À Crémone, la Casa Stradivari rouvrira ses portes le 4 juillet 2023. Grâce au projet de restauration et de revitalisation initié par la Fondation Casa Stradivari, la maison où vécut et travailla le célèbre luthier accueillera à nouveau les visiteurs.
C'est le 4 juillet 1667 qu'Antonio Stradivari, après avoir épousé Francesca Ferraboschi, est entré dans le bâtiment situé sur le Corso Garibaldi à Crémone où il a installé son premier atelier de lutherie.

La nouvelle Casa Stradivari sera un centre de promotion culturelle et artistique et accueillera de jeunes artisans pour des cours de formation et de spécialisation liés à la protection de la transmission des connaissances entre l'école et l'atelier, et à la relation entre les musiciens et les luthiers.

L'objectif est de redonner à l'ancienne maison l'esprit qui animait l'œuvre d'Antonio Stradivari. Aux activités d'atelier (rez-de-chaussée) s'ajouteront celles dédiées aux jeunes musiciens, au premier étage. Le deuxième étage sera, lui,  destiné à la résidence d'un artiste de renommée internationale.
La synergie entre les étudiants, les maîtres et les personnalités établies sera un terrain fertile pour la croissance de nouveaux talents et l'élément fondamental pour le soutien à la création d'entreprises pour les jeunes luthiers.
La Maison sera également ouverte au public pour des initiatives culturelles et des visites.

George Templeton Strong (26 mai 1856 - 27 juin 1948) était un compositeur américain de musique classique et un peintre professionnel. Son œuvre a été qualifiée de romantique.
Il s'installe à Vevey, en Suisse, en 1897 et y vit, ainsi qu'à Genève, jusqu'à la fin de sa vie. Bien que sa carrière se soit déroulée en Europe, il est considéré comme un compositeur américain.

George Templeton Strong naît à New York d'Ellen (Ruggles) et de George Templeton Strong, un avocat. La famille est musicienne ; les deux parents sont des musiciens amateurs et son père, organiste amateur, fait partie du conseil d'administration de la New York Philharmonic Society ; son père est actif dans la communauté et participe à la fondation de la United States Sanitary Commission pendant la guerre de Sécession. Depuis les années 1930, l'aîné des Strong est connu pour la qualité littéraire de son volumineux journal, qu'il a tenu pendant la majeure partie de sa vie.

Très tôt prometteur sur le plan musical, le fils reçoit des leçons et une formation, étudiant le piano, le violon et le hautbois. Il joue occasionnellement comme hautboïste et corniste au Metropolitan Opera Orchestra. Alors que le père Strong espérait que son fils le suivrait dans le droit, ils se réconcilient avant la mort du père.

En 1879, Strong se rend au Conservatoire de Leipzig, où il devient l'élève de Salomon Jadassohn et de Richard Hofmann, ainsi que de nombreux musiciens européens qui deviendront célèbres au cours des décennies suivantes. Il compose son troisième poème symphonique, Undine, opus 14, en 1883.
En 1886, Strong s'installe à Wiesbaden où il se lie d'amitié avec le compositeur américain Edward MacDowell. Il y compose The Haunted Mill et achève sa Symphonie n°2 en sol mineur en 1888.

Après son retour aux États-Unis en 1891, Strong enseigne le contrepoint et la composition au New England Conservatory de Boston.
En 1897, il retourne en Europe et s'installe à Vevey, en Suisse, au bord du lac Léman. Pendant plusieurs années, il étudie sérieusement l'aquarelle et travaille comme artiste professionnel. Vers 1912, il s'installe à Genève, où il recommence à composer.
Il vécut à Genève jusqu'à la fin de sa vie et peignit sérieusement pendant 30 ans.

Alexander Sascha Ritter (7 juin 1833 - 12 avril 1896) était un compositeur et violoniste allemand. Il a écrit deux opéras, Der faule Hans et Wem die Krone ?, quelques chansons, une valse symphonie et deux fantaisies symphoniques.

Il est né à Narva, en Estonie. Il étudie à Francfort-sur-le-Main sous la direction de Joachim Raff. En 1854, il épouse Franziska (1829-1895), la nièce de Wagner. Ils ont eu une fille, Hertha, qui est devenue en 1902 l'épouse du compositeur autrichien Siegmund von Hausegger.

Ritter a exercé une forte influence sur Richard Strauss. Il le persuade d'abandonner le style conservateur de sa jeunesse et de commencer à écrire des poèmes sonores ; il lui fait également découvrir les essais de Richard Wagner et les écrits de Schopenhauer. Il a encouragé Strauss à écrire son premier opéra, Guntram, mais il a été profondément déçu par la version finale du livret, qu'il considérait comme un rejet des idéaux chrétiens schopenhaueriens.

