au Conservatoire Royal de Bruxelles, établissement dont il assume la direction de 1925 à sa retraite en 1939. Durant ce directorat, il invite d'éminentes personnalités musicales étrangères à faire partie de jurys aux concours de fin d'année qui connaissent un grand succès et portent haut et loin la notoriété de l'institution. C’est à ses débuts de directeur de Conservatoire, qu’il compose sa célèbre Symphonie concertante pour orgue et orchestre, op. 81.

De 1919 à 1926, Joseph Jongen dirige les Concerts Spirituels de Bruxelles et exerce une activité de chef de chœur et d'orchestre. Il dirige notamment quelques premières en Belgique comme Le Roi David d’Honegger, Psaume LXVII de Florent Schmitt et Saint-François d’Assise de Malipiero.

Auteur de très nombreuses œuvres, l’art de Jongen est d'une rare distinction et d'une subtilité harmonique qui se tient toujours dans les limites de la tonalité, possède une "patte" reconnaissable dans la sève mélodique souple et rythmée. Il est sans conteste le compositeur le plus doué de sa génération. Ernest Closson dira de lui : On se sent en présence d'un art infaillible, d'œuvres sans fissure, écrites avec une sûreté imperturbable : on reprocherait presque à l'auteur de "ne jamais rien rater".

Deux ans plus tard, le 12 juillet 1953, c’est à Sart-lez-Spa qu’il décède, atteint du cancer.

Par la suite, de nombreuses manifestations ont été données en l’honneur du compositeur belge.

En 2003, de nombreux concerts en Belgique ont célébré le cinquantième anniversaire de sa mort. La Bibliothèque royale de Belgique a accueilli l’exposition « Joseph Jongen, une vie de musicien » du 24 octobre au 22 novembre 2003.
En 2013, l’Union du Corps Professoral du Conservatoire royal de Bruxelles a donné le nom du compositeur à son Auditorium Joseph Jongen.

La Bibliothèque du Conservatoire Royal de Bruxelles conserve précieusement le Fonds Joseph Jongen⁷, rassemblant les manuscrits autographes, la bibliothèque musicale et les archives du compositeur.

Joseph Jongen fut promu

• Grand officier de l'ordre de Léopold II
• Commandeur de l'ordre de Léopold