(D'après Roxane Borde-diapasonmag)

Williams prendra ses fonctions le 1er septembre 2024 en tant que 11e directeur.Il succède à Colin Lawson, qui prendra sa retraite fin août après presque 20 ans de service.

James Williams est directeur général du Royal Philharmonic Orchestra depuis 2016. Auparavant, il a travaillé pendant huit ans au Philharmonia Orchestra.
Avec une formation en pédagogie musicale, il a également travaillé comme directeur de programme au Royal Northern College of Music de Manchester et comme directeur régional du programme d'éducation musicale de Yehudi Menuhin "Live Music Now".

Le Royal College of Music a été fondé en 1883 par le Prince de Galles de l'époque, le futur roi Edward VII, et compte parmi les conservatoires les plus importants du monde. Quelques-unes des personnalités les plus importantes de la vie musicale britannique et internationale sont issues de cet établissement, notamment les compositeurs Gustav Holst et Benjamin Britten, les chefs d'orchestre Leopold Stokowski et Roger Norrington, la soprano Joan Sutherland, le flûtiste James Galway et la violoncelliste Natalie Clein. Actuellement, plus de 900 étudiants de plus de 50 pays sont formés au RCM.
Le directeur actuel est donc Colin Lawson, la présidence est assurée depuis 1993 par le Prince Charles, l'actuel Roi Charles III.

Avec L'Orontea de Cesti, elle fera ses débuts à la Scala de Milan, le 26 septembre.

C'est à ce moment-là que l'opéra L'Orontea d'Antonio Cesti commencera ses représentations programmées jusqu'au 5 octobre. Dans une nouvelle production propre, signée par Robert Carsen, il comptera sur la direction musicale de Giovanni Antonini, ainsi que sur une distribution dans laquelle chanteront également Stéphanie d'Oustrac, Mirco Palazzi, Francesca Pia Vitale, Marianna Pizzolato, Carlo Vistoli, Luca Tittoto, Hugh Cutting et Maria Nazarova. Blanch jouera le rôle de Tibrino.

Le projet, qui vise à redécouvrir les origines italiennes de l'opéra et les richesses illimitées du baroque, tel qu'il s'est développé à Naples, Rome et Venise, a récemment donné lieu à deux premières sur la scène de la Scala : l'exploration se poursuit en 2024 avec L'Orontea d'Antonio Cesti ; après sa création à Innsbruck en 1656, il est devenu l'un des opéras les plus joués de ce siècle, en partie grâce à l'immédiateté séduisante de certains airs, avant de tomber dans un oubli immérité. La mise en scène de Bruno Bartoletti à la Piccola Scala en 1961, avec la mezzo-soprano Teresa Berganza, a constitué un chapitre important de sa redécouverte.

La Deutsche Orchester-Stiftung a décerné aujourd'hui pour la première fois le Prix Berger-Sörensen pour la médiation musicale, doté de 2 000 euros.
Ce prix récompensera, tous les deux ans, des projets exceptionnels de médiation musicale en Allemagne.
La première lauréate est Kathrin Bonke de "KinderKulturThüringen e.V". avec son projet "Wirbel.Wind.Konzerte" : les concerts scéniques s'adressent aux enfants de 3 à 6 ans et les introduisent de manière créative et ludique dans le monde de la musique classique.
Grâce à des histoires pleines de fantaisie, accompagnées de danse et de costumes, la littérature de concert exigeante est préparée de manière adaptée aux enfants et transmise avec une participation active des enfants.
Ce projet se déroule au-delà des grandes villes, enthousiasme les enfants de différentes origines sociales depuis 2013 et a été soutenu ces dernières années, entre autres, par la promotion de projets de la Fondation allemande pour l'orchestre.

