La corniste estonienne Paula Ernesaks a passé sa période d'essai et est désormais membre permanente de la Philharmonie de Berlin : Ma première pensée a été que les 40 prochaines années de ma vie étaient déjà planifiées et que je les passerais dans un emploi de rêve.
Deux Slovènes, Matic Kuder à la clarinette et Andraž Golob à la clarinette basse, sont également candidats à la titularisation au sein de l'Orchestre Philharmonique de Berlin.
Johanna Beyer est née à Leipzig en 1888, mais on sait très peu de choses sur sa vie avant qu'elle ne s'installe aux États-Unis en 1923. Elle chante pendant trois ans à la Leipziger Singakademie et est diplômée du Deutscher Konservatorien et du Musikseminare, après avoir étudié le piano, l'harmonie, la théorie, le contrepoint, le chant et la danse. Ses collègues new-yorkais ont rappelé que son pianisme et sa musicalité étaient excellents et que sa formation musicale semblait traditionnelle et solide. Elle a passé les années 1911-1914 en Amérique, mais on ne sait rien de ses activités pendant ces années-là. De retour aux États-Unis en 1923 (selon les notes biographiques qu'elle a fournies dans un programme de concert du Composers' Forum), elle étudie au Mannes College of Music, où elle obtient deux diplômes en 1928. Elle a enseigné le piano pour subvenir à ses besoins, et a peut-être enseigné à la Greenwich House Music School, mais elle a eu du mal à joindre les deux bouts, recourant parfois au travail de la WPA et de la Ladies Home Aid. À la fin des années 1920 ou au début des années 1930, elle commence à étudier avec Ruth Crawford, Charles Seeger et Dane Rudhyar et, en 1934, elle suit le cours de percussion d'Henry Cowell à la New School for Social Research. Au cours de ces années, sa vie musicale se confond avec Seeger, Crawford, Cowell, John Cage et d'autres membres de ce cercle moderniste, comme Jessie Baetz, une compositrice et peintre aujourd'hui oubliée qui a étudié avec Beyer. Son amitié la plus intime est celle de Cowell ; la correspondance qui nous est parvenue révèle une relation tumultueuse, voire romantique, entre les deux compositeurs. Beyer a été l'agent informelle et la secrétaire de Cowell de 1936 à 1941, à titre bénévole (elle n'a reçu qu'une compensation partielle en 1941).
Bien qu'elle ait été largement ignorée en tant que compositrice, elle a donné un certain nombre de représentations importantes. La première a eu lieu à la New School for Social Research en 1933, où ses Trois chansons pour soprano, piano et percussion ont été interprétées. Un an plus tard, le deuxième mouvement de sa Suite pour clarinette et basson, interprété lors d'un des concerts de la New Music Society of California de Henry Cowell à San Francisco, est perçu comme un "duo morne et lugubre". Aaron Copland en fait la critique dans un enregistrement du New Music Quarterly. John Cage a interprété deux mouvements de ses Three Movements for Percussion lors de ses tournées de percussion dans le nord-ouest du pays à la fin des années 1930. En 1936, ses compétences en matière de médias multiples ont été mises en évidence dans sa pièce The Modern Composer, dont elle a écrit les paroles, composé la musique de scène, chorégraphié le ballet moderne, conçu et créé les costumes, les diapositives et les publicités, dirigé la production et interprété la partie de piano. La pièce a été jouée sous les auspices du Federal Music Project au Central Manhattan Music Center, mais les sources manuscrites n'ont pas encore été retrouvées. Sa musique a été jouée deux fois au New York Composers' Forum, en 1936 et 1937. Son œuvre a également fait partie de l'épreuve musicale du concours artistique des Jeux olympiques d'été de 1932. En 1988, l'Essential Music de New York a redonné vie à sa musique à l'occasion du centenaire de sa naissance, en présentant deux concerts faisant le tour de son œuvre.
Beyer a lutté contre la sclérose latérale amyotrophique (SLA), également connue sous le nom de maladie de Lou Gehrig, au cours des dernières années de sa vie. Elle est décédée à New York City, dans l'État de New York, en 1944.
Certaines de ses partitions sont disponibles dans des éditions recopiées et annotées dans le cadre du projet Frog Peak/Johanna Beyer. Le travail d'édition et de recopiage a été effectué bénévolement par des compositeurs intéressés par le projet.
