C’est la jeune compositrice coréenne Selim Jeon (née en 1994) qui remporte le prix Élan 2023 ainsi que le Prix du public avec sa pièce pour orchestre Kiss. L’œuvre sera diffusée sur le site de France Musique et publiée aux Éditions Durand.
En 2021, l’Ircam et l’Orchestre national d’Île-de-France, deux structures musicales fortement engagées en faveur de la création contemporaine et d’une nouvelle génération artistique, ont créé le Prix Élan : un nouveau concours international de composition pour orchestre, réunissant « Île de créations » (ancien concours de l’Orchestre national d’Île-de-France) et l’académie ManiFeste de l’Ircam.
Dans le cadre de l’académie du festival ManiFeste, les quatre finalistes suivent un atelier de composition pour orchestre et participent aux répétitions des concertos écrits pour le concours. Ceux-ci seront interprétés par l’Orchestre national d’Île-de-France sous la direction de Léo Margue. C’est à l’issue de ce concert public que sera remis le Prix Élan 2023, doté par France Musique et la Maison de la Musique Contemporaine. Le ou la lauréat·e verra sa création diffusée sur les ondes de France Musique lors de l’émission « Création mondiale » d’Anne Montaron et sa partition publiée aux Éditions Durand-Salabert-Eschig / Universal.
Le ou la lauréat·e recevra également une commande de l’Ircam et de l’Orchestre national d’Île-de-France pour l’écriture d’une nouvelle œuvre pour instrument soliste issu de l’Orchestre national d’Île-de-France, orchestre et électronique, qui sera créée lors du festival ManiFeste l’année prochaine. Pour la réalisation de la partie électronique, il ou elle bénéficiera de la collaboration d’un réalisateur en informatique musicale de l’Ircam.
Les créations du ou de la lauréat·e sont reprises dans le cadre des saisons de l’orchestre, en tournée en Île-de-France et en régions afin de leur assurer une très large diffusion. Véritable tremplin pour la carrière des jeunes compositeur·rice·s, le Prix Élan est ainsi conçu pour œuvrer à leur rayonnement et leur offrir un accompagnement professionnel sur plusieurs années.
Le chef Elmar Lampson reçoit le Prix Gustaf Gründgens 2023
Le Prix Gustaf Gründgens 2023, doté de 15 000 euros, a été décerné au compositeur et chef d'orchestre Elmar Lampson (70 ans) a annoncé le Lions Clubs de Hambourg qui décerne le Prix. Ce prix récompense des personnalités qui ont apporté une contribution importante aux arts du spectacle à Hambourg.
Le professeur Elmar Lampson a marqué la vie musicale et culturelle de Hambourg et bien au-delà au cours des dernières décennies, a déclaré le jury dans sa motivation.
En tant que président de l'école supérieure de musique et de théâtre (2004-22), il a non seulement renforcé le réseau international de l'école supérieure et sa visibilité mondiale, mais il a également créé deux nouveaux lieux culturels à Hambourg, l'académie de théâtre de Wiesendamm et le JazzHall.
L'éloge sera prononcé par Kent Nagano, directeur musical de l'Orchestre Philharmonique d'État de Hambourg, qui dirigera également de la musique d'Elmar Lampson.
Le professeur Elmar Lampson, né en 1952, a étudié la composition/théorie et le violon à Hanovre et à Würzburg. Après des années mouvementées en tant que compositeur, chef d'orchestre, manager culturel et pédagogue musical, il a obtenu en 1997 un poste de professeur à temps partiel de "direction d'ensemble - musique contemporaine" à la Hochschule für Musik und Theater de Hambourg. En 1998, il est entré à l'Université de Witten Herdecke, d'abord comme professeur de phénoménologie de la musique et doyen de la "Faculté pour le Studium fundamentale", et plus tard comme membre de la direction.
En 2004, il a été nommé président et professeur de composition et de théorie à la Hochschule für Musik und Theater. Il a reçu le prix Dr. Günther Buch pour les sciences culturelles, est membre de la Freie Akademie der Künste Hamburg, compositeur en résidence de l'International Mahler Orchestra à Berlin et professeur honoraire au Shanghai Conservatory of Music.
Son œuvre de compositeur comprend de la musique de chambre, des œuvres pour solistes et ensembles, des œuvres orchestrales -dont trois symphonies- et de la musique chorale, des musiques de spectacle ainsi qu'un opéra. Des représentations de ses œuvres, des conférences et des master classes l'ont conduit dans presque tous les pays européens, en Israël, en Russie, en Géorgie, au Kirghizstan, au Japon, aux États-Unis et au Canada.