Kathrin Bonke a étudié la flûte, la pédagogie instrumentale et la médiation musicale/la pédagogie de concert aux conservatoires de Lübeck, Mannheim, Detmold et Malmö.
De 2009 à 2013, elle a travaillé comme pédagogue de concert et de théâtre musical au théâtre de Lübeck. Depuis 2010, elle est engagée comme pédagogue de concert pour les concerts de l'Elbphilharmonie de Hambourg et dirige des intros d'opéra et des formations de pédagogie de concert pour l'Opéra d'État de Hambourg ainsi que des projets de médiation musicale et des répétitions d'écoute pour l'Orchestre Philharmonique d'Iéna et la NDR de Hanovre.
Outre divers engagements pour des salles de concert renommées, elle a obtenu des qualifications supplémentaires en narration artistique à l'UdK Berlin et en gestion culturelle à l'Université Leibniz de Hanovre.
Depuis 2012, elle est directrice artistique de la série de concerts pour enfants "FlauschOhren-Konzerte" au Bürgerhaus de Backnang et des "WIRBEL.WIND.KONZERTE." de KinderKultur Thüringen e. V.
Elle enseigne la médiation musicale au Conservatoire de Lübeck et dirige le projet "Musik verbindet" pour les enfants socialement défavorisés à l'école de musique de Lübeck.

Le prix Berger-Sörensen est fondé par le Dr Hanko Berger de Brême en mémoire de ses parents Adolf Sörensen et Ursula Sörensen, née Berger, qui étaient musicalement actifs dans la région de Celle. Le conseil d'administration de la Deutsche Orchester-Stiftung décide de l'attribution du prix.

Le chorégraphe et directeur de longue date du Ballet de Hambourg John Neumeier (84 ans) a été nommé membre d'honneur de l'Opéra d'État de Hambourg.
Le sénateur de la culture Carsten Brosda a remis cette distinction à l'occasion d'un gala célébrant le 50e anniversaire du ballet de Hambourg. Par ailleurs, le prix John Neumeier pour la chorégraphie, doté de 50.000 euros, a été décerné pour la première fois. Edvin Revazov, danseur du Ballet de Hambourg, qui reçoit 25 000 euros.

John Neumeier est né le 24 février 1942 à Milwaukee, Wisconsin. Il a suivi une formation classique de danseur de ballet à Copenhague et à Londres, avant d'obtenir un diplôme en littérature anglaise et en études théâtrales à l'Université de sa ville natale.
De 1963 à 1969, il a été danseur puis soliste au Ballet de Stuttgart, où il a également créé ses propres chorégraphies.
À Francfort-sur-le-Main, il a fait sensation en tant que directeur de ballet avec des réinterprétations de ballets classiques.
Depuis 1973, il est directeur de ballet et chorégraphe en chef du Ballet de Hambourg. Neumeier a déjà reçu de nombreuses distinctions pour son travail, notamment le Prix musical Herbert von Karajan en 2007 et la Grande Croix fédérale du mérite (2011).

Le Teatro de la Zarzuela a battu le record d'abonnés depuis sa dernière saison consacrée à l'opéra, la saison 97-98, il y a 25 ans.
Au début de la vente des billets pour la prochaine saison, 2023-2024, un total de 2 662 abonnements ont été achetés, soit 790 de plus que la saison dernière, atteignant ainsi le chiffre le plus élevé depuis cette date.
Les chiffres ont également augmenté pour la vente libre de billets : le premier jour, 6 200 billets ont été achetés. À ce jour, le nombre total de billets vendus pour la prochaine saison s'élève à 29 832, un record absolu qui n'a rien à voir avec les précédents et qui démontre le poids artistique et social que le genre et son théâtre ont acquis au cours de ces dernières années.

L’histoire de la zarzuela est intimement liée au Madrid des traditions. La ville a été le berceau et l'inspiration de nombreuses œuvres de ce genre qui reflétaient la réalité sociale aux XVIII^e et XIX^e siècles.

La zarzuela, un genre comparable à l’opéra, peut être décrite comme une pièce de théâtre avec des passages musicalisés. Parmi ses personnages caractéristiques, on peut citer les chulos (des individus des classes populaires de Madrid au comportement insolent et hautain qui s’habillent avec une certaine recherche), les ratas (voleurs), les nourrices ou la police.

Son origine remonte au XVII^e siècle lorsque le Palais de la Zarzuela devint un lieu de réunion des gens de la Cour avec les artistes de la ville. Les fêtes qui y étaient organisées favorisèrent l’apparition de la zarzuela, le genre lyrique espagnol par excellence.
Certaines études considèrent l’écrivain Pedro Calderón de la Barca comme le premier auteur de livrets de zarzuelas, avec des œuvres telles que La púrpura de la rosa ou El laurel de Apolo.