Une grande partie de la musique de Beyer, en particulier celle écrite entre 1931 et 1939, reflète l'esthétique des "ultra-modernistes" américains, un cercle qui comprenait Ruth Crawford Seeger, Charles Seeger, Henry Cowell, Dane Rudhyar et Carl Ruggles. De nombreuses œuvres de Beyer sont exemplaires du contrepoint dissonant, un système théorique de composition développé par Charles Seeger et Cowell et dont l'articulation est la plus célèbre dans les œuvres de Ruth Crawford Seeger, mais Beyer a développé ses propres gestes et procédures qui distinguent sa musique de celle de ses collègues. Ses compositions se caractérisent par une utilisation économique des ressources, des formes équilibrées et bien construites, " un sens unique de l'humour et de la fantaisie " et un engagement en faveur de l'expérimentation.
Bien que sa musique ait été négligée de son vivant et pendant des décennies après sa mort, elle compte parmi les œuvres les plus expérimentales et les plus prophétiques créées au cours des années 1930. Music of the Spheres (1938) est la première oeuvre connue réalisée par une compositrice. Les quatrièmes mouvements de ses deux Suites pour clarinette (1932) sont parmi les premiers exemples d'une approche des processus rythmiques basée sur les hauteurs, qui ne sera pleinement explorée qu'à la fin des années 1940 par des compositeurs tels qu'Elliott Carter et Conlon Nancarrow. Plusieurs de ses œuvres anticipent la musique minimaliste des années 1960, notamment le quatrième mouvement de son 1er Quatuor à cordes. Elle a inclus des groupes de sons dans Clusters, une suite pour piano solo.
José Melchor Baltasar Gaspar Nebra Blasco, né à Calatayud le et décédé à Madrid le est un organiste et un compositeur espagnol.
Fils de José Antonio Nebra Mezquita (1672-1748), organiste de la Cathédrale de Cuenca et maître des enfants de chœur entre 1711 et 1729, il reçoit des leçons de musique de son père. Ses frères se consacrent également à la musique, comme Francisco Javier Nebra Blasco (1705-1741), organiste à La Seo, à Saragosse.
Vers 1719, Nebra devient organiste du Monastère des Déchaussées royales à Madrid, dont le maître de chapelle est José de San Juan. Vers 1723, il commence à composer de la musique scénique qu'il vend dans les théâtres de Madrid. En 1724, Nebra est nommé second organiste de la Chapelle Royale, mais après la mort de Louis I et le retour au trône de Philippe V, il devient surnuméraire.
La raison de son retrait des scènes madrilènes entre 1731 et 1737, interrompue seulement par la création en 1733 de Venus y Adonis, n'est pas connue. Son effacement pendant cette période a pu être expliqué par le succès dont jouissaient alors des maîtres italiens, notamment Francesco Corradini ; cependant, à la même époque, d'autres compositeurs espagnols, tels Diego de Lana ou José de San Juan, continuent à créer des œuvres théâtrales.
En 1737, Nebra effectue son retour dans la vie théâtrale madrilène, qu'il semble dominer dans les années 1740, notamment après le succès de la zarzuela Viento es la dicha de Amor en 1743. Il collabore alors régulièrement avec José de Cañizares et Nicolas Gonzalez Martinez, qui signe en 1768 son testament, mais met également en musique des adaptations castillanes de livrets italiens de Métastase.
En 1751, il devient vice-maître de la Chapelle Royale, ce qui marque son retrait des scènes de Madrid. À partir de 1761, il est professeur de clavicorde de l'Infant don Gabriel.
Après l'incendie de l'Alcázar royal de Madrid en 1734 dans lequel a disparu complètement la collection de musique sacrée de la Chapelle Royale, il se consacre, avec Antonio de Literes, à la composition. Il devient responsable des Archives de musique de la Chapelle Royale, dont le patrimoine s'enrichira non seulement des œuvres de Nebra et Literes, mais également par l'achat d'œuvres de Francesco Corselli, maître de la Chapelle Royale à cette époque, José de Torres, Felipe Falconi, Scarlatti, Leo, Sarro, Farantino, etc.
La vie de José de Nebra, qui semble avoir été de mœurs discrètes, régulières et très religieuses, reste peu connue. Organiste réputé, il semble avoir entretenu de bons rapports avec Domenico Scarlatti et préface le traité La llave de la modulacion du hiéronymite Antonio Soler. Dans son testament du , qui précède de deux jours son décès le , il demande à être enseveli revêtu de l'habit de l'ordre dominicain.
De Nebra sont conservées de nombreuses messes, psaumes, litanies et un Stabat Mater à l'Archivo Real. Pour la mort de la Reine Bárbara de Braganza il a composé un Requiem. Il a écrit une cinquantaine d'opéras, sérénades et zarzuelas, parmi lesquelles Iphigenia en Tracia et Viento es la dicha por amor.