Alexander Ritter est décédé à Munich.

Le violoniste allemand Koeckert est né à Velké Březno le 2 juin 1913, près d'Aussig, en Bohême.

Jusqu'en 1938, Koeckert étudie dans la classe de maître du Conservatoire de Prague et, de 1939 à 1945, il est premier violon de l'Orchestre Philharmonique allemand de Prague qui déménage à Bamberg après la Seconde Guerre mondiale et prend le nom d'Orchestre Symphonique de Bamberg. Koeckert y occupe le poste de premier violon de 1946 à 1947.
Il s'est ensuite installé à Munich où il a été premier violon du Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks pendant 30 ans à partir de 1949. À partir de 1952, il est également professeur de violon au Conservatoire Leopold Mozart d'Augsbourg.

En 1939, Koeckert a fondé avec d'autres étudiants le "Sudetendeutsche String Quartet", rebaptisé plus tard "Prager Deutsches Streichquartett". Cet ensemble s'est produit à Bamberg (puis à Munich à partir de 1949) sous le nom de Quatuor Koeckert à partir de 1947 et s'est fait connaître au cours des années suivantes par de nombreuses tournées de concerts en Allemagne et à l'étranger, ainsi que par la création mondiale d'œuvres de musique de chambre de nombreux compositeurs contemporains.

En 1950, Rudolf Koeckert découvre un quatuor à cordes en do mineur d'Anton Bruckner (1824-1896) jusqu'alors inconnu et le publie à Vienne en 1956.
En 1982, il se retire du Quatuor Koeckert.

Il décède en 2005

Le conseil de surveillance du Theater und Philharmonie Essen (TUP) a décidé à l'unanimité des nouvelles directions de la Philharmonie Essen et de l'Aalto Ballett Essen.

Marie Babette Nierenz, actuellement directrice artistique de la Philharmonie d'Essen, reprendra dès la prochaine saison 2023/2024 le poste d'intendante de la Philharmonie, vacant depuis le départ de Hein Mulders à l'été 2022.

Marie Babette Nierenz, née à Düsseldorf, a étudié la musicologie, les sciences de la communication et des médias, la gestion d'entreprise ainsi que le piano à l'Université de Leipzig et à l'école supérieure Felix Mendelssohn Bartholdy.
Après des débuts professionnels au Rheingau Musik Festival, à la Deutsche Bank de Francfort et aux opéras de Leipzig et de Paris, elle a commencé à travailler pour le Theater und Philharmonie Essen en 2003, au sein de l'équipe fondatrice pour la réouverture de la Philharmonie Essen. Elle y a d'abord travaillé dans le bureau de l'exploitation artistique, puis comme directrice de la programmation et, depuis 2013, comme directrice artistique de la Philharmonie sous la direction de Hein Mulders en tant que directrice responsable de l'exploitation artistique avec des compétences étendues en matière de planification, de budget et de direction. Durant cette période, elle a développé, en accord avec l'intendant, de nouveaux projets d'excellence artistique, une diversité programmatique ainsi que des projets de participation innovants. Elle a également relancé le Bal philharmonique en lui donnant un nouveau rayonnement artistique et un fort impact caritatif, et l'a établi au-delà de la ville d'Essen.

La violoniste Patricia Kopatchinskaja s'est vue décerner le titre de membre d'honneur de la Karl Amadeus Hartmann Gesellschaft. La violoniste d'origine moldave et suisse se consacre depuis de nombreuses années à l'œuvre de Karl Amadeus.

Parmi les membres de la société Karl Amadeus Hartmann, on compte non seulement des mélomanes et des scientifiques, mais aussi et surtout des personnalités de la vie culturelle nationale et internationale. Parmi les membres d'honneur actuels figurent Kirill Petrenko, Fabio Luisi, Ingo Metzmacher, Pierre Boulez (†), l'Orchestre de Chambre de Munich & Ingolf Turban.

Née en 1977 à Chisinau, en Moldavie, Patricia Kopatchinskaja a commencé à étudier le violon à l'âge de six ans avec David Oistrach. Elle a étudié la composition et le violon à l'Université de la musique et des arts du spectacle de Vienne et elle a terminé sa formation au Conservatoire de Berne avec distinction en tant que boursière.
La même année, elle a remporté le 1er Prix du Concours international Henryk Szeryng au Mexique.
Depuis, Patricia Kopatchinskaja est régulièrement invitée sur les scènes internationales et par de grands orchestres, notamment les Orchestres Philharmoniques de Berlin et de Vienne, le Saint Paul Chamber Orchestra et l'Australian Chamber Orchestra ; elle a également dirigé des concerts avec ce dernier.
Ses activités artistiques ont été récompensées par de nombreux prix, dont le Praetorius Musikpreis, le Royal Philharmonic Society Award, le Prix Caecilia et le Credit Suisse Young Artist Award.