Sa musique est éditée par "Peermusic Classical" à Hambourg et quatre CD de ses compositions sont parus sous le label viennois "col legno".
La Brooklyn Academy of Music a licencié 13 % de son personnel et réduit la programmation de la saison prochaine dans le cadre d'une crise financière qui relève à la fois de l'après-Covid et d'une gestion de type "swingdoor". (L'institution emploie 222 personnes).
La présidente de la BAM, Gina Duncan, a déclaré qu'il fallait "faire face à la baisse des dons caritatifs en faveur des arts et s'attaquer à un modèle économique dépassé qui dépend fortement d'une base de donateurs en diminution".
Dame Kathryn McDowell, directrice générale du London Symphony Orchestra, a déclaré au Times que la diminution des cours de musique dans les écoles entraînera un changement démographique dans les orchestres, lorsque seuls ceux qui peuvent s'offrir des cours privés choisiront la musique comme profession.
Elle a déclaré : "De nombreux musiciens du LSO viennent de milieux relativement modestes et ont appris à apprécier et à jouer de la musique à l'école, dans des groupes communautaires ou dans le cadre de services musicaux itinérants financés par les autorités locales.
Mais nous risquons de perdre ce vivier de talents, cette diversité, si l'éducation musicale n'est pas considérée comme un élément essentiel du programme scolaire et si elle n'est pas correctement financée.
La scène musicale professionnelle se rapproche de plus en plus de la scène théâtrale, où les possibilités d'apprendre et de progresser sont de plus en plus réservées aux personnes issues de milieux aisés et d'écoles privées.
Le Royal Opera House a annoncé que Jonas Kaufmann s'est malheureusement retiré de la représentation de Werther de demain soir pour cause de maladie.
Le rôle de Werther sera interprété par Juan Diego Flórez.
La YouTubeuse américaine Nahre Sol en résidence à l'Elbphilhamonie
Au cours de la prochaine saison, l'Elbphilharmonie introduira, en première mondiale, le rôle nouvellement créé de Créateur en résidence. La première personne à assumer ce rôle est la célèbre YouTubeuse américaine Nahre Sol, qui partagera la magie du programme de l'Elbphilharmonie avec ses plus de 600 000 abonnés.
Dans ses vidéos uniques, Nahre Sol aborde toutes sortes de sujets musicaux : Beethoven et Debussy, les synthétiseurs et la musique des jeux vidéo, la direction d'orchestre et la théorie de l'harmonie. Et le succès est au rendez-vous : sa chaîne YouTube compte à elle seule 41 millions de vues. Cette personnalité des médias sociaux touche également des centaines de milliers de personnes avec son approche contemporaine de l'éducation musicale sur Instagram et TikTok.
Dans le cadre de sa résidence pour la saison 2023-24, il y aura -en plus de nombreuses vidéos pour la communauté de Nahre Sol- beaucoup de contenus publiés sur les différents canaux numériques de l'Elbphilharmonie.
Nahre Sol a trouvé dans la création de contenu un débouché créatif supplémentaire alors qu'elle étudiait le piano à la prestigieuse Juilliard School de New York. Plus de 600 000 abonnés suivent aujourd'hui la vlogueuse américaine sur YouTube, où elle explore le monde de la musique sous toutes ses facettes.
Cette artiste polyvalente et talentueuse est également compositrice, produisant des cycles de chansons, de la musique pour piano et des bandes originales de films.
En tant que créatrice en résidence pour 2023-24, elle passera plusieurs mois à Hambourg. Lorsqu'elle choisit les sujets à traiter, elle communique toujours étroitement avec sa communauté. Quel est le secret de la Sonate en si mineur de Franz Liszt ? Comment joue-t-on de la harpe jazz ? Et à quoi faut-il faire attention lorsqu'on écoute de la musique classique ? En cherchant des réponses à ces questions, Nahre Sol assistera à des concerts à l'Elbphilharmonie, s'entretiendra avec des artistes et des membres du personnel et explorera musicalement ce lieu emblématique situé sur les rives de l'Elbe.
Boris Christoff (en bulgare : Борис Христов), est un chanteur d'opéra (basse) bulgare, né à Plovdiv le et mort à Rome le .
Son timbre unique, doté d'une palette vocale remarquable, allié à un tempérament dramatique naturel, ont fait de lui une des plus grandes basses du xxe siècle. Il est devenu mondialement célèbre en tant qu'interprète d'œuvres comme Faust de Gounod dans le rôle de Méphistophélès, Boris Godounov de Modeste Moussorgski et des opéras de Giuseppe Verdi, notamment dans le rôle de Philippe II du Don Carlos, immortalisé dans la mise en scène de Luchino Visconti.