Trois siècles et demi après sa création au Salón Dorado del Alcázar de Madrid, et après un rigoureux travail de recherche et de récupération effectué par l'Instituto Complutense de Ciencias Musicales [ICCMU], la plus ancienne zarzuela dont la musique a été préservée sera à nouveau jouée au Museo Nacional del Prado. Intitulée Los celos hacen estrellas y el amor hace prodigios, cette zarzuela de deux jours est fondée sur un livret de Juan Vélez de Guevara et une musique de Juan Hidalgo, ce qui garantit sa qualité dramaturgique et musicale. En outre, l'original a été mis en scène par Herrera el Mozo, ce qui rend cette reprise d'autant plus significative dans le contexte de l'exposition "Francisco de Herrera el Mozo y el Barroco total" qui se tient actuellement au Museo Nacional del Prado. Le parrainage de la Fundación de Amigos del Museo del Prado a été fondamental pour rendre cela possible.
La zarzuela a été créée le 2 février 1673 à l'occasion de l'anniversaire de la Reine Mariana d'Autriche, conçue comme un divertissement de Cour se déroulant sur deux jours, sur un thème mythologique basé sur "les Métamorphoses" d'Ovide. Du point de vue de l'intégration de la musique dans le drame, cette œuvre peut être considérée comme l'une des créations les plus solides et les plus originales de son époque.
Trois cent cinquante ans plus tard, et afin de recréer son esprit originel, l'ICCMU et le Museo del Prado proposent une nouvelle mise en scène ayant pour cadre le musée lui-même. Pour ce faire, un spectacle de musique, de théâtre et de marionnettes d'époque a été conçu avec la collaboration de l'Escuela Superior de Canto de Madrid et du Grupo de Música Antigua (ICCMU). La scénographie et les marionnettes d'époque seront confiées à La Máquina Real. L'édition critique de l'œuvre a été réalisée par Álvaro Torrente et Carmelo Caballero.
Ce samedi 15 juillet, le Festival d'Aix-En-Provence proposera ce qui est désormais une rareté : l'opéra Le prophète de Meyerbeer. Il s'agit d'une version de concert, avec le London Symphony Orchestra, orchestre invité.
La soirée sera dirigée par Mark Elder et mettra en scène le ténor John Osborn (Jean de Leyde), accompagné, entre autres, des voix d'Elizabeth DeShong (Fidès), de Mané Galoyan (Berthe) et de James Platt (Zacharie). Ils seront également rejoints par le Chœur de l'Opéra de Lyon.
"Le Prophète est la quintessence du grand opéra", explique le Festival, "un genre spectaculaire à grande échelle qui a fait de l'Opéra de Paris la première scène d'Europe, et de Meyerbeer un compositeur admiré et envié par les plus grands. Ce drame historique visionnaire, d'une puissance théâtrale et vocale et d'une inventivité musicale inégalées, réussit comme nul autre à capter l'esprit de son époque, qui ressemble fort à la nôtre".
La mezzo-soprano respectée et directrice de festival a critiqué la nomination de Jonas Kaufmann à la tête du festival d'Erl en Autriche.
Elle pense qu'ils auraient dû continuer avec Bernd Loebe qui, lui, a de l'expérience.
Le chef d'orchestre américain Raymond Dobbs Franks est décédé à l'âge de 90 ans.
Il a été directeur musical de l'Opéra de Nouvelle-Zélande à Wellington dans les années 1960 et il a ensuite travaillé avec des compagnies australiennes.
Le compositeur allemand Werner Egk, de son vrai nom Werner Joseph Mayer, est né le à Auchsesheim près de Donauworth et mort le à Inning am Ammersee.
Werner Mayer est le fils d'un instituteur de campagne, Joseph Mayer, qui anime la chorale de l'église locale. La famille déménage à Oberhausen, près d'Augsbourg en 1908, où il suit bientôt les cours du Gymnasium (lycée). Il entre au Conservatoire d'Augsbourg à l'âge de dix-huit ans. Il décide deux ans plus tard de se consacrer à la musique, contre la volonté de son père qui souhaitait pour lui une carrière d'employé de la poste. Werner Mayer étudie à Francfort-sur-le-Main et à Munich. Il commence à travailler comme compositeur de théâtre à Schwabing.
Il épouse en 1925 la violoniste Elisabeth Karl, qui lui inspire son nom d'artiste Egk (E pour Elisabeth, G pour Geigerin – « violoniste » en allemand – et K pour Karl).
En 1941, il devient vice-président de la Chambre de la musique du Reich (Reichsmusikkammer), succédant à ce poste à Paul Graener.