La zarzuela a connu des périodes de splendeur et de déclin. Avec l’arrivée des Bourbons à la Couronne espagnole en 1700, à cause de la méconnaissance de la langue, la zarzuela tomba en désuétude au détriment des genres italianisants. Néanmoins, Ramón de la Cruzre donna tout son éclat à la zarzuela durant la moitié du XVIII^e siècle grâce à des œuvres comme Las segadoras de Vallecas ou El Licenciado de Farfulla qui montraient le quotidien de la société de l’époque. Cependant, à sa mort, la zarzuela fut remplacée par la tonadilla (opéra-comique léger).
Il fallut attendre jusqu’à la deuxième moitié du XIX^e siècle pour que la zarzuela atteigne son apogée grâce à des œuvres de Mariano Pina, Joaquín Gaztambide, Francisco Asenjo Barbieri ou Emilio Arrieta qui étaient jouées en avant-première dans les théâtres de la Comedia et dans le théâtre del Drama.

Le théâtre de la Zarzuela fut inauguré en 1856 dans la rue Jovellanos ; là étaient jouées des œuvres qui avaient pour thème le désaveu populaire envers les ministres italiens de l’époque (comme c’est le cas dans El barberillo de Lavapiés).

L'une des plus petites nations d'Europe a choisi Marc Korovitch comme directeur musical de son orchestre symphonique.

Korovitch, basé à Paris, est chef de chœur à l'Orchestre de Paris et directeur musical de l'Orchestre Colonne.

Né en 1987, Marc Korovitch a étudié à la Sorbonne, à l’École Normale de Musique de Paris et à la Haute École de Musique de Genève.
Il travaille avec Denis Rouger, Celso Antunes, Michael Gläser, Dominique Rouits et Colin Metters.
Passionné par la pédagogie, il est professeur de direction au Conservatoire à Rayonnement Régional de Paris et au Pôle Supérieur Paris Boulogne Billancourt.

Justo Santos Cerda (Rivas, 17 juillet 1925 - Managua, 7 juillet 1958) était un auteur-compositeur-interprète nicaraguayen.

En 1950, il fait partie du trio Los Pinoleros. En 1952, il participe à un concours musical pour célébrer les cent ans de Managua comme capitale du Nicaragua, avec sa composition intitulée Mora Limpia, considérée comme le deuxième hymne national du Nicaragua. Dans sa jeunesse, il épouse Daysi Espinoza avec qui il a deux enfants, Odily et Eduardo, qui vivent à Colonia Máximo Jerez.

Il a fait partie du Trio Los Pinoleros, bien connu dans les années 1950, lorsque le Trio Monimbó, de Pepe Ramírez et Carlos et Erwin Krüger, dominait la scène des ensembles vocaux et de guitares des interprètes de musique nicaraguayenne.

Justo Santos est mort le 7 juillet 1958 à l'âge de 32 ans, abattu par un garde ivre, au vieux Mercado San Miguel à Managua, alors qu'il rentrait chez lui aux petites heures du matin après son travail de guitariste et de chanteur.
À l'époque, le meurtrier était défendu par un avocat novice, qui a gagné le procès et la justice n'a pas été rendue.

La dépouille de Justo Santos repose au cimetière oriental de Managua.

Eduardo Falú, né le 7 juillet 1923 à El Galpón (Province de Salta) et mort le 9 août 2013 dans la province de Córdoba, est un musicien, guitariste et auteur-compositeur argentin. Figure essentielle de la musique populaire dans son pays, il est l'auteur de 200 compositions principalement folkloriques, dont les célèbres La tonada del viejo amor (une tonada) et Zamba de la candelaria (une zamba argentine).

Ses parents, Fada et Juan Falú, immigrés syriens, sont de modestes commerçants. Son goût pour les airs folkloriques de sa région natale se développe dès ses plus jeunes années. Il reçoit sa première guitare à l'âge de 11 ans et en apprend les rudiments au contact d'un barbier local féru de musique.