La Karl Amadeus Hartmann-Gesellschaft encourage la diffusion des œuvres du compositeur par des activités visant à poursuivre l'exploitation scientifique de ses compositions, à les interpréter et à les transmettre, ainsi qu'à intensifier leur présence publique. En tant que centre de recherche et d'exposition, elle souhaite documenter et transmettre l'héritage intellectuel, artistique, social et sociopolitique de Hartmann.
Par ailleurs, la société poursuit les idées et les concepts du fondateur de musica viva, notamment par le biais de sa série de concerts Hartmann21 et de son ensemble Hartmann21.

L'organiste Eduard Antal donnera des concerts dans les églises catholiques et réformées de tout le pays lors de la cinquième édition de la tournée nationale roumaine d'orgues en juillet et août. La tournée débutera le dimanche 2 juillet à Iași, dans la cathédrale catholique romaine "Adormirea Maicii Domnului" et se poursuivra par un concert à Bucarest, à la cathédrale "St. José".

Cette histoire, elle dit que dans la foulée de sa naissance, en 1893, la formation guidée par quelques figures originaires d’Italie -tout comme l’instrument- rencontra un succès foudroyant et durable. Dans ses rangs, on a compté jusqu’à une cinquantaine de membres, tous dévolus à différentes variantes instrumentales, allant de la mandoline au mandoloncelle, en passant par la mandole. Et pour renforcer la charpente, on y a ajouté au fil du temps une contrebasse et des guitares. Cette joyeuse bande a sillonné pendant des décennies la Suisse et quelques pays européens, accueillie avec un enthousiasme qu’on peine à imaginer de nos jours.
Et aujourd’hui, qu’en est-il donc ? Les rangs se sont considérablement amaigris et la moyenne d’âge des membres a grimpé en même temps. Mais la passion est restée intacte, campée en territoire baroque, avec des pièces notamment de Haydn, Gluck, Pachelbel et Vivaldi bien sûr, qui a écrit au moins quatre concertos entièrement dédiés à la mandoline.