Élève de Carl Orff, Egk a essentiellement composé des œuvres lyriques issues d'ouvrages d'auteurs tels que Heinrich von Kleist et Nicolas Gogol. Il a également composé des ballets, comme Joan de Zarissa (1940).
Le compositeur autrichien Sigismond Ritter von Neukomm est né à Salzbourg le et mort à Paris le .
Il commence à apprendre la musique avec Franz Xaver Weissauer, organiste de la Cathédrale de Salzbourg, puis (de 1797 à 1804) avec Michael Haydn, frère de Joseph Haydn, dont il devient l'élève à Vienne en 1797. Il enseigne à son tour la musique et a pour élève Franz Xaver Wolfgang le fils de Mozart.
Il voyage beaucoup, dirigeant au Théâtre allemand de Saint-Pétersbourg (1804-1808), à Stockholm et à Paris. Là il rencontre Cherubini, Gossec, Grétry, Monsigny, entre autres. À partir de 1816, il réside cinq ans à Rio de Janeiro, où il dirige de la musique de Mozart et compose un Libera me pour compléter le Requiem.
Il devient professeur de musique du fils du Roi Jean VI. Pendant son séjour au Brésil, il compose entre 90 et 100 œuvres sur des motifs populaires brésiliens. Il revient à Paris en 1821, voyage en Europe et compose jusqu'à sa mort en 1858.
Sa sœur Elisabeth Neukomm (1789-1816) était une soprano célèbre à Vienne.
Le violoniste Sebastian Bohren lance un nouveau festival en Suisse
Le nouveau festival de Brugg est conçu pour compléter la série Stretta Concerts de la ville, qui accueille régulièrement des artistes tels que les violonistes Daniel Hope et Emmanuel Tjeknavorian.
Le festival, qui se tiendra en septembre 2023, accueillera un large éventail de musiciens, dont Andreas Haefliger, Julia Hagen, Maximilian Hornung, Reto Bieri, Dmitry Smirnov, Sarah Christian, Valentine Michaud, le Quatuor Stradivari et l'Orchestre de Chambre de Géorgie.
Au cours de la semaine, le festival proposera treize concerts différents. Cinq d'entre eux sont des "intermèdes de midi", qui durent tous 55 minutes et sont conçus pour s'insérer dans une pause déjeuner.
La première édition du festival mettra fortement l'accent sur les œuvres connues, afin d'attirer un large public. Mais les programmes contiennent également de la musique contemporaine, ainsi que des pièces de compositeurs suisses.
Sebastian Bohren a suivi des cours auprès de Jens Lohmann, suivis d'études avec Robert Zimansky et Zakhar Bron à la Haute École d'art de Zurich, avec Igor Karsko à la Haute École de Lucerne et avec Ingolf Turban à l'Université de musique et des arts de Munich de Munich. Bohren a assisté à de nombreuses classes de maîtres sous la tutelle de Shmuel Ashkenasi, Thomas Brandis, Giuliano Carmignola, Ana Chumachenco et Dmitri Sitkovetsky.
En tant que soliste, Bohren a joué avec des orchestres dans sa Suisse natale et à l'étranger, tels que l'Orchestre Symphonique de Lucerne dirigé par James Gaffigan, l'Orchestre de Chambre de Zurich sous la direction de Muhai Tang, la Camerata de Zurich dirigée par Patrick Lange et Igor Karsko, le Zurich Stretta Consort, l'Orchestre de Padoue et de Vénétie, l'Orchestre de la Chapelle de la Cour de Saint-Pétersbourg et la Philharmonie de Munich, ainsi que des émissions sur les chaînes de radio et de télévision suisses. Il a joué dans des festivals du monde entier en tant que membre d'ensembles tels que le London Steve Reich Ensemble et le Chamber Aartists.
Bohren s'est produit dans des pays d'Europe, d'Asie et d'Amérique du Sud, y compris lors de nombreuses premières mondiales. Il a collaboré avec des chefs tels Heinrich Schiff, Nicolae Moldoveanu et Patrick Lange, et avec des partenaires tels que Mayuko Kamio, Thomas Demenga, Roby Lakatos, Benjamin Schmid, Maximilian Hornung, Dmitry Sitkovetsky, Fabio di Casola, Orfeo Mandozzi, Dmitri Demiashkin1 et Alexander Zemtsov. En 2015, Bohren a participé comme artiste au festival d'été de Boswil.
Sebastian Bohren est membre du Quatuor Stradivari depuis 2012. Il joue un roi Sloma (1710), Stradivarius appartenant à la Fondation Habisreutinger et un violon de Michael Rhonheimer.