Au sortir de l'adolescence, il étudie pour devenir enseignant, mais s'oppose à son père qui désapprouve ses aspirations musicales. Délaissant ses études, il se lance dans une carrière d'auteur-compositeur et collabore avec de grands noms de la poésie contemporaine argentine et notamment César Perdiguero, avec qui il compose des chansons sur la condition humaine. De ce partenariat, naît sa renommée. Partiellement autodidacte, Eduardo Falú approfondit ses aptitudes de guitariste et bénéficie de l'enseignement du compositeur Carlos Guastavino pour l'apprentissage de l'harmonie et de la théorie.

Il est remarqué par le programmateur d'une station de radio de Buenos Aires, où il s'installe en 1945. Alors que le tango et le boléro dominent les ondes, Eduardo Falú participe avec d'autres artistes musiciens, comme Atahualpa Yupanqui et Mercedes Sosa qu'il accompagne à la guitare, à l'émergence d'un intérêt du public pour les airs traditionnels à travers des enregistrements, des performances radiophoniques et des concerts. Il enregistre son premier album en 1950.

Associé au mouvement de la nueva cancion (nouvelle chanson), propre à la décennie 1960-1970, qui allie airs folkloriques et dénonciations des injustices sociales, la vision d'Eduardo Falú se garde pourtant de toute pensée ouvertement politique. Mon travail n'a jamais été au service d'une ligne politique, confie-t-il lors d'une interview accordée au journal El País en 1980. Mais dans l'attitude de tout homme, il y'aura toujours des valeurs pérennes et éternelles qui ont rapport à la destinée, l'amour et la loyauté. Car ce sont les valeurs qui inspirent l'art.

Dès la fin des années 1950, il enchaîne des tournées internationales, en France, aux États-Unis, au Japon, mais aussi en URSS. Au fil du temps, il est accompagné dans ses déplacements par son fils Juan Falù, également guitariste, né de son mariage avec Aida Nefer Fidelibus¹.

Au cours de sa carrière, Eduardo Falú met en musique les textes de nombreux poètes, comme La Atardecida de Manuel Castilla et Zamba de la Candelaria de Jaime Dávalos, mais aussi d'écrivains comme, Romance de la Muerte de Juan Lavalle de Jorge Luis Borges et José Hernández d'Ernesto Sábato. Il est l'auteur de plus de 200 morceaux⁷ et son œuvre est récompensée en 1985 par l'obtention du Prix Konex, la plus haute distinction dans le domaine culturel argentin, ainsi qu'un Grand Prix attribué par la Société des Compositeurs de musique argentins (SADAIC), dont il était le vice-président.

Son dernier album, paru en 2009, est un hommage au guitariste classique espagnol Andrés Segovia.

Eduardo Falú meurt le 9 août 2013 à son domicile dans la province de Córdoba, âgé de 90 ans.

Compositeur et chef d'orchestre finlandais, Toivo Kuula est né à Vaasa (ou Alavus selon les sources) le 7 juillet 1883, mort le 18 mai 1918 à Viipuri, aujourd'hui Vyborg en Russie.

Il a travaillé à Paris avec Marcel Labey et à la Schola Cantorum. Maîtrisant parfaitement le contrepoint et possédant un sens harmonique profond, Kuula a été associé à l'école franckiste, notamment avec son trio pour piano, violon et violoncelle. Cependant, il puise l'essentiel de son inspiration dans des légendes nationales, ou d'après le Kalevala, œuvres qui font preuve d'une nette influence impressionniste.

Kuula est aussi connu pour ses activités politiques et son appartenance au Mouvement fennomane. Pendant la Nuit de Walpurgis de 1918, connue en Finlande sous le nom de fête de Vappu, et qui a lieu traditionnellement dans la nuit du 30 avril au 1^er mai, Kuula, qui se trouve à l'Hotel Seurahuone reçoit une balle, tirée par un Jäger. Les circonstances de ce drame sont assez mal connues, toutefois on a déterminé que ce coup de feu faisait suite à une querelle survenue au sujet de la célébration de la victoire des "blancs" (valkoiset) dans la guerre civile finlandaise.
18 jours plus tard, Kuula succombe à ses blessures à l'hôpital de Viipuri. Il est inhumé au Cimetière de Hietaniemi à Helsinki.

Kuula reste aujourd'hui connu pour sa production d'œuvres vocales (chœurs, mélodies), mais il est aussi auteur de musique de chambre, musique symphonique, dont une symphonie inachevée, ainsi que d'un Stabat Mater resté lui aussi inachevé.