Claudio Abbado compte parmi les grandes stars de pupitre acclamées du siècle dernier.
Né le 26 juin 1933 à Milan, la musique et l'art étaient déjà présents dans son berceau : son père Michelangelo était violoniste et professeur de musique, sa mère Maria Carmela professeur de piano et auteur de livres pour enfants.C'est son père qui lui a donné ses premières leçons de piano.
À l'âge de 16 ans, il a commencé à étudier la musique au Conservatoire Giuseppe Verdi de Milan, tout en suivant des cours de littérature avec Salvatore Quasimodo qui a reçu le prix Nobel de littérature en 1959. Il a terminé ses études musicales en 1955 avec un diplôme de piano.
Dans sa jeunesse, Abbado est également organiste et étudie intensivement les œuvres de Jean-Sébastien Bach. Après avoir terminé ses études, il a d'abord fait partie de différents ensembles de musique de chambre et a approfondi ses connaissances musicales.
En 1953, lors d'un cours de direction d'orchestre à la Chigiana de Sienne, il fait la connaissance de Zubin Mehta, ainsi que de Daniel Barenboim, alors âgé de onze ans.
Sur la recommandation de Mehta, Abbado se rendit à Vienne pour se perfectionner en direction d'orchestre auprès de Hans Swarowsky.
Lors du Concours international de direction d'orchestre Serge Koussevitzky au festival de musique de Tanglewood en 1958, Abbado est sorti vainqueur. Cependant, son objectif professionnel n'était pas encore clairement orienté vers une carrière de chef d'orchestre. Au début des années 1960, il retourna en Italie pour enseigner la musique de chambre à Parme pendant trois ans. Toutefois, le prix de direction d'orchestre lui avait déjà ouvert de nombreuses portes prometteuses en tant que chef d'orchestre.
En 1959, Abbado a pu faire ses tout premiers débuts à l'opéra à Trieste avec L'Amour des trois oranges de Prokofiev. En 1960, il fait ses débuts à l'opéra à la Scala de Milan, où il dirige régulièrement à partir de 1961.
Lorsqu'il remporte le 1er Prix du Concours Mitropoulos à New York en 1963, c'est pour assister pendant cinq mois le chef d'orchestre de l'Orchestre Philharmonique de New York. Il s'agissait alors de Leonard Bernstein. Il a pu faire ses débuts avec l'Orchestre Philharmonique de New York le 7 avril 1963. Pendant cette période d'assistanat, il reçoit ses premières invitations de l'Orchestre Symphonique de la radio de Berlin et de l'Orchestre Philharmonique de Vienne.
Alors qu'Abbado se produisait en 1965 au festival RIAS à Berlin, il reçut une invitation de Herbert von Karajan à diriger l'Orchestre Philharmonique de Vienne l'année suivante au Festival de Salzbourg. Dès lors, les jalons de son avenir professionnel en tant que chef d'orchestre sont posés. Il occupe de nombreux postes de haut niveau, principalement dans des orchestres et des opéras européens.
En 1969, il obtient un poste fixe de chef d'orchestre à la Scala de Milan, où il devient également directeur musical en 1971.
De 1979 à 1987, il a été chef principal de l'Orchestre Symphonique de Londres, de 1980 à 1986, chef principal de la Scala de Milan, en 1984, il a fait ses débuts à l'Opéra d'État de Vienne dont il est devenu directeur musical en 1986 et, de 1987 à 1991, directeur musical général de la ville de Vienne.
En 1988 et 1991, Abbado a dirigé (en alternance avec Carlos Kleiber) le concert du Nouvel An de l'Orchestre Philharmonique de Vienne. En octobre 1989, il est choisi par l'Orchestre Philharmonique de Berlin pour succéder à Herbert von Karajan en tant que directeur artistique de l'orchestre. Enfin, en 1994, il devient également directeur du Festival de Pâques de Salzbourg.
La collaboration avec l'Orchestre Philharmonique de Berlin ne s'est toutefois pas déroulée sans heurts ni conflits. Abbado a cependant toujours été très apprécié du public berlinois. En 2000, Abbado fut atteint d'un cancer de l'estomac et mit fin à la collaboration deux ans plus tard. Le reste de sa vie, Abbado l'a passé à Bologne. C'est là qu'il a continué à se consacrer à la promotion de jeunes artistes de la relève. Il a notamment fondé l'Orchestra Mozart et s'est engagé dans le Lucerne Festival Orchestra nouvellement créé.
Auparavant, il avait déjà fondé l'European Community Youth Orchestra (1978) et plus tard le Gustav Mahler Jugendorchester (1986).
L'activité de Claudio Abbado est parfaitement documentée par de nombreux enregistrements CD. Il a enregistré des œuvres de presque tous les compositeurs de renom, y compris des compositeurs contemporains. À l'occasion de son 90e anniversaire, Deutsche Grammophon publie une édition complète composée de 258 CD plus 8 DVD, "complétée par un matériel d'accompagnement très complet et informatif et un entretien très éclairant du journaliste musical Wolfgang Schreiber avec le maestro sur Beethoven". Comme on pouvait s'y attendre, la liste des honneurs et des prix que Claudo Abbado a reçus au cours de sa carrière est d'une longueur impressionnante, dont cinq doctorats honoris causa.
Claudio Abbado est décédé le 20 janvier 2014 à Bologne.

Le 1er juillet, le Festival de théâtre classique de Mérida ouvre sa 69e édition avec Oresteïa que Iannis Xenakis a composé à partir de la trilogie théâtrale du même nom d'Eschyle. Le concert aura lieu dans le cadre du Théâtre romain de Mérida. Près d'une centaine de musiciens donneront vie à une œuvre qui oscille entre les conflits de la tragédie grecque et ceux de la Grèce du XXe siècle, entre l'équilibre et le chaos, le tout dans une atmosphère de rituel primitif moderne.

La composition de l'Oresteïa s'étend sur une période de près de trente ans.
Le point de départ de ce projet grandiose est la commande que le compositeur grec a reçue en 1966 du dramaturge Alexis Solomos pour écrire la musique d'une nouvelle production de l'Oresteïa. Xenakis a commencé son travail avec l'aspiration de reconstruire, à travers le prisme de sa propre époque, les sons de la Grèce antique. Le drame antique ne peut pas être exprimé dans une musique tonale ou atonale comme le sérialisme. Ce type de musique est typique d'une autre époque, explique Xenakis, qui a écrit une musique fascinante, pleine de contrastes et de couleurs.

Chants et danses collectifs, invocation de Jupiter : ordre = désordre, folie, cris, cuivres, voix aux rythmes différents..., écrit le musicien dans sa partition, qui explique également que la performance hystérique et chaotique du chœur visait à produire un son similaire à celui vécu par Xenakis lors des manifestations des années 1940 contre les occupations italiennes et allemandes de la Grèce.

Le cycle Oresteïa -dont la durée totale est de 75 minutes- est complété par la composition des pièces Cassandre (1987) et La Déesse Athéna (1992).