Né à Plovdiv, la plus ancienne ville d'Europe, de parents bulgares, le jeune Boris fut très tôt baigné dans le monde musical. Jeune homme, il chantait dans le chœur de la Cathédrale Alexandre-Nevski de Sofia. Il ne concevait le chant que comme une pratique d'amateur et se consacrait à ses études de droit tout en tenant les parties de basse solo des offices.
Sa voix particulièrement ample et mélodieuse lui valut cependant une telle admiration qu'en 1942, l'État bulgare lui proposa une bourse d'études afin d'étudier le chant et perfectionner son art en Italie. Le Roi Boris III de Bulgarie, impressionné par sa voix, lui confia non sans humour : « Nous avons trop de juristes dans ce pays et pas assez de chanteurs ! ». Boris Christoff, sur les conseils d'un autre grand Boris, alla donc étudier à Rome.
Le baryton Giuseppe De Luca le présente à un autre baryton, non moins célèbre, Riccardo Stracciari, qui lui prodigue son enseignement pendant deux ans.
Au début de leur collaboration, Stracciari est persuadé d'en faire un baryton comme lui, tant sa facilité à monter dans l'aigu est déconcertante. Mais sa voix imposante de basse est bel et bien là.
Il débuta, après quelques apparitions officieuses, en 1946, à Reggio de Calabre, dans le rôle de Colline dans La Bohème. Le succès fut immédiat. Il dut d'ailleurs répéter trois fois son air Vecchia zimmara.
Dans les années 1950 et 1960, il atteignit, sur la scène internationale, le zénith de sa carrière. Dès lors, il fut entouré des meilleurs artistes de son époque : Maria Callas, Renata Tebaldi, Franco Corelli, Tito Gobbi. Les grands chefs d'orchestre étaient tous très désireux de pouvoir travailler et, bien sûr, d'enregistrer avec lui comme Vittorio Gui et Issay Dobrowen.
Il devient alors artiste officiel de la firme EMI, qui participa à sa légende en lui faisant graver ses plus beaux rôles.
André Cluytens, un de ses grands admirateurs, lui fit enregistrer le rôle de Boris Godounov (un premier enregistrement était pourtant déjà sur le marché, avec bien sûr Christoff et Dobrowen à la baguette), et dans les deux cas la basse bulgare chanta les trois rôles de basses (Pimen, Varlaam et Boris).
C'est encore Cluytens qui lui fit immortaliser (toujours deux fois !) son Méphistophélès de Faust de Gounod, avec deux autres très grands chanteurs, Victoria de Los Angeles et Nicolai Gedda. La scène de l'église où le diable interpelle Marguerite est d'anthologie.
Boris Christoff avait cette capacité à ne pas décharger toute son énergie devant un micro (comme beaucoup de chanteurs-acteurs d'après-guerre), sachant doser savamment son art du chant, capable d'alterner clairs obscurs, piani, forte, avec une précision chirurgicale comme très peu de chanteurs ont su le faire.
Sur scène, sa présence était électrique, se concentrant uniquement sur son chant, économe en gestes, mais d'un port naturellement royal, il captivait l'attention.
Un critique italien qui le vit chanter le rôle d'Ivan Soussanine à la Scala dit de lui: « Quand Boris Christoff chanta le grand air de Soussanine, ce n'était plus lui que l'on écoutait, mais le chant même transformé en poésie ».
L'artiste grava d'ailleurs ce rôle avec Igor Markevitch, peut-être un de ses plus beaux enregistrements (il y retrouve une nouvelle fois Nicolaï Gedda). Son enregistrement des mélodies russes (et pas uniquement de Moussorgsky), effectué sur plusieurs années, demeure l'un des trésors de l'histoire du disque.
Boris Christoff passa le plus gros de sa carrière en Europe, surtout en Italie, mais aussi au Covent Garden de Londres, où il venait chanter régulièrement, notamment le rôle de Boris Godounov, et à Paris.
En 1950, victime comme tant d'autres artistes de la politique anticommuniste de l'Amérique d'après-guerre, il se vit refuser l'accès sur le territoire nord-américain alors qu'il devait inaugurer la saison du Metropolitan Opera en chantant Philippe II de Don Carlo. Il ne vint aux États-Unis qu'à partir de 1956 pour interpréter Boris Godounov au San Francisco Opera. Les Américains l'adoptèrent et de nombreux engagements s'ensuivirent : Washington, Miami, Philadelphie, Boston, et bien sûr New York.
Son répertoire comptait 120 rôles, parmi lesquels Boris Godounov qu'il chanta environ
Il donne son dernier concert le , à l'âge de 72 ans, à l'Académie Bulgare de Rome. Retiré dans sa villa de Buggiano en Toscane, il décède d'une longue maladie le à Rome. Son corps, rapatrié à Sofia, reçut des obsèques nationales dans la Cathédrale Saint-Alexandre-Nevsky.
Johann Christoph Vogel ou Jean-Christophe Vogel (Nuremberg, - Paris, ) est un compositeur classique, contemporain de Mozart.
Il laisse trois symphonies, des quatuors, des concertos, diverses pièces instrumentales et deux opéras, dont Démophon, « un des monuments de la musique lyrique française », dont l'ouverture a été l'une des œuvres les plus jouées pendant la Révolution et l'Empire.
Johann Christoph Vogel naît la même année que Mozart et meurt trois ans avant lui, à la veille de la révolution française. Pendant ses vingt premières années, entre Nuremberg et Ratisbonne, il étudie auprès de Joseph Riepel, la composition et divers instruments. Il est jugé particulièrement habile au cor.
À partir de 1776, Vogel est attaché à Paris, comme corniste dans l'orchestre de la maison du Duc de Montmorency, puis à celle du Duc de Valentinois.
Les œuvres les plus jouées à cette époque sont celles de Gluck et le jeune compositeur devient l'un de ses admirateurs les plus fervents. Il lui dédie son premier opéra La Toison d'Or joué le à l'Académie royale. La partition révèle nombre de « réminiscences » des œuvres de son aîné, mais Gluck considéra cela plus comme un hommage qu'un plagiat et y nota un « vif sentiment dramatique et musical ».
Son deuxième opéra, Démophon, n'est représenté qu'après sa mort, le avec grand succès. Le livret de Delrieu n'étant qu'une imitation du Demofoonte de Métastase, mis en musique par Cherubini sur un texte de Marmontel.
La richesse du tissu harmonique, les caractères nobles ou pathétiques des différents airs laissaient prévoir un compositeur d'une grande valeur et « un des monuments de la musique lyrique française ». L'Ouverture, intense et dramatique, qui annonce le Coriolan de Beethoven, est l'une des plus jouées pendant la Révolution et l'Empire, notamment par quelque 1 200 instrumentistes sur le Champ de Mars.
L'intempérance et une fièvre maligne l'ont emporté prématurément à trente-deux ans.Son petit fils, Charles-Louis-Adolphe Vogel (1808–1892), élève de Kreutzer et Reicha, est également compositeur.
Cristofano Malvezzi (baptisé le 28 juin 1547 - 22 janvier 1599) était un organiste et compositeur italien de la fin de la Renaissance. Il fut l'un des compositeurs les plus célèbres de la ville de Florence à une époque de transition vers le style baroque.
Cristfano Malevezzi est né à Lucques. À partir de 1551, il a vécu à Florence, où il a servi les Médicis à partir de 1562. Il occupe plusieurs postes d'organiste dans la ville et enseigne à des élèves, dont Jacopo Peri, souvent considéré comme l'inventeur de l'opéra.
À partir de 1573, il occupe la double fonction de Maestro di Cappella à la Cathédrale et à S Giovanni Battista, ce qui est le poste le plus élevé pour un musicien de la ville. Parmi ses œuvres, on trouve trois livres de madrigaux, un livre de ricercars, mais seulement deux compositions sacrées -une omission curieuse pour un compositeur si étroitement lié à l'église.
En raison de son activité à Florence, des nombreux intermédiaires qu'il a écrits pour les Médicis et d'autres membres de l'aristocratie, de la dédicace d'un livre de ricercars au Comte Giovanni de' Bardi et de la dédicace d'un livre de madrigaux à Emilio de' Cavalieri, il est probable qu'il ait été membre de la Camerata florentine, le groupe de musiciens et de poètes progressistes qui, en essayant de recréer la musique de la Grèce antique, a créé la première monodie et, en fin de compte, le premier opéra.
Cette affirmation est renforcée par le fait qu'il a composé une grande partie de la musique de La Pellegrina de 1589, qui a été soigneusement conçu par la Camerata. Qu'il ait ou non fait partie de ce groupe intime, sa musique comptait parmi les plus connues de Florence. L'une des compositions les plus grandioses de l'époque, une mise en musique colossale de O fortunato giorno qu'il a composée pour un somptueux intermedio destiné à un mariage aristocratique, est pour trente parties vocales distinctes, réparties en sept chœurs séparés dans l'espace.
Certains de ses madrigaux sont écrits dans le style monodique, ce qui implique un lien possible avec la Camerata.
Le frère de Malvezzi, Alberigo (vers 1550-1615), était également organiste et compositeur.
